Barnett Newman

Samenvatting

Barnett Newman (29 januari 1905, New York – 4 juli 1970, New York) was een Amerikaanse schilder. Hij is een van de belangrijkste vertegenwoordigers van het abstract expressionisme en een van de eerste schilders van de Colorfield Painting.

Kindertijd

Barnett Newman werd op 29 januari 1905 geboren in het ouderlijk huis in 480 Cherry Street aan de Lower East Side van Manhattan in New York City. Zijn ouders, Abraham en Anna (respectievelijk geboren in 1874 en 1882) waren joodse immigranten uit de Poolse stad Lomza.

De vader verdiende de kost door naaimachine-onderdelen te verkopen aan arbeiders in kledingfabrieken. Barnett Newman had vier broers en zussen. De oudste stierf op jonge leeftijd, waardoor Barnett de oudste van de broers en zussen werd. Abraham Newman begon een bedrijf in industriële kleding. Zijn zaak floreerde en tegen 1915 was de familie Newman verhuisd naar Belmont Avenue, een middenklasse buurt in de Bronx. Daar genoot Barnett van een jeugd vol sport en pianolessen.

De Newmans waren Zionisten en de kinderen gingen naar de Nationale Hebreeuwse School in de Bronx. Naast de lessen op de school krijgen de kinderen thuis les van jonge Joden uit Europa.

Adolescentie

Van 1919 tot 1923 studeerde Barnett Newman aan de DeWitt Clinton High School. Newman vertelde later dat hij regelmatig spijbelde van school om in het nabijgelegen Metropolitan Museum of Art te entertainen.

Tijdens zijn eerste jaar op de middelbare school zocht Newman naar een tweede naam, die Benedict werd, een afgeleide van zijn Hebreeuwse naam Baruch. Later zou hij “Barney” genoemd worden en daarna “B.B.”. Newman gebruikte een extra “B” in zijn handtekening die hij de rest van zijn leven gebruikte op al zijn officiële documenten.

Als laatstejaars op de middelbare school, werkte Newman zes dagen per week aan zijn tekening in de klas bij de Art Students League. Hij werd beloond toen zijn veel uitgewerkte tekening werd gekozen op een tentoonstelling van het beste studentenwerk.

Op deze school, van 1923 tot 1927, ontmoette Newman Adolph Gottlieb, die reeds aan zijn leven als kunstenaar was begonnen, aangezien Gottlieb in 1921 van de middelbare school was gegaan om kunst te studeren en Europa te bezoeken. Ze werden vrienden en bezochten regelmatig het Metropolitan Museum of Art.

Na de middelbare school schreef Newman zich in aan de Universiteit van New York waar hij filosofie studeerde. Hij schreef artikelen voor de schoolkrant The Campus en voor het literaire studentenblad The Lavander. Bijvoorbeeld, hij publiceerde een recensie van Roger Fry. Tijdens zijn studie raakte hij bevriend met Aaron Siskind, een kunstenaar die later een bekend fotograaf zou worden.

In de jaren dertig schilderde hij wat expressionistische werken zouden zijn geweest, maar hij vernietigde ze allemaal. Daarna werd hij schrijver en kunstcriticus, organiseerde tentoonstellingen en schreef voorwoorden voor catalogi. Later werd hij lid van de Uptown Groep.

Na de universiteit

In 1927 bood Newmans vader hem de kans om in het bloeiende familiebedrijf te gaan werken om geld te sparen voor de onzekere toekomst die een kunstenaar tegemoet zou kunnen gaan. Barnett Newman accepteerde en werd vergezeld door een van zijn broers.

In 1929, als de beurs in oktober crasht, verkeert het familiebedrijf in een crisis. Terwijl zijn broer het bedrijf verliet, bleef Barnett Newman om te proberen zijn vader te helpen het bedrijf te redden. Maar de zaken blijven instorten. Barnett verliet het bedrijf en probeerde kunstleraar te worden in het openbare schoolsysteem van New York. Hij werd een vervangende kunstleraar die $7.50 per dag verdiende.

Via zijn vriend, Gottlieb, ontmoette hij in de jaren dertig de schilder Milton Avery. Zij werden het middelpunt van een groep jonge kunstenaars die regelmatig bijeenkwamen in het huis van Milton Avery om hun werk te bestuderen en literatuur te bespreken. Newman en Gottlieb woonden in deze periode samen.

Enkele jaren later presenteerde Newman samen met een vriend een manifest, getiteld “De noodzaak van openbare actie door mannen van cultuur”, dat uit drie delen bestond: breder onderwijs, meer aandacht voor ambachten en bevordering van het culturele leven.

In 1934 werd Newman bevriend met Annalee Greenhouse, met wie hij muziek deelde en genoot. Zij werd enige tijd later zijn vrouw.

In 1935 nam hij een werk over dat hij als student had gemaakt over de verdediging van de rechten van ambtenaren (onderwijzers, vuilnismannen, enz.) en dat hij “Het antwoord” noemde en schreef: “De boeken die wij aanbevelen” en hij propageerde boeken als de Ethica van Spinoza, de Republiek van Plato en een spiegeltekst getiteld: “De boeken die wij veroordelen” en citeerde de werken van Marx of Lenin.

Zijn carrière als leraar

Op 30 juni 1936, zijn Annalee en Barnett getrouwd. Het echtpaar wilde naar Maine verhuizen, maar financiële problemen dwongen hen terug te keren naar hun baan als leraar in New York.

In 1939 kreeg Annalee een vaste baan als lerares op een middelbare school in Queens (William Cullen Bryant School).

Een aquarel van Newman getiteld “Country Studio” maakte deel uit van een kunsttentoonstelling die in maart 1940 door leden van de Vereniging van Kunstleraren werd georganiseerd. Deze aquarel lijkt bijna op de campagne: “Kunnen we tekenen?” die twee jaar eerder was verschenen. In oktober van datzelfde jaar besloot Newman enkele van de avondcursussen zeefdrukken die hij gaf, op te heffen. Hij zette zijn interesse in de natuurwetenschappen voort. Hij volgde cursussen aan het American Museum of Natural History en werd gekozen tot geassocieerd lid van de American Ornithologists” Union. Tijdens de zomer bestudeerden Barnett en Annalee vogels en het zeeleven in Maine en volgden daarna cursussen plantkunde en ornithologie aan de Cornell University in Ithaca, New York.

Artistieke carrière

In 1943 schreef Barnett Newman het voorwoord voor de catalogus van de eerste tentoonstelling van de AMA, de American Modern Artists. Deze tentoonstelling was een protest tegen het Metropolitan Museum of Art in New York omdat het moderne kunst van zijn tentoonstellingen uitsloot. In 1945 wijdde hij zich aan verschillende geschriften die post mortem zouden worden gepubliceerd, zoals: “The Plasma Image”, een essay waarin hij zijn ideeën over abstracte kunst uiteenzette. In datzelfde jaar hoorden Newman en zijn vrouw dat enkele leden van de familie door de nazi”s waren gedeporteerd. In die tijd raakte hij goed bevriend met Tony Smith, een architect en kunstenaar die hem hielp tentoonstellingen te organiseren. Aan het eind van dat jaar sloot Newman zich aan bij de kunstenaars die exposeerden op de show van Betty Parsons. Dit was Newman”s eerste tentoonstelling sinds de tentoonstelling in 1940 met zijn vrienden, de leden van de Art Teachers Association.

In 1947 ontmoette Newman Jackson Pollock en Lee Krashner. Newman en Pollock smeedden een sterke vriendschap. Pollock was een kunstenaar die zijn werk tentoonstelde op de laatste “Art of This Century” tentoonstelling, opgezet door Peggy Guggenheim. Newman”s vriendin, Betty Parson, voegde Pollock later toe aan de kunstenaars die zij in haar galerie tentoonstelde. Newman bereidde datzelfde jaar een evenement voor in de galerie van Betty Parson waar hij zijn werken tentoonstelde: Gea en Euclidian Abyss.

In juni 1947, overleed Newman”s vader. Aan het eind van het schooljaar gaf Newman zijn baan en zijn huwelijk op om te leven van het enige inkomen van Annalee, zijn vrouw. Newman schreef een essay getiteld De eerste mens was een artiest. Dit essay zal verschijnen in het eerste nummer van Tiger”s Eye, een klein kunsttijdschrift. Hij leverde een belangrijke bijdrage door te schrijven over het onderwerp “Waarom ik schilder”, waarover hij zei: “Een kunstenaar schildert opdat hij iets heeft om naar te kijken, soms moet hij schrijven opdat hij ook iets heeft om te lezen. In datzelfde jaar werd zijn werk Euclidian Abyss in november 1947 tentoongesteld door de Abstracte en Surrealistische Amerikaanse Kunst in het Art Institute van Chicago. Dit schilderij was Newman”s eerste verkoop. Het schilderij werd gekocht door verzamelaars in Connecticut.

Het jaar daarop, 1948, schilderde Newman Onement I. Dit schilderij moet gezien worden als een belangrijke doorbraak in zijn carrière, de volgende twee jaren zouden de meest productieve van zijn leven worden. Onement I maakt deel uit van de Onement-reeks, samen met Onement II en Onement III. In de vroege herfst vormden William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell, en Mark Rothko een coöperatieve kunstschool. Newman stelde de naam van de school voor, Artist”s Subjects, om het belang van het object in de abstracte kunst te benadrukken.

In 1949 maakte Newman zeventien werken in hetzelfde jaar, het meest productieve uit zijn carrière. In januari werd Newman lid van de faculteit Subjecten. Het echtpaar Newman hielp met het organiseren van lezingen voor de school. Ondanks haar populariteit werd de school in mei 1949 gesloten.

In 1950 had Newman zijn eerste solotentoonstelling in de galerie van Betty Parsons. Onmiddellijk na deze eerste tentoonstelling zei Barnett Newman tijdens een Studio 35 kunstsessie: “Wij maken in zekere zin de wereld naar ons beeld. Newman maakte gebruik van zijn schrijverstalent en worstelde om zijn nieuwe imago als kunstenaar te versterken en zijn werk te promoten. Maar de kritieken waren grotendeels negatief. ARTNews schrijft: “Newman is er om te choqueren, maar hij is er niet om de bourgeoisie te choqueren – dat is al gedaan. Hij houdt ervan andere artiesten te shockeren. Slechts één schilderij (End of Silence) werd verkocht aan vrienden van zijn vrouw. Na de tentoonstelling, Newman”s winst was $ 84,14.

Samen met zeventien andere kunstenaars schreef Newman een brief waarin hij protesteerde tegen het Metropolitan Museum of Art en zijn negatieve kijk op moderne kunst. De brief verscheen op 22 mei 1950 in de New York Times en leidde tot een stroom van opiniestukken in plaatselijke en landelijke bladen. Datzelfde jaar maakte hij zijn eerste beeldhouwwerk Here I, van hout en gips. De kunstenaar heeft nagedacht over verticaliteit en deze benadrukt in dit bronzen werk. In hetzelfde jaar maakte hij ook The Wild, dat een lang, smal doek is. Het oppervlak is oranje geschilderd en de rand grijs-blauw.

In april 1951 exposeerde Newman een tweede keer in de galerie van Betty Parsons. Het was op deze tentoonstelling dat een schilderij van 5,40 meter lang en 2,40 meter breed, Vir Heroicus Sublimis, voor het eerst opdook. Helaas veroordeelden de critici hem opnieuw en geen van de schilderijen werd verkocht. Uiteindelijk trok hij zijn werk terug uit de galerie en staakte er alle activiteiten. Dit schilderij zou later zijn beroemdste werk worden.

In een essay getiteld “Feelings is all” dat in 1952 werd gepubliceerd, erkende de criticus Clement Greenberg laattijdig het werk van Newman uit 1950 en 1951 op zijn tentoonstellingen en hekelde hij zijn critici. Hij verklaarde: “Newman is een zeer belangrijke en originele kunstenaar”. In april 1952 werd Newman geweerd uit het Museum of Modern Art, dat vijftien Amerikaanse kunstenaars toonde, waaronder veel van zijn vrienden zoals Pollock en Rothko. Deze gebeurtenis heeft Newman diep gekwetst. In de catalogus van de tentoonstelling staat te lezen: “Voor mijn vriend Barnett Newman, die ook in deze tentoonstelling vertegenwoordigd had moeten zijn”.

In juni 1953 kocht hij enkele van zijn werken terug. Hij verklaarde dat hij al deze “kleine” schilderijen aan de openbaarheid wilde onttrekken. Deze actie is representatief voor Newman”s verlangen zich terug te trekken uit de officiële kunstwereld. Hij exposeerde niet meer tot 1955.

In 1955 bereikte Newman de leeftijd van vijftig jaar en ondanks het feit dat zijn vrouw een tweede baan begon, was de financiële situatie van het echtpaar precair. Het koppel ging leningen aan en verpandde kostbaarheden. In datzelfde jaar prees de criticus Clement Greenberg Newmans kunst, hij beschreef het als “diepzinnig en eerlijk”, maar verklaarde ook dat hij een leerling van Still was en dat zijn werk veel gelijkenis vertoonde met dat van zijn vriend Rothko. Deze laatste uitspraak irriteerde Newman ten zeerste. Men kan b.v. zijn brief van 9 april 1955 citeren, “Brief aan Sidney Janis: – Het is waar dat Rothko tot de vechter spreekt. Hij vecht echter om de wereld van de Filistijnen te onderwerpen. Mijn strijd tegen de burgerlijke maatschappij heeft mij ervan overtuigd deze volledig te verwerpen.”

Ter gelegenheid van het tienjarig bestaan van de galerie van Betty Parsons exposeerde hij een van zijn werken “Horizon Light”. Dit was zijn eerste openbare tentoonstelling sinds 1951. Daarna, tot 1957, maakte hij geen schilderijen meer en als hij ze maakte, liet hij ze achter. Zijn vriend, Jackson Pollock, laat Newmans atelier zien aan Ben Heller, een jonge verzamelaar, die twee schilderijen koopt, Adam en Queen of the Night I voor $3.500. Kort daarna overleed Jackson Pollock bij een auto-ongeluk op Long Island, wat het echtpaar Newman diep trof.

In juni 1957 werd Newman opgenomen in de tentoonstelling van het Minneapolis Institute of Arts. Maar zijn problemen met de critici gingen door: “Het domste in de show is Barnett Newman met Vir Heroicus Sublimis. Enkele maanden later, tegen het einde van het jaar, kreeg Newman een hartaanval en werd zes weken in het ziekenhuis opgenomen.

Daarna, in 1958, werd hij geholpen door zijn vrouw, moeder en zus in zijn flat en schilderde hij weinig, waaronder twee schilderijen die later Eerste Station en Tweede Station werden genoemd. Deze schilderijen waren de eerste van een lange reeks getiteld Kruiswegstaties. Later nodigde Ben Heller, de jonge verzamelaar, Alfred Barr en Dorothy Miller van het Museum of Modern Art uit om Newman”s studio te bezoeken. Vier van zijn schilderijen, Abraham, Concord, Horizon Light en Adam, werden vervolgens op reizende basis tentoongesteld in het Museum of Modern Art en hij ging naar Milaan, Madrid, Berlijn, Amsterdam, Brussel, Parijs en Londen, om het jaar daarop naar New York terug te keren.

Tijdens een zakenreis in 1959 zag Arnold Rudlinger, een Zwitserse kunsthistoricus en museumdirecteur die zou worden beschouwd als een van de pioniers van de Amerikaanse kunst in Europa, een werk van Newman getiteld Day Before One. Hij kocht het werk en werd de eerste persoon die een openbare collectie met een werk van Newman had. Later volgde het MoMA en werd het eerste Amerikaanse museum dat een werk van Newman bezat.

Barnett Newman had toen een tentoonstelling georganiseerd door Clement Greenberg, de kunstcriticus en galerie-adviseur. De critici bleven vijandig, maar de tentoonstelling was van belang voor de jongere generatie New Yorkse kunstenaars, voor wie het de eerste gelegenheid was om zijn werk te zien. In augustus 1959 reisde het echtpaar Newman naar Canada, waar Barnett een zomerworkshop voor Canadese kunstenaars leidde. Hij werd zeer invloedrijk voor deze jonge kunstenaars, van wie er velen vervolgens naar New York gingen. Een van hen, de beeldhouwer Robert Murray, zei later: “Hij hielp ons met onze provinciale paranoia… Hij liet het belangrijk lijken om een artiest te zijn.

In 1960 voltooide hij de ruwe doeken met zwarte verf. Op dat moment begon hij de kruisweg als een serie te zien. Hij werkte er de volgende zes jaar aan. Hij zal ook werken aan grafische werken, wat hij elf jaar niet heeft gedaan. Hij maakte een reeks van tweeëntwintig pentekeningen van 4,20 meter bij 3 meter. In januari 1961 werd het schilderij Vir Heroicus Sublimis gekocht door Ben Heller. Andere verkopen dat jaar waren L”Errance en Onement VI.

In februari raakte Barnett Newman in een diepe depressie na de plotselinge dood van zijn jongere broer, George. Om hem uit deze situatie te halen, nodigt zijn vriend Cleve Gray hem uit deel te nemen aan een lithografieproject in het Pratt Institute Graphic Art Center. Dit was zijn eerste ervaring met de prentkunst. Kort daarna schilderde hij een aan zijn broer George opgedragen schilderij in ecru en zwart, Surgit la lumière (Voor George).

In januari 1962 sloeg hij uitnodigingen af voor belangrijke evenementen zoals de Gallery of Modern Art in Washington en de “Geometric Abstraction” manifestatie in het Whitney Museum of American Art in New York. Het was ook in dit jaar dat hij een schilderij maakte, genaamd De Derde. Met de hulp van Robert Murray nam Newman deel aan een afgietsel met zijn beeldhouwwerk Here I (To Marcia) uit 1950 in de Modern Art Foundry in Queens. Hij werd genoemd naar Marcia Weisman die hem aanspoorde te casten.

Op 23 oktober 1962 hielden Newman en De Kooning een tentoonstelling van hun werk in de galerie van Tony Smith. De golven van kritiek vielen uiteindelijk in Newmans voordeel uit, en hij werd nu uitgeroepen tot een van de “meest opmerkelijke kunstenaars die vandaag de dag leven”.

In 1963 publiceerde het tijdschrift Vogue een gloedvol biografisch essay van Harold Rosenberg, getiteld “Barnett Newman, een man van controverse en geestelijke grootheid”. Later werd Newman aangemoedigd door William Lieberman, een conservator van prenten in het Museum of Modern Art, om litho”s te maken. Het was toen dat Newman besloot om een “boek” te maken, een verzameling litho”s. Hij werkte aan vier stenen in zijn atelier. Zijn werk werd een reeks lithografische procédés, “Cantos” genaamd, uitgegeven door ULAE. Hij voltooide zijn project in 1964 met 14 “Cantos” maar besloot later dat er nog vier gravures nodig waren, wat het totaal op achttien bracht. Hij was verrukt over dit getal, dat in het Hebreeuws (chai) ook leven betekent. Voor hem zijn het als muzikale liederen, die hij opdraagt aan zijn vrouw Annalee. Daarna schilderde hij de Zevende statie, de Achtste statie, de Negende statie en Be II, waarmee de kruiswegstatieserie werd afgesloten, die door het Guggenheim in New York werd tentoongesteld. In september, gaat Annalee met pensioen. Ze brengt nu haar dagen door met Barnett in de studio.

In 1965 werd Newmans werk opgenomen in twee manifestaties ter viering van het einde van het abstract expressionisme in Philadelphia, The Decisive Years: 1943-1953 en in Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. Datzelfde jaar maakte Newman nog een stalen beeldhouwwerk Here II bij de Treitel Gratz Company dat Here I aanvulde. Een paar maanden later noemde Walter Hopps, een curator, Newman als de centrale figuur in een groep kunstenaars die hij selecteerde voor het U.S. Paviljoen op de achtste Biënnale van São Paulo. De andere zes kunstenaars waren twintig jaar jonger dan Newman. Het zijn Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons, en Frank Stella. Op verzoek van de kunstenaar worden de zeven schilderijen en twee beeldhouwwerken buiten mededinging gepresenteerd. Met deze gebeurtenis, charmeerde Newman de journalisten. Hij oogstte bewondering van Oscar Niemeyer, architect, en de beroemde voetballer Pelé. Maar hij maakte ook indruk op de kunstenaars van São Paulo met zijn kennis van de kunstgeschiedenis.

Op 20 april 1966 hield het Guggenheim in New York een tentoonstelling van het werk van Newman alleen, waaronder de kruiswegschilderijen. Deze “Stations” kregen aandacht ver buiten de gebruikelijke grenzen van de kunstwereld en zijn werk werd wereldwijd tentoongesteld, vooral in Europa. Hij bleef werken in de gieterij Treitel Gratz waar hij een beeldhouwwerk maakte in Corten en roestvrij staal, genaamd Be III. In datzelfde jaar maakte hij ook zijn eerste schilderij in primaire kleuren, dat de basis zou vormen van de serie van vier Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue, voltooid met acrylverf. Hij maakte dat jaar verschillende schilderijen, waaronder één van ongeveer 5 meter lang, Voice of Fire, dat gebruikt werd in het Amerikaanse paviljoen op de Wereldtentoonstelling van 1967 in Montreal, één van zijn meest indrukwekkende schilderijen.

In augustus 1967 werd Newman uitgenodigd om te spreken over de spirituele dimensie van hedendaagse kunst op het eerste Internationale Congres over Religie, Architectuur en Beeldende Kunst in New York. In zijn toespraak verklaarde Newman: “Wat voor een ware kunstenaar van belang is, is het onderscheid tussen plaats en niet-plaats; en hoe groter het kunstwerk, des te groter zal dit gevoel zijn. En dat gevoel is een fundamentele spirituele dimensie. Kort daarna begon Newman te werken met de North Haven Foundry in Connecticut, die gespecialiseerd was in de vervaardiging van grote kunstwerken. Newman maakte een monumentale sculptuur, Broken Obelisk, die later in vele kunstgalerijen werd tentoongesteld. Terwijl hij aan zijn obelisk werkte, overwoog Newman het idee van een driehoekig schilderij.

In november 1967 kwamen de Newmans naar Europa voor de opening van “The Poetry of Vision” in Dublin, een tentoonstelling van hedendaagse en antieke kunst met Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II, en Now II. Op 21 december 1967 ondertekent Newman een open brief in de New York Review of Books waarin hij protesteert tegen het antisemitisme in de Sovjet-Unie.

In januari 1968 kwam het echtpaar voor Newman naar Parijs om deel te nemen aan een conferentie ter ere van Charles Baudelaire en bracht hij zijn eerste bezoek aan het Louvre. Op 28 april aanvaardde Newman een leeropdracht aan de Universiteit van Bridgeport, Connecticut. Dat jaar maakt Newman een schilderij opgedragen aan het Licht van zijn moeder Anna. Het was het grootste schilderij dat Newman ooit had gemaakt en het eerste dat niet werd uitgerekt en direct aan de ateliermuur werd opgehangen. Enkele maanden later protesteerde hij tegen burgemeester Daley van Chicago en het brutale politieoptreden bij het verwijderen van het werk van Gea uit een tentoonstelling in Chicago en maakte hij plannen voor een beeldhouwwerk met de titel Mayor Daley”s Outhouse, maar hij had niet genoeg tijd om het te voltooien.

Op 25 maart 1969 opende Newman zijn eerste galerie, M. Knoedler and Company, waar zijn werk uit de jaren 1960 te zien zou zijn. De vier werken Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue waren zeer succesvol, evenals Now II, Anna”s Light en de twee driehoekige schilderijen die hij net had voltooid, Jericho en Chartres. Toen kwam de eerste gepubliceerde monografie over Newman, geschreven door Thomas Hess.

Newman”s werk is controversieel maar wordt alom geprezen door de gemeenschap. Negatieve kritieken van critici laten geen twijfel bestaan over het belang van Newman. Zijn tentoonstellingen trokken evenveel aandacht als de museale retrospectieven van Willem de Kooning en David Smith die in datzelfde jaar plaatsvonden. In dat jaar maakte hij Zim Zum I, dat oorspronkelijk 3,60 meter hoog had moeten worden, maar dat hij terugbracht tot 2,40 meter om het naar Tokio te kunnen verschepen voor een tentoonstelling in het Hakoone Openluchtmuseum.

Tien van zijn schilderijen en drie van zijn beeldhouwwerken, die Newman”s carrière van 1946 tot 1969 omspannen, zijn te zien op de New Yorkse tentoonstelling Painting and Sculpture 1940-1970, georganiseerd door Henry Geldzahler voor het Metropolitan Museum of Art. Later dat jaar begon Newman met plannen voor grote retrospectieve tentoonstellingen die Thomas Hess zou organiseren in onder meer de Tate Gallery in Londen, het Grand Palais in Parijs, het MoMA in New York en het Stedelijk Museum in Amsterdam.

In januari 1970 leverde Newman een bijdrage aan het honderdjarig bestaan van het Metropolitan Museum of Art, waarin hij schreef: “Ik heb altijd een afkeer gehad, zelfs een minachting, voor reproducties en foto”s van kunstwerken, zelfs van mijn eigen werk. Ik kan alleen maar blij zijn dat mijn kunstopleiding niet kwam van het bestuderen van foto”s en diaproducties of zelfs van leraren, maar van mezelf in het aangezicht van de werkelijkheid.

Op 17 mei 1970 eerde de Brandeis Universiteit in Waltham, Massachusetts het werk van Newman met een Medal for Creative Arts in Painting.

Op 4 juli 1970, op vijfenzestigjarige leeftijd, stierf Barnett Newman aan een hartaanval in zijn atelier bij het schilderij Who”s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. In zijn atelier bevinden zich ook een onvoltooid doek van 5,40 bij 2,40 meter, een rechthoekig driehoekig doek en drie van zijn voltooide maar nog titelloze werken.

Eerste werken

In de jaren 1940 was zijn stijl eerder surrealistisch en daarna werd hij meer volwassen. Deze wordt gekenmerkt door kleurvlakken die gescheiden worden door dunne verticale lijnen, ritsen zoals hij ze noemt. In zijn eerste werken met deze ritsen zijn de kleurvelden niet gelijkmatig, maar later zijn de kleuren zuiver en vlak.

In 1947 exposeerde hij twee werken in de galerie van Betty Parson, Gea en Euclidian Abyss. Op een zwarte achtergrond worden verticale gele lijnen, die niet helemaal verticaal zijn, steeds belangrijker in zijn werk. Deze ritsen markeren de eigenheid van de kunstenaar en zullen een constant element blijven in Newmans carrière.

Zelf dacht hij dat hij met de serie Onement in 1948 de volle rijpheid van zijn stijl had bereikt. Dit zijn werken met een bordeauxrode achtergrond en verticale ritsen in andere kleuren. Ze roepen beroering en emotie op bij de toeschouwer. Newman zei over deze werken: “Er zijn specifieke en afzonderlijke transformaties van gevoel die voor elk schilderij kunnen worden ervaren.

In sommige schilderijen uit de jaren vijftig, zoals The Wild, dat tweeënhalve meter lang en vier centimeter breed is, is de rits aanwezig, zo niet het werk zelf. Newman maakte ook een paar sculpturen, waaronder Here I, die in wezen driedimensionale voorstellingen zijn van ritsen.

In 1951 exposeerde hij Vir Heroicus Sublimis, dat later zijn beroemdste werk zou worden. Het aantal ritsen en hun regelmaat geven het schilderij een symmetrie, die resulteert in een rode vlakheid die eenvoudig lijkt.

Hoewel Newmans schilderijen zuiver abstract lijken en veel ervan oorspronkelijk geen titel hadden, hebben de namen die hij ze later gaf betrekking op specifieke onderwerpen, vaak met een joods thema. Twee werken uit het begin van de jaren 1950 dragen bijvoorbeeld de naam Adam, en dan nog Uriel (1954) en Abraham (1949), een zeer donker schilderij, waarvan de naam zeker die van de bijbelse aartsvader is, maar ook die van Newmans vader die in 1947 overleed. Newman drukt een zekere mystiek uit met de titels van zijn werken. Adam”, de voornaam van het bijbelse personage, ligt dicht bij adom, dat rood betekent, en dam, dat bloed betekent. Dit roodgekleurde schilderij is het resultaat van Newmans joodse identiteit, waarover hij zich veel zorgen maakte, vooral tijdens de verschrikkingen van de Tweede Wereldoorlog, de Holocaust. Hij zei: “Toen Hitler Europa teisterde, konden wij ons toen uitdrukken door een mooi naakt meisje te schilderen dat op een bank lag? Op deze vraag antwoordde hij met abstractie.

De serie schilderijen met variaties van beige met zwarte verticale strepen, De kruisweg (1958-1964), begon kort nadat Newman hersteld was van een hartaanval en wordt gezien als een hoogtepunt in zijn carrière. De serie heeft als ondertitel Lema sabachthani – “Waarom heb je me verlaten? – woorden gesproken door Christus aan het kruis. Newman ziet zijn woorden als van universele betekenis. De serie werd ook gezien als een gedenkteken voor de slachtoffers van de Holocaust. Newman wilde de universele tragedie en het geweld in relatie tot de passie uitdrukken.

Late werken

Newman”s latere werken, zoals de Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue serie, die geheel uit primaire kleuren bestaat, en de ritsen geven het hele schilderij een dynamiek. Deze werken zijn gemaakt van pure, levendige kleuren, vaak op grote doeken – Anna”s Light (1968), genoemd ter nagedachtenis aan zijn moeder die in 1965 overleed, is het grootste, acht meter veertig bij twee meter zeventig. Newman werkte tegen het einde van zijn leven ook aan niet-rechthoekige doeken, zoals Chartres (1969), dat driehoekig is, en keerde daarna terug naar de beeldhouwkunst, waarbij hij enkele stukken maakte in gepolijst staal. Zijn latere schilderijen zijn gemaakt met acrylverf in plaats van olieverf zoals in zijn vroegere werken. Van zijn beeldhouwwerken is de Gebroken Obelisk de grootste en bekendste, die een omgekeerde obelisk voorstelt met de punt rustend op de punt van een piramide.

Hij maakte ook een serie litho”s, de 18 Cantos (1963-64), die volgens Newman muziek oproepen. Zijn werk omvat ook enkele etsen. Hij draagt zijn werken op aan zijn vrouw Annalee.

In 1962 maakte hij een groot oranje doek met twee gele ritsen, De Derde. Over dit werk zei Newman: “Ik heb het gevoel dat mijn ritsen mijn schilderijen niet verdelen. Ik heb het gevoel dat ze precies het tegenovergestelde doen, ze verenigen het geheel.

Newman wordt algemeen beschouwd als een abstract expressionist, gebaseerd op zijn werk in New York in de jaren 1950, waar hij en andere abstract expressionisten een abstracte stijl ontwikkelden die niets gemeen had met Europese kunst. Maar zijn afwijzing van expressieve penseelvoering zoals gebruikt door andere Abstract Expressionisten zoals Clyfford Still en Mark Rothko, en het gebruik van vlakke kleurvlakken op goed gedefinieerde oppervlakken, maken hem wellicht tot een voorloper van de kunstenaars van de Hard Edge Painting, Colorfield Painting en Minimalisme (kunst) bewegingen, zoals Frank Stella.

Newman had het grootste deel van zijn leven geen groot succes als kunstenaar, omdat hij werd overschaduwd door kleurrijke figuren als Jackson Pollock. De invloedrijke criticus Clement Greenberg schreef enthousiaste verhandelingen over hem, maar pas aan het eind van zijn leven werd er serieus naar hem gekeken. Niettemin beïnvloedde hij vele jonge schilders.

Newman heeft er altijd op gestaan dat zijn toeschouwers zijn werk van dichtbij moeten zien om door de dichte kleuren omhuld te worden. Zijn schilderijen moeten de toeschouwer het gevoel geven te verdrinken in pure kleur. Zijn kunst is abstract, totaal en compromisloos. Hij zei: “Men zegt dat ik de abstracte schilderkunst tot het uiterste heb gedreven, terwijl het voor mij duidelijk is dat ik slechts een nieuw begin heb gemaakt.

Newman stierf in New York aan een hartaanval in 1970.

Opmerkingen

Bronnen

  1. Barnett Newman
  2. Barnett Newman
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.