Rinascimento

Riassunto

Rinascimento, Rinascimento o Rinascimentalismo sono i termini utilizzati per identificare il periodo della storia europea che va approssimativamente dalla metà del XIV secolo alla fine del XVI secolo. Gli studiosi, tuttavia, non hanno raggiunto un consenso su questa cronologia, con notevoli variazioni nelle date a seconda dell”autore. Sebbene le trasformazioni siano state piuttosto evidenti nella cultura, nella società, nell”economia, nella politica e nella religione, caratterizzando il passaggio dal feudalesimo al capitalismo e significando un”evoluzione rispetto alle strutture medievali, il termine è più comunemente usato per descrivere i suoi effetti sulle arti, sulla filosofia e sulle scienze.

Fu chiamato Rinascimento per l”intensa rivalutazione dei riferimenti dell”antichità classica, che guidò un progressivo ammorbidimento dell”influenza del dogmatismo religioso e del misticismo sulla cultura e sulla società, con un concomitante e crescente apprezzamento della razionalità, della scienza e della natura. In questo processo l”essere umano fu investito di una nuova dignità e posto al centro della Creazione, e per questo motivo la principale corrente di pensiero di questo periodo prese il nome di umanesimo.

Il movimento si manifestò dapprima nella regione italiana della Toscana, con i suoi centri principali nelle città di Firenze e Siena, da dove si diffuse nel resto della penisola italiana e poi praticamente in tutti i Paesi dell”Europa occidentale, sotto la spinta dello sviluppo della stampa e della circolazione di artisti e opere. L”Italia rimase sempre il luogo in cui il movimento presentò la sua espressione più tipica, ma manifestazioni rinascimentali di grande importanza si verificarono anche in Inghilterra, Francia, Germania, Olanda e nella penisola iberica. La diffusione internazionale dei riferimenti italiani produsse in generale un”arte molto diversa dai suoi modelli, influenzata dalle tradizioni regionali, che per molti è meglio definita come un nuovo stile, il Manierismo. Il termine Rinascimento fu registrato per la prima volta da Giorgio Vasari nel XVI secolo, uno storico che si sforzò di collocare Firenze come protagonista di tutte le innovazioni più importanti, e i suoi scritti esercitarono un”influenza decisiva sulla critica successiva.

Per molto tempo questo periodo è stato visto negli Stati Uniti e in Europa come un movimento omogeneo, coerente e sempre progressivo, come il periodo più interessante e fecondo dall”antichità, e una delle sue fasi, l”Alto Rinascimento, è stata consacrata come l”apoteosi della precedente lunga ricerca dell”espressione più sublime e dell”imitazione più perfetta dei classici, e la sua eredità artistica è stata considerata un paradigma insuperabile di qualità. Tuttavia, negli ultimi decenni gli studi hanno rivisto questi punti di vista tradizionali, considerandoli inconsistenti o stereotipati, e hanno visto il periodo come molto più complesso, diversificato, contraddittorio e imprevedibile di quanto si sia ipotizzato per generazioni. Il nuovo consenso che ha preso piede, tuttavia, riconosce il Rinascimento come un”importante pietra miliare nella storia europea, come una fase di rapidi e rilevanti cambiamenti in molti ambiti, come una costellazione di segni e simboli culturali che ha definito gran parte di ciò che l”Europa è stata fino alla Rivoluzione francese e che rimane ampiamente influente ancora oggi in molte parti del mondo, sia nei circoli accademici che nella cultura popolare.

L”umanesimo può essere indicato come il principale valore coltivato nel Rinascimento, basato su concetti che avevano un”origine remota nell”antichità classica. Secondo Lorenzo Casini, “uno dei fondamenti del movimento rinascimentale fu l”idea che l”esempio dell”antichità classica costituisse un modello di eccellenza inestimabile a cui i tempi moderni, così decadenti e indegni, potevano guardare per riparare i danni fatti dalla caduta dell”Impero romano”. Si capiva anche che Dio aveva dato una sola Verità al mondo, quella che aveva prodotto il Cristianesimo e che solo esso aveva conservato nella sua interezza, ma frammenti di essa erano stati concessi ad altre culture, tra cui spiccava quella greco-romana, e per questo motivo ciò che rimaneva dell”Antichità nella bibliografia e in altre reliquie era tenuto in grande considerazione.

Diversi elementi contribuirono alla nascita in Italia dell”umanesimo nella sua forma più tipica. La memoria delle glorie dell”Impero Romano conservate in rovine e monumenti e la sopravvivenza del latino come lingua viva sono aspetti rilevanti. Le opere di grammatici, commentatori, medici e altri studiosi mantenevano in circolazione riferimenti alla classicità, e la preparazione di avvocati, segretari, notai e altri funzionari richiedeva generalmente lo studio della retorica e della legislazione latina. L”eredità classica non era mai scomparsa del tutto per gli italiani e la Toscana era fortemente associata ad essa. Ma se anche lì era sopravvissuta questa coltivazione dei classici, era scarsa se paragonata all”interesse suscitato dagli autori antichi in Francia e in altri Paesi nordici almeno dal IX secolo. Fu quando la moda classicista cominciò a declinare in Francia, alla fine del XIII secolo, che iniziò a riscaldarsi nell”Italia centrale, e sembra che ciò sia dovuto in parte all”influenza francese. Petrarca (1304-1374) è tradizionalmente definito il fondatore dell”umanesimo, ma considerando l”esistenza di diversi precursori degni di nota, come Giovanni del Virgilio a Bologna, o Albertino Mussato a Padova, più che un fondatore è il primo grande esponente del movimento.

Più che una filosofia, l”umanesimo fu anche un movimento letterario e un metodo di apprendimento che aveva un”ampia gamma di interessi, in cui la filosofia non era l”unica e forse nemmeno la predominante. Essa dava maggior valore all”uso della ragione individuale e all”analisi delle prove empiriche, a differenza della scolastica medievale, che si limitava fondamentalmente a consultare le autorità del passato, principalmente Aristotele e i primi Padri della Chiesa, e a discutere le differenze tra autori e commentatori. L”Umanesimo non ha scartato queste fonti, e una parte non trascurabile della sua formazione deriva da fondamenti medievali, ma ha iniziato a riesaminarle alla luce di nuove proposizioni e di una miriade di altri testi antichi riscoperti. Nella descrizione dell”Enciclopedia Britannica,

L”Umanesimo si consolida a partire dal XV secolo, soprattutto attraverso gli scritti di Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erasmo da Rotterdam, Rodolfo Agricola, Pico della Mirandola, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francesco Bacone, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella e Tommaso Moro, tra gli altri, che discutono vari aspetti del mondo naturale, dell”uomo, del divino, della società, delle arti e del pensiero, incorporando una pletora di riferimenti dell”antichità messi in circolazione attraverso testi prima sconosciuti – greci, latini, arabi, ebraici, bizantini e di altre origini – che rappresentano scuole e principi diversi come il neoplatonismo, l”edonismo, l”ottimismo, l”individualismo, lo scetticismo, lo stoicismo, l”epicureismo, l”ermetismo, l”antropocentrismo, il razionalismo, lo gnosticismo, il cabalismo e molti altri. Accanto a tutto ciò, la ripresa dello studio della lingua greca, completamente abbandonata in Italia, ha permesso di riesaminare i testi originali di Platone, Aristotele e altri autori, generando nuove interpretazioni e traduzioni più accurate, che hanno modificato l”impressione che si aveva del loro corpus di idee. Ma se l”umanesimo fu notevole per ciò che influenzò nei campi dell”etica, della logica, della teologia, della giurisprudenza, della retorica, della poetica, delle arti e delle scienze umane, per il lavoro di scoperta, esegesi, traduzione e diffusione dei testi classici, e per il contributo che diede alla filosofia del Rinascimento nei settori della filosofia morale e politica, secondo Smith et alii la maggior parte del lavoro specificamente filosofico del periodo fu portato avanti da filosofi formati nell”antica tradizione scolastica e seguaci di Aristotele e da metafisici seguaci di Platone.

La brillante fioritura culturale e scientifica del Rinascimento ha posto l”uomo e il suo ragionamento logico e la scienza come misure e arbitri della vita manifesta. Ciò ha suscitato sentimenti di ottimismo, aprendo positivamente l”uomo al nuovo e incoraggiando il suo spirito di ricerca. Lo sviluppo di un nuovo atteggiamento nei confronti della vita si lasciò alle spalle l”eccessiva spiritualità del gotico e vide il mondo materiale con le sue bellezze naturali e culturali come un luogo da godere, ponendo l”accento sull”esperienza individuale e sulle possibilità latenti dell”uomo. Inoltre, gli esperimenti democratici italiani, il crescente prestigio dell”artista come studioso e non come semplice artigiano, e una nuova concezione dell”educazione che valorizzava i talenti individuali di ogni persona e cercava di sviluppare l”uomo in un essere completo e integrato, con la piena espressione delle sue facoltà spirituali, morali e fisiche, alimentarono nuovi sentimenti di libertà sociale e individuale.

Le teorie della perfettibilità e del progresso furono discusse e la preparazione che gli umanisti sostenevano per la formazione dell”uomo ideale, un uomo di corpo e di spirito, allo stesso tempo filosofo, scienziato e artista, ampliò la struttura didattica medievale del trívio e del quadrívio, creando in questo processo nuove scienze e discipline, un nuovo concetto di insegnamento e di educazione e un nuovo metodo scientifico. In questo periodo furono inventati diversi strumenti scientifici, furono scoperte varie leggi naturali e oggetti fisici prima sconosciuti, e il volto stesso del pianeta cambiò per gli europei dopo le scoperte delle grandi navigazioni, portando la fisica, la matematica, la medicina, l”astronomia, la filosofia, l”ingegneria, la filologia e varie altre branche del sapere a un livello di complessità, efficienza e precisione senza precedenti, ognuna delle quali contribuì a una crescita esponenziale della conoscenza totale, che portò a concepire la storia dell”umanità come una continua espansione e sempre in meglio. Questo spirito di fiducia nella vita e nell”uomo collega il Rinascimento all”Antichità classica e definisce gran parte della sua eredità. Il seguente passo del Pantagruel di François Rabelais (1532) è spesso citato per illustrare lo spirito del Rinascimento:

Nonostante l”idea che il Rinascimento poteva farsi di sé, il movimento non poteva mai essere un”imitazione letterale della cultura antica, perché tutto avveniva sotto il manto del cattolicesimo, i cui valori e la cui cosmogonia erano ben diversi da quelli del paganesimo antico. Così, in un certo senso, il Rinascimento fu un tentativo originale ed eclettico di armonizzare il neoplatonismo pagano con la religione cristiana, l”eros con la charitas, insieme alle influenze orientali, ebraiche e arabe, e dove lo studio della magia, dell”astrologia e dell”occulto svolse un ruolo importante nell”elaborazione di sistemi di disciplina e di miglioramento morale e spirituale e di un nuovo linguaggio simbolico.

Se prima il cristianesimo era stato l”unica via verso Dio, fondando l”intera spiegazione della vita e del mondo e fornendo una giustificazione per l”ordine sociale dominante, gli umanisti mostrarono che c”erano molte altre vie e possibilità, che non cercavano di negare l”essenza del credo – questo sarebbe stato impossibile da sostenere a lungo, tutte le negazioni radicali a quel tempo finivano in una repressione violenta – ma trasformavano l”interpretazione dei dogmi e le loro relazioni con la vita e i drammi sociali. Questo ha dato alla religione maggiore flessibilità e adattabilità, ma ha significato un declino del suo prestigio e della sua influenza sulla società, man mano che l”uomo si emancipava dalla sua tutela. Il pensiero medievale tendeva a vedere l”uomo come una creatura vile, una “massa di marciume, polvere e cenere”, come diceva Pietro Damiano nell”XI secolo. Ma quando Pico della Mirandola apparve nel XV secolo, l”uomo rappresentava già il centro dell”universo, un essere mutante, immortale, autonomo, libero, creativo e potente, facendo eco alle voci più antiche di Ermete Trismegisto (“Grande miracolo è l”uomo”) e dell”arabo Abdala (“Non c”è nulla di più meraviglioso dell”uomo”).

Da un lato, alcuni di questi uomini si consideravano eredi di una tradizione scomparsa da mille anni, credendo di far rivivere una grande cultura antica e sentendosi persino un po” contemporanei dei Romani. Ma c”erano altri che vedevano la propria epoca come distinta sia dal Medioevo che dall”antichità, con un modo di vivere mai visto prima e spesso proclamato come la perfezione dei secoli. Altre correnti sostenevano la percezione che la storia è ciclica e ha fasi inevitabili di ascesa, apogeo e declino, e che l”uomo è un essere soggetto a forze che vanno oltre il suo potere e non ha la completa padronanza dei propri pensieri, capacità e passioni, né della durata della propria vita. E c”erano i malcontenti, che non apprezzavano la rapida secolarizzazione della società e l”ostentazione dei ricchi e predicavano un ritorno al misticismo e all”austerità medievali. Recenti ricerche hanno dimostrato che il moltiplicarsi di opere eclettiche, di metodologie idiosincratiche, di opinioni divergenti, l”ambizione di un sapere enciclopedico, la ridefinizione di canoni estetici e filosofici e di codici etici, hanno generato un tale dibattito all”epoca da rendere evidente che il pensiero rinascimentale era molto più eterogeneo di quanto si credesse e che il periodo fu così dinamico e creativo, tra l”altro, proprio grazie al volume delle controversie.

Il Rinascimento è stato spesso descritto come un”epoca ottimista – e la documentazione dimostra che a suo tempo era considerato tale negli ambienti più influenti – ma quando si sono confrontati con la vita al di fuori dei libri i suoi filosofi hanno sempre lottato per affrontare lo scontro tra l”idealismo edenico che proponevano come eredità naturale dell”uomo, un essere creato a somiglianza di Dio, e la brutale durezza della tirannia politica, delle rivolte popolari e delle guerre, delle epidemie, della povertà endemica e della fame, e dei cronici drammi morali dell”uomo comune e reale.

In ogni caso, l”ottimismo sostenuto almeno tra le élite si perderà di nuovo nel XVI secolo, con la ricomparsa dello scetticismo, del pessimismo, dell”ironia e del pragmatismo in Erasmo, Machiavelli, Rabelais e Montaigne, che venerano la bellezza degli ideali del classicismo ma constatano tristemente l”impossibilità della loro applicazione pratica. Mentre una parte della critica intende questo cambiamento di atmosfera come la fase finale del Rinascimento, un”altra parte lo ha definito come uno dei fondamenti di un movimento culturale distinto, il Manierismo.

Il Rinascimento viene solitamente suddiviso in tre fasi principali, Trecento, Quattrocento e Cinquecento, corrispondenti ai secoli XIV, XV e XVI, con un breve intermezzo tra gli ultimi due chiamato Alto Rinascimento.

Trecento

Il Trecento (XIV secolo) rappresenta la preparazione al Rinascimento ed è un fenomeno fondamentalmente italiano, più specificamente della regione Toscana, e sebbene in vari centri si sia verificato in questo periodo un incipiente processo di umanizzazione del pensiero e di allontanamento dal gotico, come Pisa, Siena, Padova, Venezia, Verona e Milano, nella maggior parte di questi luoghi i regimi di governo erano troppo conservatori per consentire cambiamenti culturali significativi. Toccò a Firenze assumere il ruolo di avanguardia intellettuale, guidando la trasformazione dal modello medievale a quello moderno. Tuttavia, questo accentramento a Firenze diventerà davvero evidente solo alla fine del Trecento.

L”identificazione degli elementi fondanti del Rinascimento italiano implica necessariamente lo studio dell”economia e della politica fiorentina e del loro impatto sociale e culturale, ma gli aspetti oscuri sono molti e il campo è irto di controversie. Tuttavia, secondo Richard Lindholm, c”è un consenso abbastanza ampio sul fatto che il dinamismo economico, la flessibilità della società di fronte alle sfide, la sua capacità di reagire rapidamente nei momenti di crisi, la sua disponibilità ad accettare i rischi e un acceso sentimento civico su larga scala siano stati fattori determinanti per la fioritura culturale, architettonica e artistica che si stava sviluppando e rafforzando.

Il sistema produttivo stava sviluppando nuovi metodi, con una nuova divisione del lavoro e una progressiva meccanizzazione. L”economia fiorentina era trainata principalmente dalla produzione e dal commercio di tessuti. Era un”economia instabile ma dinamica, capace di adattarsi radicalmente di fronte a eventi imprevisti come guerre ed epidemie. Un periodo favorevole iniziò intorno al 1330, e dopo la peste del 1348 emerse rinnovato e ancora più vigoroso, offrendo tessuti e abiti di alto lusso e raffinatezza.

Fin dal secolo precedente, la società toscana aveva visto crescere una classe media che si era emancipata finanziariamente grazie all”organizzazione in corporazioni, corporazioni di mestieri che monopolizzavano la fornitura di determinati servizi e la produzione di alcuni materiali e manufatti. A Firenze erano divise in due categorie: le Arti Maggiori (Pellicciai, Medici e Speziali) e le Arti Minori, che comprendevano un gran numero di mestieri meno prestigiosi e redditizi, come le Arti dei Pescatori, dei Tavernai, dei Calzolai, dei Panettieri, dei Corazzieri, dei Fabbri e così via. L”Arte della Lana, ad esempio, controllava la produzione, la tintura e il commercio di tessuti, tende, abiti e filati di lana, comprese le operazioni di importazione ed esportazione, controllava la qualità dei prodotti, stabiliva i prezzi e respingeva la concorrenza. Gli altri hanno lavorato allo stesso modo. Le corporazioni erano molte cose: un misto di sindacato, confraternita, scuola per apprendisti nei mestieri, società di mutuo soccorso per i membri e club sociale. Le Arti Maggiori divennero ricche e potenti, mantennero sontuose cappelle e altari nelle chiese principali ed eressero monumenti. Agivano tutti in notevole armonia, avendo obiettivi comuni, e praticamente dominavano la conduzione degli affari pubblici attraverso i loro delegati nei consigli civici e nelle magistrature. Le varie corporazioni di ogni città impiegavano insieme quasi tutta la popolazione urbana economicamente attiva e non essere membri della corporazione del proprio mestiere era un ostacolo quasi insormontabile al successo professionale, a causa dello stretto controllo che esse esercitavano sui mercati e sull”offerta di lavoro. D”altra parte, l”appartenenza offriva evidenti vantaggi per il lavoratore e il successo di questo modello ha fatto sì che per la prima volta la popolazione fosse in grado di acquisire la proprietà di una casa su larga scala, uno sviluppo che è stato accompagnato da un maggiore interesse per le arti e l”architettura.

I loro leader possedevano in genere grandi aziende private, godevano di grande prestigio e si elevavano socialmente anche assumendo cariche pubbliche, facendo il mecenate delle arti e della Chiesa e costruendo ville e palazzi in cui vivere, formando un nuovo patriziato. I grandi uomini d”affari spesso mantenevano interessi paralleli nelle case di cambio, i precursori delle banche, e muovevano fortune finanziando o gestendo le proprietà di principi, imperatori e papi. Questa borghesia potenziata divenne un pilastro del governo e un nuovo mercato per l”arte e la cultura. Le famiglie di questa classe, come i Mozzi, gli Strozzi, i Peruzzi e i Medici, sarebbero presto entrate a far parte della nobiltà e alcune avrebbero addirittura governato degli Stati.

In questo secolo Firenze ha vissuto intense lotte di classe, una crisi socio-economica più o meno cronica e ha subito un netto declino del potere nel corso del secolo. Era un”epoca in cui gli Stati investivano gran parte delle loro energie in due attività principali: o attaccavano e saccheggiavano i loro vicini e si appropriavano dei loro territori, o stavano dall”altra parte, cercando di resistere agli attacchi. I domini di Firenze erano da tempo minacciati, la città fu coinvolta in diverse guerre, uscendo per lo più sconfitta, ma a volte ottenendo brillanti vittorie; diverse importanti banche fallirono; subì epidemie di peste; il rapido alternarsi al potere di fazioni contrapposte di guelfi e ghibellini, impegnate in sanguinose dispute, non permetteva la tranquillità sociale né la definizione di obiettivi politico-amministrativi a lungo termine, il tutto aggravato da rivolte popolari e dall”impoverimento delle campagne, ma nel processo la borghesia urbana avrebbe fatto prove democratiche di governo. Nonostante le ricorrenti difficoltà e crisi, Firenze sarebbe arrivata alla metà del secolo come una città potente sulla scena italiana; nel secolo scorso era stata più grande, ma comunque subordinata a diverse altre città e manteneva un”importante flotta mercantile e legami economici e diplomatici con diversi Stati a nord delle Alpi e intorno al Mediterraneo. Va notato che la democrazia della repubblica fiorentina differisce dalle interpretazioni moderne del termine. Nel 1426 Leonardo Bruni disse che la legge riconosceva tutti i cittadini come uguali, ma in pratica solo l”élite e la classe media avevano accesso alle cariche pubbliche e una qualche voce reale nel processo decisionale. Molto si deve alla quasi costante lotta di classe del Rinascimento.

D”altra parte, l”emergere della nozione di libera concorrenza e la forte enfasi sul commercio strutturarono il sistema economico secondo linee capitaliste e materialiste, in cui la tradizione, compresa quella religiosa, fu sacrificata davanti al razionalismo, alla speculazione finanziaria e all”utilitarismo. Allo stesso tempo, i fiorentini non svilupparono mai, come invece accadde in altre regioni, un pregiudizio morale contro gli affari o contro la ricchezza stessa, considerata un mezzo per aiutare il prossimo e partecipare attivamente alla società, e anzi erano consapevoli che il progresso intellettuale e artistico dipendeva in larga misura dal successo materiale, ma poiché l”avarizia, l”orgoglio, l”avidità e l”usura erano considerati peccati, la Chiesa si associò agli interessi dell”imprenditoria placando i conflitti di coscienza e offrendo una serie di meccanismi compensativi per gli scivoloni.

La nozione era stata incorporata nella dottrina che il perdono dei peccati e la salvezza dell”anima potevano essere conquistati anche attraverso il servizio pubblico e l”abbellimento delle città e delle chiese con opere d”arte, oltre alla pratica di altre azioni virtuose, come ordinare messe e sponsorizzare il clero e le confraternite e le loro iniziative, cose tanto salutari per lo spirito quanto utili per aumentare il prestigio del donatore. La carità era infatti un importante cemento sociale e una garanzia di sicurezza pubblica. Oltre a sostenere l”abbellimento delle città, forniva anche sostegno ai poveri, agli ospedali, ai manicomi, alle scuole e al finanziamento di molte esigenze amministrative, comprese le guerre, motivo per cui gli Stati ebbero sempre un forte interesse al buon funzionamento di questo sistema. Si rafforzò in vari modi una cultura pragmatica e laica, insieme al contributo degli umanisti, molti dei quali erano consiglieri dei principi o responsabili di alte magistrature civiche, che trasformarono la società e influenzarono direttamente il mercato dell”arte e le sue forme di produzione, distribuzione e valutazione.

Anche se il cristianesimo non è mai stato messo seriamente in discussione, alla fine del secolo inizia un periodo di progressivo declino del prestigio della Chiesa e della capacità della religione di controllare le persone e di offrire un modello coerente di cultura e società, non solo a causa del contesto politico, economico e sociale secolarizzante, ma anche perché gli scienziati e gli umanisti hanno iniziato a cercare spiegazioni razionali e dimostrabili per i fenomeni della natura, mettendo in discussione le spiegazioni trascendentali, tradizionali o folcloristiche, e questo ha sia indebolito il canone religioso sia alterato il rapporto tra Dio, l”uomo e il resto della Creazione. Da questo scontro, proseguito e rinnovato per tutto il Rinascimento, l”uomo sarebbe riemerso buono, bello, potente, magnificato, e il mondo sarebbe stato visto come un buon posto in cui vivere.

La democrazia fiorentina, per quanto imperfetta, finì per perdersi in una serie di guerre esterne e di disordini interni, e dagli anni ”70 del XIII secolo Firenze sembrava rapidamente avviata verso un nuovo governo signorile. La mobilitazione della potente famiglia Albizzi interruppe questo processo, ma invece di preservare il sistema comunale assunse l”egemonia politica e installò una repubblica oligarchica, con il sostegno degli alleati del patriziato alto borghese. Contemporaneamente si formò un”opposizione incentrata sui Medici, che stavano iniziando la loro ascesa. Nonostante la brevità di questi esperimenti di democrazia e la frustrazione di molti dei loro obiettivi ideali, la loro nascita ha rappresentato una pietra miliare nell”evoluzione del pensiero politico e istituzionale europeo.

Quattrocento

Dopo che Firenze aveva vissuto momenti di grande splendore, la fine del Trecento aveva trovato la città assediata dall”avanzata del Ducato di Milano, aveva perso diversi territori e tutti gli ex alleati, e si era vista tagliare l”accesso al mare. Il Quattrocento si apre con le truppe milanesi alle porte di Firenze, dopo aver devastato le campagne negli anni precedenti. Ma improvvisamente, nel 1402, un nuovo episodio di peste uccise il loro generale, Giangaleazzo Visconti, ed evitò che la città soccombesse al destino di gran parte dell”Italia settentrionale e nord-occidentale, innescando una rinascita dello spirito civico. Da quel momento in poi, gli intellettuali e gli storici locali, ispirati anche dal pensiero politico di Platone, Plutarco e Aristotele, iniziarono a organizzare e proclamare il discorso secondo cui Firenze aveva dato prova di una “resistenza eroica” ed era diventata il massimo simbolo della libertà repubblicana, oltre a essere la maestra di tutta la cultura italiana, chiamandola la Nuova Atene.

Combinando il raggiungimento dell”indipendenza con l”umanesimo filosofico che stava prendendo piede, si unirono alcuni dei principali elementi che assicurarono a Firenze di rimanere all”avanguardia politica, intellettuale e artistica. Tuttavia, entro gli anni Venti del Quattrocento le classi popolari furono private di gran parte del potere acquisito e si arresero a un nuovo panorama politico, dominato per tutto il secolo dal governo dei Medici, un governo nominalmente repubblicano ma in realtà aristocratico e signorile. Questo fu una delusione per i borghesi in generale, ma rafforzò la consuetudine del mecenatismo, fondamentale per l”evoluzione del classicismo. Le tensioni sociali non furono mai completamente soffocate o risolte, e sembrano sempre essere state un altro importante fermento per il dinamismo culturale della città.

L”espansione della produzione locale di tessuti di lusso cessò negli anni Venti del Quattrocento, ma i mercati si ripresero e si espansero nuovamente entro la metà del secolo nel commercio di tessuti spagnoli e orientali e nella produzione di opzioni più popolari e, nonostante i consueti e periodici sconvolgimenti politici, la città attraversò un altro periodo di prosperità e intensificò il mecenatismo artistico, riconquistò territori e acquistò il dominio delle città portuali per ristrutturare il suo commercio internazionale. Ottenne il primato politico in tutta la Toscana, anche se Milano e Napoli rimasero una minaccia costante. L”oligarchia borghese fiorentina monopolizzò poi l”intero sistema bancario europeo e acquisì sfarzo aristocratico e grande cultura, riempiendo i suoi palazzi e le sue cappelle di opere classiciste. L”ostentazione generò il malcontento delle classi medie, che si concretizzò in un ritorno all”idealismo mistico dello stile gotico. Queste due tendenze opposte segnano la prima metà del secolo, fino a quando la piccola borghesia abbandona le sue resistenze, rendendo possibile una prima grande sintesi estetica che da Firenze tracima in quasi tutto il territorio italiano, definita dal primato del razionalismo e dei valori classici.

Nel frattempo, l”umanesimo maturava e si diffondeva in Europa attraverso Ficino, Rodolfo Agricola, Erasmo da Rotterdam, Mirandola e Tommaso Moro. Leonardo Bruni inaugurò la storiografia moderna e la scienza e la filosofia progredirono con Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa e Georg von Peuerbach, tra molti altri. Allo stesso tempo, l”interesse per la storia antica portò umanisti come Niccolò de” Niccoli e Poggio Bracciolini a setacciare le biblioteche d”Europa alla ricerca di libri perduti di autori classici. Sono stati infatti ritrovati molti documenti importanti, come il De architectura di Vitruvio, i discorsi di Cicerone, gli Istituti di oratoria di Quintiliano, le Argonautiche di Valerio Flacco e il De rerum natura di Lucrezio. La riconquista della Penisola iberica dai Mori mise a disposizione degli studiosi europei anche un”ampia collezione di testi di Aristotele, Euclide, Tolomeo e Plotino, conservati in traduzioni arabe e sconosciuti in Europa, e di opere musulmane di Avicenna, Geber e Averroè, contribuendo in modo significativo a una nuova fioritura della filosofia, della matematica, della medicina e di altre specialità scientifiche.

Il perfezionamento della stampa da parte di Johannes Gutenberg a metà del secolo ha facilitato e reso più economica la diffusione della conoscenza a un pubblico più vasto. Lo stesso interesse per la cultura e la scienza fece fondare grandi biblioteche in Italia e cercò di riportare il latino, divenuto un dialetto multiforme, alla sua purezza classica, facendone la nuova lingua franca d”Europa. Il ripristino del latino derivava dalla necessità pratica di gestire intellettualmente questa nuova biblioteca rinascimentale. Allo stesso tempo, ha avuto l”effetto di rivoluzionare la pedagogia, oltre a fornire un nuovo corpus sostanziale di strutture sintattiche e di vocabolario ad uso di umanisti e letterati, che hanno così rivestito i propri scritti dell”autorità degli antichi. Importante fu anche l”interesse delle élite per il collezionismo d”arte antica, stimolando studi e scavi che portarono alla scoperta di varie opere d”arte, dando così impulso allo sviluppo dell”archeologia e influenzando le arti visive.

A dare ulteriore vigore a questo processo furono il grecista Manuel Crisoloras, che tra il 1397 e il 1415 reintrodusse lo studio della lingua greca in Italia, e con la fine dell”Impero bizantino nel 1453 molti altri intellettuali, come Demetrio Calcondilas, Giorgio di Trebisonda, Giovanni Argirópulo, Teodoro Gaza e Barlaone di Seminara, emigrarono nella penisola italiana e in altre parti d”Europa, diffondendo testi classici di filosofia e istruendo gli umanisti nell”arte dell”esegesi. Gran parte di ciò che oggi si conosce della letteratura e della legislazione greco-romana fu conservato dall”Impero bizantino e questa nuova conoscenza dei testi classici originali, così come delle loro traduzioni, fu, secondo Luiz Marques, “una delle più grandi operazioni di appropriazione di una cultura da parte di un”altra, paragonabile in qualche misura a quella della Grecia da parte della Roma degli Sciti nel II secolo a.C. Essa riflette, inoltre, il passaggio, cruciale per la storia del Quattrocento, dall”egemonia intellettuale di Aristotele a quella di Platone e Plotino”. In questo grande afflusso di idee fu reintrodotta in Italia l”intera struttura dell”antica Paideia, un corpo di principi etici, sociali, culturali e pedagogici concepiti dai Greci e destinati a formare un cittadino modello. Le nuove informazioni e conoscenze e la concomitante trasformazione di tutti i settori della cultura portarono gli intellettuali a sentirsi nel mezzo di una fase di rinnovamento paragonabile alle fasi brillanti delle civiltà antiche, in contrapposizione al precedente Medioevo, che venne considerato come un”epoca di oscurità e ignoranza.

La morte di Lorenzo de” Medici nel 1492, che aveva governato Firenze per quasi trent”anni e si era guadagnato la fama di uno dei più grandi mecenati del secolo, e il crollo del dominio aristocratico nel 1494, segnarono la fine della fase d”oro della città. Per tutto il Quattrocento Firenze fu il principale – ma mai l”unico – centro di diffusione del classicismo e dell”umanesimo nell”Italia centro-settentrionale, e coltivò quella cultura che divenne famosa come l”espressione più perfetta del Rinascimento e il modello con cui tutte le altre espressioni venivano confrontate. Questa tradizione elogiativa si rafforzò dopo che Vasari lanciò nel XVI secolo le sue Vite degli artisti, pietra miliare inaugurale della storiografia artistica moderna, che attribuiva ai fiorentini un chiaro protagonismo e una superiore eccellenza. Quest”opera ebbe ampie ripercussioni e influenzò il corso della storiografia per secoli.

Alto Rinascimento

L”Alto Rinascimento comprende cronologicamente gli ultimi anni del Quattrocento e i primi decenni del Cinquecento, essendo approssimativamente delimitato dalle opere mature di Leonardo da Vinci (dal 1480 circa) e dal Sacco di Roma del 1527. In questo periodo Roma assume il ruolo di avanguardia artistica e intellettuale, lasciando Firenze in secondo piano. Ciò fu dovuto principalmente al mecenatismo papale e a un programma di rinnovamento e abbellimento urbano, che cercò di rivitalizzare l”ex capitale imperiale ispirandosi, appunto, alla gloria dei Cesari, di cui i papi si ritenevano legittimi eredi. Allo stesso tempo, in quanto sede del Papato e piattaforma per le sue pretese imperialiste, fu riaffermata la sua condizione di “Capo del Mondo”.

Ciò si rifletteva ulteriormente nella ricreazione di pratiche sociali e simboliche che imitavano quelle dell”antichità, come le grandi processioni trionfali, le sontuose feste pubbliche, il conio di medaglie, le grandiose rappresentazioni teatrali ricche di figure storiche, mitologiche e allegoriche. Roma non aveva prodotto fino a quel momento grandi artisti del Rinascimento e il classicismo era stato impiantato attraverso la presenza temporanea di artisti provenienti da altre parti. Ma quando maestri del calibro di Raffaello, Michelangelo e Bramante si stabilirono in città, si formò una dinamica scuola locale che rese la città il più ricco deposito di arte dell”Alto Rinascimento.

In questo periodo il classicismo è la corrente estetica dominante in Italia, con molti importanti centri di coltivazione e diffusione. Per la prima volta l”antichità è stata intesa come una civiltà definita, con uno spirito proprio, e non come una sequenza di eventi isolati. Allo stesso tempo, questo spirito è stato identificato come molto vicino a quello del Rinascimento, facendo sì che artisti e intellettuali sentissero in un certo senso di poter dialogare alla pari con i maestri del passato che ammiravano. Avevano finalmente “padroneggiato” la lingua che avevano ricevuto e potevano ora usarla con maggiore libertà e comprensione.

Nel corso dei secoli si è formato un ampio consenso sul fatto che l”Alto Rinascimento abbia rappresentato la maturazione degli ideali più cari all”intera generazione rinascimentale precedente: l”umanesimo, la nozione di autonomia dell”arte, la trasformazione dell”artista in scienziato e studioso, la ricerca della fedeltà alla natura e il concetto di genio. Ha ricevuto il nome di “Alto” proprio per questo suo presunto carattere esemplare, di culmine di una traiettoria di continua ascesa. Non pochi storici hanno registrato appassionate testimonianze di ammirazione per l”eredità degli artisti del periodo, definendola un”epoca “miracolosa”, “sublime”, “incomparabile”, “eroica”, “trascendente”, venendo rivestita dalla critica di un”aura di nostalgia e venerazione per molto tempo a venire. Come ha fatto con tutti i vecchi consensi e miti, la critica recente si è fatta carico di decostruire e reinterpretare maggiormente questa tradizione, considerandola una visione un po” escapista, estetizzante e superficiale di un contesto sociale segnato, come è sempre stato, da enormi disuguaglianze sociali, tirannia, corruzione, guerre vane e altri problemi, “una fantasia bella ma in definitiva tragica”, come ha osservato Brian Curran.

Questa sopravvalutazione è stata anche criticata per essersi basata eccessivamente sul concetto di genio, attribuendo tutti i contributi rilevanti a una manciata di artisti, e per aver identificato come “classica” e come “la migliore” solo una particolare corrente estetica, mentre l”esame delle prove ha dimostrato che sia l”Antichità che l”Alto Rinascimento erano molto più variegati di quanto sostenuto dalla visione egemonica.

Tuttavia, è stata riconosciuta l”importanza storica dell”Alto Rinascimento come concetto storiografico che è stato più ma è ancora molto influente, ed è stato riconosciuto che i canoni estetici introdotti da Leonardo, Raffaello e Michelangelo, in particolare, hanno stabilito un canone diverso dai loro predecessori e di grande successo nella sua accettazione, diventando anche referenziale per un lungo periodo. Questi tre maestri, nonostante il recente revisionismo e la conseguente relativizzazione dei valori, sono ancora ampiamente considerati come la massima espressione del periodo e la più completa incarnazione del concetto di genio rinascimentale. Il loro stile in questa fase è caratterizzato da un classicismo altamente idealizzato e sontuoso, che sintetizza elementi selezionati da fonti classiche particolarmente prestigiose, deprecando il realismo che alcune correnti del Quattrocento ancora praticavano. Secondo Hauser,

Durante l”esilio dei papi ad Avignone la città di Roma era andata in grande declino, ma dal loro ritorno, il secolo precedente, i pontefici avevano cercato di riorganizzarla e rivitalizzarla, impiegando un esercito di archeologi, umanisti, antiquari, architetti e artisti per studiare e conservare le rovine e i monumenti e per abbellire la città affinché tornasse a essere degna del suo illustre passato. Se per molti rinascimentali era diventata un”abitudine affermare di vivere in una nuova età dell”oro, secondo Jill Burke, mai prima d”ora ciò era stato riaffermato con tanto vigore e impegno come dai papi Giulio II e Leone X, i principali responsabili di aver reso Roma uno dei centri artistici europei più grandi e cosmopoliti del loro tempo e i principali proclamatori dell”idea che nella loro generazione i secoli avessero raggiunto la loro perfezione.

Il corollario del cambiamento di mentalità tra Quattrocento e Cinquecento è che mentre nel primo caso la forma è un fine, nel secondo è un inizio; mentre nel primo caso la natura forniva i modelli che l”arte imitava, nel secondo la società avrà bisogno dell”arte per dimostrare che tali modelli esistono. L”arte più prestigiosa divenne fortemente autoreferenziale e lontana dalla realtà quotidiana, sebbene fosse imposta alla gente nei principali spazi pubblici e nel discorso ufficiale. Raffaello riassunse gli opposti nel suo celebre affresco La scuola di Atene, uno dei dipinti più importanti dell”Alto Rinascimento, che riproponeva il dialogo filosofico tra Platone e Aristotele, cioè tra idealismo ed empirismo.

Il classicismo di questa fase, pur essendo maturo e ricco, riuscendo a dare forma a opere di grande potenza, aveva una forte carica formalista e retrospettiva, e per questo è stato considerato da alcuni critici recenti come una tendenza conservatrice piuttosto che progressista. Lo stesso Umanesimo, nella sua versione romana, perse il suo ardore civico e anticlericale e fu censurato e addomesticato dai papi, convertendolo, in sostanza, in una giustificazione filosofica del loro programma imperialista. Il codice etico imposto tra i circoli illustrati, una costruzione astratta e un teatro sociale nel senso più concreto del termine, prescriveva moderazione, autocontrollo, dignità e cortesia in ogni cosa. Il Cortegiano di Baldassare Castiglione ne è la sintesi teorica.

Nonostante il codice etico che circolava tra le élite, le contraddizioni e le falle dell”ideologia dominante oggi sono evidenti ai ricercatori. Il programma di abbellimento di Roma è stato criticato come un”iniziativa distruttiva piuttosto che costruttiva, che ha lasciato una serie di opere incompiute e ha raso al suolo o modificato inutilmente autentici monumenti ed edifici dell”antichità. Questa società rimase autoritaria, diseguale e corrotta e, a giudicare da alcune testimonianze, sembra essere stata insolitamente corrotta, tanto che i suoi critici coevi considerarono il saccheggio della città nel 1527 una punizione divina per i suoi crimini, peccati e scandali. In questo senso, l”altro importante “libro di testo” del periodo è Il Principe di Machiavelli, un tutorial su come salire al potere e rimanervi, dove dichiara che “non ci sono buone leggi senza buone armi”, non distinguendo il Potere dall”Autorità e legittimando l”uso della forza per il controllo dei cittadini. Il libro è stato un riferimento fondamentale per il pensiero politico rinascimentale nella sua fase finale e un”importante ispirazione per la moderna filosofia dello Stato. Sebbene Machiavelli sia talvolta accusato di freddezza, cinismo, calcolo e crudeltà, tanto che da lui deriva l”espressione “machiavellico”, l”opera è un prezioso documento storico in quanto analisi completa della prassi politica e dei valori dominanti dell”epoca.

Eventi come la scoperta dell”America e la Riforma protestante, e tecniche come la stampa a caratteri mobili, trasformarono la cultura e la visione del mondo degli europei, mentre l”attenzione di tutta l”Europa si rivolgeva all”Italia e al suo progresso, con le grandi potenze di Francia, Spagna e Germania che desideravano spartirsela e ne facevano un campo di battaglia e di saccheggio. Con le invasioni che seguirono l”arte italiana estese la sua influenza su una vasta regione del continente.

Cinquecento e manierismo italiano

Il Cinquecento è la fase finale del Rinascimento, quando il movimento si trasforma e si espande in altre parti d”Europa. Dopo il sacco di Roma del 1527 e la sfida dei protestanti all”autorità papale, l”equilibrio politico del continente si spostò e la sua struttura socio-culturale fu scossa. L”Italia subì le conseguenze peggiori: oltre a essere invasa e saccheggiata, cessò di essere il centro commerciale dell”Europa, poiché le grandi navigazioni aprirono nuove rotte commerciali. L”intero panorama cambiò, con il declino dell”influenza cattolica e l”emergere di sentimenti di pessimismo, insicurezza e alienazione, che caratterizzarono l”atmosfera del Manierismo.

La caduta di Roma ha fatto sì che non ci fosse più un “unico” centro a dettare l”estetica e la cultura. A Firenze, Ferrara, Napoli, Milano, Venezia e in molte altre città comparvero scuole regionali nettamente differenziate e il Rinascimento si diffuse definitivamente in tutta l”Europa, trasformandosi e diversificandosi profondamente, man mano che incorporava un insieme variegato di influenze regionali. L”arte di longevi come Michelangelo e Tiziano ha registrato con stile il passaggio da un”epoca di certezze e chiarezza a una di dubbi e drammi. Le conquiste intellettuali e artistiche dell”Alto Rinascimento erano ancora fresche e non potevano essere dimenticate facilmente, anche se il loro substrato filosofico non poteva più rimanere valido di fronte ai nuovi fatti politici, religiosi e sociali. La nuova arte e la nuova architettura che si fece, dove nomi come Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, pur ispirandosi all”Antichità, ne riorganizzarono e tradussero i sistemi di proporzione e rappresentazione spaziale e i valori simbolici in opere inquiete, distorte, ambivalenti e preziose.

Questo cambiamento era in preparazione da tempo. Negli anni Venti del Quattrocento il papato era ormai invischiato in così tanti conflitti internazionali e la pressione intorno ad esso era così forte che pochi dubitavano che Roma fosse condannata, considerando la sua caduta solo una questione di tempo. Ben prima del disastro del 1527 lo stesso Raffaello, tradizionalmente visto come uno dei più puri rappresentanti della moderazione e dell”equilibrio considerati tipici dell”Alto Rinascimento, in diverse opere importanti aveva concepito le scene con contrasti così forti, i gruppi con tanto movimento, le figure con un”espressione così appassionata, e in posizioni così innaturali e retoriche, che secondo Frederick Hartt potrebbe essere collocato non solo come precursore del Manierismo, ma anche del Barocco, e se fosse vissuto più a lungo avrebbe senza dubbio accompagnato Michelangelo e altri nella completa transizione verso uno stile coerentemente differenziato da quello della prima parte del secolo.

Vasari, uno dei maggiori studiosi del Cinquecento, non percepì una radicale soluzione di continuità tra l”Alto Rinascimento e il periodo successivo in cui egli stesso visse, si considerava ancora un uomo del Rinascimento e, nello spiegare le evidenti differenze tra l”arte dei due periodi, disse che i successori di Leonardo, Michelangelo e Raffaello lavoravano in uno “stile moderno”, una “nuova maniera”, che cercava di imitare alcune delle più importanti opere dell”antichità che essi conoscevano. Si riferiva soprattutto al Gruppo del Laocoonte, riscoperto nel 1506, suscitando grande scalpore negli ambienti artistici romani, e al Torso del Belvedere, che nello stesso periodo cominciava a diventare famoso e molto studiato. Queste opere esercitarono un”ampia influenza sui primi manieristi, tra cui Michelangelo, ma non appartengono al periodo classico, bensì a quello ellenistico, che per molti versi era una scuola anticlassica. I rinascimentali non intendevano neppure il termine “classico” così come è stato inteso a partire dal XVIII secolo, espressione di un ideale di purezza, maestosità, perfezione, equilibrio, armonia e moderazione emotiva, sintesi di tutto ciò che era buono, utile e bello, che essi identificavano esistente nell”Antica Grecia tra il V e il IV secolo a.C.. È difficile stabilire come il Rinascimento percepisse le differenze tra le contrastanti correnti estetiche della cultura greco-romana nel suo complesso (l””Antichità”); quasi tutte le opere dell”Antichità a cui avevano accesso all”epoca erano riletture ellenistiche e romane di modelli greci perduti, un repertorio formale molto eclettico che incorporava molteplici riferimenti provenienti da quasi mille anni di storia greco-romana, un periodo in cui si verificarono vari e drammatici cambiamenti nel gusto e nello stile. Sembra che abbiano visto l”Antichità più come un periodo culturale monolitico, o almeno come un periodo dalla cui collezione iconografica potevano attingere elementi scelti a piacere per creare un””Antichità utilizzabile”, adattata alle esigenze del tempo. Il critico Ascanio Condivi riporta un esempio di questa posizione in Michelangelo, affermando che quando il maestro voleva creare una forma ideale, non si accontentava di osservare un solo modello, ma ne cercava molti e da ognuno traeva le caratteristiche migliori. Si dice che Raffaello, Bramante e altri abbiano usato lo stesso approccio.

Tuttavia, dopo il XVII secolo e per lungo tempo il Manierismo è stato visto come una degenerazione degli autentici ideali classici, sviluppata da artisti disturbati o più interessati ai capricci di un virtuosismo morboso e futile. Molti critici successivi hanno attribuito la drammaticità e l”asimmetria delle opere del periodo a un”esagerata imitazione dello stile di Michelangelo e Giulio Romano, ma questi tratti sono stati interpretati anche come il riflesso di un”epoca travagliata e disillusa. Hartt ha sottolineato l”influenza dei movimenti di riforma della Chiesa sul cambiamento di mentalità. La critica recente comprende che i movimenti culturali sono sempre il risultato di molteplici fattori, e il Manierismo italiano non fa eccezione, ma si ritiene che sia stato essenzialmente il prodotto di ambienti cortesi conservatori, di un complesso cerimoniale e di una cultura eclettica e ultra-sofisticata, piuttosto che un movimento intenzionalmente anti-classico.

In ogni caso, la polemica ebbe l”effetto di dividere gli studiosi manieristi in due correnti principali. Per alcuni, la diffusione dell”influenza italiana in Europa nel Cinquecento produsse espressioni plastiche così polimorfe e così distinte da quelle del Quattrocento e dell”Alto Rinascimento che divenne un problema descriverle come parte del fenomeno originario, sembrando per molti versi costituire un”antitesi dei principi classici tanto apprezzati dalle fasi precedenti e che avrebbero definito il “vero” Rinascimento. In questo modo, essi affermarono il Manierismo come movimento indipendente, riconoscendolo come una forma di espressione squisita, fantasiosa e vigorosa, un”importanza accresciuta dal fatto di essere la prima scuola d”arte moderna. L”altro filone critico, invece, lo analizza come un approfondimento e un arricchimento dei presupposti classici e come una legittima conclusione del ciclo rinascimentale; non tanto una negazione o uno stravolgimento di quei principi, quanto una riflessione sulla loro applicabilità pratica in quel momento storico e un adattamento – a volte doloroso, ma in genere creativo e riuscito – alle circostanze del tempo. Per rendere il quadro ancora più complesso, la stessa identificazione dei tratti caratteristici del Manierismo, così come la sua cronologia e la sua applicabilità a regioni e ambiti diversi dalle arti visive, sono stati al centro di un”altra monumentale controversia, che molti considerano insolubile.

Oltre ai cambiamenti culturali provocati dal riassetto politico del continente, il XVI secolo fu segnato da un”altra grande crisi, la Riforma protestante, che rovesciò per sempre l”antica autorità universale della Chiesa romana. Uno degli impatti più importanti della Riforma sull”arte rinascimentale fu la condanna delle immagini sacre, che spopolò i templi settentrionali di rappresentazioni pittoriche e scultoree di santi e personaggi divini, e molte opere d”arte furono distrutte in ondate di furia iconoclasta. Con ciò le arti rappresentative, sotto l”influenza riformista, si rivolgono a personaggi profani e alla natura. Il papato, tuttavia, si rese presto conto che l”arte poteva essere un”arma efficace contro i protestanti, contribuendo a un”evangelizzazione più ampia e più seducente per le grandi masse del popolo. Durante la Controriforma vennero sistematizzati nuovi precetti che stabilivano nel dettaglio come l”artista dovesse creare opere a tema religioso, cercando di enfatizzare l”emozione e il movimento, considerati le risorse più intelligibili e attraenti per conquistare la semplice devozione del popolo e assicurarsi così la vittoria contro i protestanti. Ma se da un lato la Controriforma diede origine a un maggior numero di commissioni per l”arte sacra, dall”altro venne meno la libertà di espressione artistica che si era vista nelle fasi precedenti, libertà che aveva permesso a Michelangelo di decorare la sua enorme tavola del Giudizio Universale, dipinta nel cuore del Vaticano, con una moltitudine di corpi nudi di grande sensualità, anche se il campo profano rimase poco toccato dalla censura.

Il Cinquecento è anche l”epoca di fondazione delle prime Accademie d”arte, come l”Accademia delle Arti del Disegno a Firenze e l”Accademia di San Luca a Roma, un”evoluzione delle corporazioni degli artisti che ha affermato l”Accademismo come sistema di istruzione superiore e movimento culturale, uniformando l”apprendimento, stimolando il dibattito teorico e fungendo da strumento dei governi per la diffusione e la consacrazione di ideologie non solo estetiche, ma anche politiche e sociali. I teorici dell”arte manierista approfondirono i dibattiti promossi dalla generazione precedente, accentuarono le connessioni dell”intelletto umano con la creatività divina e diedero prestigio alla diversità. Per Pierre Bourdieu la creazione del sistema accademico ha significato la formulazione di una teoria in cui l”arte era un”incarnazione dei principi di Bellezza, Verità e Bontà, un”estensione naturale dell”ideologia dell”Alto Rinascimento, ma i manieristi erano aperti all”esistenza di diversi standard validi, che permettevano ai creatori una grande libertà in vari aspetti, soprattutto nell”arte profana, libera dal controllo della Chiesa. L”enfasi posta nelle accademie sul miglioramento tecnico e il costante riferimento a modelli antichi consolidati servirono anche a spostare parte dell”interesse principale dal dire qualcosa al mostrare quanto bene qualcosa fosse stato detto, presentando l”artista come uno studioso. L”influenza delle accademie tardò ad affermarsi, ma durante il Barocco e il Neoclassicismo arrivarono a dominare l”intero sistema artistico europeo.

Il Rinascimento è stato storicamente esaltato come l”apertura di una nuova era, un”era illuminata dalla Ragione in cui gli uomini, creati a immagine e somiglianza della Divinità, avrebbero realizzato la profezia di regnare sul mondo con la saggezza, e le cui opere meravigliose li avrebbero collocati in compagnia di eroi, patriarchi, santi e angeli. Oggi si comprende che la realtà sociale non rifletteva gli alti ideali espressi nell”arte e che l”ufanismo esaltato che circondava il movimento era in gran parte opera degli stessi rinascimentali, la cui produzione intellettuale, che si autopresentava come fondatrice di una nuova età dell”oro e che poneva Firenze al centro di tutto, determinò gran parte della direzione della critica successiva. Anche i movimenti anticlassici successivi, come il Barocco, riconobbero nei classici e nei loro eredi rinascimentali valori preziosi.

A metà dell”Ottocento il periodo era diventato uno dei principali campi di indagine degli studiosi e la pubblicazione nel 1860 del classico La storia del Rinascimento in Italia, di Jacob Burckhardt, fu il coronamento di cinque secoli di tradizione storiografica che poneva il Rinascimento come pietra miliare iniziale della modernità, paragonandolo alla rimozione di un velo dagli occhi dell”umanità, consentendole di vedere chiaramente. Ma l”opera di Burckhardt apparve quando già si avvertiva una tendenza revisionista di questa tradizione, e la ripercussione che provocò non fece che accentuare la polemica. Da allora una massa di nuovi studi ha rivoluzionato il modo di studiare e comprendere l”arte antica.

La tradizione e l”autorità sono state messe da parte a favore dello studio preferenziale delle fonti primarie e di analisi più critiche, sfumate, contestualizzate e inclusive; ci si è resi conto che tra gli stessi rinascimentali c”era molta più diversità di opinioni di quanto si pensasse e che a questa diversità si deve il dinamismo e l”originalità del periodo; il rapido progresso delle tecniche scientifiche di datazione e restauro e di analisi fisico-chimica dei materiali ha permesso di consolidare numerose attribuzioni tradizionali di paternità e di abbandonarne definitivamente molte altre, riorganizzando in modo significativo la mappa della produzione artistica; sono state definite nuove cronologie e ridefinite le individualità artistiche e i loro contributi; sono state individuate nuove vie di diffusione e di influenza e sono state riscoperte molte opere importanti. In questo processo, alcuni canoni storiografici sono stati ribaltati e la stessa tradizione di dividere la storia in periodi definiti (“Rinascimento”, “Barocco”, “Neoclassicismo”), è stata vista come un costrutto artificiale che distorce la comprensione di un processo sociale in corso e crea stereotipi concettuali incoerenti. Inoltre, lo studio dell”intero contesto storico, politico e sociale è stato e viene notevolmente approfondito, collocando le espressioni culturali su uno sfondo valorizzato in modo sempre più aggiornato e plurale.

Così, molti storici cominciarono a concludere che il Rinascimento era stato gravato da un apprezzamento eccessivamente positivo e che questo automaticamente, e senza solide giustificazioni, svalutava il Medioevo e altri periodi. Gran parte del dibattito moderno ha cercato di stabilire se questo rappresentasse effettivamente un miglioramento rispetto al periodo precedente. È stato sottolineato che molti dei fattori sociali negativi comunemente associati al Medioevo – povertà, corruzione, persecuzione religiosa e politica – sembrano essere peggiorati. Molte persone che vissero il Rinascimento non lo considerarono un””età dell”oro”, ma erano consapevoli di gravi problemi sociali e morali, come Savonarola, che alla fine del XV secolo scatenò una drammatica rinascita religiosa che causò la distruzione di numerose opere d”arte e alla fine lo portò alla morte sul rogo. Johan Huizinga ha sostenuto che il Rinascimento, per certi aspetti, è stato un periodo di declino rispetto al Medioevo, distruggendo molte cose importanti. Per esempio, il latino era riuscito a evolversi e a mantenersi abbastanza vivo fino a quel momento, ma l”ossessione per la purezza classica interruppe questo processo naturale e lo fece tornare alla sua forma classica. Per Jacques Le Goff e altri della sua scuola, il Rinascimento fu un periodo in cui le continuità rispetto al Medioevo erano più importanti delle rotture – tra cui la permanenza del concetto di diritto divino dei re e dei rituali della monarchia sacra, le basi tecniche della produzione materiale, la concezione della storia, della ricerca di autorità negli antichi, del pensiero sui fondamenti della società e della sua divisione in tre ordini, del ruolo dominante della Chiesa – e ha sottolineato che l”idea di rinascimento e il desiderio di un ritorno a un”età dell”oro idealizzata e situata nell”antichità hanno pervaso la cultura europea fino a dopo la Rivoluzione francese; In effetti, prima e dopo quella italiana sono fiorite diverse “rinascite”, in particolare quella carolingia, quella otoniana e quella neoclassica. Molti studiosi hanno sottolineato come in questa fase la recessione economica abbia predominato sui periodi di prosperità, ma altri controbattono affermando che questo sembra essere stato un fenomeno europeo e non specificamente italiano o fiorentino, mentre Eugenio Garin, Lynn Thorndike e molti altri ritengono che forse il progresso scientifico compiuto fu in realtà molto meno originale di quanto si pensi.

Gli storici marxisti hanno preferito descrivere il Rinascimento in termini materialisti, sostenendo che i cambiamenti nell”arte, nella letteratura e nella filosofia erano solo parte della tendenza generale di allontanamento dalla società feudale verso il capitalismo, che ha portato all”emergere di una classe borghese che aveva tempo e denaro da dedicare alle arti. Si sostiene inoltre che il ricorso ai riferimenti classici era all”epoca spesso un pretesto per legittimare gli scopi dell”élite, e l”ispirazione nella Roma repubblicana e soprattutto in quella imperiale avrebbe dato luogo alla formazione di uno spirito di competitività e mercenarismo che gli arrivisti utilizzavano per una scalata sociale spesso spregiudicata.

A partire dall”emergere delle avanguardie moderne all”inizio del XX secolo, e poi in diverse ondate successive di rielaborazione, la critica recente ha esteso le relazioni del Rinascimento culturale a quasi tutti gli aspetti della vita di quel periodo e ha interpretato la sua eredità in modi così diversi che i vecchi consensi si sono sgretolati su molti argomenti particolari. Tuttavia, si è conservata la netta impressione che in molti settori il periodo sia stato fecondo di risultati magistrali e innovativi e che abbia lasciato un”impronta profonda sulla cultura e sulla società dell”Occidente per molto tempo a venire.

Sebbene la critica recente abbia fortemente scosso il tradizionale prestigio del Rinascimento, valorizzando tutte le epoche in egual misura e apprezzandole per le loro specificità, ciò ha al contempo reso possibile uno straordinario arricchimento e ampliamento della comprensione che ne abbiamo oggi, ma tale prestigio non è mai stato seriamente minacciato, soprattutto perché il Rinascimento, in modo innegabile, è stato uno dei fondamenti e una parte essenziale della moderna civiltà occidentale, ed è un riferimento ancora oggi vivo. Alcune delle sue opere più importanti sono diventate anche icone della cultura popolare, come il David e la Creazione di Michelangelo e la Gioconda di Da Vinci. Il numero di studi sull”argomento, che cresce di giorno in giorno, e le continue controversie su numerosi aspetti, dimostrano che il Rinascimento è abbastanza ricco da continuare ad attirare l”attenzione della critica e del pubblico.

Anche se le opinioni su alcuni aspetti sono molto divergenti, oggi sembra esserci un consenso sul fatto che il Rinascimento sia stato un periodo in cui molte credenze profondamente radicate e considerate vere sono state messe in discussione e testate attraverso metodi di indagine scientifica, inaugurando una fase in cui il predominio della religione e dei suoi dogmi ha cessato di essere assoluto e ha aperto la strada allo sviluppo della scienza e della tecnologia come le conosciamo oggi. Il pensiero politico successivo non si sarebbe articolato senza le basi umanistiche consolidate nel Rinascimento, quando i filosofi cercarono nell”Antichità i precedenti per difendere il regime repubblicano e la libertà umana, aggiornando idee che ebbero un impatto decisivo sulla giurisprudenza, sulla teoria costituzionale e sulla formazione degli Stati moderni.

Nel campo delle arti visive si svilupparono risorse che permisero un immenso balzo in avanti rispetto al Medioevo in termini di capacità di rappresentare lo spazio, la natura e il corpo umano, facendo rivivere tecniche che erano andate perdute dall”antichità e creandone di nuove da allora in poi. Il linguaggio architettonico dei palazzi, delle chiese e dei grandi monumenti, nato dall”eredità classica, rimane valido ancora oggi e viene utilizzato quando si vuole conferire dignità e importanza all”edilizia moderna. In letteratura le lingue volgari divennero degne di trasmettere cultura e conoscenza, e lo studio dei testi dei filosofi greco-romani diffuse massime che ancora oggi sono presenti nella voce popolare e che incoraggiano valori elevati come l”eroismo, lo spirito pubblico e l”altruismo, mattoni fondamentali per la costruzione di una società più giusta e libera per tutti. La venerazione per il passato classico e per i suoi valori migliori creò una nuova visione della storia e fondò la storiografia moderna, oltre a fornire le basi per la formazione di un sistema educativo che all”epoca si estendeva oltre le élite e che ancora oggi struttura i programmi scolastici di gran parte dell”Occidente e ne sostiene l”ordine sociale e i sistemi di governo. Infine, la vasta produzione artistica che sopravvive in tanti Paesi europei continua ad attrarre folle da ogni parte del mondo e costituisce una parte significativa della definizione stessa di cultura occidentale.

Con così tante associazioni, per quanto gli studiosi si sforzino di fare luce sull”argomento, esso rimane infarcito di leggende, stereotipi e passioni, soprattutto nella visione popolare. Come dice John Jeffries Martin, direttore del Dipartimento di Storia della Duke University e curatore di un ampio volume di saggi critici pubblicato nel 2003, in cui riassume l”evoluzione della storiografia e le tendenze della critica più recente,

Arti visive

Nelle arti, il Rinascimento fu caratterizzato, in termini molto generali, dall”ispirazione agli antichi greci e romani e dalla concezione dell”arte come imitazione della natura, con un posto privilegiato dell”uomo in questo panorama. Ma più che un”imitazione, la natura, per essere ben rappresentata, doveva subire una traduzione che la organizzasse sotto un”ottica razionale e matematica, come specchio di un ordine divino che spettava all”arte svelare ed esprimere, in un periodo caratterizzato da una grande curiosità intellettuale, da uno spirito analitico e organizzativo e da una matematizzazione e scientificazione di tutti i fenomeni naturali. È un”epoca di grandiose aspirazioni, l”artista si avvicina allo scienziato e al filosofo e gli umanisti aspirano a una conoscenza enciclopedica; compaiono importanti trattati di standardizzazione e diversi saggi sull”arte e l”architettura, che gettano le basi per una nuova storiografia e un nuovo approccio al processo di creazione. Tutte le arti hanno beneficiato dei progressi scientifici, introducendo miglioramenti nelle tecniche e nei materiali in vari campi. Tra i punti salienti, ad esempio, il recupero della tecnica di fusione a cera persa, che ha reso possibile la creazione di monumenti su una scala mai vista prima rispetto ai bronzi medievali, e la diffusione di meccanismi ottici e meccanici come ausili per la pittura e la scultura. D”altra parte, la scienza ha beneficiato dell”arte, aumentando il livello di precisione e di realismo delle illustrazioni nei trattati scientifici e nell”iconografia dei personaggi storici, e sfruttando le idee sulla geometria e sullo spazio lanciate dagli artisti e l”impulso a esplorare e osservare il mondo naturale.

Il canone greco-romano delle proporzioni torna a determinare la costruzione della figura umana; ritorna anche la coltivazione della bellezza tipicamente classica. Lo studio dell”anatomia umana, la crescente assimilazione della mitologia greco-romana nel discorso visivo e la ricomparsa del nudo, libero dai tabù in cui il tema era stato avvolto nel Medioevo, rinnovarono ampiamente l”iconografia della pittura e della scultura dell”epoca, aprendo nuovi vasti campi di ricerca formale e simbolica, favorì l”esplorazione di emozioni e stati d”animo diversi, influenzò la moda e le maniere, stimolò il collettivismo, l”antiquariato e l”archeologia e creò una nuova tradizione visiva di influenza duratura, mentre il mecenatismo civile e privato fornì i mezzi per una straordinaria fioritura dell”arte profana. L”interesse per la rappresentazione del naturale fece rivivere anche la tradizione del ritratto, che dopo la caduta dell”Impero romano era stata in gran parte abbandonata.

Il sistema di produzione

Nel Rinascimento l”artista era un professionista. Fino al XVI secolo sono rarissimi gli esempi documentati di opere realizzate al di fuori del sistema delle commissioni, e la stragrande maggioranza dei professionisti era legata a una corporazione. I pittori fiorentini appartenevano a una delle Arti Maggiori, quella dei Medici e Speziali. Anche gli scultori di bronzo erano una classe distinta, appartenente all”Arte della Seta. Gli altri, invece, appartenevano alle Arti Minori, come gli artisti della pietra e del legno. Tutti loro erano considerati professionisti nelle arti meccaniche, che nella scala di prestigio dell”epoca erano al di sotto delle arti liberali, le uniche in cui la nobiltà poteva impegnarsi professionalmente senza disonore. Le corporazioni organizzavano il sistema di produzione e commercio e partecipavano alla distribuzione delle commesse tra le varie botteghe private gestite dai maestri, dove erano impiegati molti aiutanti e dove i discepoli venivano ammessi e preparati al mestiere. La famiglia del postulante pagava la maggior parte della sua formazione, ma riceveva un certo aiuto dal maestro man mano che diventava capace di svolgere bene i suoi compiti e di collaborare efficacemente all”attività commerciale della bottega. Le donne non sono state ammesse. L”apprendistato era esaustivo, rigorosamente disciplinato e durava molti anni; gli studenti, oltre a studiare le tecniche dei mestieri, svolgevano mansioni di pulizia e organizzazione della bottega e altre a discrezione del maestro, collaboravano alla formazione degli studenti più giovani, e prima di aver completato il corso ed essere stati ammessi alla corporazione nessuno studente poteva ricevere ordini a suo nome. Ci furono artisti che non mantennero un laboratorio permanente e rimasero itineranti in varie città con lavori temporanei, unendosi a gruppi già organizzati o reclutando aiutanti proprio nella città in cui il lavoro doveva essere svolto, ma erano una minoranza. Il mantenimento di una base fissa, d”altra parte, non impediva alle botteghe di ricevere commissioni da altri luoghi, soprattutto se i loro maestri erano rinomati.

Il contributo degli artisti rinascimentali è ricordato soprattutto per i grandi altari, i monumenti, le sculture e i dipinti, ma le botteghe d”arte erano imprese con un mercato molto vario. Oltre a grandi opere per chiese, palazzi ed edifici pubblici, hanno risposto a commissioni più piccole e popolari, decorando feste ed eventi privati, civili e religiosi, creando scenografie e costumi teatrali, abiti di lusso, gioielli, dipingendo stemmi ed emblemi, Costruivano armature, armi, cavalcature e utensili domestici decorati e una miriade di altri oggetti, e molti tenevano negozi aperti al pubblico in modo permanente, dove esponevano una vetrina delle specialità della casa.

Gli artisti in generale erano mal pagati, ci sono molte testimonianze di povertà, e solo i maestri e i loro principali aiutanti raggiungevano una situazione confortevole; alcuni maestri divennero persino ricchi, ma il loro reddito era sempre soggetto a un mercato molto fluttuante. Durante tutto il Rinascimento gli umanisti e i principali artisti portarono avanti un”opera sistematica per emancipare la classe artistica dalle Arti Meccaniche e installarla tra i liberali, ottenendo in questo un successo considerevole ma non completo. L”usanza di riconoscere il talento superlativo di un artista esisteva già prima; Giotto, Verrocchio, Donatello e molti altri furono elogiati con entusiasmo e ampiezza dai loro contemporanei, ma fino all”avvento di Michelangelo, Raffaello e Leonardo, nessun artista era stato oggetto delle lusinghe dei potenti in misura così elevata, quasi ribaltando il rapporto di autorità tra dipendente e datore di lavoro, tra élite e plebe, e ciò era dovuto tanto al cambiamento nella comprensione del ruolo dell”arte quanto alla consapevolezza di questi artisti del loro valore e alla loro determinazione a farlo riconoscere.

Il più grande contributo della pittura rinascimentale fu il suo nuovo modo di rappresentare la natura, grazie a una tale padronanza della tecnica pittorica e della prospettiva centrica da riuscire a creare un”efficace illusione di spazio tridimensionale su una superficie piana. Un tale risultato significava un allontanamento radicale dal sistema di rappresentazione medievale, con la sua staticità, il suo spazio senza profondità, il suo schematismo figurativo e il suo sistema simbolico di proporzioni, dove i personaggi più importanti erano di dimensioni maggiori. Il nuovo parametro stabilito aveva un fondamento matematico e fisico, il suo risultato era “realistico” (nel senso di creare un”illusione di spazio efficiente) e la sua organizzazione era centrata sul punto di vista dell”osservatore. In questo si può vedere un riflesso della divulgazione dei principi del razionalismo, dell”antropocentrismo e dell”umanesimo. Il linguaggio visivo formulato dai pittori rinascimentali ebbe un tale successo da rimanere valido ancora oggi, essendo considerato da molti il modo più naturale di rappresentare lo spazio.

La pittura rinascimentale è essenzialmente lineare; il disegno era ormai considerato il fondamento di tutte le arti visive e la sua padronanza un prerequisito per ogni artista. A questo scopo, fu di grande utilità lo studio delle sculture e dei rilievi dell”antichità, che fornì la base per lo sviluppo di un ampio repertorio di temi e di gesti e posture del corpo, ma anche l”osservazione diretta della natura fu un altro elemento importante. Nella costruzione della pittura, la linea costituiva convenzionalmente l”elemento dimostrativo e logico, mentre il colore indicava stati affettivi o qualità specifiche. Un”altra differenza rispetto all”arte del Medioevo è l”introduzione di un maggiore dinamismo nelle scene e nei gesti e la scoperta dell”ombreggiatura, o chiaroscuro, come risorsa plastica e mimetica.

Giotto, attivo tra il XIII e il XIV secolo, fu il più grande pittore del primo Rinascimento italiano e il principale pioniere dei naturalisti in pittura. La sua opera rivoluzionaria, in contrasto con la produzione di maestri tardogotici come Cimabue e Duccio, impressiona fortemente i suoi contemporanei e dominerà tutta la pittura italiana del Trecento per la sua logica, semplicità, precisione e fedeltà alla natura. Ambrogio Lorenzetti e Taddeo Gaddi proseguirono la linea di Giotto senza innovare, anche se in altri i caratteri progressisti si mescolarono con elementi del gotico ancora forte, come si vede nell”opera di Simone Martini e dell”Orcagna. Lo stile naturalistico ed espressivo di Giotto, tuttavia, rappresentò l”avanguardia nella visualità di questa fase e si diffuse a Siena, che per un certo periodo superò Firenze nei progressi artistici. Da lì si diffuse nell”Italia settentrionale.

Nel Quattrocento, le rappresentazioni della figura umana acquistano solidità, maestosità e potenza, riflettendo il sentimento di fiducia in se stessi di una società che stava diventando molto ricca e complessa, formando un pannello sfaccettato di tendenze e influenze. Ma per la maggior parte del secolo l”arte rivelerà lo scontro tra gli ultimi echi del gotico spirituale e astratto, esemplificati da Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli e Lorenzo Monaco, e le nuove forze organizzatrici, naturalistiche e razionali del classicismo, rappresentate da Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca e Ghirlandaio.

In questo senso, dopo Giotto, la tappa evolutiva successiva è Masaccio, nelle cui opere l”uomo ha un aspetto chiaramente nobilitato e la cui presenza visiva è decisamente concreta, con un uso efficace degli effetti del volume e dello spazio tridimensionale. Contribuì in modo determinante all”articolazione del linguaggio visivo moderno dell”Occidente; tutti i maggiori pittori fiorentini della generazione successiva furono influenzati da lui e, quando la sua opera fu “riscoperta” da Leonardo da Vinci, Michelangelo e Raffaello, ottenne un apprezzamento ancora maggiore, rimanendo popolare per sei secoli. Per molti critici è il vero fondatore del Rinascimento in pittura, ed è stato detto di lui che è stato “il primo che ha saputo dipingere uomini che toccavano veramente i piedi alla terra”.

A Venezia, altro centro di grande importanza e forse principale rivale di Firenze in questo secolo, c”era un gruppo di artisti illustri, come Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi e Antonello da Messina. Siena, che negli anni precedenti aveva fatto parte dell”avanguardia, era ora indecisa tra il fascino spirituale del gotico e quello profano del classicismo, e stava perdendo slancio. Nel frattempo anche in altre regioni dell”Italia settentrionale il classicismo cominciava a rafforzarsi, attraverso il Perugino a Perugia, Cosimo Tura a Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forlì e Mantegna a Padova e Mantova. Pisanello fu attivo in un gran numero di città.

Va inoltre ricordato il rinnovato influsso sui pittori italiani della tecnica della pittura a olio, che nel Quattrocento si stava sviluppando nei Paesi Bassi e aveva raggiunto un alto livello di raffinatezza, consentendo di creare immagini molto più precise e nitide e con un”ombreggiatura molto più sottile di quella ottenuta con l”affresco, l”encausto e la tempera, una novità che ebbe un impatto importante sulla ritrattistica e sulla pittura di paesaggio. Le tele fiamminghe erano molto apprezzate in Italia proprio per queste qualità e un gran numero di esse fu importato, copiato o emulato dagli italiani.

Più tardi, nell”Alto Rinascimento, Leonardo da Vinci si addentra nel terreno delle atmosfere ambigue e misteriose con una sofisticata tecnica a olio, coniugando fortemente arte e scienza. Con Raffaello il sistema classicista di rappresentazione raggiunse una scala grandiosa, creando imponenti architetture e scenari illusionistici, ma egli tradusse anche nelle sue madonne una dolcezza prima sconosciuta che divenne presto molto popolare. A Venezia si distingue soprattutto Tiziano, che esplora nuovi rapporti cromatici e una tecnica pittorica più libera e gestuale. Michelangelo, coronando il processo di esaltazione dell”uomo, nella Cappella Sistina lo portò a un”espressione gonfiata del mitico, del sublime, dell”eroico e del patetico. Molti altri hanno lasciato contributi importanti, come Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione e Pontormo.

Ma questa fase, di grande equilibrio formale, non durò a lungo e si sarebbe presto trasformata profondamente, lasciando il posto al Manierismo. Con i manieristi viene alterata l”intera concezione dello spazio, la prospettiva viene frammentata in molteplici punti di vista e le proporzioni della figura umana vengono distorte a fini espressivi o estetici, formulando un linguaggio visivo più dinamico, vibrante, soggettivo, drammatico, prezioso, intellettualistico e sofisticato.

Nella scultura i segni di una rivalutazione dell”estetica classicista sono antichi. Nicola Pisano intorno al 1260 realizzò un pulpito per il Battistero di Pisa, considerato la manifestazione antesignana del Rinascimento in scultura, dove inserì un grande nudo maschile che rappresentava la virtù della Fortezza, e sembra chiaro che la sua principale ispirazione provenisse dall”osservazione dei sarcofagi romani decorati a rilievo che esistevano nel Camposanto di Pisa. Il suo contributo, sebbene limitato a pochissime opere, è considerato rilevante per la storia della scultura quanto quello di Giotto per la pittura. In effetti, l”arte di Giotto è in gran parte debitrice della ricerca di Nicola Pisano.

Il figlio Giovanni Pisano e altri importanti seguaci, come Arnolfo di Cambio e Lapo di Ricevuto, trarranno preziosi insegnamenti dal contatto con il classicismo, ma il loro stile progredisce in modo disomogeneo. Giovanni dominerà poi la scena a Firenze, Pisa e Siena nei primi anni del Trecento, realizzerà altri importanti nudi, tra cui uno femminile che riproduce il modello classico della Venere pudica, e sarà uno degli introduttori di un nuovo genere, quello dei crocifissi dolorosi, di grande drammaticità e ampia influenza, fino ad allora poco diffuso in Toscana. Il suo talento versatile darà vita a opere dalle linee pulite e pure, come il ritratto di Enrico Scrovegni. Le sue Madonne, i rilievi e il pulpito del Duomo di Pisa sono invece molto più commoventi e drammatici.

A metà del secolo Andrea Pisano acquistò notorietà come autore dei rilievi della porta sud del Battistero di Firenze e architetto del Duomo di Orvieto. Fu maestro dell”Orcagna, il cui tabernacolo di Orsanmichele è uno dei capolavori dell”epoca, e di Giovanni di Balduccio, autore di uno squisito e complesso monumento funerario nella Cappella Portinari di Milano. La sua generazione fu dominata dall”influenza della pittura di Giotto. Nonostante i progressi promossi da alcuni maestri attivi, la loro opera riflette ancora un”intersezione di correnti che sarebbe tipica dell”intero Trecento, e gli elementi gotici sono ancora predominanti o importanti in tutti loro.

Verso la fine del Trecento compare a Firenze la figura di Lorenzo Ghiberti, autore dei rilievi del Battistero di San Giovanni, dove i modelli classici erano ormai consolidati. Donatello guidò poi i progressi su vari fronti, esercitando un”ampia influenza. Le sue opere principali comprendono statue di profeti dell”Antico Testamento, tra cui spiccano quelle di Abacuc e Geremia. Innovò anche nella statuaria equestre, creando il monumento del Gattamelata, il più importante del suo genere dopo quello di Marco Aurelio nel II secolo. Infine, la sua sfacciata Maddalena penitente in legno del 1453 è un”immagine di dolore, austerità e trasfigurazione che non aveva eguali nel suo tempo, introducendo nella statuaria uno struggente senso di drammaticità e realtà che si era visto solo nell”ellenismo.

Nella generazione successiva, Verrocchio si distingue per la teatralità e il dinamismo delle sue composizioni. Fu pittore, scultore, scenografo e decoratore, uno dei principali favoriti dei Medici. Il suo Cristo e San Tommaso ha un grande realismo e una grande poesia. Per la fontana del Nettuno a Firenze compone un Bambino con delfino che è il prototipo della figura serpentinata, che sarà il modello formale più prestigioso del manierismo e del barocco, e con la Dama con mazzo di fiori presenta un nuovo modello di busto, comprendente le braccia e metà del corpo, che diventa popolare. La sua opera maggiore, il monumento equestre a Bartolomeo Colleoni a Venezia, è un”espressione di potenza e forza più intensa del Gattamelata. Il Verrocchio ha influenzato molti pittori e scultori del XV secolo, tra cui Leonardo, Perugino e Raffaello, ed è considerato uno dei più grandi artisti del secolo.

Altri nomi di rilievo sono Luca della Robbia e la sua famiglia, una dinastia di ceramisti, creatori di una nuova tecnica di smaltatura e vetrificazione della ceramica. Una tecnica simile, la maiolica, era conosciuta da secoli, ma Luca ne sviluppò una variante e la applicò con successo a sculture e scenografie decorative di grandi dimensioni. La sua invenzione ha aumentato la durata e la resistenza dei pezzi, ha preservato la vivacità dei colori e ha permesso l”installazione all”aperto. Luca fu anche un noto scultore in marmo e Leon Battista Alberti lo inserì tra i leader dell”avanguardia fiorentina, insieme a Masaccio e Donatello. I grandi divulgatori della tecnica ceramica furono però il nipote Andrea della Robbia e il figlio Giovanni della Robbia, che ampliarono le dimensioni degli assemblaggi, arricchirono la tavolozza cromatica e perfezionarono la finitura. La tecnica è stata tenuta segreta per molto tempo.

Firenze rimase il centro dell”avanguardia fino alla comparsa di Michelangelo, che lavorò per i Medici e a Roma per i papi, e fu il nome più influente della scultura dall”Alto Rinascimento alla metà del Cinquecento. La sua opera si allontana dal classicismo puro del David e del Bacco per approdare al manierismo, espresso in opere veementi e drammatiche come gli Schiavi, il Mosè e i nudi della Cappella Medicea di Firenze. Anche artisti come Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio e Tullio Lombardo hanno lasciato opere di grande maestria e importanza, come l”Adamo di Lombardo, il primo nudo a grandezza naturale conosciuto dall”antichità.

Il ciclo rinascimentale si chiude con Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino e Benvenuto Cellini, tra gli altri, con uno stile di grande dinamicità ed espressività, esemplificato nel Ratto dalle Sabine del Giambologna. Già da allora, artisti di spicco provenienti da altri Paesi europei iniziarono a lavorare secondo linee chiaramente italiane, come Adriaen de Vries e Germain Pilon, diffondendo il gusto italiano in un”ampia area geografica e dando vita a varie formulazioni sincretiche con le scuole regionali.

La scultura era presente ovunque, per le strade come monumento e ornamento degli edifici, nelle sale della nobiltà, nelle chiese e nella casa più semplice c”era sempre un”immagine devozionale. I vasi, i mobili e gli strumenti di uso quotidiano dell”élite avevano spesso dettagli intagliati o incisi, e le miniature come le medaglie commemorative possono essere incluse in questo campo. In questo periodo si svilupparono risorse tecniche che permisero un immenso balzo in avanti rispetto al Medioevo in termini di capacità di creare forme libere nello spazio e di rappresentare la natura e il corpo umano, e la pubblicazione di vari trattati e commenti su quest”arte introdusse metodologie e teorie che ampliarono la comprensione del campo e la fondarono con una concettualizzazione più scientifica, fondando un”influente tradizione critica. Il miglioramento delle tecniche di scultura permise la creazione di opere di dimensioni note solo nell”antichità, e lo spirito civico dei fiorentini stimolò l”invenzione di nuovi modelli di monumento pubblico, una tipologia associata a un”altra comprensione della capacità rappresentativa dell”uomo come pratica sociale ed educativa.

Musica

In generale, la musica del Rinascimento non offre un panorama di brusche rotture della continuità, e tutto il lungo periodo può essere considerato il terreno della lenta trasformazione dall”universo modale a quello tonale, e dalla polifonia orizzontale all”armonia verticale. Il Rinascimento fu anche un periodo di grande rinnovamento nel trattamento della voce e nell”orchestrazione, nello strumentale e nel consolidamento di generi e forme puramente strumentali con le suite di danza per i balli, essendo grande la richiesta di intrattenimento musicale in ogni festa o cerimonia, pubblica o privata.

Nella tecnica compositiva viene abbandonata la polifonia melismatica degli organetti, derivata direttamente dal canto gregoriano, a favore di una scrittura più snella, con voci trattate in modo sempre più equilibrato. All”inizio del periodo il movimento parallelo è usato con parsimonia, gli accidenti sono rari ma le dissonanze aspre sono comuni. Più avanti la scrittura a tre voci inizia a presentare triadi, dando un”impressione di tonalità. Per la prima volta viene tentata una musica descrittiva o programmatica, i rigidi modi ritmici cedono il passo all”isoritmicità e a forme più libere e dinamiche come la ballata, la chanson e il madrigale. Nella musica sacra, la forma della messa divenne la più prestigiosa. La notazione si evolve verso l”adozione di note di valore più basso, e verso la fine del periodo l”intervallo di terza viene accettato come consonanza, mentre prima lo erano solo la quinta, l”ottava e l”unisono.

I precursori di questa trasformazione non furono italiani, ma francesi come Guillaume de Machaut, autore della più grande realizzazione musicale del Trecento in tutta Europa, la Messa di Notre Dame, e Philippe de Vitry, molto lodato da Petrarca. Della musica italiana di questa prima fase ben poco ci è pervenuto, anche se si sa che l”attività era intensa e quasi interamente in ambito profano, le principali fonti di partiture sono il Codice Rossi, il Codice Squarcialupi e il Codice Panciatichi. Tra i loro rappresentanti c”erano Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia e soprattutto Francesco Landini. Solo nel Cinquecento la musica italiana iniziò a sviluppare le proprie caratteristiche originali, essendo fino ad allora molto dipendente dalla scuola franco-fiamminga.

La predominanza delle influenze settentrionali non significa che l”interesse italiano per la musica fosse ridotto. In assenza di esempi musicali dell”antichità da emulare, i filosofi italiani come Ficino si rivolsero ai testi classici di Platone e Aristotele per trovare riferimenti che permettessero di creare una musica degna degli antichi. In questo processo un ruolo significativo fu svolto da Lorenzo de” Medici a Firenze, che fondò un”accademia musicale e attirò diversi musicisti europei, e da Isabella d”Este, la cui piccola ma brillante corte a Mantova attirò poeti che scrivevano semplici poesie in italiano da mettere in musica, e lì la recitazione di poesie, come in altri centri italiani, era solitamente accompagnata dalla musica. Il genere preferito era la frottola, che mostrava già una struttura armonica tonale ben definita e avrebbe contribuito a rinnovare il madrigale, con la sua tipica fedeltà al testo e agli affetti. Altri generi polifonici come la messa e il mottetto fanno ormai pieno uso dell”imitazione tra le voci e tutti sono trattati in modo simile.

Importanti compositori fiamminghi lavorano in Italia, come Adriaen Willaert e Jacob Arcadelt, ma le figure più famose del secolo sono Giovanni da Palestrina, italiano, e Orlando de Lasso, fiammingo, che stabiliscono uno standard per la musica corale che sarà seguito in tutto il continente, con una scrittura melodiosa e ricca, di grande equilibrio formale e nobile espressività, preservando l”intelligibilità del testo, un aspetto che nel periodo precedente era spesso secondario e si perdeva nell”intricata complessità del contrappunto. L”impressione della sua musica corrisponde alla grandezza idealistica dell”Alto Rinascimento, che fiorisce in una fase in cui il manierismo si era già fortemente manifestato in altre arti come la pittura e la scultura. Alla fine del secolo apparvero tre grandi figure, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli e Claudio Monteverdi, che avrebbero introdotto progressi nell”armonia e un senso del colore e del timbro che avrebbero arricchito la musica conferendole un”espressività e una drammaticità manieristiche e preparandola al Barocco. Monteverdi in particolare è importante per essere stato il primo grande operista della storia, e le sue opere L”Orfeo (1607) e L”Arianna (1608, andata perduta, di cui rimane solo una famosa aria, il Lamento) rappresentano il nobile tramonto della musica rinascimentale e le prime grandi pietre miliari del Barocco musicale.

Architettura

La permanenza di molte tracce dell”antica Roma sul suolo italiano non ha mai smesso di influenzare la plastica edilizia locale, sia nell”uso di elementi strutturali o materiali utilizzati dai Romani, sia nel mantenere viva la memoria delle forme classiche. Nonostante ciò, nel Trecento il gotico rimase lo stile dominante e il classicismo sarebbe emerso con forza solo nel secolo successivo, in mezzo a un nuovo interesse per le grandi conquiste del passato. Questo interesse è stato stimolato dalla riscoperta di bibliografia classica considerata perduta, come il De Architectura di Vitruvio, ritrovato nella biblioteca dell”Abbazia di Montecassino nel 1414 o 1415. In esso l”autore esaltava il cerchio come forma perfetta ed elaborava le proporzioni ideali dell”edificio e della figura umana, nonché la simmetria e il rapporto dell”architettura con l”uomo. Le sue idee saranno poi sviluppate da altri architetti, come il primo grande esponente del classicismo architettonico, Filippo Brunelleschi, che si ispirò anche alle rovine che aveva studiato a Roma. Fu il primo a utilizzare in modo coerente gli ordini architettonici moderni, stabilendo un nuovo sistema di proporzioni basato sulla scala umana. A lui si deve anche l”uso precursore della prospettiva per la rappresentazione illusionistica dello spazio tridimensionale su un piano bidimensionale, una tecnica che sarà molto sviluppata nei secoli successivi e che definirà l”intero stile dell”arte futura, inaugurando un fecondo sodalizio tra arte e scienza. Leon Battista Alberti è un altro architetto di grande importanza, considerato un perfetto esempio di “uomo universale” rinascimentale, versatile in varie specialità. È autore del trattato De re aedificatoria, che diventerà canonico. Altri architetti, artisti e filosofi si aggiunsero alla discussione, come Luca Pacioli nel suo De Divina Proportione, Leonardo con i suoi progetti di chiese centrate e Francesco di Giorgio con il Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Tra le caratteristiche più rilevanti dell”architettura rinascimentale c”è il ritorno del modello del tempio centralizzato, progettato a croce greca e coronato da una cupola, che rispecchia la divulgazione dei concetti della cosmologia neoplatonica e la concomitante ispirazione di edifici reliquari come il Pantheon di Roma. Il primo di questo tipo ad essere costruito nel Rinascimento fu forse San Sebastiano a Mantova, opera dell”Alberti del 1460, rimasta incompiuta. Il modello si basava su una scala più umana, abbandonando l”intenso verticalismo delle chiese gotiche e avendo la cupola come corona di una composizione che eccelleva in intelligibilità. Soprattutto per quanto riguarda la struttura e le tecniche di costruzione della cupola, nel Rinascimento sono state fatte grandi conquiste, ma si trattava di un”aggiunta tardiva allo schema, essendo preferite le coperture in legno. Tra le più importanti, la cupola ottagonale del Duomo di Firenze del Brunelleschi, che non utilizzò impalcature o calcestruzzo per la costruzione, e quella della Basilica di San Pietro a Roma di Michelangelo, già del XVI secolo.

Prima del Cinquecento non esisteva una parola che designasse gli architetti nel senso in cui sono intesi oggi, e venivano chiamati capomastri. L”architettura era l”arte più prestigiosa del Rinascimento, ma la maggior parte dei principali maestri dell”epoca, quando iniziarono a praticare le arti costruttive, erano già artisti di fama, ma non avevano una formazione nel settore, e provenivano dalla scultura o dalla pittura. I grandi progetti di edifici pubblici, palazzi e chiese erano affidati a loro, mentre l”architettura popolare era affidata a piccoli costruttori. A differenza delle pratiche medievali, caratterizzate da funzionalità e irregolarità, i maestri concepivano gli edifici come opere d”arte, erano pieni di idee su geometrie divine, simmetrie e proporzioni perfette, desiderosi di imitare gli edifici romani, e creavano disegni dettagliati e un modello in legno in scala ridotta dell”edificio, che serviva come progetto per i costruttori. Questi progetti erano strutturalmente e plasticamente innovativi, ma prestavano poca attenzione alla loro fattibilità pratica e alle esigenze dell”uso quotidiano, soprattutto nella distribuzione degli spazi. Erano i costruttori a dover risolvere i problemi tecnici che si presentavano durante i lavori, cercando di mantenere il progetto originale, ma spesso apportando importanti adattamenti e modifiche lungo il percorso, se il progetto o qualche sua parte si rivelava impraticabile. Secondo Hartt, quando iniziavano opere grandi e complesse come le chiese, i costruttori raramente erano sicuri di poter arrivare alla fine. Tuttavia, alcuni maestri vi hanno lavorato per lunghi anni e sono diventati grandi conoscitori della materia, introducendo importanti novità tecniche, strutturali e funzionali. Progettarono anche fortificazioni, ponti, canali e altre strutture, nonché una pianificazione urbana su larga scala. La maggior parte dei numerosi piani urbanistici rinascimentali non si realizzò mai, e di quelli avviati nessuno andò molto lontano, ma da allora sono stati fonte di ispirazione per gli urbanisti di tutte le generazioni.

Sul versante laico aristocratici come i Medici, gli Strozzi, i Pazzi, si assicurarono il loro status ordinando la costruzione di palazzi di grande imponenza e originalità, come Palazzo Pitti (Brunelleschi), Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), Palazzo Rucellai (Alberti) e Palazzo Strozzi (Maiano), tutti trasformando lo stesso modello dei palazzi medievali italiani, con un corpo più o meno cubico, piani con soffitti alti, strutturati intorno a un cortile interno, con una facciata rustica e coronata da un grande cornicione, che conferisce loro un aspetto di solidità e invincibilità. Forme più puramente classiche sono esemplificate nella Villa Medici di Giuliano da Sangallo. Interessanti variazioni di questo modello si trovano a Venezia, date le caratteristiche alluvionali del terreno.

Dopo la figura di spicco di Donato Bramante nell”Alto Rinascimento, che portò il centro dell”interesse architettonico da Firenze a Roma e fu autore di uno degli edifici sacri più esemplari della sua generazione, il Tempietto, troviamo lo stesso Michelangelo, considerato l”inventore dell”ordine colossale e per qualche tempo architetto delle opere della Basilica di San Pietro. Michelangelo, secondo i suoi stessi contemporanei, fu il primo a sfidare le regole fino ad allora stabilite dell”architettura classicista, sviluppando uno stile personale, perché fu, secondo Vasari, il primo ad aprirsi alla vera libertà creativa. Egli rappresenta, dunque, la fine del “classicismo collettivo”, piuttosto omogeneo nelle sue soluzioni, e l”inizio di una fase di individualizzazione e moltiplicazione dei linguaggi architettonici. Grazie all”immenso prestigio di cui godeva tra i suoi, aprì la strada alla nuova generazione di creatori che realizzarono innumerevoli esperimenti a partire dal canone classico dell”architettura, rendendo quest”arte indipendente dai vecchi – anche se ampiamente debitrice nei loro confronti. Tra i nomi più importanti di quest”epoca ci sono Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi e Vignola. Tra le modifiche introdotte da questo gruppo ci sono l”allentamento della struttura del frontespizio e l”annullamento delle gerarchie degli antichi ordini, con grande libertà per l”impiego di soluzioni non ortodosse e lo sviluppo del gusto per un gioco puramente plastico con le forme, che conferisce molto più dinamismo agli spazi interni e alle facciate. Di tutto il tardo Rinascimento Palladio è stato il più influente, ed è ancora oggi l”architetto più studiato al mondo. Fu il creatore di una fertile scuola, chiamata Palladianesimo, che durò, con alterne vicende, fino al XX secolo.

Con il crescente movimento di artisti, umanisti e insegnanti tra le città a nord delle Alpi e la penisola italiana, e con la grande circolazione di testi a stampa e opere d”arte attraverso le riproduzioni in incisione, il classicismo italiano iniziò a metà del XV secolo una fase di diffusione in tutto il continente. Francesco I di Francia e Carlo V, Sacro Romano Imperatore, riconobbero ben presto il potenziale del prestigio dell”arte italiana per promuovere le loro immagini reali e furono agenti decisivi per la sua intensa diffusione al di là delle Alpi. Ma questo accadeva all”inizio del XVI secolo, quando il ciclo rinascimentale era già maturato in Italia da almeno duecento anni ed era già nella sua fase manieristica.

Va notato, quindi, che nel resto d”Europa non c”è stato alcun Quattrocento o Alto Rinascimento. Nel Cinquecento, il periodo in cui l”italianizzazione europea raggiunse il suo apice, le tradizioni regionali, pur conoscendo in qualche misura il classicismo, erano ancora fortemente impregnate di stili già obsoleti in Italia, come il romanico e il gotico. Il risultato è stato molto eterogeneo e riccamente ibrido, ha prodotto l”apertura di molteplici percorsi e la sua analisi è stata piena di controversie, dove l”unico consenso importante che si è formato sottolinea la diversità del movimento, la sua ampia irradiazione e la difficoltà di una descrizione generalista coerente per le sue manifestazioni, nella prospettiva dell”esistenza di scuole regionali e nazionali con forte individualità, ciascuna con una storia e valori specifici.

Francia

L”influenza del Rinascimento attraverso le Fiandre e la Borgogna esisteva già dal XV secolo, come si nota nella produzione di Jean Fouquet, ma la Guerra dei Cento Anni e le epidemie di peste ne ritardarono la fioritura, che si verificò solo a partire dall”invasione francese dell”Italia da parte di Carlo VIII nel 1494. Il periodo si estende fino al 1610 circa, ma la sua fine è tumultuosa con le guerre di religione tra cattolici e ugonotti, che devastano e indeboliscono il Paese. Durante il suo mandato la Francia inizia lo sviluppo dell”assolutismo e si espande via mare per esplorare l”America. Il punto focale fu stabilito a Fontainebleau, sede della corte, e vi si formò la Scuola di Fontainebleau, integrata da francesi, fiamminghi e italiani come Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell”Abbate e Toussaint Dubreuil, che fu un riferimento per altri come François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon e Pierre Lescot. Era presente anche Leonardo. Nonostante ciò, la pittura conobbe uno sviluppo relativamente povero e poco innovativo, più incentrato sul dettaglio prezioso e sul virtuosismo, nessun artista francese di questo periodo acquisì una fama continentale come tanti italiani, e il classicismo è percepibile solo attraverso il filtro manierista. D”altra parte, è emerso uno stile di decorazione che è stato presto ampiamente imitato in Europa, combinando pittura, stucco a rilievo ed elementi lignei intagliati.

L”architettura fu una delle arti più originali del Rinascimento francese e in tutta Europa, al di fuori dell”Italia, non apparvero edifici paragonabili ai grandi palazzi francesi come quelli di Fontainebleau, Tuileries, Chambord, Louvre e Anet, la maggior parte dei quali con ampi giardini formali, dove spiccano gli architetti Pierre Lescot e Philibert de l”Orme, fortemente influenzati dall”opera di Vignola e Palladio, fautori di un classicismo più puro e organizzatori di facciate e piante simmetriche. In ogni caso, il loro classicismo non era puro: riorganizzavano gli ordini classici in modo diverso, creavano varianti, dinamizzavano le piante e i volumi e ponevano grande enfasi su una decorazione lussureggiante ed estrosa, contraddicendo i principi di razionalità, semplicità ed economia formale del classicismo più tipico, oltre a conservare le tradizioni locali caratteristiche del gotico.

Nella musica ci fu una grande fioritura attraverso la Scuola di Borgogna, che dominò la scena musicale europea durante il XV secolo e che avrebbe dato origine alla Scuola franco-fiamminga, che avrebbe prodotto maestri come Josquin des Prez, Clément Janequin e Claude Le Jeune. La chanson francese del XVI secolo avrà un ruolo nella formazione della canzona italiana, e la sua Musique mesurée stabilirà un modello di scrittura vocale declamatoria nel tentativo di ricreare la musica del teatro greco, e favorirà l”evoluzione verso la piena tonalità. Si diffuse anche un genere di musica sacra distinto dai modelli italiani, noto come chanson spirituelle. In letteratura spiccano Rabelais, precursore del genere fantastico, Montaigne, divulgatore del genere saggistico di cui è ancora oggi uno dei più grandi nomi, e il gruppo che componeva la Pleiade, con Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay e Jean-Antoine de Baïf, che cercava un aggiornamento vernacolare della letteratura greco-romana, l”emulazione di forme specifiche e la creazione di neologismi basati sul latino e sul greco.

Paesi Bassi e Germania

I fiamminghi erano in contatto con l”Italia fin dal XV secolo, ma solo nel XVI secolo il contesto si trasforma e si caratterizza come rinascimentale, avendo una vita relativamente breve. In questa fase la regione si arricchisce, la Riforma protestante diventa una forza decisiva, contrapposta alla dominazione cattolica di Carlo V, portando a gravi conflitti che divideranno l”area. Le città commerciali di Bruxelles, Gand e Bruges rafforzano i contatti con l”Italia settentrionale e commissionano opere o attirano artisti italiani, come gli architetti Tommaso Vincidor e Alessandro Pasqualini, che vi hanno trascorso gran parte della loro vita. L”amore per l”incisione portò nella regione numerose riproduzioni di opere italiane, Dürer lasciò un segno indelebile al suo passaggio, Erasmo mantenne vivo l”Umanesimo e Raffaello fece eseguire arazzi a Bruxelles. Vesalio fece importanti progressi nell”anatomia, Mercatore nella cartografia e la nuova stampa trovò ad Anversa e Lovanio le condizioni per la fondazione di influenti case editrici.

Nella musica i Paesi Bassi, insieme alla Francia nord-occidentale, diventano il centro principale per tutta l”Europa grazie alla Scuola franco-fiamminga. In campo pittorico sviluppò una scuola originale, che diffuse la pittura a olio e prestò enorme attenzione ai dettagli e alle linee, rimanendo molto fedele ai soggetti sacri e incorporando la sua tradizione gotica nelle innovazioni manieristiche italiane. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden e Hieronymus Bosch furono i suoi precursori nel XV secolo, e presto la regione avrebbe dato il proprio contributo all”arte europea, consolidando la pittura di paesaggio con Joachim Patinir e la pittura di genere con Pieter Brueghel il Vecchio e Pieter Aertsen. Altri nomi di rilievo sono Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt e Joos van Cleve.

La Germania diede impulso al suo Rinascimento fondendo il suo ricco passato gotico con elementi italiani e fiamminghi. Uno dei suoi primi maestri fu Konrad Witz, seguito da Albrecht Altdorfer e Albrecht Dürer, che fu a Venezia due volte e ne fu profondamente influenzato, rimpiangendo di dover tornare a nord. Insieme allo studioso Johann Reuchlin, Dürer fu uno dei principali artefici della diffusione del Rinascimento nell”Europa centrale e anche nei Paesi Bassi, dove le sue famose incisioni furono molto apprezzate da Erasmo, che lo definì “l”Apeles delle linee nere”. La scuola romana fu un elemento importante nella formazione dello stile di Hans Burgkmair e Hans Holbein, entrambi di Augusta, visitati da Tiziano. Per quanto riguarda la musica, basti citare Orlando de Lasso, esponente della scuola franco-fiamminga stabilitosi a Monaco di Baviera, che diventerà il compositore più famoso d”Europa della sua generazione, al punto da essere nominato cavaliere dall”imperatore Massimiliano II e nominato cavaliere da Papa Gregorio XIII, cosa estremamente rara per un musicista.

Portogallo

L”influenza del Rinascimento in Portogallo si estende dalla metà del XV alla fine del XVI secolo. Sebbene il Rinascimento italiano abbia avuto un impatto modesto sull”arte, i portoghesi sono stati influenti nell”ampliare la visione del mondo degli europei, stimolando la curiosità umanistica.

Pioniere dell”esplorazione europea, il Portogallo fiorì alla fine del XV secolo con le sue navigazioni verso l”Oriente, ricavando immensi profitti che incrementarono la borghesia commerciale e arricchirono la nobiltà, consentendo lussi e la coltivazione dello spirito. Il contatto con il Rinascimento avvenne grazie all”influenza di ricchi mercanti italiani e fiamminghi che investirono nel commercio marittimo. I contatti commerciali con Francia, Spagna e Inghilterra furono assidui e gli scambi culturali si intensificarono.

Come grande potenza navale, attirò specialisti in matematica, astronomia e tecnologia navale, come Pedro Nunes e Abraão Zacuto; i cartografi Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes e Diogo Ribeiro, che fecero progressi cruciali nella mappatura del mondo. Gli inviati in Oriente, come lo speziale Tomé Pires e il medico Garcia de Orta, raccolsero e pubblicarono opere sulle nuove piante e medicine locali.

In architettura, i profitti del commercio delle spezie nei primi decenni del XVI secolo finanziarono un sontuoso stile di transizione, che fonde elementi marini con il gotico e il manuelino. Il Monastero dei Jerónimos, la Torre di Belém e la finestra del Capitolo del Convento di Cristo a Tomar sono i più noti; Diogo Boitaca e Francisco de Arruda ne furono gli architetti. Nella pittura spiccano Nuno Gonçalves, Gregório Lopes e Vasco Fernandes. Nella musica, Pedro de Escobar e Duarte Lobo, oltre a quattro canzonieri, tra cui il Cancioneiro de Elvas e il Cancioneiro de Paris.

In letteratura, Sá de Miranda introdusse forme di versi italiani; Garcia de Resende compilò il Cancioneiro Geral nel 1516 e Bernardim Ribeiro fu il pioniere del bucolicismo. Gil Vicente li ha fusi con la cultura popolare, raccontando il cambiamento dei tempi e Luís de Camões ha iscritto le conquiste dei portoghesi nel poema epico Os Lusíadas. Fiorisce in particolare la letteratura di viaggio: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, tra gli altri, descrivono nuove terre e vengono tradotti e diffusi dalla nuova stampa. Dopo aver partecipato all”esplorazione portoghese del Brasile, nel 1500, Amerigo Vespucci, agente dei Medici, coniò il termine Nuovo Mondo.

L”intenso scambio internazionale produsse diversi studiosi umanisti e cosmopoliti: Francisco de Holanda, André de Resende e Damião de Góis, amico di Erasmo, che scrissero con rara indipendenza nel regno di Manuele I; Diogo e André de Gouveia, che realizzarono importanti riforme nel campo dell”istruzione attraverso la Francia. Le relazioni e i prodotti esotici della stazione commerciale portoghese di Anversa attirarono l”interesse di Thomas More e Durer per il mondo intero. Ad Anversa, i profitti e le conoscenze portoghesi contribuirono ad alimentare il Rinascimento olandese e l”età dell”oro dei Paesi Bassi, soprattutto dopo l”arrivo della colta e ricca comunità ebraica espulsa dal Portogallo.

Spagna

In Spagna, le circostanze erano in molti punti simili. La riconquista dei territori spagnoli dagli arabi e il fantastico afflusso di ricchezze dalle colonie americane, con i relativi intensi scambi commerciali e culturali, favorirono una fase di espansione e arricchimento dell”arte locale senza precedenti. Artisti come Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes e molti altri hanno lasciato opere notevoli in stile classico o manierista, più drammatici dei loro modelli italiani, poiché lo spirito della Controriforma aveva lì una roccaforte e, in scrittori sacri come Teresa d”Avila, Ignazio di Loyola e Giovanni della Croce, grandi rappresentanti. Soprattutto in architettura, la rigogliosa ornamentazione divenne tipica dello stile noto come plateresco, una sintesi unica di influenze gotiche, moresche e rinascimentali. L”Università di Salamanca, il cui insegnamento aveva uno stampo umanistico, e l”insediamento di italiani come Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni e Pompeo Leoni iniettarono ulteriore forza nel processo.

Il Rinascimento successivo ha attraversato l”oceano e si è radicato anche in America e in Oriente, dove sopravvivono ancora molti monasteri e chiese fondati dai colonizzatori spagnoli nei centri del Messico e del Perù e dai portoghesi in Brasile, a Macao e a Goa, alcuni dei quali sono oggi Patrimonio dell”Umanità.

Inghilterra

In Inghilterra, il Rinascimento coincise con la cosiddetta Età elisabettiana, di grande espansione marittima e di relativa stabilità interna dopo le devastazioni della lunga Guerra delle Rose, quando divenne possibile pensare alla cultura e all”arte. Come nella maggior parte degli altri Paesi europei, l”eredità gotica ancora viva si mescola a riferimenti del tardo Rinascimento, ma le sue caratteristiche distintive sono la predominanza della letteratura e della musica sulle altre arti e la sua validità fino al 1620 circa. Poeti come John Donne e John Milton ricercano nuovi modi di intendere la fede cristiana, e drammaturghi come Shakespeare e Marlowe si muovono agilmente tra i temi centrali della vita umana – tradimento, trascendenza, onore, amore morte – in tragedie celebri come Romeo e Giulietta, Macbeth, Otello, il Moro di Venezia (Shakespeare) e il Dottor Faustus (Marlowe), così come nei loro aspetti più prosaici e spensierati in favole affascinanti come Sogno di una notte di mezza estate (Shakespeare). Filosofi come Francis Bacon aprirono nuovi confini al pensiero astratto e rifletterono su una società ideale, mentre in musica la scuola madrigalistica italiana fu assimilata da Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons e molti altri, acquisendo un sapore inconfondibilmente locale e creando una tradizione che rimane viva ancora oggi, al fianco di grandi polifonisti sacri come John Taverner, William Byrd e Thomas Tallis, quest”ultimo ha lasciato il celebre mottetto Spem in alium, per quaranta voci divise in otto cori, una composizione che non ha eguali nel suo tempo per la maestria nella gestione di enormi masse vocali. In architettura spiccano Robert Smythson e i palladianisti Richard Boyle, Edward Lovett Pearce e Inigo Jones, la cui opera ebbe ripercussioni anche in Nord America, facendo discepoli George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison e Thomas Jefferson. Nella pittura il Rinascimento fu recepito soprattutto dalla Germania e dai Paesi Bassi, con la figura principale di Hans Holbein, per poi fiorire con William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard e molti altri maestri della Scuola Tudor.

Arti e scienze

Fonti

  1. Renascimento
  2. Rinascimento
  3. a b c Schmitt, Charles B. et al. (eds.). The Cambridge History of Renaissance Philosophy. Cambridge University Press, 1988, pp. 127-135
  4. a b c d e “Renaissance”. In: Encyclopædia Britannica online.
  5. a b c “Western Philosophy: Renaissance Philosophy”. In: Encyclopadedia Britannica online, consulta em 17/10/2017
  6. ^ French: [ʁənɛsɑ̃s] (listen), meaning ”re-birth”, from renaître ”to be born again”; Italian: Rinascimento [rinaʃʃiˈmento], from rinascere, with the same meanings.[2]
  7. ^ So Europe in 1300 was considerably more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 800, even though 800 and 1300 are both considered to be in the Middle Ages, and conversely, Europe in 1700 was more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 1900, even though 1700 and 1900 are both considered to be in the modern period.
  8. ^ It is thought that Leonardo da Vinci may have painted the rhombicuboctahedron.[66]
  9. «Renacimiento». Oxford University Press. Consultado el 8 de marzo de 2022.
  10. «La falacia de convertir en verdad histórica lo que es historiografía». Reinventar la Antigüedad. Consultado el 1 de agosto de 2018.
  11. Le Moyen Âge se termine en 1453 ou 1492 selon les auteurs, mais la Renaissance a commencé bien plus tôt en Italie
  12. Burke 2002, p. 29-30.
  13. Burke 2002, p. 9.
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