Simone Martini

Riassunto

Simone Martini (Siena, 1284 circa – Avignone, 1344) è stato un pittore italiano e una delle maggiori figure della pittura senese medievale. Per tutta la vita ricevette commissioni dai circoli più elevati, fu il primo “artista di corte” a Siena per il Concilio dei Nove, realizzò una serie di affreschi nella più importante chiesa dell’Ordine Francescano ad Assisi, fu incaricato dal Regno di Napoli e successivamente lavorò alla corte papale. Da pittore locale è diventato un artista di fama internazionale. Lui e la sua cerchia di allievi trasmisero importanti modelli pittorici che furono sfruttati da molti altri artisti europei e da intere scuole di pittura.

Poco si sa della vita e della personalità di Simone Martini. Giorgio Vasari, nel suo libro “I più insigni pittori, scultori e architetti”, ha descritto la sua vita insieme a quella di molti altri pittori toscani, ma le informazioni contenute nel libro sono inesatte. Vasari non conosceva nemmeno il suo nome esatto, chiamandola Simone Memmi, confondendola con il cognato Lippo Memmi. Non sopravvivono documenti per i primi quasi trent’anni della sua vita. Nacque a Siena o poco lontano dalla città intorno al 1284. Il padre lavorava come assistente del pittore, aiutando a preparare gli affreschi. Probabilmente studiò nella bottega di Duccio di Buoninsegna e divenne un artista riconosciuto prima del 1315. Tra il 1312 e il 1315 realizzò i disegni per le vetrate della cappella di San Martino nella basilica di San Francesco ad Assisi. Nel 1315 dipinse la Maesta nella sala consiliare del Palazzo Pubblico di Siena e poi lavorò agli affreschi della Cappella di San Martino ad Assisi. La sua fama crebbe rapidamente e nel 1317, poco dopo il suo trentesimo compleanno, fu invitato alla corte degli Angioini a Napoli, dove ricevette uno stipendio annuale e fu nominato cavaliere. Ciò è attestato da un ordine di pagamento del 23 luglio 1317, in cui viene indicato come cavaliere e non come pittore. Tra la fine del primo e l’inizio del secondo decennio del XIV secolo realizzò diverse tavole, ma solo due di queste sono databili: la più importante è il dipinto firmato per la chiesa di Santa Caterina d’Alessandria a Pisa, realizzato nel 1319, mentre l’altra è la pala d’altare ora a Orvieto, del 1320. Non sono sopravvissute altre opere di questi anni, per cui, in assenza di fonti, non è possibile identificare quali delle tante opere siano sue e quali siano state realizzate dai suoi assistenti. Nel secondo decennio del XIV secolo aveva già un certo numero di seguaci che lavoravano nella sua bottega. Solo il fratello Donato e i successivi cognati Lippo e Federico Memmi sono conosciuti per nome. Negli anni Venti del XIII secolo ricevette numerose commissioni a Siena, come attestano i documenti superstiti, che in genere fanno riferimento alle somme versate all’artista. Nel 1321 dovette ridipingere parte della Maestà e nel 1322 e 1323 ricevette diversi incarichi per la decorazione del Palazzo Pubblico. Queste opere sono andate distrutte e non è possibile determinare dai documenti quali fossero queste commissioni. Nel 1324 sposò la figlia di Memmo di Filippuccio, Giovanna. Il pittore era ormai un uomo ricco e poco prima del suo matrimonio acquistò una casa e regalò alla moglie 240 monete d’oro come dono di nozze. Sposandosi con la famiglia Memmo, Lippo Memmo si avvicinò ancora di più a lui, un rapporto che durò per tutta la vita. La pala d’altare del Beato Augusto da Tarano nella chiesa di Sant’Agostino a Siena e la tavola di San Lazzaro, il re ungherese, destinata alla venerazione privata, furono dipinte probabilmente negli anni Venti del XIII secolo. Nel 1326 dipinse una tavola per il Palazzo del Capitano del Popolo. Si trattava di un’opera importante, come si può dedurre dalla considerevole somma pagata all’artista per realizzarla, ma non sono disponibili altre informazioni. L’anno successivo dipinse due bandiere che furono donate alla Repubblica di Siena]]. Il re Roberto di Napoli la consegnò al figlio, il principe Carlo di Calabria. Nel 1329 o 1330 dipinse due angeli per il Palazzo Pubblico e lì realizzò il ritratto di Marco Regoli, poi giustiziato per tradimento. Anche questi affreschi sono noti solo dalle fonti. Anche l’opera più popolare di Martini, il ritratto di Guidoriccio da Folignano, fu realizzata nel 1330. Nel 1333 dipinse la sua opera per la cattedrale di Siena, intitolata Il saluto angelico, l’ultima conosciuta prima di trasferirsi ad Avignone. L’arte senese si diffonde anche attraverso le miniature. Un messale splendidamente illustrato nella Biblioteca Vaticana è attribuito a lui, così come la grande miniatura ad acquerello e tempera diluita che dipinse per un codice di proprietà del Petrarca (ora alla Biblioteca Ambrosiana di Milano). Delle opere realizzate durante il suo soggiorno ad Avignone, sopravvivono solo alcuni frammenti di affreschi nella chiesa di Notre-Dame-des-Doms, una raffigurazione della Sacra Famiglia nella Walker Art Gallery di Liverpool (1342) e pezzi di una pala d’altare in più parti ad Anversa, Parigi e Berlino. Simone Martini morì ad Avignone nell’estate del 1344. Non avendo figli propri, nel testamento divise i suoi beni (due case, vigneti e una notevole somma di denaro) tra la moglie, le due nipoti Francesca e Giovanna e i figli del fratello Donato. Probabilmente la moglie tornò a Siena nel 1347 per sfuggire alla peste.

Simone Martini fu un seguace di Duccio di Buoninsegna, e probabilmente imparò la sua arte di pittore nel suo ambiente. Conosceva anche le innovazioni di Giotto, ma si astenne consapevolmente dall’utilizzarle. Era vicino all’arte gotica francese, le cui linee eleganti sono riconoscibili nelle sue opere. Grazie a lui, la scuola senese godette per breve tempo di una fama superiore a quella di Firenze. Ha lavorato ad Assisi, Napoli, Roma e nel Palazzo Papale di Avignone. Al di fuori delle commissioni ufficiali della Repubblica, lavorò poco a Siena e molto di più per gli Angiò di Napoli. Grazie al suo lavoro ad Avignone, le caratteristiche della pittura senese, con la sua composizione e colorazione di tipo bizantino e le sue linee gotiche occidentali, si diffusero prima in Francia e poi in altre parti d’Europa. Questo stile può essere considerato un diretto precursore del gotico internazionale. Oltre agli affreschi, realizzò anche un gran numero di tavole, facilmente trasportabili, che furono un fattore determinante per la diffusione della sua fama in vaste aree e per la successiva popolarità dello stile senese in tutta Europa. Spesso utilizzava sfondi dorati, che non risentivano delle nuove conquiste della rappresentazione spaziale. In molti casi, utilizzava uno strumento metallico con un’estremità incisa per stampare motivi floreali e altri motivi decorativi sul fondo oro, segnando le cornici, le glorie o l’orlo degli abiti. È nelle opere di Simone Martini che osserviamo per la prima volta la rappresentazione individualistica dei ritratti nella pittura medievale. Ne sono un esempio il ritratto di profilo del re Roberto di Napoli o la figura del cardinale Gentile da Montefiore nella Cappella di San Martino.

Simone Martini realizzò probabilmente le sue prime opere a Siena all’inizio del XIV secolo. La sua prima opera conosciuta è la Madonna col Bambino della Pinacoteca di Siena (n. 583), che costituiva il centro di un dipinto a più pannelli, come indicano i fori praticati nella cornice. La Madonna è rivolta verso lo spettatore, la sua postura è eretta e il mantello le copre strettamente il corpo. Questi tratti sono riconducibili all’arte di Duccio, ma il dipinto mostra anche le innovazioni di Martini, come la caratteristica forma dello scialle che copre il capo della Madonna, le luci e le ombre sugli abiti delle figure, il movimento del Bambino che si volta verso il santo (ormai perduto) alla sua destra, i capelli ricci e le orecchie perfettamente scolpite. Un’altra sua opera giovanile è stata scoperta nella chiesa di San Lorenzo in Ponte a San Gimignano e le ricerche suggeriscono che sia stata dipinta tra il 1311 e il 1314. Si tratta di un’immagine della Madonna, ma solo il volto della figura può essere considerato opera di Simone Martini, poiché nel 1413 Cenni di Francesco ridipinse quasi tutto l’affresco. Nonostante le pessime condizioni dell’affresco, la raffigurazione del volto della Madonna da parte delle luci e le pieghe residue del manto ricordano la Madonna della Pinacoteca senese. A Siena si trova anche il suo dipinto della Madonna della Misericordia, che potrebbe essere stato realizzato nello stesso periodo. Anche in questo dipinto sono riconoscibili gli stilemi di Duccio, soprattutto nella disposizione delle figure sotto il mantello di Maria, ma l’innovazione di Martini è il senso dello spazio che separa le figure, la figura animata di Maria e le pieghe del suo mantello.

Il Maestà

Il suo primo incarico importante fu nella sua città natale. La costruzione del Palazzo Pubblico fu completata all’inizio del XIV secolo ed egli dipinse la Madonna, protettrice della città, nella sala del consiglio all’interno dell’edificio nel 1315, in compagnia di santi e angeli, solo quattro anni dopo che Duccio aveva terminato la pala d’altare della cattedrale. Ne consegue che Simone Martini era già un maestro rinomato a quell’epoca, altrimenti Duccio, e non Simone Martini, sarebbe stato incaricato di creare un’opera così importante. Qui la Madonna non è più una figura semi-bizantina, ma indossa una corona come le Madonne francesi. In grembo il bambino Gesù tiene una benedizione in una mano e un rotolo nell’altra. San Pietro, San Paolo, Giovanni Battista e Giovanni Evangelista sorreggono un grande baldacchino di tela colorata, la cui tenda è rivolta verso lo spettatore in modo che sia visibile il lato interno. La tettoia in tessuto colorato è sostenuta da sottili colonne. La sedia del trono è in stile gotico e ricorda le pale d’altare tripartite del XIV secolo, suggerendo che l’artista era attratto dal gotico francese fin dall’inizio, anche prima di conoscerlo meglio alla corte papale di Avignone. I tratti dei santi che circondano la Madonna non sono molto individuali, non sono molto espressivi e le loro espressioni sono dolci e senza violenza. Il pittore ha disposto le figure in piani uno dietro l’altro nel tentativo di dare l’impressione di spazialità. A sinistra del trono ornato si trovano Santa Caterina d’Alessandria, San Giovanni Evangelista, Santa Maria Maddalena, San Gabriele Arcangelo e San Paolo, e a destra Santa Barbara, San Giovanni Battista, Sant’Agnese, San Michele Arcangelo e San Pietro. Nella fila inferiore, i quattro santi patroni di Siena sono inginocchiati in compagnia di due angeli che offrono rose e gigli alla Madonna. Il grande affresco è incorniciato da un’ampia bordura decorativa, che alterna busti di profeti e motivi floreali, e presenta anche lo stemma della città di Siena in piccoli medaglioni. Ai quattro angoli della cornice si trovano i quattro evangelisti con i loro simboli. Sinmone utilizzò altri materiali oltre alle pitture tradizionali, e in alcune parti dell’affresco scavò nel muro o creò superfici in rilievo per ottenere l’effetto desiderato. Il rotolo che Gesù tiene in mano è carta vera e il testo su di esso è inchiostro vero. L’artista si ispirò anche all’arte degli argentieri senesi, un motivo che è particolarmente evidente nel design della sedia del trono. Nelle figure inginocchiate, una linea parte dal pavimento, a circa quattro metri da terra, dove i colori cambiano leggermente. È probabile che tra le due parti sia stato ad Assisi, dove ha rilevato le superfici e fatto disegni nella cappella di San Martino. Sei anni dopo il suo completamento, la Maestà fu parzialmente ridipinta perché alcune parti erano state danneggiate dalle infiltrazioni di acqua piovana. È possibile che le figure di Maria, del bambino Gesù e dei due angeli con i fiori in mano siano il risultato di questa ridipintura, in quanto presentano i segni stilistici del periodo maturo del pittore.

La Cappella di San Martino

Ad Assisi, Simone Martini ha decorato una serie di affreschi nella cappella di San Martino, una delle chiese inferiori della Basilica di San Francesco. La cappella fu consacrata nel 1312 dal cardinale Gentile da Montefiore, che nel suo testamento lasciò all’Ordine francescano la cospicua somma di seicento monete d’oro per coprire le spese di decorazione della cappella. Anche questo ciclo di affreschi è legato alla corte napoletana, poiché il re Roberto, in qualità di esecutore testamentario del suo fondatore, il cardinale Montefiore, noto come Legato d’Ungheria, ebbe un ruolo nella sua realizzazione. La datazione delle pitture murali della Cappella di San Martino è oggetto di controversia, non da ultimo per la loro qualità artistica, poiché sono poche le opere firmate e datate del periodo maturo di Martini. La datazione più probabile per le pitture murali è la prima metà degli anni ’20 del XIII secolo, mentre alcuni studiosi ritengono che risalgano a qualche anno prima, al 1317. Su una superficie semicircolare elevata della parete d’ingresso della cappella, l’artista ha raffigurato i santi più popolari dell’epoca (San Francesco d’Assisi, Sant’Antonio da Padova, Santa Maria Maddalena, Santa Caterina d’Alessandria, San Luigi di Francia, San Luigi di Tolosa, Santa Chiara d’Assisi e Santa Elisabetta della Casa di Árpád). Quando Martini progettò il ciclo di affreschi per la cappella, queste raffigurazioni di santi non erano probabilmente incluse nel progetto originario, ma furono probabilmente realizzate nel 1317 in onore di San Luigi di Tolosa, l’anno della sua canonizzazione. Il ciclo di affreschi raffigura la vita di San Martino, che nacque in Pannonia nel IV secolo, divenne soldato e poi dedicò la sua vita interamente alla religione. Quando il pittore scelse le scene della vita del santo da rappresentare, cercò un parallelo ideale con gli affreschi sulla vita di San Francesco nella Basilica sovrastante. Gli affreschi “San Martino che divide il suo mantello con un mendicante” “Fino alla sepoltura del santo” seguono la vita di San Martino in dieci scene di miracoli e altre azioni significative. La loro atmosfera riflette la vita nelle corti medievali. Le dieci scene della vita di San Martino sono separate da cornici ornamentali. In origine erano iscritte, ma le scritte sono ormai sbiadite e illeggibili. Oltre agli affreschi, anche le vetrate della cappella sono importanti opere d’arte, probabilmente basate su disegni di Simone Martini, prima che la cappella fosse dipinta. Le vetrate venivano sempre realizzate prima di dipingere le cappelle, perché i vetri colorati alteravano notevolmente l’illuminazione dell’interno e quindi l’effetto dei dipinti. Nell’arco semicircolare sopra l’ingresso dipinse la scena della “Consacrazione della Cappella”. Nel dipinto, il cardinale Gentile si inginocchia davanti a San Martino, che lo aiuta ad alzarsi da terra. La scena si svolge sotto un ciborio in stile gotico con archi semicircolari con tre braccia per lato. Il ritratto realistico del Cardinale è una delle prime rappresentazioni del realismo che Simone cercava di raggiungere. Le scene della vita di San Martino si susseguono in tre fasce da sinistra a destra e dal basso verso l’alto, a partire dall’ingresso. Nella fila inferiore, “San Martino divide il suo mantello con un mendicante”, “Sogno di San Martino”, “San Martino è cavaliere” e “Il Santo rinuncia alle armi”; nella fila centrale, “Miracolo del Bambino Risorto”, “Meditazione”, “Messa miracolosa” e “Miracolo del fuoco”; nella fila superiore, “Morte di San Martino” e “Sepoltura di San Martino”.

Il ciclo di affreschi di San Martino

Le prime quattro delle dieci scene ritraggono il santo come persona laica.

Immagini sacre nel transetto della Basilica di San Francesco

Nella chiesa inferiore della Basilica di San Francesco, nel transetto di destra, sulla parete esterna della cappella di San Nicola, Simone Martini dipinse un’ampia fascia di sette santi e una Madonna con Bambino. Gli affreschi potrebbero essere stati realizzati intorno al 1318, ma alcuni ricercatori ritengono possibile che siano stati dipinti un decennio dopo. L’intera fascia è circondata da una cornice ornata, le figure sono separate da sottili colonne, le linee sono armoniose e i colori utilizzati per dipingerle sono brillanti. Le figure sono, da sinistra a destra, San Francesco, San Luigi di Tolosa, Santa Elisabetta d’Ungheria, Santa Margherita, il Principe Imre, Santo Stefano, la Madonna con il Bambino e San Lazzaro.

Il re Roberto d’Angiò di Napoli, amico di Petrarca, salì al potere dopo l’abdicazione della corona da parte del fratello Luigi. Luigi entrò nell’Ordine francescano, divenne poi vescovo di Tolosa e fu canonizzato dopo la sua morte. Il re Roberto voleva commemorare il fratello, così nel 1317 (contemporaneamente alla sua canonizzazione) commissionò a un artista il suo ritratto. La tavola, originariamente dipinta in una cappella della chiesa di San Lorenzo Maggiore a Napoli, è tuttora esposta nella Pinacoteca di Capodimonte a Napoli. Il pannello era incorniciato in un’ampia cornice decorata con gigli, simbolo della Casa d’Angiò. San Luigi è raffigurato al centro della composizione, seduto su un trono, in una rigida visione frontale. Il principe indossa un’alta veste sacerdotale ornata sopra il suo abito francescano e porta sul capo una mitra vescovile decorata con pietre preziose e perle. Nella mano destra tiene un bastone da pastore e nella sinistra la corona reale, che tiene sopra la testa del fratello. Il santo è incoronato da due angeli, intrecciando così l’incoronazione di Luigi in cielo e di Roberto in terra. Il dipinto riflette la dignità regale dei personaggi, con il tappeto anatolico, il disco di vetro reale che tiene insieme le vesti e le rappresentazioni dei gioielli e degli abiti ornati delle figure. Roberto d’Angiò voleva sottolineare la legittimità del suo regno, per proteggersi dalle accuse di usurpazione del trono, e per enfatizzare il fatto che il pittore ha probabilmente dipinto un ritratto realistico del re, la figura di San Luigi sembra immateriale, che guarda in lontananza, apparentemente già appartenente alla sfera divina, mentre il fratello, al contrario di lui, è parte della realtà terrena

Scene della vita di San Luigi di Tolosa

Nella parte inferiore del pannello è rappresentata la storia di San Luigi di Tolosa in cinque scene. Nella prima immagine, San Luigi accetta di essere consacrato vescovo di Tolosa. Per ragioni politiche, ciò avvenne in segreto nel dicembre 1296 a Roma, alla presenza di Papa Bonifacio VIII e del re Carlo II di Napoli (padre di Luigi), che voleva acquisire maggiore influenza in un’area che era di grande importanza per il re Filippo IV di Francia. Luigi non voleva partecipare a giochi politici ed era disposto a servire come vescovo solo se poteva entrare nell’ordine francescano. Nella seconda immagine, Luigi prende i voti il 5 febbraio 1297 sulla base di un patto segreto con il Papa e diventa membro dell’Ordine Francescano, nella terza immagine distribuisce cibo santo ai bisognosi, nella quarta il suo funerale, un atto degno per un sommo sacerdote, e nella quinta uno dei suoi atti miracolosi di resurrezione di un bambino che era morto poco prima.

Le ricerche suggeriscono che il polittico di Santa Caterina (dipinto a più pannelli) sia interamente opera di Simone Martini. Alcuni studiosi hanno ipotizzato che le figure martiriali di San Domenico e San Pietro siano state realizzate dai suoi assistenti, ma ciò è improbabile perché il coinvolgimento degli assistenti è stato sottolineato solo in un momento successivo della sua opera. Negli annali del monastero di Santa Caterina a Pisa si legge che la commissione fu data nel 1319 da un certo Petrus Converus e che l’opera era destinata all’altare maggiore del monastero. È tuttora esposto nel Museo di San Matteo a Pisa ed è considerato il più importante dipinto firmato dell’artista. La pala d’altare è composta da sette pezzi, ognuno dei quali è diviso in tre parti. La pala d’altare presenta un totale di quarantatré figure di apostoli, martiri, vescovi e profeti. Nel corso dei secoli, i pezzi del pannello sono stati affiancati in ordini diversi. Attualmente, i triangoli in alto mostrano il Salvatore al centro, con il re Davide che suona l’arpa e Mosè con le tavole ai lati, e i profeti Geremia, Isaia ed Ezechiele. Nella seconda fila, due figure occupano ciascuno dei sette pannelli. Al centro gli arcangeli Michele e Gabriele, con gli apostoli e l’evangelista Matteo. I loro nomi appaiono su uno sfondo dorato, ciascuno con in mano una copia del Vangelo. Da sinistra a destra: Taddeo, Simone, Filippo, Giacomo il Giovane, Andrea, Pietro, Paolo, Giacomo il Vecchio, Matteo l’Evangelista, Bartolomeo, Tommaso e Matteo l’Apostolo. Nella fila centrale si trovano le grandi figure di Maria Maddalena, San Domenico, San Giovanni Evangelista, la Madonna con il Bambino, San Giovanni Battista, San Pietro Martire e Santa Caterina d’Alessandria. Sopra la Madonna nella cornice c’è la firma dell’artista “Symon de Senis me pinxit”. La riga inferiore, l’ordine delle parti della predella, è meno problematica. Al centro è raffigurato Cristo con la Vergine Maria e San Marco. Le altre figure sono, da sinistra a destra, Santo Stefano, Santa Apollonia, San Girolamo, San Luca, San Gregorio, San Luca, San Tommaso d’Aquino, Sant’Agostino d’Ippona, Sant’Agnese, Sant’Ambrogio, Sant’Orsolia e San Lorenzo. Il fatto che la tavola sia divisa in tante parti ha dato all’artista la possibilità di raffigurare altre figure oltre a quelle tradizionalmente rappresentate in questo tipo di opere, come San Girolamo e San Gregorio, che erano associate all’ordine del domenicano committente. A ciò si aggiungono le recenti canonizzazioni di San Domonkos, fondatore dell’Ordine di Domonkos, e di San Pietro Martire. Una delle particolarità del pannello è che raffigura San Tommaso d’Aquino in gloria, sebbene la sua canonizzazione sia avvenuta solo nel 1323.

È molto difficile datare le opere dell’artista a partire dai primi anni ’20 del XIII secolo, e per molte di esse non è nemmeno possibile stabilire con certezza chi le abbia realizzate. Questo perché gli assistenti che lavoravano a stretto contatto con il maestro lavoravano nella sua bottega in gran numero, spesso utilizzando i pennelli degli altri e talvolta firmando anche opere realizzate da altri. Il polittico di Orvieto è un tipico esempio di questo fenomeno. La data di creazione non è ancora stata stabilita, ma risale agli anni Venti del Novecento e fu realizzata per la chiesa di San Domenico. Attualmente è esposto all’Opera del Duomo di Orvieto. Fu commissionata dal vescovo di Sovana, Trasmundo Monaldeschi, che la pagò cento pezzi d’oro. Il pannello era originariamente in sette parti, ma oggi i due pannelli esterni sono andati perduti. Al centro si trova la Madonna col Bambino, con San Pietro, Santa Maria Maddalena, San Domenico e San Paolo. Una caratteristica del pannello è che San Paolo è rivolto a sinistra, mentre le altre figure sono rivolte a destra. Il polittico, attualmente conservato all’Isabella Steward Gardner Museum di Boston, potrebbe essere contemporaneo al precedente, oppure essere stato realizzato solo leggermente più tardi. Originariamente dipinta per la chiesa di Santa Maria dei Servi a Orvieto, la pala d’altare è divisa in cinque parti. Anche in questo caso, al centro è raffigurata una Madonna con Bambino, affiancata da sinistra a destra da San Paolo, San Luca, Santa Caterina d’Alessandria e San Giovanni Battista. Nelle aree triangolari sopra le figure principali, gli angeli appaiono al centro accanto a Cristo, che mostra le sue ferite, tenendo nella mano destra i simboli della Passione (colonna, frusta, corona di spine, croce e lancia). Stilisticamente, questa tavola è più vicina al dipinto per il monastero di Santa Caterina a Pisa che al polittico di Orvieto. Le figure hanno linee eleganti, le mani sono lavorate con cura. Gli studiosi ritengono oggi che la tavola sia interamente opera di Simone Martini, ad eccezione della figura di San Paolo. Un gruppo di opere degli anni ’20 del XIII secolo è quasi impossibile da datare perché non è sopravvissuta alcuna documentazione scritta. Questo gruppo può comprendere una tavola della Madonna con Bambino e angeli nell’Opera del Duomo di Orvieto, un’altra di questo dipinto, una martire a Ottawa, una tavola di San Luca e Santa Caterina a Settignano e due Madonne nella Pinacoteca di Siena. Alcuni studiosi ritengono che anche il crocifisso della chiesa della Misericordia di San Casciano in Val di Pesa sia un’opera di Simone Martini, databile intorno al 1321, ma anche di questo non ci sono prove scritte.

Dopo aver trascorso diversi anni ad Assisi, Orvieto e aver lavorato anche a Pisa, tornò a Siena nel 1324, si sposò e probabilmente rimase in città per molti anni. A quel punto era già un artista molto conosciuto. Realizzò alcuni affreschi per il palazzo comunale di Siena, ma queste opere non sono giunte fino a noi e le conosciamo solo grazie alle fonti che ci parlano delle somme pagate all’artista. Nel suo secondo periodo senese dipinse la Pala del Beato Agostino nella chiesa di Sant’Agostino a Tarano, il celebre ritratto di Guidoriccio da Folignano e la Salutazione angelica, oggi agli Uffizi.

La Pala del Beato Agostino a Tarano

Augusto era una figura popolare dell’epoca. Studiò legge all’Università di Bologna e poi entrò nell’Ordine di Sant’Agostino, dove divenne Generale dell’Ordine. All’apice della sua carriera, decise di ritirarsi nell’eremo di San Leonardo al Lago, non lontano da Siena. La pala d’altare è composta da cinque pannelli, che raffigurano lui e quattro dei suoi miracoli. Originariamente era appeso alla parete della chiesa di Sant’Agostino, sopra la bara del Beato Agostino. Insieme all’altare a lui dedicato, la bara e il pannello formavano un insieme commemorativo caratteristico. La tavoletta può essere datata solo approssimativamente, ma probabilmente era già stata terminata nel 1324, quando la città organizzò una grande e costosa festa in onore di Augusto. Al centro del pannello è raffigurato un Augusto dal volto giovane che regge un libro (gli Statuti dell’Ordine di Sant’Agostino). Il pittore lo ha raffigurato in gloria, anche se non è stato canonizzato. Gli alberi accanto a lui e gli anziani eremiti dipinti nei medaglioni sopra di lui sono un riferimento alla vita eremitica appartata che conduceva a San Leonardo al Lago. I quattro miracoli riguardano tutti il suo aiuto a persone (in tre casi bambini) che avevano subito incidenti. Il miracolo del lupo che attacca il bambino mostra la città di Siena, il miracolo del bambino che cade dal balcone mostra una strada della città, il miracolo del bambino che cade dalla culla mostra l’interno di una casa e il miracolo del cavaliere che cade in un burrone mostra i dintorni di Siena sullo sfondo.

La targa di San László

La targa di Altomonte San Lazio (Altomonte, Museo della Consolazione) fu realizzata per Filippo di Sangineto, influente cortigiano napoletano, quando trascorse un lungo periodo a Siena per ordine dell’imperatore. Il piccolo pannello era probabilmente in due parti, di cui la parte superstite raffigura il re San Lazio d’Ungheria. La scelta del soggetto esprime gli stretti legami che legavano il committente al ramo ungherese della Casa d’Angiò. Il santo si trova davanti a uno sfondo dorato e ornato, con un’accetta in mano. I colori utilizzati per il pannello sono brillanti e la forma del mantello del santo dà l’impressione di spazialità.

Guidoriccio da Folignano

Si dice che Martini abbia dipinto un ritratto del generale Guidoriccio da Folignano nella sala del consiglio del Palazzo Pubblico nel 1330, anno in cui sedò la ribellione dei comuni di Montemassi e Sassoforte, che si stavano ribellando al dominio della Repubblica senese. Durante il recente restauro si è scoperto che l’affresco è stato dipinto partendo dall’angolo in alto a destra e non da quello in alto a sinistra, come di consueto. Il murale è stato completato molto rapidamente in sette o otto giorni, con la pittura del generale e del suo cavallo che ha richiesto un solo giorno. I due piccoli borghi sono raffigurati su una collina, con l’accampamento dell’esercito senese ai loro piedi e il generale a cavallo al centro. Dietro di lui c’è uno sfondo semplicemente dipinto con un cielo blu scuro. Il pittore sembra aver prestato grande attenzione alla rappresentazione di accampamenti, insegne, stendardi, armi e armature. Il dipinto murale è uno dei punti più alti dell’arte dell’affresco senese, in cui si combinano monumentalità e decoratività, nonché le iniziative di ritrattistica realistica e gli esordi della pittura paesaggistica realistica nella visione astratta e segnaletica. Nel 1980, sotto il dipinto è stato scoperto un altro affresco di grande valore artistico, probabilmente posteriore al 1330, che potrebbe mettere in discussione sia la data che l’autore del ritratto di Guidoricco. I ricercatori non sono ancora in grado di dire con certezza se sia opera di Simone Martini. L’ultimo restauro ha rivelato che l’intero lato sinistro del dipinto, compresa la raffigurazione del castello di Montemassi, è stato ridipinto nel XV o XVI secolo. Gli esami hanno inoltre rivelato la presenza di quattro strati di intonaco sovrapposti sul lato destro del dipinto. Ciò suggerisce che sotto il paesaggio raffigurato nel dipinto potrebbero esserci resti di un dipinto più antico, ma per determinarlo sarebbe necessario rimuovere parte del dipinto attuale. La data e l’autore del dipinto rimangono quindi incerti.

I saluti di un angelo

Saluti di un angelo è una delle opere più popolari di Simone Martini e anche una delle più gotiche. Dipinto nel 1333 per l’altare di Sant’Ansano nel Duomo di Siena, è attualmente esposto alla Galleria degli Uffizi di Firenze. La sua cornice è un’architettura gotica riccamente intarsiata, articolata con archi spezzati. Nel trittico principale (dipinto a tre pannelli), la Madonna ammantata si contrae mentre ascolta il messaggio dell’angelo. I suoi lineamenti sono tesi, come se fosse stata risvegliata dal sonno dall’angelo. L’artista ha prestato particolare attenzione alla rappresentazione dell’angelo. Tiene in mano un ramo di palma, le pieghe della sua speciale veste a quadri danno l’idea del suo aspetto burrascoso. Le sue ali sono elaborate con la cura meticolosa di un pittore di miniature. Lo schienale della sedia è ricoperto da un sudario rosso decorato con delicati motivi floreali dorati. Accanto alle figure, i dettagli resi con precisione, il bordo ornato del messale, il pavimento di marmo e il vaso con i gigli aggiungono eleganza al quadro. I medaglioni nella parte superiore del pannello raffigurano, da sinistra a destra, i profeti Geremia, Ezechiele, Isaia e Daniele, identificati dai loro nomi scritti sui rotoli che tengono in mano. La rappresentazione vivida e sottile del dialogo tra l’angelo e Maria rende il misticismo di Simone Martini ancora oggi vivo e amato. Le due figure di santi ai lati del trittico sono state probabilmente dipinte dal cognato dell’artista Lippo Memmi, come indica il fatto che le due figure sono molto diverse da quelle centrali e sono anche firmate da Memmi.

Simone Martini si trasferì ad Avignone su invito del cardinale Jacopo Stefaneschi all’inizio del 1336 con la famiglia e alcuni collaboratori, e vi morì nel 1344. Durante gli otto anni trascorsi ad Avignone ricevette molte commissioni, ma la maggior parte delle sue opere andò distrutta. Gli affreschi Gesù con gli angeli e Madonna col Bambino, commissionati dal cardinale Stefaneschi per il portale di Notre-Dame-des-Doms, sono sinopie frammentarie. L’attrattiva particolare di queste sinossi è che offrono una visione del processo creativo, delle correzioni e delle modifiche iconografiche apportate durante il lavoro. Qui, per la prima volta, utilizzò l’iconografia della Madonna dell’Umiltà, dove Maria non è seduta su un trono ma a terra. Inoltre, solo un disegno del XVII secolo conserva la memoria dell’affresco di San Giorgio dipinto sulla facciata della chiesa, distrutto all’inizio del XIX secolo. Anche questo affresco fu commissionato dal cardinale Jacopo Stefaneschi e non era solo una rappresentazione del suo santo patrono, ma incarnava anche un’idea ecclesiastica. In questo caso, l’affresco ricordava che i cavalieri cristiani avevano il dovere di liberare la Chiesa imprigionata ad Avignone tanto quanto San Giorgio aveva salvato la principessa dal drago. Decorò anche un libro per il cardinale, dipingendo la figura della Vergine Maria che strappa un bambino dal purgatorio all’inizio di un codice di inni mariani acquistato dall’arciprete. Durante il suo soggiorno ad Avignone, Simone Martini strinse amicizia con Petrarca e dipinse anche un ritratto di Laura. Il ritratto, che il poeta cita in due dei suoi sonetti, è andato perduto, ma è sopravvissuta la miniatura del frontespizio, di ispirazione umanistica sia nel soggetto che nella concezione, dipinta per un codice di proprietà del Petrarca. Il libro contiene le opere di Virgilio con i commenti di Servio. L’immagine mostra Servio che tira indietro una tenda per mostrare il poeta a un cavaliere, a un contadino e a un pastore. La miniatura è dipinta ad acquerello e tempera diluita, con strati pittorici traslucidi e linee armoniche e ritmiche, ed è influenzata dalla pittura gotica francese. Tra le sue ultime opere, il Polittico della Passione (i cui frammenti sono stati sparsi nei musei di tutta Europa) è così stilisticamente diverso dalle altre opere avignonesi che la sua datazione è incerta. Le tavole di questo piccolo polittico, commissionato per la devozione privata, raffigurano la vita di Cristo in eleganti variazioni sulle composizioni di Duccio dell’Ottava di Maestà. Alcuni studiosi ritengono che sia stato completato prima del suo trasferimento ad Avignone e poi trasportato in Francia. Altri ritengono che sia una delle sue ultime opere, commissionata da Napoleone Orsini, morto ad Avignone nel 1342. Questa teoria è supportata dal fatto che sullo sfondo compare lo stemma della famiglia Orsini. L’ultima opera conosciuta di Simone Martini è un dipinto della Sacra Famiglia, firmato e datato 1342 (Liverpool, Walker Art Gallery). Si tratta di un altro quadro devozionale privato di piccole dimensioni, caratterizzato da eleganza e da un’armonia di colori brillanti come smalti. Degli ultimi due anni di vita di Simone Martini, durante i quali le sue opere sono state distrutte, non si hanno notizie scritte.

Fonti

  1. Simone Martini
  2. Simone Martini
  3. Art UK. (Hozzáférés: 2015. október 16.)
  4. KulturNav (angol, bokmål norvég, svéd, finn, dán és észt nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
  5. Arasse, p. 170.
  6. a b c d e f g h i j k l m n o et p (it) Michela Becchis, « Martini, Simone in “Dizionario Biografico” », sur treccani.it, 2008 (consulté le 22 décembre 2020).
  7. (it) Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Milan, Federico Motta Editore, 2003.
  8. Interview de Michel Laclotte, « Sienne à l’origine de la peinture », Connaissance des Arts, no 607,‎ juillet-août 2003, p. 71.
  9. ^ Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2003.
  10. https://www.kulturarv.dk/kid/VisKunstner.do?kunstnerId=2587
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