Robert Delaunay

Riassunto

Robert Delaunay è stato un pittore francese nato il 12 aprile 1885 a Parigi e morto il 25 ottobre 1941 a Montpellier. Con la moglie Sonia Delaunay e pochi altri, è stato il fondatore e il principale artefice del movimento dell”Orfismo, un ramo del Cubismo e un importante movimento d”avanguardia dell”inizio del XX secolo. Il suo lavoro sul colore ha avuto origine da alcune teorie sulla legge del contrasto cromatico simultaneo formulate da Michel-Eugène Chevreul. Concentrandosi sulla disposizione dei colori sulla tela, cercava l”armonia pittorica.

Delaunay fa parte di una generazione d”avanguardia particolarmente prolifica dal punto di vista artistico tra il 1912 e il 1914. Ebbe stretti legami (epistolari, artistici, persino di amicizia) con i poeti Guillaume Apollinaire e Blaise Cendrars, con i pittori russi Vasily Kandinsky e Michel Larionov, con i pittori tedeschi August Macke e Franz Marc e con il pittore slovacco Geza Szobel.

Dopo la guerra, stringe amicizia con gli artisti del movimento surrealista, di cui realizza diversi ritratti, senza però adottare i loro punti di vista e le loro visioni artistiche. Ebbe una forte e duratura amicizia con il poeta Tristan Tzara.

Il suo nome è anche associato alla Torre Eiffel, che vide costruire all”età di quattro anni e che dipinse più volte nel corso della sua carriera, utilizzando diversi metodi, prima neoimpressionista e poi cubista, e infine con il suo metodo simultaneo.

Giovani

I genitori di Robert Victor Félix Delaunay, George e Berthe Delaunay, vivevano in un palazzo benestante in rue Boissière, nel 16° arrondissement di Parigi, quando nacque il 12 aprile 1885. Robert Delaunay si oppose subito alla sua educazione borghese, in quanto la madre lo sovralimentava, lo vestiva all”inglese e lo portava a passeggio sugli Champs-Élysées. Nonostante questo rifiuto della vita borghese, rimase segnato dalle sue origini. Rimane indifferente agli aspetti materiali della vita e, come Don Chisciotte, crea per sé una concezione cavalleresca della vita. Questo carattere lo porta a trasformare ogni momento della vita in un momento poetico.

Quando aveva quattro anni, i genitori lo portarono all”Esposizione Universale di Parigi del 1889, per la quale fu costruita la Torre Eiffel, un monumento che affascinò l”artista per tutta la vita. Si appassiona alle moderne tecniche scientifiche, in particolare alla velocità e all”elettricità. In seguito visitò l”Esposizione Universale del 1900, in particolare il padiglione dell”elettricità. Questa visita ha forgiato il suo spirito di “pittore della vita moderna”.

I genitori di Robert Delaunay divorziarono quando lui aveva nove anni, il 16 maggio 1894. Fu allevato dalla sorella della madre, Marie de Rose, e dal marito di lei, Charles Damour.

Fin da piccolo è stato affascinato dai fiori. Nel castello di La Rongère, a Saint-Eloy-de-Gy, luogo delle vacanze della famiglia, trascorre lunghi momenti da solo in giardino, facendo schizzi di fiori, che sono la sua principale passione naturale, insieme al sole.

Non era interessato alla scuola e approfittava dei suoi studi per disegnare e dipingere con i pastelli nascosti nella sua capanna. All”età di diciassette anni lascia la scuola e viene assunto come apprendista scenografo per due anni (dal 1902 al 1904) nei laboratori del decoratore teatrale Eugène Ronsin. È lì che ha sviluppato il suo gusto per le grandi superfici e la monumentalità, e ha preso coscienza del ruolo della luce e del gioco di distorsione prospettica nello spazio scenico.

Fu introdotto alla pittura dallo zio Charles Damour, che era un pittore tradizionale, lontano da tutte le teorie e i movimenti del suo tempo. Robert Delaunay difese spesso il proprio punto di vista artistico, molto diverso da quello dello zio, dando vita a scene domestiche burlesche. “I piatti volavano perché Robert difendeva la sua opinione”, dice Sonia Delaunay.

Opere prime

Nel 1904 e nel 1905 Robert Delaunay realizza i suoi primi dipinti: paesaggi e fiori in stile neo-impressionista e fauvista. Nel 1907 ha prestato servizio militare a Laon, nell”Aisne. Rimase affascinato dalla cattedrale e ne fece numerosi schizzi. Fu assegnato al servizio ausiliario, nella biblioteca degli ufficiali. Il suo compagno di stanza, Robert Lotiron, ha scritto che “all”epoca Delaunay aveva un”infatuazione delirante per Spinoza, Rimbaud, Baudelaire e Laforge. Il 20 ottobre 1908 viene dimesso per “problemi funzionali al cuore” e “endocardite” e torna a Parigi.

Nel 1906 partecipa al 21° Salon des Indépendants, dove presenta molti dei dipinti realizzati l”estate precedente. Nel 1907 si unisce a un gruppo di giovani artisti alla ricerca di una nuova arte, tra cui Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier e Fernand Léger. Contemporaneamente, intraprende un importante lavoro sui monumenti di Parigi. Il risultato della sua ricerca è una teoria personale del colore, che prende spunto dall”opera Parigi – Saint-Séverin (1909).

Incontro con Sonia

All”inizio del 1909, incontra Sonia Stern mentre entrambi frequentano artisti famosi. Insieme hanno assistito al trionfo del volo di Louis Blériot attraverso la Manica e hanno trascorso del tempo insieme nella Drôme. È sposata con Wilhelm Uhde, ma è solo un matrimonio di facciata. Divorzia immediatamente e si risposa il 15 novembre 1910 con Robert Delaunay, di cui è incinta. Il 18 gennaio 1911 nasce un bambino, Charles. Robert ha dipinto una piccola Torre Eiffel, che ha regalato a Sonia come regalo di fidanzamento.

Maturità e astrazione

Nel 1910, influenzato dal cubismo, in particolare da quello di Cézanne, Robert Delaunay riduce la sua tavolozza di colori al monocromo, poi, sotto l”influenza di Sonia, reintroduce i colori caldi. Dal 1912 si dedica all”orfismo con la serie delle Finestre (al Museo di Grenoble e al Philadelphia Museum of Art). Con Sonia Delaunay crea il simultaneismo, basato sulla legge del contrasto simultaneo dei colori. Entra in corrispondenza con il pioniere dell”arte astratta, Vassili Kandinsky, il cui testo teorico Sullo spirituale nell”arte (che Sonia traduce per lui dal tedesco) lo influenzerà e lo guiderà molto.

I due artisti si sono anche aiutati a vicenda per ottenere posti nelle mostre e nella critica; erano veramente amici. Fu grazie a Kandinsky che Delaunay poté essere esposto a Mosca, dove presentò tre opere senza titolo. Il 1912 è un anno ricco di eventi per Robert Delaunay: espone a Mosca, Monaco, Berlino, Parigi e Zurigo, stringe amicizia con il poeta Guillaume Apollinaire (che viene a vivere nel suo studio nei mesi di novembre e dicembre) e con Blaise Cendrars, incontra Paul Klee (con cui è in corrispondenza), Alberto Giacometti, Henri Matisse e Henri Le Fauconnier e dipinge la serie delle Finestre, che segna una svolta importante nel suo lavoro.

Nel 1913, Delaunay si reca a Berlino per esporre con Guillaume Apollinaire e approfitta dell”occasione per conoscere gli artisti tedeschi dell”epoca: Franz Marc, Max Ernst e August Macke. Con mia grande gioia, hanno preferito i miei ultimi lavori”, racconta. Paul Klee traduce in tedesco il testo teorico di Delaunay “La Lumière”, che appare sulla rivista Der Sturm in gennaio con il titolo “Über das Licht”. Apollinaire scrive la poesia Les Fenêtres (Le finestre), che funge da prefazione alla serie di dipinti omonimi del pittore. A febbraio, Alexandra Exter scrive ai Delaunay chiedendo loro di partecipare al Salon des Indépendants, così come Michel Larionov e Nathalie Goncharoff. Robert Delaunay entrò in corrispondenza con tutti questi artisti dell”avanguardia russa e fu lui a presentarli al pubblico francese. All”epoca, Apollinaire lo considerava il pittore più influente, insieme a Picasso: “Ci sono nuove tendenze nella pittura moderna; le più importanti mi sembrano essere, da un lato, il cubismo di Picasso e, dall”altro, l”orfismo di Delaunay” (Guillaume Apollinaire Die Moderne Malerei in Der Sturm, febbraio 1913).

Durante questo periodo, dipinge i suoi quadri nella cittadina di Louveciennes, dove risiede con Sonia, e si reca a Parigi o all”estero solo a lavoro ultimato, per presentarlo o per incontrare gli amici pittori e poeti.

Chiamato per la prima volta al servizio militare e poi dichiarato disertore, Robert sfruttò le sue conoscenze e ottenne il congedo dal consolato francese di Vigo il 13 giugno 1916. Lui e Sonia Delaunay rimasero in Spagna e Portogallo per tutta la durata della guerra, fino al 1922. Continua a dipingere, in particolare con una serie sui mercati portoghesi, ma anche con Nature morte e Nudi alla toilette. I Delaunay colsero l”occasione per trascorrere lunghe giornate al Museo del Prado e Robert Delaunay rimase affascinato dalle opere di Rubens e El Greco. Quando tornarono in Francia, il movimento Dada era al suo apice.

Tornati a Parigi, i Delaunay frequentano molti poeti e musicisti, ma pochi pittori, e si avvicinano all”ambiente surrealista, come dimostrano i numerosi ritratti di amici realizzati in questo periodo, tra cui quelli di Tristan Tzara, fedele amico di André Breton e Philippe Soupault negli anni Venti e Trenta. Furono anche legati a Louis Aragon, Jean Cocteau e Igor Stravinsky, e ricevettero il poeta russo Vladimir Maïakovski. Gli incontri amichevoli permisero a Robert Delaunay di presentare le sue teorie letterarie, che in seguito mise su carta.

Ha ridipinto la Torre Eiffel più volte, poiché il “gigante” si prestava bene alla sua ricerca sui contrasti cromatici simultanei. Tuttavia, rispetto alle torri dipinte in gioventù, l”opera è notevolmente diversa.

Negli anni Venti diversifica il suo lavoro, ad esempio collaborando con Fernand Léger nelle arti decorative. Partecipò all”esposizione di arti decorative del 1925, che riassumeva le ricerche di tutti i Paesi nel campo delle arti applicate. Anche Sonia Delaunay ha seguito questo percorso, ottenendo più riconoscimenti di lui. Nello stesso anno compone le scenografie di diversi film.

Delaunay torna all”orfismo astratto con la serie Rythme, composta per la maggior parte nel 1934. Questa serie sembra essere il culmine della sua ricerca sull”armonia pittorica. Allo stesso tempo, ha iniziato la ricerca di nuovi materiali. Il suo lavoro è evidenziato da una mostra con un lungo commento di Jean Cassou.

Le commissioni per l”Esposizione Internazionale del 1937 gli permisero di realizzare enormi affreschi e dipinti monumentali, tra cui quelli per il Padiglione dell”Aria e della Ferrovia. L”affresco del Palazzo dell”Aria è una rappresentazione ingrandita di un dipinto della serie Rhythm. L”anno successivo decora la sala delle sculture del Salon des Tuileries, per il quale esegue tre grandi Rythmes, le sue ultime opere importanti.

Nel 1940 fugge dall”avanzata nazista rifugiandosi a Montpellier, nella Zona Libera, con Joseph Delteil. Ha continuato a partecipare alla vita artistica. Stabilitosi a Mougins, crea un vero e proprio museo Delaunay con le sue torri ondeggianti. Il pittore Albert Aublet gli fece spesso visita all”epoca in cui sosteneva il giovane pittore figurativo Nicolas de Staël. Soffre nuovamente di problemi polmonari e muore il 25 ottobre 1941.

L”opera di Robert Delaunay è generalmente divisa cronologicamente in due parti: il neo-impressionismo della giovinezza da un lato e l”orfismo, un ramo del cubismo e dell”avanguardia dell”astrazione, che costituisce la sua maturità (dal 1912 circa) dall”altro. Il suo lavoro è diventato di dominio pubblico il 1° gennaio 2012.

Neoimpressionismo

Inizialmente influenzato dall”impressionismo e dal sintetismo, Delaunay si orienta verso il neo-impressionismo dopo l”incontro con Jean Metzinger, che lo invita a immergersi negli scritti teorici sul colore, come De la loi du contraste simultané des couleurs di Eugène Chevreul. Questi saggi lo convinsero che i colori sono interdipendenti e interagiscono tra loro in base alla loro distribuzione nello spettro. Questa scoperta lo segnò per tutta la vita.

Tra il 1904 e il 1906 realizza una serie di ritratti e autoritratti in cui applica la tecnica della pennellata larga del Divisionismo. Contemporaneamente realizza una serie di paesaggi, sempre con il metodo divisionista, tra cui il celebre Paesaggio con disco, dipinto negli ultimi giorni del 1906.

Nel 1906, in Le Portrait de Henri Carlier, Robert Delaunay afferma già la sua singolarità nella scelta della combinazione di colori: i verdi e i viola dominanti incontrano zone di rosso brillante. Il viola applicato era insolito per l”epoca e fu senza dubbio preso in prestito dal pittore divisionista Cross, e il suo lavoro fu influenzato da lunghe discussioni con Jean Metzinger.

Orfismo

Robert Delaunay si avvicina all”astrazione con la serie Les Fenêtres, presentata dal 1912 al 1913. Inaugura una lunga serie di ricerche sulla possibilità di tradurre l””armonia rappresentativa” con la sola disposizione dei colori. I colori sostituiscono gli oggetti, che non hanno più sostanza e lasciano il posto alla luce. Questo passaggio all”astrazione avviene dopo aver letto le teorie di Vassily Kandinsky nel suo libro-manifesto Sullo spirituale nell”arte, e mentre Guillaume Apollinaire diagnostica la nascita di una nuova arte pittorica nel 1912: “I nuovi pittori dipingono quadri dove non c”è più alcun soggetto reale”. Ma a differenza di Vassily Kandinsky, che dava un contenuto psicologico e mistico alle sue opere, Robert Delaunay sfruttava solo l””effetto puramente fisico”. Si spiega ispirandosi a un testo di Leonardo da Vinci: “L”occhio è il nostro senso più alto, quello che comunica più strettamente con il cervello, la coscienza. L”idea di un movimento vitale del mondo e del suo movimento è simultanea. La nostra comprensione è correlata alla nostra percezione. In questo periodo, Delaunay fece anche molte ricerche sui colori e più precisamente sulla legge del contrasto cromatico simultaneo. Insieme a Sonia Delaunay, ha creato il simultaneismo, una tecnica che mira a trovare l”armonia pittorica attraverso la disposizione simultanea dei colori e che si concentra essenzialmente sul ruolo della luce, percepita come principio creativo originario.

Nel 1913, dopo la serie Les Fenêtres, Robert Delaunay realizzò una serie intitolata L”Équipe de Cardiff, dedicata allo sport, in particolare al calcio-rugby, sport in pieno svolgimento all”epoca. Scelse così un tema poco trattato fino a quel momento, che ben corrispondeva alla “modernolatria” di Blaise Cendrars e Guillaume Apollinaire. Era d”accordo con i giornali dell”epoca, che lodavano lo “spirito di vitalità” della nuova generazione. Il dipinto presenta una visione combattiva della vita moderna, dove il culto dell”azione invita a superare se stessi.

Questa serie non è astratta: i giocatori di rugby sono raffigurati davanti a una ruota panoramica e alla Torre Eiffel, in un assemblaggio di manifesti e colori. L”ambientazione è decisamente urbana: è il cartellone pubblicitario a occupare la maggior parte dello spazio nel dipinto. Organizza la sua pittura come una giustapposizione di elementi disposti simultaneamente. L”immagine dei giocatori sembra provenire da una rivista inglese di sua proprietà, mentre i motivi della ruota panoramica, del cartellone pubblicitario e della Torre Eiffel da una cartolina trovata tra i suoi effetti personali. I quattro elementi sono raggruppati per mezzo della linea mediana, un asse sinusoidale che taglia in due il dipinto, creandone al contempo l”unità. Questo asse permette il passaggio a un”architettura senza fondamenta, che sembra volare nell”aria.

Al Salon successivo, nel 1914, Robert Delaunay presenta il dipinto Hommage à Blériot, vero e proprio manifesto del suo metodo simultaneo. I movimenti della tela sono guidati da forme prese in prestito dall”aeronautica: biplano, elica. L”aereo, simbolo dell”emancipazione dell”uomo dalla Terra, offre a Robert Delaunay un pretesto per emanciparsi dai codici della pittura tradizionale, orientandosi verso l””inoggettivo” e la “pittura pura”. Sceglie l”aereo perché abolisce le nozioni di distanza e permette al pittore di muoversi verso un”ubiquità panoramica. Ai tentativi descrittivi del passato oppone una pienezza armonica. Allo stesso modo, questo motivo, come quello della Torre Eiffel, gli permette di affermare di essere un pittore della modernità. È percepibile la predilezione del pittore per la curva (in contrasto con i pittori astratti Kasimir Malevich e Piet Mondrian), già affermata nella serie dei Fiori (1909), e che continuerà nelle Forme circolari.

Dopo aver presentato la serie L”Équipe de Cardiff al Salon des Indépendants all”inizio del 1913, si ritira a Louveciennes e inizia una serie importante intitolata Formes Circulaires. Con quest”opera, Robert Delaunay desiderava rendere la potenza della luce solare, tema che aveva già abbozzato nel dipinto Paysage au disque del 1906, e l”irradiazione della luna. In riferimento a una delle opere di questa serie, dichiarò in seguito che si trattava del “primo dipinto circolare, il primo dipinto non figurativo”. Con questo dipinto rivela il suo interesse per le teorie scientifiche del colore (in parte errate) del XIX secolo. In Forme circolari, Sole n. 2, i tre colori primari blu, rosso e giallo si trovano alle estremità di un triangolo deformato, che dà un senso di rotazione all”insieme. Per Delaunay, questo effetto deriva dal vortice dei modelli di colore, blu discendente e rosso ascendente. Tra questi colori primari compaiono i colori secondari, ottenuti mescolando i primi: arancione, verde e viola. Il tutto ruota intorno al centro, il colore originale e finale, il bianco. Non è il sole ad essere rappresentato, ma il processo di percezione da parte dell”occhio.

Nell”agosto del 1913, sempre a Louveciennes, realizza un”opera solitaria intitolata Disque (Le Premier Disque), composta da sette cerchi concentrici divisi in quattro segmenti uguali. Mentre nella serie Formes Circulaires erano presenti molti cerchi colorati, in questo dipinto Robert Delaunay si concentra sulla purezza della superficie piana; ma non si tratta di un semplice dettaglio di un”opera precedente, bensì di un lavoro a sé stante, parte della ricerca di Delaunay sull”armonia pittorica. Quest”opera indubbiamente non oggettiva è di grande importanza nella storia dell”arte.

Durante la sua permanenza in Spagna e Portogallo, durante la guerra, rinnova i suoi temi, passando dalla città alla vita popolare nei mercati o in casa, ma la sua tecnica artistica rimane la stessa. I personaggi sono disegnati in modo figurativo, ma circondati da oggetti astratti; su queste stesse tele, i colori esplodono e sono usati in totale libertà. La luce della penisola iberica è molto più forte di quella dell”Île-de-France, da cui Robert Delaunay era appena partito, il che gli permette di osservare e rendere un nuovo tipo di vibrazione del colore nei suoi dipinti.

Negli anni Venti Robert Delaunay lavorò nuovamente alla Torre Eiffel, ma in modo significativamente diverso. La torre non crolla più, ma si innalza, vista da un angolo basso, in modo tale da sembrare crescere all”infinito. Altre volte la torre è vista dal cielo e associata alle curve del Campo di Marte; per queste vedute ha utilizzato fotografie aeree. Dalla sua composizione trae il dinamismo del ritmo e la disposizione di colori irrealistici.

Nel 1925 partecipa all”Exposition des Arts Décoratifs, per la quale decora la sala di un”ambasciata insieme a Fernand Léger. Scelse il tema de La donna nella torre, che riprodusse su un pannello di oltre quattro metri, suscitando un violento scandalo.

I numerosi ritratti di amici e conoscenti che dipinse in quegli anni erano effettivamente figurativi, ma Robert Delaunay utilizzò sempre colori brillanti e potenti. Ad esempio, nel Ritratto di Tristan Tzara, l”elemento principale non è il volto del poeta, ma la sciarpa arancione e verde che porta al collo.

Intorno al 1930 si verifica un”inversione di tendenza difficilmente spiegabile, che porta Delaunay a tornare all”Orfismo, iniziando una serie intitolata Rythmes, che riprende le Forme circolari prodotte negli anni Dieci, in modo nuovo e più maturo, ispirandosi all”opera di Piet Mondrian e degli artisti raggruppati sotto il nome di astrattismo-geometrico (la maggior parte dei quali riconosce un debito artistico nei suoi confronti). Egli dimostra la sua maestria nella disposizione dei colori e raggiunge l”obiettivo che aveva cercato nei primi anni orfici: l”armonia pittorica.

Allo stesso tempo, mentre si era quasi sempre accontentato di rimanere nell”ambito della tecnica pittorica classica (tranne che per le arti decorative), iniziò a ricercare nuove tecniche pittoriche, che Jean Cassou descrisse dettagliatamente in un articolo pubblicato nel 1935 sulla rivista Art et décoration: “Questi rivestimenti, nella cui composizione predomina la caseina, possono essere applicati su cartone o su tela; è possibile dipingerli a fresco, a olio o a uovo. Delaunay ha mescolato la sua caseina con paste a base di polveri di sughero, ottenendo così spessori con segatura. Il vantaggio di questi materiali è che, una volta induriti, possono essere utilizzati per gli esterni e resistere agli agenti atmosferici. Delaunay utilizzava anche tutta una serie di sabbie colorate, in particolare quelle del Colorado, che spruzzava sui suoi intonaci di caseina con una pistola ad aria compressa. I colori così ottenuti sono resistenti alla luce e all”acqua. Un altro materiale dovuto all”ingegno di Delaunay è la pietra lacca, che può essere utilizzata per creare pareti dai colori variegati e attraenti. È un materiale leggero e non infiammabile, ideale per l”uso in marina. Può raggiungere la densità del marmo e la resistenza del cemento: ma questa è la sua superiorità rispetto al cemento, ha una colorazione propria. Può essere prodotto anche in superfici bianche, sulle quali la vernice aderisce perfettamente. È inutile sottolineare che le paste di caseina possono essere disposte in rilievi decorativi complessi e liberi quanto si vuole. Robert Delaunay passa così dal cavalletto al lavoro artistico sui muri. Lo ha spiegato nella rivista Commune: “Io, l”artista, l”artista manuale, sto facendo una rivoluzione nei muri. Attualmente ho trovato nuovi materiali che trasformano la parete, non solo esternamente ma nella sua stessa sostanza. Separare l”uomo dall”arte? Mai. Non posso separare l”uomo dall”arte perché faccio case per lui! Mentre la moda era quella dei quadri da cavalletto, io pensavo già solo a grandi opere da parete.

Queste opere murali trovarono il loro apice nell”Esposizione Internazionale del 1937, per la quale creò enormi decorazioni. Già nel 1935 fu contattato per partecipare a questa gigantesca esposizione, ma, a differenza di molti artisti, non si candidò; l”attenzione fu attirata da una mostra organizzata dalla rivista Art et décoration, intitolata Revêtements muraux en relief et en couleurs de Robert Delaunay, nel 1935. Ha decorato il Palais du Chemin de Fer et de l”Air. Per quest”ultima, ha riprodotto su grande scala il suo dipinto Rythme sans fin. L”obiettivo era anche quello di far uscire l”avanguardia dalla sua ristretta cerchia di iniziati e renderla accessibile a tutti.

Robert Delaunay dipinse opere astratte in due periodi della sua vita: prima intorno al 1912 e al 1913, con la serie Città, Forme circolari e il dipinto Disco simultaneo, che lo rese uno dei pionieri dell”astrazione; poi intorno al 1933 e al 1934, quando dipinse le serie Ritmi e Ritmi senza fine. Tuttavia, in nessun momento ha definito la sua arte come astratta. Questo perché si sentiva un cubista, era visto dalla critica e dal pubblico come un pittore cubista e le sue opere venivano interpretate come tali. Per prendere le distanze dagli altri “-ismi” che fiorivano all”epoca, creò un proprio movimento, il simultaneismo, per via della sua ricerca cromatica sui colori. Si considerava un “eresiarca del cubismo”. In una lettera ad August Macke del 1913, afferma anche che “Una cosa che mi è indispensabile è l”osservazione diretta dell”essenza della luce in natura”, il che lo allontana dai teorici dell”arte astratta come Piet Mondrian, che vorrebbero un”arte completamente tagliata fuori dalla natura. Tuttavia, alcune delle sue opere sono indiscutibilmente astratte, tra cui la serie citata sopra. Per rappresentare la luce, che sembra essere un elemento naturale, ha dovuto ricorrere a forme non figurative, senza alcun legame diretto con la realtà. Per catturare l”essenza della luce, ha scelto di utilizzare schemi di colori, senza rappresentare un oggetto. Sonia Delaunay, da parte sua, annota nel suo diario (pubblicato nel 1978 da Robert Laffont, p. 137): “Ho finito il libro di Dorival. Alla fine del suo libro riassume il suo primo volume mostrando che tutta la pittura di questo periodo annuncia una pittura che si allontana dal Realismo, una pittura inoggettiva, tutti i dipinti che conosciamo sono solo agli inizi. È incredibilmente comprensivo e quanto ci è vicino! È la prima volta che vedo una persona così lontana e così vicina. È un peccato che Delaunay non lo conoscesse”.

Bibliografia

Documento utilizzato come fonte per questo articolo.

Collegamenti esterni

Fonti

  1. Robert Delaunay
  2. Robert Delaunay
  3. Selon l”acte no 388, dans l”état-civil de la ville de Paris 16e arrondissement, naissance de 1885.
  4. a et b Delaunay 1978, p. 28
  5. ^ Jenkins, Sarah. “Robert Delaunay Biography, Life & Quotes”. The Art Story. Retrieved 25 February 2022.
  6. ^ Düchting: p7
  7. Robert Delaunay (Memento vom 13. Januar 2009 im Internet Archive), brain-juice.com, abgerufen am 26. November 2015
  8. a b Thomas Krens (Vorwort): Rendezvous. Masterpieces from the Centre Georges Pompidou and the Guggenheim Museums, New York 1998, S. 620
  9. a b Volker Rattemeyer (Hrsg.): Das Geistige in der Kunst. Vom Blauen Reiter zum Abstrakten Expressionismus. Museum Wiesbaden, Wiesbaden 2010, S. 403
  10. Katalog der Hamburger Kunsthalle 1999, S. 206 f.
  11. Az orfizmus a szín, a fény elsődlegességét hirdető irányzat. A nevet Apollinaire alkotta Orfeusz nevéből. Sonia és Robert Delaunay, František Kupka, H.P. Bruce sorolhatók az irányzathoz. Rokon irányzat a Goncsarova és Larionov nevével fémjelzett rayonizmus.
  12. Delaunay csatlakozása a kubizmushoz bizonyos mértékig meglepő, ismerve vonzódását a színekhez, a fényhez, míg a kubisták közismerten tagadták a szín jelentőségét.
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