Pablo Picasso

gigatos | Dicembre 16, 2021

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Riassunto

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25 ottobre 1881-Mougins, 8 aprile 1973) è stato un pittore e scultore spagnolo che, insieme a Georges Braque, ha creato il cubismo.

Fin dalla genesi del XX secolo è stato considerato uno dei più grandi pittori che ha partecipato ai vari movimenti artistici che si sono diffusi nel mondo ed ha esercitato una grande influenza su altri grandi artisti del suo tempo. Le sue opere si trovano in musei e collezioni in tutta Europa e nel mondo. Lavorò anche in altri generi come il disegno, l”incisione, l”illustrazione di libri, la scultura, la ceramica e la scenografia e i costumi per le produzioni teatrali. Ha anche una breve opera letteraria.

Politicamente, Picasso si dichiarò pacifista e comunista. Fu membro del partito comunista spagnolo e del partito comunista francese fino alla sua morte l”8 aprile 1973 all”età di 91 anni, nella sua casa chiamata “Notre-Dame-de-Vie” nella città francese di Mougins. È sepolto nel parco del castello di Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Infanzia

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (secondo il suo certificato di nascita) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (secondo il suo certificato di battesimo), era il primo figlio di José Ruiz y Blasco e María Picasso López. Nacque il 25 ottobre 1881 a Malaga (Spagna) in una famiglia borghese. Picasso aveva due sorelle, Dolores (1884-1958) e Concepción (1887-1895). Il suo bisnonno materno, Tommaso Picasso (nato nel 1787), era originario della città di Sori a Genova, Italia, e si trasferì in Spagna intorno al 1807.

Si sa che suo padre voleva essere un artista e insegnava disegno all”Accademia Reale di Belle Arti di San Telmo. Di sua madre si sa poco; apparentemente era una personalità più forte di quella del marito, e Picasso ebbe sempre un maggiore rispetto e tenerezza per lei, cosa che secondo alcuni si può vedere nel ritratto che le fece nel 1923. Pablo iniziò a dipingere in tenera età; nel 1889, all”età di otto anni, dopo una corrida e sotto la guida del padre, dipinse El picador amarillo (“Il picador giallo”), da cui si rifiutò sempre di separarsi.

Nel 1891, la famiglia fu costretta a lasciare Malaga a causa della mancanza di stabilità economica di cui godeva. José Ruiz Blasco aveva cominciato a chiedere ripetutamente il trasferimento nella città di La Coruña, dove era stato creato un posto di insegnante alla Scuola di Belle Arti dopo il suo licenziamento come curatore del Museo di Belle Arti di Malaga nel 1888. Il cambiamento non fu affatto piacevole per la sua famiglia, come si riflette nell”espressione che Picasso ricorda di suo padre in questa fase: “Niente Malaga, niente corrida, niente amici, niente di niente”, “Solo per me il trasferimento in Galizia fu una festa”. In Galizia, Pablo lavorò ai suoi disegni e mostrò una forte fiducia in se stesso e nelle sue doti; aveva dieci anni. Le sue prime opere, di un realismo vigoroso e quasi feroce, mostrano una precoce predilezione per i personaggi popolari. A La Coruña fece la sua prima mostra all”età di tredici anni e pubblicò caricature e disegni nelle riviste pubblicate a mano “La Coruña”, “Azul y Blanco” e “Torre de Hércules”.

Il 1895 fu un anno di eventi importanti nella sua infanzia; in gennaio morì sua sorella Concepción e in settembre suo padre ottenne una cattedra alla Scuola di Belle Arti di Barcellona, dove il giovane Pablo fu ammesso come allievo e studiò per due anni, cosa che lo portò a dipingere, forse per compiacere suo padre, una serie di quadri in cui l”accademismo sentimentale dello stile era sorprendente dopo la vitalità dei ritratti che aveva dipinto a La Coruña.

Studente brillante e precoce, Picasso superò l”esame di ammissione all”Ecole de la Lonja in un solo giorno, a quattordici anni, e gli fu permesso di saltare le prime due classi. Secondo una delle tante leggende sull”artista, suo padre, avendo riconosciuto lo straordinario talento del figlio quando vide le sue prime opere da bambino, gli diede i suoi pennelli e la tavolozza e gli promise di non dipingere mai più in vita sua.

A differenza della musica, non ci sono bambini prodigio nella pittura. Quello che la gente percepisce come genio precoce è il genio dell”infanzia. Non scompare gradualmente con l”avanzare dell”età. È possibile che un tale bambino diventi un giorno un vero pittore, forse anche un grande pittore. Ma avrebbe dovuto cominciare dall”inizio. Quindi, per quanto mi riguarda, non ero un genio. I miei primi disegni non sono mai stati esposti in una mostra di disegni per bambini. Mi mancava la goffaggine di un bambino, l”ingenuità di un bambino. Ho fatto disegni accademici all”età di sette anni, con una precisione che mi spaventa.

Gioventù: le sue amicizie a Parigi

Nel 1912, durante il suo soggiorno nella città di Parigi, Picasso faceva parte di una cerchia di amici illustri nei quartieri di Montmartre e Montparnasse, erano André Breton, il poeta, Guillaume Apollinaire, lo scrittore, Alfred Jarry e Gertrude Stein. Apollinaire fu arrestato perché sospettato di aver rubato la Gioconda dal Louvre e di far parte di una banda internazionale di ladri. Apollinaire incolpò il suo amico Picasso, anche lui sottoposto a interrogatorio, ma entrambi furono poi scagionati.

Primi dipinti

Nell”inverno del 1895 dipinse la sua prima grande tela accademica, La prima comunione (Museo Picasso, Barcellona), a Barcellona, dove visse per nove anni, tranne alcune vacanze estive e soggiorni più o meno lunghi a Madrid e Parigi. Nel 1897 presentò la tela Scienza e carità (Museo Picasso, Barcellona) all”Esposizione Generale di Belle Arti di Madrid. Durante l”estate trascorse nuovamente le sue vacanze a Malaga, dove dipinse paesaggi e corride.

A settembre andò a Madrid per iniziare gli studi all”Accademia di San Fernando, ma ben presto lasciò l”accademia: l”atmosfera intellettuale della capitale, impermeabile al modernismo catalano che Picasso stava cercando di introdurre (fondò una piccola rivista nel 1901, Arte Joven, che ebbe un”esistenza abbastanza breve) non lo convinceva. Tuttavia, approfittò delle sue frequenti visite al Museo del Prado per conoscere meglio l”opera di El Greco, che fu rivendicata da artisti e studiosi della fine del XIX secolo.

Dal 1898 firma le sue opere come “Pablo Ruiz Picasso”, poi come “Pablo R. Picasso”, e solo come “Picasso” dal 1901. Il cambiamento non sembra implicare un rifiuto della figura paterna; piuttosto, fu dovuto al desiderio di Picasso di distinguersi come personaggio, iniziato dai suoi amici catalani, che presero a chiamarlo con il cognome della madre, che era molto meno comune del Ruiz del padre.

Tornò a Barcellona nel giugno 1898, malato di scarlattina, e si trasferì a Horta de Ebro (oggi Horta de San Juan), il villaggio del suo amico Manuel Pallarés, situato a sud dell”Ebro vicino alla città di Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). Durante questo soggiorno, Picasso riscopre le radici primordiali del paese e un certo ritorno alla natura, più conforme all”ideologia modernista, che costituisce uno dei primi episodi “primitivisti” della sua carriera.

Abbandonata l”intenzione di vivere a Madrid per dedicarsi alla copia dei grandi maestri, nel febbraio del 1899 è di nuovo a Barcellona, dove comincia a frequentare la birreria Els Quatre Gats, fiore all”occhiello della scena bohémienne modernista e luogo dove tiene la sua prima mostra personale e fa amicizia con Jaime Sabartés e Carlos Casagemas. Fu in questo ambiente che Picasso entrò in contatto con il pensiero anarchico, che si era affermato a Barcellona. La miseria che regnava nei bassifondi di Barcellona, i soldati malati e feriti che tornavano in Spagna dopo la disastrosa guerra di Cuba, crearono un terreno fertile per la violenza sociale che senza dubbio segnò la sensibilità di Picasso a livello individuale e morale piuttosto che puramente politico, e che si può vedere in alcuni disegni fatti tra il 1897 e il 1901: Il prigioniero, Un”anarchica che si accoppia e L”anarchico.

Nell”ottobre del 1900 si reca a Parigi con Casagemas per partecipare all”Esposizione Universale, dove è esposta una sua opera, Last Moments, oggi perduta. A Parigi si trasferisce nello studio di Isidre Nonell, un artista catalano che Picasso conosce dal gruppo Els Quatre Gats di influenza impressionista e che riflette la situazione sociale catalana di inizio secolo attraverso ritratti di emarginati e miserabili. L”opera di Nonell, insieme a quella di Toulouse-Lautrec, influenzò molto lo stile di Picasso in questo periodo, che può essere visto in opere come La espera (Margot), Bailarina enana (Ballerina nana) e El final del número (La fine del numero), entrambe del 1901. Incontrò anche il suo primo commerciante, Pere Mañach (che gli offrì 150 franchi al mese per tutte le sue opere per un anno) ed entrò in contatto con la gallerista Berthe Weill. Tornò a Barcellona il 20 o il 23 dicembre (secondo diverse fonti) con Casagemas, che Picasso portò con sé per festeggiare la fine dell”anno a Malaga.

Tra Barcellona e Parigi. Il periodo blu

Il periodo blu di Picasso è conosciuto come il periodo che va dal 1901 al 1904 circa: questo nome deriva dal colore che domina la gamma cromatica dei suoi quadri, e la sua origine è il suicidio del suo amico Carlos Casagemas il 17 febbraio 1901, che lo lasciò pieno di dolore e tristezza. Casagemas, dopo aver tentato di uccidere la sua amante Germaine, una ballerina del Moulin Rouge che frequentava la cerchia degli artisti spagnoli, si suicidò a Parigi. Motivato e commosso dalla morte del suo amico, Picasso dipinse un quadro che chiamò La sepoltura di Casagemas, un dipinto allegorico che iniziò a mostrare il suo passaggio al periodo blu. La divisione dello spazio del quadro in due parti, terra e cielo, corpo e spirito, ricorda quella de La sepoltura del conte di Orgaz di El Greco.

Altre influenze sull”opera di Picasso in questo periodo furono Van Gogh e Gauguin, il primo soprattutto a livello psicologico, come si riflette nell”intensità emotiva dei quadri di questo periodo, anche se c”è anche una semplificazione dei volumi e dei contorni definiti che fanno pensare a Gauguin, dal quale prenderà anche una concezione universale del sentimentalismo. Picasso ha espresso la solitudine dei personaggi isolandoli in un ambiente impreciso, con un uso quasi esclusivo del blu per un periodo di più di due anni, un fatto praticamente senza precedenti nella storia dell”arte. Allo stesso modo, l”allungamento delle figure che veniva introdotto nelle sue opere ricordava di nuovo lo stile di El Greco.

Picasso era un lavoratore instancabile. Alla fine di aprile del 1901 tornò a Barcellona, dove esponeva Donna in blu (Museo Reina Sofía, Madrid) all”Esposizione Generale di Belle Arti, e poi in maggio tornò a Parigi, dove si stabilì al 130 Boulevard de Clichy, nel luogo dove Casagemas aveva il suo studio. Tra giugno e luglio dello stesso anno, Picasso e Iturrino tengono una mostra alla galleria Vollard di Parigi. Senza soldi né lavoro, in giugno incontra il poeta Max Jacob, con il quale manterrà una stretta relazione fino alla morte di Jacob nel 1944. Il poeta ricordò in seguito di aver scoperto l”opera di Picasso e, come critico d”arte, espresse la sua ammirazione per il talento del pittore. Poco dopo ricevette un invito da Mañach per presentargli il giovane che rappresentava (passarono tutta la giornata a guardare l”enorme lavoro di Picasso, che a quel tempo dipingeva uno o due quadri a notte, vendendoli per 150 franchi in Rue Laffite. Durante l”autunno dipinse I due saltimbanchi (Arlecchino e il suo compagno) (Museo Pushkin, Mosca), Arlecchino sostenuto (Ritratto di Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcellona), Ritratto di Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Malaga) e Autoritratto blu (Museu Picasso, Parigi).

Alla fine di gennaio del 1902 ruppe il suo accordo con Mañach, e dopo l”accordo corrispondente tornò a Barcellona. Inizia a lavorare nello studio di Ángel Fernández de Soto al numero 6 di Carrer Nou de la Rambla, dove durante la primavera il colore blu comincia a dominare il suo lavoro. Con Fernández de Soto visitò i bordelli di Barcellona, cosa che si riflette in una serie di disegni erotici tra cui un Autoritratto con nudo (un disegno a inchiostro e acquerello di Ángel Fernández de Soto con una donna) e La macarra (composizione allegorica), di proprietà del Museo Picasso di Barcellona.

A Parigi, Mañach organizzò una mostra di dipinti e pastelli alla galleria Berthe Weill dal 1 al 15 aprile, con opere di Picasso e Lemaire, e un”altra in giugno nella stessa galleria con opere di Picasso e Matisse. A Barcellona Picasso ricevette un avviso per entrare nel servizio militare in ottobre. Per evitarlo, ha dovuto pagare duemila pesetas, una somma fornita da suo zio. Subito dopo torna a Parigi con Sébastien Junyer ed espone per la prima volta i suoi quadri blu dal 15 novembre al 15 dicembre in una mostra collettiva organizzata ancora da Mañach alla galleria Berthe Weill.

A questa data risale un Ritratto di Germaine che la Acquavella Galleries ha acquistato per 18,6 milioni di dollari in un”asta di Christie”s nel 2006. Nel dicembre 1902 si trasferì per un certo periodo nell”appartamento di Max Jacob all”87 di Boulevard Voltaire; la stanza aveva un solo letto, così Picasso lavorava di notte e dormiva durante il giorno mentre Jacob lavorava. A quel tempo non poteva comprare tela e dovette limitarsi a disegnare.

Nel gennaio 1903 Picasso tornò a Barcellona. In primavera iniziò il dipinto Life (Cleveland Museum of Fine Arts), una delle tele più grandi e complesse del suo periodo blu, considerata la sua opera più importante di questi anni, un lavoro dal simbolismo insolitamente oscuro nelle sue prime opere e soggetto a molteplici interpretazioni accademiche, sulle quali l”artista non si pronunciò mai. Picasso fece quattro schizzi preparatori per il quadro, variando la composizione delle figure almeno due volte; va notato che la figura maschile, iniziata come un autoritratto, finì per essere una rappresentazione del suo amico Carlos Casagemas. La vita riassume la maggior parte dei temi e dell”atmosfera del periodo blu: il pessimismo nichilista sviluppato durante i suoi anni formativi a Barcellona, intensificato dalle difficoltà materiali che soffriva in quel periodo. “La solitudine dei bambini, la miseria dei poveri, mendicanti e ciechi sono spesso rappresentati nei dipinti di quel periodo: Le due sorelle (Museo dell”Ermitage, San Pietroburgo), Il povero in riva al mare (Galleria Nazionale d”Arte, Washington D. C.), Il vecchio chitarrista (Il vecchio chitarrista, San Pietroburgo), Il povero sulla riva del mare (Galleria Nazionale d”Arte, Washington D. C.), Il povero sulla riva del mare (Galleria Nazionale d”Arte, San Pietroburgo), Il povero sulla riva del mare (Galleria Nazionale d”Arte, San Pietroburgo), Il povero sulla riva del mare (Galleria Nazionale d”Arte, San Pietroburgo). C.), Il vecchio chitarrista cieco (Art Institute of Chicago), L”asceta (Barnes Foundation, Philadelphia), e La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Parigi) sono tra i primi capolavori di Picasso.

Verso la fine del 1903 Picasso cominciò a pensare che solo stabilendosi definitivamente in Francia la sua fama avrebbe superato i confini della Spagna. Si trasferì nello studio dello scultore Pablo Gargallo (1881-1934), che allora si trovava a Parigi, al 28 di Carrer del Comerç a Barcellona, dove terminò La Celestina (Carlota Valdivia) e iniziò un nuovo Ritratto di Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo), che completò nella primavera del 1904.

Parigi, Bateau Lavoir. Il periodo rosa

Nell”aprile del 1904 Picasso si stabilì a Parigi al Bateau-Lavoir, situato nel quartiere di Montmartre, in uno studio che il suo amico scultore Paco Durrio stava per lasciare. Lì riprese i contatti con diversi artisti spagnoli che vivevano anch”essi nel Bateau-Lavoir, soprattutto Ricardo Canals, che gli insegnò la tecnica dell”acquaforte nel settembre dello stesso anno, e sua moglie; anche con Manuel Hugué e sua moglie Totote, e con Ramon Pichot e Germaine, la ballerina per cui il suo amico Casagemas si era suicidato. Durante l”estate ebbe una relazione con “Madeleine”, che appare in diversi disegni e dipinti, come La moglie dell”acrobata (Art Institute of Chicago) e ispirò il soggetto della Famiglia di Arlecchino (1905). Nell”agosto 1904 Picasso incontrò la sua prima compagna sentimentale: Fernande Olivier (1881-1966), modella d”artista e amica della moglie di Ricardo Canals, Benedetta, era conosciuta nella colonia spagnola del Bateau-Lavoir come “la bella Fernande”. Entrambi ventunenni, Fernande fu il primo vero amore di Picasso, e divenne la sua fonte di ispirazione fino al 1910, anche se la loro relazione non finì definitivamente fino al 1912.

Nell”ottobre del 1904 Picasso incontrò il poeta André Salmon e anche Guillaume Apollinaire, il poeta e scrittore precursore del surrealismo, con il quale stabilì una relazione molto stretta. Picasso divenne un habitué del cabaret Lapin Agile (il “Coniglio Agile”) e del Cirque Medrano. Dal momento in cui si stabilì a Montmartre, la tavolozza e i temi di Picasso cominciarono a cambiare; la povertà e le difficoltà della vita degli artisti del circo e degli acrobati portarono un nuovo lirismo ai suoi dipinti, mentre passava dal periodo blu al cosiddetto periodo rosa. Il periodo rosa si distingue per i colori pastello e i toni caldi, con linee morbide e delicate; con un”enfasi speciale sulla linea e sul disegno piuttosto che sul colore, continuò a lavorare le figure con proporzioni allungate che ricordano la sua ammirazione per El Greco, come in L”attore (MoMA, New York) o nell”acquerello Il pazzo (Museo Picasso, Barcellona), un ricorso a formule manieriste di cui è stato sottolineato che Picasso fece un uso costante durante tutta la sua carriera. I temi da lui trattati sono la gioia e l”inquietudine esistenziale; come nel periodo blu, un tocco di malinconia sottende, ma in quel momento dominato dall”affetto, con molti riferimenti al mondo dello zoo e del circo. Dipingeva maschere, arlecchini, allenatori e clown; questo era anche il periodo degli uteri rosa. Opere rappresentative di questo periodo sono Acrobat with a Ball (Girl with a Ball) (Pushkin Museum, Mosca), Family of Acrobats (National Gallery of Art, Washington), Acrobat and Young Harlequin (Barnes Foundation, Philadelphia) e Family of Acrobats with a Monkey (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Dal 25 febbraio al 6 marzo 1905 espone le sue prime tele rosa alla Galerie Sérurier. La critica parlò dell”annuncio di una trasformazione luminosa del suo talento; dopo il dramma del periodo blu, Apollinaire descrisse le opere del periodo rosa nella Revue immoraliste: “Sotto gli orpelli lampeggianti dei suoi acrobati, si sente davvero la pietà del popolo, versatile, astuto, astuto, povero e bugiardo”. Come ha detto Fernande Olivier, Picasso sembrava amare ciò per cui non era fatto, ciò che era diverso da lui: gli zingari, le corride, i cabaret loschi, i clown e il mondo del circo; amava e si immergeva con piacere in tutto ciò che aveva un violento colore locale.

Nella primavera dello stesso anno dipinge una delle sue opere principali di quell”anno, La famiglia di Saltimbanquis, una chiara evoluzione verso il periodo rosa; un paesaggio spoglio e sfocato in cui le figure ben disegnate e stilizzate dei burattinai, personaggi marginali la cui vita solitaria impressionò Picasso, sono inquadrate in modo isolato. Un pomeriggio, dopo aver lasciato il Cirque Médrano con Max Jacob, decise di modellare la sua testa in creta, e mentre lavorava al pezzo nei giorni successivi, aggiunse il cappello e le campane di un giullare, nello stile dei personaggi del circo. L”opera si chiamava The Madman (Harlequin”s Head) (Musée Picasso, Parigi), che il gallerista Ambroise Vollard fece fondere in bronzo.

Durante l”estate fece un viaggio nel nord dei Paesi Bassi, soggiornando a Schoorl per sei settimane su invito dello scrittore olandese Tom Schilperoort. Durante il suo soggiorno dipinse un nudo, The Dutch Beauty (Queensland Art Gallery, South Brisbane), e The Three Dutchwomen (Musée Picasso, Parigi), una versione personale del tema classico delle tre grazie. Dopo un breve soggiorno a Parigi, trascorse una vacanza in agosto con Fernande a Tiana, a nord-est di Barcellona. Al suo ritorno a settembre, Fernande si trasferì nel modesto studio di Picasso al Bateau-Lavoir; l”inizio della loro relazione fu felice, e i dipinti e i disegni di Picasso su Fernande ne celebrano la bellezza e la vicinanza personale. Picasso aveva l”abitudine di visitare le piccole gallerie, e insieme a Fernande frequentava i vernissage popolari dei saloni ufficiali.

Gertrude Stein e suo fratello Leo si erano stabiliti a Parigi e dedicarono la loro fortuna ad accumulare una straordinaria collezione d”arte. Leo Stein comprò Famiglia di acrobati con scimmie dal mercante d”arte Clovis Sagot, tramite il quale Leo e Gertrude andarono a visitare lo studio di Picasso e comprarono da lui numerose opere per 900 franchi. Picasso divenne un assiduo frequentatore del salotto di Gertrude Stein nel suo appartamento di Parigi; dipinse un ritratto di Leo e di suo figlio Michael e iniziò la prima delle ottanta-novanta sedute del famoso Ritratto di Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude aveva recentemente acquistato la Donna con cappello di Matisse e decise che i due artisti si sarebbero dovuti incontrare.

Nel 1906, dopo tre mesi di lavoro sul Ritratto di Gertrude Stein, lo abbandonò temporaneamente e fece i primi schizzi per Les Demoiselles d”Avignon. Abbandona il tema degli arlecchini per cavalieri e giovani in paesaggi bucolici, sulla falsariga di Gauguin e Puvis de Chavannes, in una ricerca di classicità sia tematica che formale, che porta Picasso allo studio dell”arte antica; in marzo scopre l”arte primitiva spagnola in una mostra al Louvre di sculture iberiche trovate a Osuna e Cerro de los Santos, compresa la Dama di Elche. La galleria di Ambroise Vollard ha acquistato la maggior parte delle tele rosa anche in marzo. In maggio si reca con Fernande Olivier a Barcellona, dove la presenta ad amici e parenti, e poi durante l”estate a Gósol, a Lérida, dove entra di nuovo in contatto con il primitivismo essenziale della cultura popolare, e dipinge scene di bagni e nudi visti da una squisita padronanza del rosso; questa tavolozza rossastra di Gósol riflette una preoccupazione per la modellazione dei volumi, e un ritorno alle radici di un Mediterraneo arcaico. Questo lo ispirò a creare una serie di dipinti con figure che recuperano alcune caratteristiche di quel primitivismo, rompendo con il suo stile precedente. Anche se la semplificazione dei tratti e dei volumi sono precursori del cubismo, questa fu una tappa con un”entità propria, che non può essere inclusa in nessuno stile riconosciuto. Possiamo osservare in questi dipinti i suoi stessi tratti del viso anche tra le figure femminili, cosa che si può notare confrontandoli con gli autoritratti di questa serie. Questo soggiorno ebbe un impatto importante sul lavoro di Picasso, poiché i dipinti di Gósol segnarono l”inizio della sua rivoluzione cubista l”anno seguente; anni dopo Picasso riprese quello che sarebbe stato il corso logico di questo stile nel suo periodo neoclassico.

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Protocubismo

Nell”agosto del 1906, di ritorno da Gósol, riprende il Ritratto di Gertrude Stein, lavorando a memoria (la Stein si trovava in Italia) e riduce il suo viso a una specie di maschera iberica, impassibile ed espressiva allo stesso tempo. Picasso disse del Ritratto di Gertrude Stein: “Tutti pensano che lei non sia affatto come il suo ritratto, ma non importa, alla fine riuscirà a somigliargli. “Influenzato dalla scultura iberica e dalla pittura di Cézanne, che vide esposta nei saloni, Picasso indagò la forma e il volume, cosa che si può vedere nell”Autoritratto con tavolozza (Philadelphia Museum of Art), una pittura di un arcaismo quasi selvaggio che anticipa anche le influenze accumulate da Picasso dal 1905.

Il Salon d”Automne del 1906 espose una retrospettiva di Gauguin, che fece una profonda impressione su Picasso e influenzò molto il suo lavoro; il Salon includeva anche dieci opere di Cézanne, che morì nello stesso periodo. In inverno Picasso dipinge Due donne nude (la monumentalità delle figure e l”uso autonomo della luce e dell”ombra ricordano Le grandi bagnanti di Cézanne). Verso la fine dell”anno smette di dipingere e intraprende una serie di studi e schizzi di nudi per una composizione a più figure sul tema del bordello, che culminerà nel 1907 con la rivoluzione rappresentata da Les Demoiselles d”Avignon.

La prima reazione dell”entourage di Picasso agli studi precedenti delle giovani donne fu generalmente sfavorevole: i suoi amici non capivano bene questo nuovo stile. In un quaderno, Apollinaire lo descrisse come un “linguaggio meraviglioso che nessuna letteratura può esprimere, perché le nostre parole sono già state create”. Durante la primavera del 1907 Picasso incontra, tramite Apollinaire, Georges Braque, il quale, dopo aver visitato il suo studio, esprime una certa agitazione verso la pittura su larga scala.

A metà maggio dipinge l”Autoritratto (Národni Galerie, Praga): la linea diventa un elemento strutturale dominante, segna i tratti e addirittura delinea le altre zone dell”immagine, quasi tutte piene di colore e pochissime modellate, lasciando addirittura zone della tela non dipinte. Verso la fine di maggio iniziò la tela finale de Le signorine di Avignone, e le figure maschili scomparvero: una di esse, un marinaio, fu rimossa, e uno studente sulla sinistra fu sostituito da una donna nuda che regge una tenda.

Incoraggiato da André Derain, Picasso visitò il Museo di Etnografia al Palazzo del Trocadero a Parigi nel 1907. Questo fu il suo primo contatto con un gran numero di pezzi africani e oceanici, che sia Derain che Matisse avevano collezionato a lungo, ma ai quali Picasso non aveva prestato molta attenzione fino ad allora. La scoperta dell”arte non occidentale diede un nuovo impulso a Les Demoiselles d”Avignon, ed esercitò anche una notevole influenza sul suo lavoro scultoreo. Picasso modificò poi i volti di alcune delle signore, le due più “cubiste” delle cinque, assomigliando a maschere africane, mentre le due centrali sono più affini allo stile degli affreschi medievali e delle prime sculture iberiche; il volto della figura a sinistra ha anche un profilo che ricorda i dipinti egizi. Tuttavia, “art négre, connais pas”, fu la risposta di Picasso ad una domanda sulla rivista Action nel 1920; questo periodo proto-cubista, che va dal 1907 al 1909, è anche conosciuto come il periodo africano di Picasso, periodo nero o periodo oscuro; il suo stile fu fortemente influenzato dalla scultura africana, ma l”artista ha sempre inteso il contrario.

Les Demoiselles d”Avignon (MoMA, New York) segnò una nuova partenza per Picasso, che eliminò i riferimenti alla tradizione rompendo con il realismo, abbandonando i canoni della profondità spaziale e della prospettiva e l”ideale fino ad allora esistente del corpo femminile, riducendo l”opera a un insieme di piani angolari, senza uno sfondo delimitato o prospettiva spaziale, in cui le forme sono segnate da linee chiaro-scure. I toni ocra-rossastri sono caratteristici del suo periodo rosa più dolce, ma la crudezza del dipinto li rende aggressivi.

Il quadro può anche essere stato influenzato dalle figure allungate di El Greco, in particolare dalla sua Visione dell”Apocalisse, che Picasso forse vide quell”estate a Parigi; la sua struttura e composizione derivano da Le grandi bagnanti di Cézanne; la pittura di Cézanne rende gli oggetti una presenza reale, con particolare enfasi sui volumi e il loro peso, senza il palpito atmosferico dell”impressionismo. Secondo Fermigier, 1969, p. 69, la sua retrospettiva al Salon d”Automne del 1907 determinò l”evoluzione successiva di Picasso. Anche Braque, ispirato da Cézanne, inizia una serie di paesaggi che mostrano la sua transizione dal fauvismo al suo periodo proto-cubista.

La relazione con Fernande entrò in crisi, e decisero di separarsi alla fine dell”estate del 1907, anche se si riconciliarono alla fine di novembre. In loro assenza, Max Jacob e Apollinaire avevano convinto Picasso a fumare l”oppio; Picasso era in bilico tra la benedizione delle visioni e la paura di cedere all”apatia e alla stanchezza del lavoro. La tavolozza di Picasso era piena di colori “africani” brillanti: dipinge Donna nuda (la ballerina di Avignone) (collezione privata, Losanna), un epilogo a Le signorine di Avignone in cui elementi basati sull”arte iberica e africana raggiungono un nuovo grado di semplificazione geometrica; nello stesso stile, La danza dei veli (nudo con drappeggio) (Museo dell”Ermitage, San Pietroburgo), iniziato in estate e acquistato da Gertrude Stein insieme agli schizzi preparatori per esso; anche Fiori su un tavolo (MoMA, New York). Nelle opere successive, i toni della carne diventano ocra e marrone, e Picasso si confronta subito con molti esperimenti di rottura nei suoi quadri: l”abbandono della prospettiva; la conquista dello spazio, frammentando i piani attraverso toni piatti con contorni spessi e definiti; la ricerca del rilievo, attraverso contorni blu esagerati su uno sfondo marrone e ombreggiature spesse; tra questi l”Amicizia (Museo Hermitage, San Pietroburgo) e Nudo con asciugamano (collezione privata, Parigi). Lo studio di Picasso divenne un centro di discussioni e dibattiti, e non solo sul suo lavoro. Braque vi portò le sue opere, Matisse e Picasso si scambiarono i quadri: la Natura morta di Picasso, la ciotola e il limone (Fondation Beyeler, Riehen, Basilea) per il Ritratto di Marguerite, sua figlia, di Matisse. Il rapporto tra Picasso e Matisse andava dalla competizione alla derisione all”intensa ammirazione reciproca; Matisse disse che nessuno aveva guardato il suo lavoro come Picasso, e nessuno aveva guardato il lavoro di Picasso come lui.

Cubismo

Con Les Demoiselles d”Avignon come punto di partenza, Braque e Picasso hanno infine formulato il cubismo nel 1908. Il cubismo fu una svolta radicale nella storia dell”arte che ispirò il resto dell”avanguardia artistica ad abbandonare l”illusionismo pittorico, rifiutando la descrizione naturalistica in favore di composizioni di forme astratte dalla percezione convenzionale, giocando con la tridimensionalità e la struttura delle superfici. Questa tecnica, iniziata da Picasso e Braque, ebbe molti seguaci, come Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay e Albert Gleizes.

Nel gennaio 1908 Matisse aprì la sua scuola, l”Academie Matisse. D”altra parte, Derain e Braque erano seguaci di Picasso, il che, aggiunto alla loro crescente amicizia con Gertrude Stein, irritò Matisse. Al Salon des Indépendants nel maggio di quell”anno, Derain e Braque presentarono dei quadri ispirati al nuovo stile di Picasso, che suscitarono un grande scalpore tra i critici. Picasso era indignato dal fatto che la prima mostra di arte cubista si tenesse senza riconoscere il suo ruolo come fonte di ispirazione, specialmente Donna (1908), un nudo molto recente di Braque, che non aveva discusso con nessuno, nemmeno con Picasso. Dopo la chiusura del Salon, Braque andò a L”Estaque fino a settembre. Gli elementi africani cedono gradualmente il passo nell”opera di Picasso agli effetti dell”influenza di Cézanne, forse legati al riduttivismo cezannista dei paesaggi di Braque.

Il suo amico pittore tedesco Wieghels si suicidò al Bateau-Lavoir, dopo una serata in cui consumò un eccesso di varie droghe; questa tragedia convinse Picasso e Fernande a rinunciare all”oppio; Composizione con testa di morto (Museo dell”Ermitage, San Pietroburgo), completato nella tarda primavera, potrebbe essere una commemorazione della morte di Wieghels.

Durante l”estate Braque realizza a L”Estaque una serie di paesaggi cubisti in cui, più che un”ispirazione, la rottura con la prospettiva meccanizzata di Cézanne è considerata dal pittore un”iniziazione. Picasso affittò una casa colonica nella Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 chilometri a nord di Parigi; Fernande ha detto che con questo ritiro Picasso cercò di superare lo stato di agitazione nervosa che la morte di Wieghels gli aveva causato. Entrambi gli artisti cominciarono a raffigurare un senso di rilievo attraverso l”applicazione arbitraria di luce e ombra a scapito dell”ombreggiatura naturalistica; le forme furono semplificate all”estremo, con una maggiore e più profonda sculturalità nei dipinti di Picasso, la cui tavolozza era limitata a una gamma di marroni, grigi e verdi. I paesaggi di Picasso sono influenzati da Henri Rousseau (1844-1910) e da un primo Cézanne.

Quando Braque presentò i suoi paesaggi al Salon d”Automne di settembre, la giuria, i cui membri includevano Matisse, rifiutò le opere. Secondo Apollinaire, Matisse fu il primo ad applicare i termini “cubista” e “cubismo” quando rifiutò le opere di Braque presentate al Salon. Questa storia è stata considerata l”origine ufficiale del movimento dal 1912. Josep Palau i Fabre sottolinea che l”autunno del 1908 segna l”inizio di quello che lui chiama il periodo verde di Picasso: le nature morte che dipinge in quel periodo mostrano una stilizzazione formale che è forse dovuta all”applicazione dei postulati cezaneschi, secondo i quali le forme dovevano essere ridotte a coni, cilindri e sfere. Questa schematizzazione geometrica non comporta una perdita di corporeità degli oggetti raffigurati, e può quindi essere descritta come un rilievo piatto. Durante l”estate e ottobre completò la versione finale di Tre donne (Museo dell”Ermitage, San Pietroburgo), in cui le influenze africane dei primi studi del dipinto sono diluite nel nuovo stile del periodo verde.

Dopo l”esposizione delle opere di Braque alla galleria di Daniel-Henry Kahnweiler, che fu accolta meglio dalla critica rispetto alle opere presentate al Salon des Indépendants, Picasso organizzò un banchetto al Bateau-Lavoir in onore di Rousseau, per festeggiare il fatto che aveva appena acquistato un”opera del pittore, Ritratto di donna, per cinque franchi nel negozio di antiquariato di Père Soulier. Durante quell”inverno lo scambio di idee tra Braque e Picasso si intensificò a livello quotidiano, mentre la loro amicizia si rafforzava. La natura morta di frutta, motivo emblematico di Cézanne, fu uno dei temi condivisi dai due pittori in questo periodo: Le compotier (Piatto di frutta) (MoMA, New York), Natura morta con pesce e bottiglie (Musée d”Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d”Ascq). Lavorò anche durante l”inverno al Carnevale al Bistrot (Musée Picasso, Parigi), che si cristallizzò all”inizio del 1909 in Pane e ciotola di frutta con frutta su un tavolo (Musée d”Art Basel).

Picasso cominciò ad essere apprezzato dai collezionisti; un amico degli Stein, che aveva appena comprato le sue Tre Donne, lo svizzero Hermann Rupf comprò diverse sue opere, e Dutilleul (anche lui cliente di Braque) iniziò la sua collezione. Nel marzo 1909 un articolo di Charles Morice fu pubblicato sul Mercure de France in cui il termine Cubismo apparve per la prima volta sulla stampa. In maggio Picasso e Fernande andarono a Barcellona per visitare la famiglia e vecchi amici; dipinse un Ritratto di Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts) nello studio del suo amico. Successivamente si trasferirono a Horta de San Juan, undici anni dopo la loro prima visita, dove dipinse e disegnò nature morte e numerosi ritratti di Fernande, tra cui Donna nuda in poltrona (collezione privata, Francia) e Busto di donna (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). La serie di ritratti di Fernande iniziata a Parigi culminò in Donna con pere (Fernande) (MoMA, New York). Realizzò anche sei grandi paesaggi, tra cui Il serbatoio (Horta de Ebro) (MoMA, New York); La fabbrica di Horta (Museo dell”Ermitage, San Pietroburgo) e Case sulla collina (Horta de Ebro) (Nuova Galleria Nazionale, Berlino). Questi furono gli inizi del cubismo analitico, debitore dei concetti di rilievo, “prospettiva inversa” e modellazione di Cézanne.

Nelle opere che dipinse a Horta, gli alberi e le forme naturali vennero ovviati, e la roccia, superficialmente amorfa, venne analizzata e spezzata in piani e poi ricostruita sovrapponendo i piani; in alcuni casi la geometrizzazione si estendeva al cielo, e l”insieme offriva una composizione rigorosa con una profondità che non invidiava la prospettiva tradizionale. L”uso della luce era del tutto arbitrario, rigorosamente per accentuare i contorni e affinare i rilievi. Tuttavia, il cubismo analitico era ancora una revisione piuttosto che un rifiuto della tradizione; il dipinto rimaneva una finestra illusoria su un mondo rappresentato e ricostruito. Il cubismo sintetico costituì una negazione della tradizione europea; il collage ruppe l”inviolabilità della superficie del quadro e la rappresentazione della realtà cessò di essere l”obiettivo del quadro e divenne il suo punto di partenza.

A settembre si trasferisce a Parigi, al 11 di boulevard de Clichy. Tornò carico di opere nel nuovo stile e, nonostante il rifiuto del pubblico e della critica alla mostra che Vollard organizzò per loro, il gruppo selezionato di collezionisti guidato da Gertrude Stein e Sergei Shchukin continuò ad acquistarle. Chiuso nel suo nuovo studio, continuò a sviluppare il cubismo, che a quel tempo condivise non solo con Braque ma anche con un gruppo di artisti di Montmartre fortemente influenzati dal nuovo stile, tra cui Derain, lo spagnolo Juan Gris e Léger. Il cubismo si stava diffondendo in tutta Europa, con il costruttivista e suprematista Malevich in Russia e Mondrian nei Paesi Bassi, anche se entrambi mostravano serie differenze con lo stile di Picasso: Secondo Penrose, la loro ricerca di una geometria pura delle forme li portò lontano dal soggetto pittorico verso l”astrazione, qualcosa che non faceva parte dell”istinto di Picasso, per il quale rimuovere simboli e allusioni poetiche dalla pittura era una forma di evirazione; ispirò anche i futuristi guidati da Marinetti in Italia e i vorticisti in Inghilterra, che basarono la loro teoria estetica sulla forma e sul movimento meccanico e sul ritmo, cercando di introdurre il tempo nella rappresentazione pittorica. Ma Picasso non cercava lo sviluppo di teorie o scuole; il suo bisogno era quello di rompere con il passato e di dare all”opera d”arte una propria vita interiore.

Nello studio di Manuel Hugué realizzò sculture come Testa di donna (Fernande) (Museo Picasso di Barcellona, ispirata alle tele che dipinse a Horta. Fernande non si sentiva a suo agio con i cambiamenti che stavano avvenendo nel loro ambiente e stile di vita, desiderava la spontaneità dei loro primi giorni insieme.

Già nel 1909 Picasso dipinge una serie di ritratti in cui il rigore della sua disciplina nella ricerca di una nuova concezione dello spazio lo porta a ridurre progressivamente l”uso del colore; nei paesaggi di Horta e in Donna che cuce (Claire B. Zeisler Collection, Chicago), dipinti durante l”inverno del 1909-1910, la tavolozza si limita a ocra, grigi e verdi, fino ad eliminare questo colore ed entrare in una monocromia che viene occasionalmente rotta con sottili gradazioni di grigi e ocra. Nel 1910 dipinse, tra gli altri, i ritratti di Ambroise Vollard (Museo Pushkin, Mosca), Wilhelm Uhde (Collezione Pulitzer, St. Louis) e Daniel-Henry Kaufmann (St. Louis). Nonostante la sua progressiva tendenza a dipingere con l”occhio del pensiero piuttosto che direttamente dalla natura, ha lavorato in numerose sessioni con i modelli, come Gertrude Stein prima di lui; nonostante il progressivo processo di segmentazione analitica dello spazio e della forma, Picasso ha catturato la fisionomia dei posteri.

Picasso e Fernande trascorsero l”estate del 1910 a Cadaqués (affittarono una casa sul mare, e furono raggiunti da Derain e sua moglie. Dopo la vacanza, Picasso tornò carico di opere incompiute in cui era evidente un avanzamento verso il nuovo linguaggio del cubismo; nel Ritratto di Daniel-Henry Kahnweiler, che dipinse dopo la vacanza, la figura è trattata come una struttura tridimensionale che si manifesta in elementi dislocati nello spazio in una trama trasparente, vista da più angolazioni e tuttavia formando un insieme coerente, come avviene anche in dipinti come Donna nuda in piedi (Philadelphia Museum of Art).

Durante l”inverno tra il 1910 e il 1911 Picasso e Braque collaborarono così strettamente che è difficile rintracciare l”origine delle idee che entrambi misero in moto, e poiché non firmarono i loro quadri ci furono momenti in cui trovarono difficile distinguere il proprio lavoro da quello dell”altro; man mano che progredivano nella loro analisi dell”oggetto, Picasso e Braque sentivano di perdere il riferimento alla sua realtà riconoscibile. L”inclusione di elementi della realtà nelle loro composizioni cubiste li portò più tardi al trompe l”œil, e da lì all”invenzione del collage, rompendo così con la tradizione di non usare più di un mezzo per un”opera e mettendo in discussione i principi della pittura stessa.

Picasso si recò a Céret, un villaggio francese nella regione storica di Roussillon, nel luglio 1911. Fernande Olivier e Braque lo raggiunsero in agosto, e i due pittori continuarono la loro stretta collaborazione nella definizione del cubismo. Realizzano diversi quadri in cui introducono nelle loro opere la testata del giornale locale, con una riconoscibile tipografia gotica, come Il ventaglio (”L”Indépendant”) (collezione privata, Ascona, Svizzera). Il 5 settembre Picasso torna a Parigi e al Salon d”Automne del 1911 presenta una sala cubista, da cui sia lui che Braque sono assenti. Questo fatto sconvolse la stampa di New York, Madrid e Amsterdam, che coprirono l”evento, poiché erano conosciuti come i fondatori dello stile; diversi articoli e saggi su Picasso e Braque furono pubblicati in tutta Europa. La relazione con Fernande si era deteriorata, e nell”autunno di quell”anno Picasso incontrò Eva Gouel (Marcelle Humbert), fino a quel momento la compagna sentimentale del pittore polacco Louis Markus, che chiamò ma jolie (la mia bellezza) in diversi suoi quadri.

All”inizio del 1912 Picasso produsse la prima scultura costruita, Guitar (MoMA, New York), fatta di cartone, corda e filo di ferro. Picasso iniziò in gran parte un processo che portò alla liberazione della scultura dai concetti classici come il volume e la sostituzione dei processi di modellazione o intaglio con tutti i tipi di tecniche costruttive che costituirono una trasformazione rivoluzionaria nella scultura. In un parallelo con la tecnica del collage cubista, il cui primo esempio è Natura morta con sedia intrecciata (Musée Picasso, Parigi), creato nella primavera del 1912, le forme erano ridotte a piani che potevano essere liberamente articolati. I concetti di assemblaggio e costruzione permisero di introdurre nuove tecniche e materiali; la scomposizione del volume portò nuove prospettive, l”apprezzamento del vuoto e della luce come elementi scultorei di pari importanza alla massa.

Tra il 1912 e il 1915, Picasso e Braque sviluppano la seconda fase del cubismo, in cui restituiscono al loro lavoro un equivalente dei concetti tradizionali che avevano rotto o eliminato nella fase precedente; forme, oggetti e parole diventano riconoscibili mentre la superficie viene ricostituita; si recupera l”uso di un cromatismo più solido e brillante, i piani sono chiaramente delineati e delimitati, si sovrappongono e sembrano coinvolgere superfici strutturate e motivi decorativi.

Tra aprile e maggio 1912 si tenne una mostra cubista alla Galeria Dalmau di Barcellona senza opere di Picasso o Braque. La relazione con Fernande finì; Picasso scrisse a Braque: “Fernande mi ha lasciato per un futurista”. Il 18 maggio arriva a Céret con Eva, dove realizza alcuni disegni sui quali applica carta da parati del XIX secolo e ritagli di diario. Quando in giugno Picasso viene a sapere che Fernande ha intenzione di andare a Céret per l”estate con Pitxot e sua moglie, scrive a Kahnweiler per dirgli di non aspettarsi nulla da lui, che sarebbe felice se non la vedesse più, mentre riafferma il suo amore per Eva, indicando che lo scriverà nei suoi quadri. È probabile che tra giugno e settembre abbia lavorato a Nudo femminile (”J”aime Eva”) (un”opera più leggera e colorata, con tocchi di colori acidi, in cui la costruzione della figura femminile deriva dalla tecnica del collage che stava usando nei suoi disegni). Fuggendo dalla visita di Fernande, il 25 giugno si trasferisce alla Villa des Clochettes, a Sorgues-sur-L”ouvèze. Braque fu impressionato dai dipinti di Céret, e Picasso gli chiese un parere sul Violino (”Jolie Eva”) (Nuova Galleria di Stato di Stoccarda), in cui dipinse superfici che imitavano aggiunte di legno e carte scritte, o su Il dilettante (Le torero) (Museo d”arte di Basilea). Braque si trasferì a Sorgues in agosto, dove ripresero il loro lavoro e continuarono a delineare i loro concetti artistici.

Nel settembre 1912 visita Parigi per un paio di settimane per organizzare il suo trasferimento in un nuovo studio al 242 di boulevard Raspail, ma ritorna a Sorgues, dove lavora a Il dilettante (Le Torero) e Il poeta (Museo d”arte di Basilea). L”indurimento e l”appiattimento delle forme caratterizzano il cubismo ermetico, che segna l”inizio del passaggio al cubismo sintetico. Verso la fine di settembre torna a Parigi con Eva per raccogliere le sue cose e trasferirsi nel nuovo studio, dove si trasferiscono il primo di ottobre. A metà novembre inizia la prima serie di papiers collés, in risposta al lavoro di Braque in questo mezzo, applicando le tecniche di assemblaggio e incorporazione di materiali in Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas): su uno sfondo di carta dipinta, Picasso incolla frammenti di carta tra cui un titolo de Le Journal su cui conserva le parole La bataille s”est engagé (La battaglia è iniziata).

A metà dicembre tornò a Céret, da dove si recò a Barcellona con Eva durante le vacanze di Natale. Torna a Parigi il 21 gennaio 1913, dove inizia a lavorare al Violino appeso al muro (Musée des Beaux-Arts, Berna), in cui implementa l”uso di aggiungere sabbia alla pittura e, in una doppia imitazione, simula l”effetto collage per mezzo di piani che ricordano i ritagli di carta (che a loro volta imitano una texture lignea) che Braque e Picasso usavano nei loro collage, Allo stesso tempo produsse una seconda serie di papiers collés in cui utilizzò giornali contemporanei di Parigi (in molti di essi utilizzò Le Figaro) o di Céret, in cui si può osservare un aumento dell”astrazione e un maggiore colore.

Alla fine di febbraio si tenne la prima retrospettiva di Picasso in Germania, alla Moderne Galerie Heinrich Thannhauser di Monaco; otto opere di Picasso e tre di Braque furono anche incluse nell”Esposizione Internazionale d”Arte Moderna (l”Armory Show) di New York, al 69th Regiment Armory, che in seguito viaggiò a Chicago e Boston, uno degli eventi più influenti nella storia dell”arte americana, che includeva anche il famoso Nudo che scende una scala di Marcel Duchamp.

Picasso ed Eva tornarono a Céret nel marzo 1913, anche se lui si recherà a Barcellona in diverse occasioni. Suo padre morì all”inizio di maggio e Picasso partecipò al suo funerale. Anche la salute di Eva non era buona, ed è peggiorata nella tarda primavera. In giugno Picasso tornò a Parigi, e allo stesso tempo si ammalò di angina o bronchite (da cui guarì alla fine di luglio), così come Eva, che apparentemente non si riprese mai completamente. In agosto torna a Céret, dove completa Uomo con chitarra (MoMA, New York), che mostra il cubismo sintetico sviluppato: motivi frammentati del cubismo analitico sintetizzati in grandi forme piatte che sono “segni” di oggetti. Dopo un breve soggiorno, tornarono a Parigi il 19 agosto, dove iniziarono a trasferirsi in un nuovo studio al 5bis di rue Schoelcher, sul boulevard Raspail, con vista sul cimitero di Montparnasse. Questo segnò l”inizio del periodo conosciuto come Cubismo Poetico.

Intorno al periodo del Salon d”Automne, Picasso dipinse due grandi opere di particolare importanza, il Giocatore di carte (MoMA, New York), che contiene molti elementi di collage trompe l”oeil, e Donna in camicia seduta su una poltrona (collezione privata, New York), che combina il colore del cubismo analitico e i modelli schematici del cubismo sintetico. Continuò anche a sviluppare i suoi assemblaggi; verso la fine dell”anno il russo Vladimir Tatlin, che conosceva il suo lavoro dalla collezione Shchukin a Mosca, visitò Parigi per vedere Picasso e il suo studio, dove vide le costruzioni di quest”ultimo. Al suo ritorno a Mosca, Tatlin fece le sue prime costruzioni.

Nel 1914 Picasso produce una terza serie di papiers collés. Il 14 gennaio Kahnweiler pubblica L”assedio di Gerusalemme di Max Jacob, illustrato da Picasso. Lavorò anche alle sue costruzioni, tra cui The Glass of Absinthe (MoMA, New York), di cui il suo mercante Kahnweiler ordinò sei copie in bronzo, dipinte in modi diversi, alcune molto colorate, altre con una texture sabbiosa.

Alla fine di giugno Picasso ed Eva si trasferirono ad Avignone, vicino a Derain, che era a Montfavet, e Braque a Sorgues. L”attentato di Sarajevo in cui furono assassinati l”arciduca Francesco Ferdinando d”Austria e sua moglie scatenò lo scoppio della prima guerra mondiale. Apollinaire chiede la cittadinanza francese per arruolarsi come volontario; Braque e Derain sono mobilitati; Picasso li saluta alla stazione di Avignone il 2 agosto 1914. In autunno, sempre ad Avignone, Carte, bicchieri, bottiglia di rum (Vive la France) (Leigh B. Bloch Collection, Chicago) apre il periodo del cubismo puntinista. Lavorò su serie di disegni di uomini appoggiati su una balaustra, un tavolo o una sedia, in stili che vanno dal naturalismo al cubismo; la tela incompiuta L”artista e il suo modello (Musée Picasso, Parigi), presumibilmente Eva, mostra una tendenza a tornare alla figurazione rappresentativa che sarebbe poi riemersa.

Tornando a Parigi a metà novembre, il suo atteggiamento un po” ambivalente nei confronti della guerra e la sua relazione con i suoi mecenati tedeschi Kahnweiler e Thannhauser, insieme al fatto che la maggior parte dei giovani erano al fronte, fecero sì che Picasso fosse visto con sospetto. In inverno dipinse il quadro a olio Natura morta: chitarra, giornale, bicchiere e asso di trifoglio (Musée Picasso, Parigi), che introdusse il periodo conosciuto come Cubismo freddo, dove la composizione era lavorata con colori freddi, con una predominanza di blu.

Nel gennaio 1915 realizza il disegno a matita Ritratto di Max Jacob (Musée Picasso, Parigi), in stile naturalistico. La salute di Eva continua a peggiorare e si sottopone a un”operazione; a maggio, mentre è in un sanatorio, Picasso ha una relazione con Gabrielle Depeyre, con la quale fa un viaggio segreto a Saint-Tropez lo stesso anno. In agosto realizza un altro disegno, Ritratto di Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), con una tecnica classica e una somiglianza quasi fotografica. Disegni di questo tipo erano ancora contemporanei ai dipinti cubisti, come Arlecchino (MoMA, New York), un”austera composizione di grandi aree geometriche monocrome su sfondo nero, parte di una lunga serie su questo tema, che può essere intesa come un”allegoria della perdita, in particolare della malattia mortale di Eva, che fu trasferita all”ospedale Auteil in novembre. Picasso ha avuto un periodo molto difficile, “la mia vita è un inferno”, ha scritto a Gertude Stein. Eva morì il 14 dicembre 1915.

Durante la guerra il suo lavoro si concentrò su nature morte cubiste e ritratti in uno stile naturalistico; cubismo, puntinismo, manierismo e neoclassicismo coesistettero nel suo lavoro dal 1917 in poi. Alla fine della guerra, pur continuando a lavorare contemporaneamente in questi stili disparati, Picasso tende gradualmente verso uno stile neoclassico, che si sviluppa pienamente nel 1920 e sostiene il suo interesse fino al 1924.

I Balletti Russi

Nel 1916 ebbe relazioni con due donne: Gabrielle Lespinasse, una soubrette di Montparnasse con cui ebbe una relazione senza conseguenze, ed Elvira Paladini, sensuale e sibaritica, la cui presenza stimolò una certa premonizione dell”Italia nell”opera di Picasso. A marzo Apollinaire tornò ferito dal fronte e Picasso produsse diversi disegni che lo ritraggono nei tre mesi successivi, come il Ritratto di Apollinaire (collezione privata), anch”esso in stile realista. A giugno cominciò a trasferirsi al 22 di rue Victor-Hugo nel quartiere di Montrouge. Dipinge diversi ritratti di Elvira Paladini e Apollinaire, in uno stile realista, e diversi disegni di arlecchini che ricordano il periodo rosa. La prima mostra pubblica di Les Demoiselles d”Avignon si tenne a luglio al Salon d”Automne, organizzata da André Salmon. Come nel caso del cubismo, i critici furono piuttosto duri con un”opera che non riuscivano a capire.

Dopo un paio di visite precedenti, Jean Cocteau, che aveva conosciuto nel dicembre dell”anno precedente, lo invitò il 1° maggio a disegnare la scenografia per la compagnia dei Ballets Russes, diretta da Sergéi Diágilev, su libretto dello stesso Cocteau e musica di Erik Satie; durante la visita avrebbe dovuto realizzare un ritratto realistico dello scrittore. Alla fine di maggio Cocteau portò Diágilev a fargli visita nel suo studio, dove discussero i piani per il balletto Parade. Nell”agosto 1916 accettò finalmente di lavorare al balletto Parade. Picasso apportò diverse modifiche all”opera, idee che piacquero a Satie più di Cocteau. Finalmente a settembre si misero d”accordo, e nel gennaio 1917 confermò con Diágilev l”accordo di fare le scene e i costumi per il balletto per la somma di 5000 franchi, con altri 1000 franchi se fosse dovuto andare a Roma. Tra febbraio e marzo lavora al sipario del balletto Parade (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi).

Il 19 febbraio arriva con Cocteau a Roma per unirsi a Diagilev e ai Ballets Russes. Rimase otto settimane al Grand Hôtel de Russie, all”angolo tra Via del Babuino e Piazza del Popolo, dove fece molti disegni di Villa Medici dalla sua finestra. Ha prodotto molti schizzi per i costumi e le decorazioni per il balletto in uno studio in affitto al 53b di Via Margutta. Quando non lavorava socializzava con Diagilev, il coreografo della commedia Léonide Massine, lo scenografo Léon Bakst, Cocteau e Igor Stravinsky, di cui faceva rapidi ritratti e caricature. Incontrò anche gli artisti futuristi italiani e visitò con loro i luoghi famosi della città, la Cappella Sistina, le Stanze di Raffaello e i musei di scultura del Vaticano. Il suo soggiorno a Roma rinnovò il suo interesse per lo stile accademico di Ingres, la cui influenza si rifletterà nel suo lavoro negli anni seguenti. Durante questo periodo incontrò la ballerina Olga Jojlova, membro della compagnia di Diagilev, che alla fine sposò.

Nel marzo 1917, Diagilev portò Picasso, Stravinsky, Cocteau e Massine in un viaggio a Napoli, da dove visitarono le rovine di Ercolano e Pompei. In quei giorni apparve a Parigi la rivista letteraria d”avanguardia Nord-Sud, che durante la sua breve esistenza fu un potente forum di discussione avanguardista sul cubismo, e tentò di riunire i centri parigini della letteratura tradizionale e d”avanguardia, Montmartre e Montparnasse. I suoi collaboratori includevano molti degli scrittori che avrebbero dato forma al surrealismo: Apollinaire (che coniò il termine in questo periodo), André Breton, Louis Aragon e Tristan Tzara tra gli altri. In aprile Cocteau torna a Parigi e Picasso si unisce alla compagnia dei Ballets Russes nel loro viaggio in Italia per stare vicino a Olga, passando per Firenze (dove visita la Cappella Medici, con le tombe di Michelangelo) e Venezia.

Dopo la tournée in Italia, la compagnia si recò a Parigi alla fine di aprile, dove il 18 maggio 1917 ebbe luogo la prima rappresentazione di Parade al Théâtre du Châtelet. La combinazione di stili d”avanguardia nell”arte, nella musica e nella coreografia, in un periodo segnato dalla guerra in Europa, fece sì che l”opera suscitasse lo scandalo sperato da Diágilev, che la bollò come “offensivamente antifrancese”. Apollinaire notò nel suo saggio per il programma del balletto che la sintesi dei disegni di Picasso e la coreografia di Massine raggiunse per la prima volta una sorta di “surrealismo in cui vedo il punto di partenza di una serie di manifestazioni di questo Nuovo Spirito”. I resoconti della stampa furono invece terribili: tra maggio e giugno realizzò un Autoritratto realista (Musée Picasso, Parigi) e Gli occhi dell”artista (Musée Picasso, Malaga).

Innamorato di Olga, Picasso accompagnò i Ballets Russes a Madrid, dove si esibirono durante il mese di giugno; influenzato da Olga e dal suo contatto con la compagnia, Picasso frequentò l”alta società di Madrid. Il 23 giugno arrivarono a Barcellona, dove i Ballets Russes rappresentarono Las Meninas al Teatro del Liceo. Alla fine del mese la compagnia partì per il Sud America, mentre Olga e Picasso, già fidanzati, rimasero quattro mesi a Barcellona, dove i suoi amici artisti catalani Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, i fratelli Vidal e Francisco Iturrino gli diedero un banchetto di benvenuto alle Galerías Layetanes in luglio. Dipinse il naturalistico Arlecchino di Barcellona (Museo Picasso, Barcellona) e Olga Jojlova con Mantilla (Museo Picasso, Malaga); Donna in abito spagnolo (La Salchichona) (Museo Picasso, Barcellona), in una tecnica divisionista; in uno stile cubista, Donna seduta su una poltrona (Personaggio) (Museo Picasso, Barcellona) e Ciotola di frutta (Museo Picasso, Barcellona). Produsse anche numerosi disegni di corride e ritratti e disegni di Olga.

A novembre i Ballets Russes tornarono in Spagna; rappresentarono Parade a Barcellona, con un”accoglienza tiepida; durante la rappresentazione la sorella di Picasso, Lola, e suo marito gli presentarono l”allora studente d”arte Joan Miró. Alla fine di novembre Olga e Picasso si preparano a tornare a Parigi.

Il 1918 segna l”inizio di quello che Max Jacob identificò come il periodo della Duchessa, che terminò intorno al 1923. Dal 23 gennaio al 15 febbraio 1918, Picasso espone una serie di quadri proto-cubisti con Matisse alla galleria di Paul Guillaume. In un clima ancora ostile al cubismo, la mostra attirò molti commenti della stampa; è possibile che Les Demoiselles d”Avignon facesse parte della mostra. Completò un Ritratto di Olga in poltrona (Olga insisteva che i suoi ritratti dovessero essere riconoscibili.

Tra aprile e maggio si trasferisce con Olga all”Hotel Lutetia, un albergo di prima classe alla moda sul Boulevard Raspail; il suo stile di vita cambia, frequenta il circolo dei Ballets Russes e si muove tra l”alta società. Il 12 luglio ha sposato Olga, prima nella cerimonia legale richiesta e poi in una messa di tre ore nella chiesa ortodossa russa di Rue Daru a Parigi. Le loro famiglie non parteciparono e Picasso chiese a Jean Cocteau, Max Jacob e Apollinaire di fare da testimoni. Dopo il matrimonio, Olga si rifiutò di andare a Montrouge, dicendo che non sarebbe mai tornata in quella casa “che puzzava di troppe donne”. Il 30 luglio arrivarono a Biarritz per il loro viaggio di nozze; alloggiarono alla Villa La Mimoseraie, di proprietà della loro amica cilena Eugenia Errázuriz. Lì sviluppò temi marini, come Le bagnanti (Musée Picasso, Parigi), in uno stile manierista che ricorda le sue figure allungate ispirate allo stile di El Greco. La sua hostess lo presentò ai mercanti d”arte Georges Wildenstein e Paul Rosenberg; Rosenberg, a nome di Wildenstein, fece un contratto con Picasso. Ha prodotto alcuni ritratti nello stile neoclassico di Ingres delle sue donne e dei ricchi visitatori della società.

Alla fine di settembre tornò con Olga a Montrouge. Paul Rosenberg divenne il mercante ufficiale di Picasso, che accettò solo un accordo verbale con Picasso, dando al mercante la prima scelta delle opere dell”artista; Daniel-Henry Kahnweiler era stato il suo mercante dal 1907 fino allo scoppio della guerra franco-tedesca e fu costretto a partire per la Svizzera. L”8 ottobre Picasso affitta un grande appartamento in rue de La Boëtie. È probabile che in quel periodo abbia incontrato Louis Aragon, e attraverso lui e Apollinaire, André Breton. Poco dopo, il 9 novembre 1918, due giorni prima della firma dell”armistizio di Rethondes che metteva fine alla prima guerra mondiale, Apollinaire morì di influenza spagnola nel suo appartamento sul boulevard Saint-Germain. Da allora, Picasso visitò la tomba del suo amico nel cimitero di Père-Lachaise ogni anno in quella data.

Durante il 1919 continuò a lavorare contemporaneamente su opere cubiste e realiste. Realizzò alcune opere realiste, in cui si nota una certa monumentalità e peso scultoreo nelle figure, come la Natura morta con brocca e mele (Musée Picasso, Parigi) nello stile robusto e classico del tardo Ingres, un carattere scultoreo e un aspetto massiccio nelle figure che diventerà evidente nelle sue opere neoclassiche del 1920.

L”arrivo dei Ballets Russes a Londra dopo la guerra coincise con un periodo in cui l”interesse per l”arte, specialmente l”arte d”avanguardia, era in voga, e il balletto permetteva di combinare il prestigio dei grandi ballerini e lo scandalo dei giovani artisti rivoluzionari, che piacevano sia agli snob che agli intellettuali. Il balletto permetteva di combinare il prestigio dei grandi ballerini con lo scandalo dei giovani artisti rivoluzionari, cosa che piaceva agli snob e attirava gli intellettuali. A maggio, Picasso arrivò a Londra, dove Diagilev stava preparando un nuovo balletto con musica di Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, basato sul romanzo omonimo di Pedro Antonio de Alarcón. Picasso era entusiasta della storia, ambientata nell”Italia meridionale del XVIII secolo, e dell”opportunità di lavorare di nuovo con Massine e per la prima volta con Falla. Durante i tre mesi di permanenza a Londra fece numerosi schizzi, disegni e acquerelli per le scene, i costumi e il sipario, che dipinse personalmente, assistito da Vladimir Polunin e da sua moglie Elizabeth. Quando non erano impegnati con le prove del balletto e i test, interagivano con la società inglese, dove Picasso incontrò molti artisti e scrittori.

La prima di El sombrero de tres picos all”Alhambra Theatre il 22 luglio 1919 fu un enorme successo che portò presto all”apertura di scuole di danza spagnola a Londra. Massine aveva imparato i ritmi del flamenco e li applicò alla coreografia dei ballerini, i cui costumi erano adattati all”azione. Picasso aveva istintivamente usato curve e zig-zag, motivi caratteristici dei carri contadini spagnoli, ritmi probabilmente discendenti dagli arabeschi calligrafici arabi. Il contrasto di verde, rosa, rosso e nero evoca anche la Spagna. Il critico Jean Bernier ha scritto: “tutti i costumi sono, senza eccezione, pieni di calore e forza, temperati da un gusto per la dignità che è molto andaluso”.

Il successo del balletto fu accompagnato dalla vita sociale; Picasso e Olga, per la gioia di Olga, furono invitati a una serie di feste dell”alta società. Picasso ordinava abiti dai migliori sarti e appariva impeccabilmente vestito ai ricevimenti alla moda. In agosto Olga e Picasso tornarono a Parigi, e da lì andarono a Saint-Raphaël sulla Costa Azzurra; è probabile che durante il viaggio in treno Picasso abbia osservato la scena del raccolto che ha rappresentato in La Siesta. Il tema delle finestre di Saint-Raphaël, su cui lavorò quell”estate in molti acquerelli e disegni, persistette nel lavoro di Picasso al suo ritorno a Parigi in autunno fino ai primi anni venti.

Stabilendosi nel suo appartamento in rue de la Boëtie, Picasso si allontanò gradualmente dallo stile di vita bohémien che aveva vissuto prima della guerra; la sua vita personale era più tranquilla, anche se poteva essere visto vestito elegantemente ai cocktail party o a cena fuori con Olga, vestita con Chanel. La sua associazione con i Ballets Russes e i mercanti d”arte Léonce e Paul Rosenberg gli portò un”attenzione critica e una visibilità più favorevoli.

Nel dicembre 1919 Diagilev, tornato a Parigi dopo la stagione londinese, lo invitò a collaborare a un nuovo balletto ispirato alla Commedia dell”Arte, Pulcinella, con musica di Stravinsky. Diagilev rifiutò i primi schizzi come troppo moderni e ornati, e Picasso li semplificò in seguito. Diagilev rifiutò i primi schizzi come troppo moderni e ornati; Picasso li semplificò in seguito. Nei primi anni 1920 sviluppò un gran numero di schizzi e studi per Pulcinella.

Il 23 gennaio 1920 Il cappello a tre punte fu rappresentato al Théâtre National de l”Opéra di Parigi, al quale invitò il suo amico Max Jacob, che vide meno frequentemente. Sulla strada per il teatro Jacob fu investito da un”auto e ricoverato in ospedale; Picasso lo visitò spesso in ospedale, ma da allora iniziarono a vedersi meno, poiché Jacob cercava una vita sociale meno chiassosa e pubblica.

L”idea di Massine per il balletto derivò dagli spettacoli di strada che videro durante il loro viaggio a Napoli nel 1917. Insieme a Diagilev, svilupparono il libretto sulla base di antichi testi napoletani; la musica di Stravinsky è un arrangiamento su musica di Giovanni Battista Pergolesi, un compositore italiano del XVIII secolo. I primi schizzi di Picasso erano in uno stile pseudo-rococò che, dopo l”iniziale rifiuto di Diagilev, semplificò in uno stile cubista con grandi superfici piane in blu, grigio e bianco, sulle quali spiccavano i costumi dei personaggi, basati sullo stile dei personaggi tradizionali della Commedia dell”Arte. Pulcinella ha debuttato al Théâtre National de l”Opéra di Parigi il 15 maggio 1920.

Questo stile delle scenografie di Pulcinella fu esteso alla pittura di Picasso, come si può vedere in Pulcinella con una chitarra davanti a una tenda (Massine Saluting); i colori sono vividi ma non stridenti, e la superficie dipinta divenne completamente piatta. Durante l”estate a Juan-les-Pins continuò a sviluppare questo stile e questo soggetto in una serie di guazzi colorati, geometrici e piatti sulla Commedia dell”Arte, come Pierrot e Arlecchino (National Gallery of Art, Washington). In settembre, sempre a Juan-les-Pins, realizza una serie di disegni e acquerelli su un tema dell”antichità mediterranea, un episodio del tentato rapimento di Deyanira, moglie di Ercole, da parte del centauro Nesso, ispirato dagli affreschi pompeiani che ha visto durante il suo viaggio a Napoli nel 1917.

Il 4 febbraio 1921 nacque il suo primo figlio, Pablo. In primavera iniziò gli studi per Cuadro flamenco, un altro balletto di Diagilev, che questa volta ingaggiò un gruppo di otto ballerini e cantanti andalusi per i quali Falla arrangiò musica popolare. In origine era stato commissionato a Juan Gris, anch”egli spagnolo, ma Picasso, con la motivazione che Gris era malato e non avrebbe avuto il tempo di sviluppare il progetto con così poco preavviso, lo batté presentando l”idea che aveva abbandonato in Pulcinella di un sipario con ornamenti rococò e proscenio con coppie che guardano lo spettacolo, come si può vedere in Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Parigi). Il rapporto con Gris si raffreddò di conseguenza, una situazione che continuò fino alla sua morte nel 1927. Il 22 maggio l”opera fu presentata per la prima volta al Théâtre de la Gaîté-Lyrique. La copertina del programma era illustrata con quattro nudi sulla spiaggia in uno stile neoclassico simile ad altre opere dello stesso periodo. Al suo ritorno a Parigi, continuò con opere in stile neoclassico monumentale.

Durante l”estate, evitando il caldo del sud della Francia, si trasferisce con Olga e Pablo a Fontainebleau. L”estate a Fontainebleau fu prolifica, con una maggioranza di opere in stile scultoreo neoclassico. I soggetti principali sono madre e bambino e donne a una fontana; questi possono essere visti in Madre e bambino in riva al mare (Art Institute of Chicago), e Tre donne alla fontana (Musée de l”Orangerie, Parigi), con abiti e acconciature greco-romane. Creò anche due capolavori in stile cubista sintetico: Musicisti con maschere (MoMA, New York) e Musicisti con maschere (Tre musicisti) (Philadelphia Museum of Art); il soggetto ricorda la sua collaborazione con i Ballets Russes, in particolare alcuni degli studi per arlecchini e pierrots di Pulcinella.

Nel 1922 Breton, consigliere di Jacques Doucet in materia d”arte, cominciò a convincerlo dell”importanza di aggiungere grandi opere di Picasso alla sua collezione d”arte moderna, il che portò nel 1924 all”acquisto di Les Demoiselles d”Avignon. In giugno, durante una visita a Dinard (Bretagna), dipinge Due donne che corrono sulla spiaggia (La corsa) (Musée Picasso, Parigi), un”idealizzazione delle figure monumentali che aveva dipinto nel 1921 con un nuovo elemento, il trattamento del movimento, che in seguito servirà da modello per lo sfondo di Le Train Bleu di Diagilev nel 1924. Fece anche alcuni schizzi di suo figlio e di sua moglie e suo figlio insieme, come si può vedere in Family by the Sea (Musée Picasso, Parigi). Il 20 dicembre 1922 l”adattamento modernizzato di Jean Cocteau dell”Antigone di Sofocle ebbe la prima al Théâtre de l”Atelier di Montmartre (Parigi). Lo spettacolo aveva scenografie di Picasso, costumi di Coco Chanel e musica di Arthur Honegger.

Nel 1923 Picasso continuò con il tema dell”arlecchino; dipinse diversi ritratti di Jacint Salvadó travestito da arlecchino in uno stile meno monumentale e più lirico, così come ritratti di suo figlio Pablo e di sua moglie Olga, e Ritratto di Doña Maria (la madre dell”artista) (collezione privata). Dipinse anche i ritratti di suo figlio Pablo e di sua moglie Olga; e il Ritratto di Doña Maria (la madre dell”artista) (collezione privata). Quell”estate tornò in Riviera, stabilendosi ad Antibes con Olga e Pablo. Ha prodotto il Flauto di Pan (Musée Picasso, Parigi), così come diversi disegni e schizzi sullo stesso tema. Ad Antibes visitò molti villeggianti mondani, come il pittore Gerald Murphy e sua moglie Sarah (Beaumont gli chiese di disegnare la scenografia e i costumi del Mercure, che doveva aprire nell”estate del 1924.

Il coreografo Léonide Massine aveva lasciato i Ballets Russes per produrre un balletto per il conte Étienne de Beaumont in una serie di spettacoli privati conosciuti come Les Soirées de Paris nell”estate del 1924, per aiutare l”aristocrazia russa. Con la musica di Erik Satie e le scene e i costumi di Picasso, Massine produsse Mercure, il balletto più strano e originale dopo Parade. I piani angolari e le linee rette di Parade furono sostituiti da linee curve e ondulate, silhouette sinuose nella scenografia e nei costumi. La prima del Mercure, il 18 giugno al Théâtre de la Cigale, fu accolta male dalla critica e dal pubblico. Alcuni surrealisti criticarono il coinvolgimento di Picasso in un progetto borghese a favore dell”aristocrazia, ma Breton si schierò in difesa dell”opera artistica di Picasso, proclamando nel suo saggio Hommage à Picasso: “Per quanto mi riguarda, considero la collaborazione di Picasso al Mercure l”evento artistico più importante degli ultimi anni.

Due giorni dopo, Le train bleu, l”ultima collaborazione con i Ballets Russes di Sergei Diagilev, fu rappresentato al Théâtre des Champs-Elysées, il sipario fu dipinto dal pittore di scena Alexander Shervashidze dal guazzo di Picasso Two Women Running on the Beach (The Race). La tenda è stata dipinta dal pittore teatrale Alexander Shervashidze, sulla base della gouache di Picasso Due donne che corrono sulla spiaggia (La corsa). Picasso stesso ha firmato la tenda “Dedicato a Diágilev Picasso 24”.

Nell”estate del 1924 si trasferisce alla villa La Vigie a Juan-les-Pins. Picasso sviluppò in un quaderno di schizzi una serie di disegni pre-surrealisti, costellazioni di linee e punti, che furono usati anni dopo per un”edizione illustrata preparata da Ambroise Vollard di Le Chef-d”œuvre Inconnu di Honoré de Balzac; per celebrare il compleanno del figlio, Picasso dipinse ogni anno ritratti del ragazzo; nel 1924 dipinse Pablo de harlequin (Musée Picasso, Parigi).

La polemica intorno alle Soirées de Paris crebbe durante l”estate e provocò uno scisma tra gli ex-Adada, mettendo il gruppo di Breton contro un altro gruppo che ruotava intorno a Ivan Goll. In ottobre Breton pubblica il Manifesto Surrealista, in cui delinea le conseguenze artistiche della teoria della psicoanalisi e dell”interpretazione dei sogni di Sigmund Freud. Il termine Surrealismo, coniato da Apollinaire nel 1917, fu adottato da Breton come nome del suo gruppo. Anche se Picasso non aderì mai ufficialmente al movimento surrealista, il suo lavoro fu molto ammirato da Breton, così come da Tristan Tzara e dai dadaisti. L”opera di Picasso è riprodotta in otto degli undici numeri de La Révolution Surréaliste, pubblicati tra il 1924 e il 1929.

Surrealismo

Dal suo matrimonio con Olga e la nascita del loro primo figlio, Pablo, Picasso aveva goduto di una vita familiare felice; conduceva una vita sociale molto attiva, alternandosi con l”aristocrazia e l”intellighenzia parigina; i critici d”avanguardia lodavano i suoi risultati artistici, sebbene si concentrassero sugli aspetti formali, ignorando gli elementi intuitivi e psicologici del suo lavoro. Accettato dalla società e dalla critica, Picasso fu visto come parte della tradizione francese che stava al di sopra delle buffonate della nuova generazione di dadaisti antiborghesi, che stavano cominciando ad essere soppiantati dal gruppo che sarebbe diventato noto come i surrealisti.

Nel 1925 dipinge Pablo de pierrot (Il figlio dell”artista) (Musée Picasso, Parigi) per il quarto compleanno di suo figlio, in uno stile naturalistico simile al ritratto arlecchino che aveva dipinto l”anno precedente. Dipinse anche La danza (Tate Modern, Londra), un momento cruciale nello sviluppo di Picasso, dopo un periodo in cui lavorò sia in una forma decorativa di cubismo sintetico che in uno stile figurativo neoclassico. La danza è debitrice di entrambi gli stili, ma la sua importanza sta nel fatto che segna una rottura con una fase serena e classica e l”inizio di un nuovo periodo di violenza emotiva e distorsione espressionista.

La danza segna l”inizio del periodo surrealista di Picasso tra il 1925 e il 1938. Antitesi dei suoi disegni classici di danza, il carattere espressionista del quadro simboleggiava la crescente irritazione di Picasso verso Olga e le donne in generale; ferito dalla morte del suo amico Ramon Pichot, credeva che sua moglie Germaine, che era stata la causa della morte di Casagemas, avesse distrutto il suo amico come Olga stava distruggendo lui. Al dolore per la morte di Pichot si aggiunge quello del musicista Erik Satie in luglio, e in estate dipinge Il bacio (Musée Picasso, Parigi) a Juan-les-Pins, ancora più aggressivo nello spirito de La danza. Il motivo delle teste sovrapposte, che appare nella figura della donna e non nella scultura, troverà continuità nella sua opera successiva. Le qualità irrazionali di questa serie di opere, così come quelle delle prime opere cubiste, erano quelle che Breton trovava analoghe alla teoria dell”automatismo praticata dagli artisti surrealisti.

Nel saggio “Surrealismo e pittura”, pubblicato nel luglio 1925 sul numero 4 de La Révolution Surréaliste, Breton dichiara Picasso un pittore modello e lo dichiara surrealista, pur sottolineando l”impossibilità di applicare un”etichetta che vincoli la sua opera: “L”etichetta “cubista” ha fatto molto male. A novembre ci fu la “Exposition: La Peinture Surréaliste”, alla Galerie Pierre di Parigi, che presentava due dei primi dipinti cubisti di Picasso, oltre a opere di Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray e Pierre Roy; Breton e Robert Desnos scrissero la prefazione al catalogo. La recensione di Maurice Raynal della mostra su L”intransigeant diceva: “Il “padre del cubismo” è diventato il figlio adottivo dei surrealisti! A novembre Picasso accompagnò sua madre, che aveva trascorso le vacanze con loro sulla costa, a Barcellona. Lì incontrò Dalí e visitò la sua prima mostra personale alla Galleria Dalmau.

Nel 1926 lavorò in uno stile che è stato identificato come Cubismo Curvilineo, combinando le superfici sinuose del Cubismo decorativo, la sovrapposizione di teste su figure e le deformazioni curve esplorate nei disegni di costellazioni, applicate a una griglia cubista. Questo può essere visto in The Dressmakers (The Dressmaker”s Workshop) (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi) e The Painter and his Model (Musée Picasso, Parigi), opere monocromatiche dipinte in grigio, nero, bianco e ocra cannella. Eseguì anche diversi ritratti con una certa somiglianza con Marie-Thérèse Walter, una giovane adolescente che alcuni autori hanno suggerito di aver incontrato per la prima volta all”inizio del 1925 alla Gare Saint-Lazare di Parigi. Ha anche continuato a lavorare sul motivo delle teste sovrapposte.

In aprile riceve la visita di Dalí nel suo studio; nonostante l”ammirazione reciproca, i due artisti non diventano amici intimi. La sua raccomandazione a Diagilev di lavorare con Miró e Max Ernst per le scene e i costumi del suo Romeo e Giulietta portò quest”ultimo ad essere minacciato di espulsione dal gruppo surrealista, che si opponeva alla collaborazione con “una produzione borghese per l”alta società”.

Nel gennaio 1927 incontrò Marie-Thérèse Walter, una bionda diciassettenne, davanti alle Galeries Lafayette di Parigi (anche se alcuni autori collocano la data due anni prima). Nel giro di sei mesi sono diventati amanti. Anche se mantennero la loro relazione segreta fino alla nascita della loro figlia Maya nel 1935, i riferimenti a Marie-Thérèse apparvero nelle sue opere subito dopo averla incontrata. La tensione coniugale con Olga crebbe, la sua vita divenne molto complicata mentre cercava di mantenere segreta la loro relazione. Trascorse un”estate infelice a Cannes struggendosi per Marie-Thérèse, mentre Olga si risentiva del fatto che Picasso non fosse mai presente alle riunioni sociali che organizzava.

Alla fine dell”estate eseguì un album di disegni, Carnet des Métamorphoses, in cui dotò le bagnanti biomorfe di forme scultoree elefantiache, con attributi sessuali che raggiungono proporzioni monumentali, come si può vedere in Bagnante nel pozzetto (Figura femminile) (Musée Picasso, Parigi). Anche se questi sono probabilmente studi per un monumento ad Apollinaire, Christian Zervos scrisse nel 1929 che Picasso li propose come monumenti per la Croisette, l”elegante passeggiata che separa la spiaggia dai grandi alberghi di Cannes. Alla fine del 1927, tornato a Parigi, lavora con lo stampatore Louis Fort a una serie di tredici acqueforti, commissionate da Vollard, sul tema dell””artista e del modello” per il libro Le Chef-d”œuvre Inconnu, che pubblicherà nel 1931.

Nel gennaio del 1928 realizzò un grande collage intitolato Il Minotauro (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi), composto da due gambe che emergono da una testa di toro, la prima apparizione nella sua opera del tema mitologico del Minotauro, metà uomo e metà toro, che culminerà in Guernica nel 1937. Continuò anche a lavorare sul tema dei bagnanti biomorfi e sul pittore e la sua modella.

Nel marzo del 1928 riprende l”amicizia con lo scultore Julio González, il cui studio in rue de Médéah visita frequentemente per continuare a imparare le tecniche di saldatura. A giugno produce la sua prima scultura tridimensionale dal 1914, il bronzo Metamorphosis I (Bather) (Musée Picasso, Parigi), basato su disegni di Marie-Thérèse completati nel 1927.

In estate si trasferisce con Olga e Pablo a Dinard, in Bretagna, Francia; ospita segretamente Marie-Thérèse in un vicino campo estivo per bambini e la inizia alle sue pratiche sessuali sadomasochistiche preferite. Continua a lavorare sul tema delle bagnanti biomorfe in dipinti e disegni, come Bather and Cabin (MoMA, New York), e una serie di studi su costruzioni in metallo saldato, secondo le linee di costellazioni di punti collegati da una rete di linee, in preparazione di un futuro monumento ad Apollinaire. Tornato a Parigi, in autunno lavorò con Gonzalez a questo progetto in una serie di modelli fatti di barre di ferro, che Kahnweiler descrisse come “disegni nello spazio”. I modelli sono stati respinti dal comitato incaricato del monumento come troppo radicali e inappropriati.

Nella primavera del 1929 realizzò la scultura in ferro saldato e dipinto Donna in giardino (Musée Picasso, Parigi) nello studio di González. Iniziò anche i primi studi per La crocifissione (Musée Picasso, Parigi), che completò nel 1930. La tensione del suo matrimonio con Olga si riflette in opere come Bust of a Woman e Self-Portrait (collezione privata), in cui una testa femminile selvaggia con le mascelle aperte si impone su un profilo classico di se stesso. Anche in Large Nude in a Red Armchair (Musée Picasso, Parigi), dove la figura femminile si contorce in un urlo, rivelando elementi inquietanti nel subconscio dell”artista. La natura surreale di questo dipinto è anche evidente in molte altre opere.

Nel gennaio 1930 dipinge Bather Seated by the Sea (MoMA, New York), una donna concepita come una struttura ossuta, una creatura minacciosa in contrasto con l”atmosfera serena della spiaggia, la cui testa ricorda quella di una mantide, uno dei simboli preferiti dai surrealisti (la mantide divora il suo partner durante il rapporto sessuale). Diverse opere precedenti e successive di Picasso hanno lo stesso tipo di testa, e alcune hanno anche la cosiddetta vagina dentata, evocando la “paura della castrazione psicosessuale” che i surrealisti simboleggiavano attraverso la mantide religiosa.

Boisgeloup

Le sue opere furono esposte per la prima volta al Museum of Modern Art di New York (MoMA), fondato l”anno precedente, come parte della mostra “Painting in Paris”. In giugno ha acquistato il castello di Boisgeloup, settanta chilometri a nord-ovest di Parigi. Boisgeloup diventerà un rifugio in cui potrà fuggire con Marie-Thérèse; convertirà le scuderie in uno studio di scultura dove il suo desiderio di tornare a modellare in argilla o in gesso e l”ispirazione della sua giovane amante lo stimoleranno a creare grandi busti in gesso, alcuni dei quali di natura indubbiamente sessuale. Nell”autunno del 1930 produsse una serie di sculture, la maggior parte delle quali scolpite in legno e poi fuse in bronzo, di piccole dimensioni e molto stilizzate. In questo periodo Marie-Thérèse si trasferì al 44 di rue Boétie, di fronte all”appartamento dove Picasso viveva con Olga. Durante questi primi anni del 1930 Picasso era combattuto tra la sua riluttanza a rompere la sua relazione con Olga e la sua ossessione per Marie-Thérèse, che era la principale ispirazione per le sensuali e suggestive figure femminili nel suo lavoro.

Nel settembre del 1930 iniziò la serie di cento acqueforti che avrebbero formato la Suite Vollard; Picasso lavorò a questa serie dal 1930 al 1937, anche se il grosso del lavoro fu fatto tra il 1933 (sessantuno acqueforti) e il 1934 (ventiquattro acqueforti). Hans Bollinger ha distinto sette gruppi tematici nella Suite Vollard: (e (vii) il Minotauro cieco. “L”artista e il modello” è un tema generale che si trova nelle incisioni della Suite Vollard, soprattutto in quelle dedicate allo studio dello scultore. Picasso poteva così ritrarsi “innocentemente” con Marie-Thérèse, spesso nuda. È un tema che Picasso utilizzò durante tutti gli anni ”30; scomparve dalla sua opera durante la guerra civile spagnola e l”occupazione tedesca della Francia, anche se lo recuperò nei suoi ultimi anni.

Nel gennaio 1931 completò Figure in riva al mare (Musée Picasso, Parigi), una scena d”amore sulla spiaggia in cui i corpi, ridotti a forme arrotondate e scultoree, sono così mescolati nell”abbraccio che è indistinguibile quale parte del corpo appartenga all”uomo o alla donna, la figura sulla destra, identificabile come Marie-Thérèse dalla forma della sua testa. Picasso sottolinea così la doppia natura della sessualità umana attraverso la contraddizione tra l”apparente tenerezza dell”abbraccio e la presenza di pietra delle figure e le loro lingue taglienti e aggressive. Le teste delle figure ricordano Il bacio (due teste) (Musée Picasso, Parigi) della stessa data, dove le due teste che si divorano a vicenda riflettono il conflitto con Olga. Parallelamente ai dipinti di forme monolitiche, produsse una serie di nature morte in uno stile cubista decorativo, dai colori vivaci e curvilinei; da notare la Grande natura morta con portacandela (Musée Picasso, Parigi), dove, in una delle sue nature morte più liriche e sessualmente simboliche, le forme organiche suggeriscono il torso di Marie-Thérèse. Il quadro rimase nella collezione personale di Picasso fino alla sua morte, quando fu donato al Musée Picasso di Parigi insieme a centinaia di altre opere, al posto della tassa di successione.

In aprile la galleria londinese Alex Reid & Lefevre ha organizzato una retrospettiva di trentasette dipinti, Thirty Years of Pablo Picasso. In maggio prende finalmente possesso del castello di Boisgeloup, dove continua a lavorare il metallo con Gonzalez, incorporando oggetti reali nel suo lavoro scultoreo. Le sue sculture del 1930, assemblaggi di elementi metallici tagliati e saldati, come Donna in giardino (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), possono essere intese come “oggetti poetici, a volte di sapore surrealista”. Fece diversi busti e rilievi che ritraggono Marie-Thérèse, come il Busto di donna (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Parigi). Le forme arrotondate e i rilievi hanno una certa qualità sessuale e i tratti del viso a volte ricordano gli organi genitali (il naso come un fallo, la bocca come una vagina), ricordando la scultura neolitica e africana. Durante le vacanze estive a Juan-les-Pins, completò una serie di disegni e incisioni liriche ed erotiche, che formarono la base per le incisioni nella sezione intitolata “Lo studio dello scultore” nella Suite Vollard. Ha anche dipinto diversi piccoli quadri a olio della villa Chêne-Roc, dove si trovava. In autunno tornò al suo lavoro scultoreo.

La polarizzazione politica si stava diffondendo in tutta Europa; in Spagna fu proclamata la Seconda Repubblica, la cui costituzione, nonostante le libertà acquisite, non riuscì a trovare un accordo in settori chiave con la destra conservatrice, profondamente radicata nelle zone rurali, e con la Chiesa cattolica, che fu privata delle scuole e dei sussidi pubblici; nel resto d”Europa ci fu l”ascesa dei governi totalitari, soprattutto il fascismo in Germania e in Italia e lo stalinismo in Unione Sovietica. Tutto questo sullo sfondo di una depressione economica mondiale.

Il 25 ottobre 1931 Picasso compie cinquant”anni e pubblica le Metamorfosi di Ovidio per Albert Skira a Losanna, un totale di quindici acqueforti a pagina intera e quindici acqueforti a mezza pagina a cui stava lavorando dall”anno precedente. In questa serie di incisioni Picasso si rifà alla semplicità del disegno classico, raffigurando chiaramente gli oggetti e gli esseri, come fece nella Lisistrata di Aristofane, pubblicata nel 1934. Il 12 novembre Ambroise Vollard pubblica Il capolavoro sconosciuto di Balzac, con tredici incisioni di Picasso, in cui sottolinea il tema dell”artista e del modello. Nel romanzo, Balzac pone il conflitto dell”artista tra il completamento dell”opera e il raggiungimento della perfezione, che si riflette nell”acquaforte della serie intitolata Painter and Model Knitting, in cui il pittore trasforma il motivo prosaico in un”elegante calligrafia curvilinea.

Nel dicembre 1931 dipinge Lo scultore (Musée Picasso, Parigi) sul tema dell”artista e della modella, rivelando la natura del rapporto tra Picasso e Marie-Thérèse; lo scultore contempla il busto che ha creato, con il caratteristico profilo classico, mentre la modella siede sullo sfondo, subordinata all”artista e all”opera creata. Inizia anche una serie di ritratti di Marie-Thérèse su un divano, dove il suo giovane amante emerge dai margini per occupare una posizione centrale di “imperturbabile grandezza e sicurezza”. Dipinse anche Donna con lo stiletto (Morte di Marat), che, dopo la fonte storica, riflette il crescente risentimento verso la gelosia e la possessività di Olga.

Nel marzo del 1932 completò la serie delle donne addormentate con Giovane donna davanti allo specchio (MoMA, New York), che combina il contorno nero e le forme organiche delle grandi nature morte del 1931 in una delle immagini più simboliche e “multi-evocative” di Marie-Thérèse create da Picasso.

A giugno è stata presentata una retrospettiva alle Galeries Georges Petit di Parigi, con duecentoventicinque dipinti, sette sculture e sei libri illustrati selezionati dallo stesso Picasso, che vanno dal periodo blu ai suoi ultimi ritratti del 1932. La reazione della critica non è stata positiva, variando da cauto a negativo. Sembra che durante questa mostra Olga scoprì l”esistenza di Marie-Thérèse, il che provocò “scene incandescenti” di gelosia da parte sua, anche se il confronto tra le due donne che Picasso temeva non avvenne. La mostra è stata ripetuta a settembre alla Kunsthaus Zürich.

Mentre Olga e Pablo passano l”estate a Juan-les-Pins, Picasso passa l”estate a Boisgeloup con Marie-Thérèse, dove continua a lavorare su nudi dormienti, scene di spiaggia e alcune piccole sculture. Ha anche prodotto diversi disegni della serie della Crocifissione di Grünewald. Al suo ritorno a Parigi in autunno continuò con i ritratti di Marie-Thérèse su un divano e i disegni della Crocifissione di Grünewald. In ottobre, Christian Zervos ha iniziato la pubblicazione di un catalogo ragionato (tra il 1932 e il 1974, sono apparsi ventotto volumi che comprendono più di 16.000 opere.

Anche se Picasso aveva già trattato il tema in un collage del 1928, il periodo tra il 1933 e il 1938 fu il periodo del Minotauro di Picasso, in cui questa figura mitica apparve ripetutamente nella sua opera, insieme ad altri temi classici. Picasso trovò nella torera un modo pittorico di riflettere i suoi conflitti con Marie-Thérèse e Olga, e nel Minotauro, la bestia cosciente della sua bestialità, una personificazione del suo stesso conflitto su quella situazione, la sua scissione tra desiderio e responsabilità morale. Il primo numero del Minotauro, con una copertina di Picasso, apparve nel maggio 1933. Trascorse le vacanze estive del 1933 a Cannes con Olga e Pablo. In settembre, dipinge La morte di un torero a Boisgeloup.

Da giugno a settembre 1934 realizzò una serie di dipinti, disegni e incisioni sulla corrida. In agosto, si recò in Spagna con Olga e Pablo, e andò alle corride di Burgos e Madrid. Ha visitato il Museo d”Arte Catalana di Barcellona. Ha realizzato le sculture Femme au feuillage e Femme à l”orange. Nella primavera del 1935, la galleria Pierre espone i papiers collés. Ha inciso Minotauromaquia. Si separa da Olga in giugno e in ottobre nasce Maya Picasso, sua figlia con Marie-Therese Walter.

Ha fatto i disegni sull”acqua e altri sul tema del Minotauro. Lo stesso anno, allo scoppio della guerra civile spagnola, fu nominato direttore del Museo del Prado di Madrid. All”inizio di agosto, Picasso parte per Mougins e incontra Dora Maar.

Guernica e il pacifismo

Nel gennaio 1937 l”architetto catalano Josep Lluís Sert gli chiese di collaborare a un grande murale per il padiglione della Seconda Repubblica spagnola all”Esposizione internazionale di Parigi. Il governo eletto del paese stava affrontando una possibile sconfitta durante la guerra civile spagnola da parte dei ribelli militari di Franco, sostenuti dalla Germania nazista e dall”Italia fascista. La repubblica sperava di mostrare al mondo che erano loro a rappresentare il popolo spagnolo e le sue conquiste. Picasso, che nel 1936 aveva accettato l”invito dell”allora presidente della repubblica Manuel Azaña a diventare direttore onorario del Museo del Prado di Madrid, all”inizio era riluttante, sia per le dimensioni del progetto sia perché non aveva mai accettato prima un incarico di natura propagandistica. In febbraio Dora Maar trovò uno studio molto grande al 7 di rue des Grands-Augustins, dove Picasso poté realizzare il progetto.

Nello stesso anno realizzò Il sogno e la menzogna di Franco, due incisioni in un formato simile ai fumetti o agli alleluia spagnoli, con un totale di diciotto scene, destinate ad essere riprodotte come stampe o cartoline, in cui denunciava il colpo di stato fascista e indicava i crimini della guerra, raffigurando Franco come una figura malvagia e grottesca. Picasso iniziò a incidere queste immagini l”8 gennaio, il che significa che poté concepirle di sua iniziativa prima di ricevere la commissione per Guernica. Finì le tavole in giugno, e l”insieme fu pubblicato a beneficio della Repubblica, insieme a un poema da lui scritto (Fandango de lechuzas).

Il 26 aprile 1937 la Legione Condor tedesca bombardò Guernica su richiesta di Franco. Picasso, che fino ad allora non era stato molto chiaro sul soggetto del quadro, fu ispirato da questo evento a sviluppare il murale per il padiglione della Seconda Repubblica, e il 1° maggio intraprese la creazione di una delle sue opere più famose: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), che fu infine esposta nel padiglione spagnolo dell”Esposizione Internazionale. Dora Maar fotografò il processo e le diverse fasi del dipinto, che Picasso completò all”inizio di giugno. Il dipinto simboleggia il pieno orrore della guerra e la tragedia della morte di molte vittime innocenti.

Sempre contro la guerra, in occasione della sua adesione al Consiglio Mondiale della Pace, dipinse la famosa Colomba della Pace nel 1949. Ha ricevuto il premio internazionale per la pace nel 1955.

Da ottobre a dicembre 1937, dipinge La donna che piange (Parigi, Musée Picasso). Poi, nel 1938, fece un grande collage, Les Femmes à leur toilette (Parigi, Musee National d”Art Moderne). Nel luglio 1938, va a Mougins con Dora Maar. Nel luglio 1939 andò con Dora Maar a vivere con Man Ray ad Antibes, dove realizzò Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, New York). Dal settembre 1939 all”inizio del 1940, dipinge Séquence de femmes au chapeau a Royan.

Nel 1941 scrisse una commedia in stile surrealista, Desire Caught by the Tail, di cui diede una lettura nel marzo 1944 a casa di Michel Leiris con i suoi amici Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris e Pierre Reverdy tra gli altri. L”opera è stata finalmente presentata per la prima volta nel luglio 1967. Scrisse anche altre due opere letterarie: The Four Little Girls e The Burial of Count Orgaz.

Tra il 1942 e il 1943 realizza l”assemblaggio Testa di toro (Parigi, Musée Picasso), La Aubade (Parigi, Musee National d”Art Moderne), L”Homme au mouton (Parigi, Musée Picasso) e incontra Françoise Gilot nel maggio 1943.

Impegno con il partito comunista

Dopo la fine della seconda guerra mondiale, i suoi dipinti sono diventati più ottimisti, più allegri, mostrando, come il titolo di una serie del 1946, La gioia di vivere sentita in quel momento. Picasso visse con Marie-Therese durante l”insurrezione di Parigi nell”agosto 1944. In ottobre entra nel Partito Comunista Francese e sempre in ottobre apre il Salon d”Automne e la retrospettiva su Picasso. The Ossuary (New York, Museum of Modern Art) fu dipinto nell”aprile e nel maggio 1945, basandosi sul ricordo della scoperta nel dicembre 1944 del corpo del suo amico giustiziato, il giovane poeta surrealista Robert Rius.

Picasso parte con Dora Maar per Cap d”Antibes in luglio, e il 26 novembre Françoise torna a vivere con Picasso. Dopo la guerra, la cerchia di amici di Picasso era composta da artisti e intellettuali comunisti, che in un certo senso segnarono almeno una parte della sua opera tra il 1946 e il 1953.

Periodo di Vallauris

Nel 1946, Picasso e Françoise andarono a vivere a Golfe-Juan, e lui visitò Matisse a Nizza. All”inizio di luglio andò a Ménerbes (Vaucluse) con Françoise, nella casa che aveva dato a Dora Maar. Riceveva quotidianamente lettere da Marie-Thérèse. Françoise era infelice e se ne andò dopo tre settimane per fare l”autostop fino a Marsiglia con degli amici; Picasso la incontrò sulla strada e le chiese di tornare, suggerendole di avere un figlio. Hanno visitato Vallauris, dove lei ha modellato tre pezzi di ceramica nel laboratorio di ceramica Madoura di Georges Ramié. Al loro ritorno a Golfe-Juan in agosto, Françoise era incinta. Picasso aveva incontrato Romual Dor de la Souchère, curatore del Musée d”Antibes, a Palazzo Grimaldi, ma preferì decorare il museo; tra settembre e ottobre dipinse ventidue pannelli per il palazzo, che diventerà poi il Musée Picasso di Antibes, con temi marini e composizioni mitologiche. Gli studi di fauni e figure classiche culminarono nel trittico La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), un titolo che prese in prestito dal suo amico Matisse, per un dipinto che riflette la felicità che condivideva in quel momento con Françoise. In ottobre incontra Breton, appena tornato dall”esilio negli Stati Uniti, al primo Festival di Cannes. Breton, che si era rifiutato di salutarlo in agosto quando si erano incontrati a Golfe-Juan, snobbò nuovamente Picasso a causa della sua affiliazione al partito comunista; non si videro più. Questo gesto prelude alla violenta rottura tra i surrealisti e il comunismo a partire dal 1947.

Nel 1947 lavora a nature morte con il tema Gufo su una sedia, e a incisioni di fauni, centauri e baccanti, seguendo il tema dell”estate ad Antibes; alla fine di gennaio termina l”olio Monumento ai morti spagnoli per la Francia (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), che aveva iniziato alla fine del 1945. A febbraio inizia la serie di quarantuno acqueforti e acquetinte per l”edizione di Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Venti poemi), pubblicata a Parigi da Les Grands nel 1949; alla fine di marzo realizza alcune litografie sul David e Betsabea di Lucas Cranach il Vecchio (1472-1553); il 15 maggio nasce a Parigi il figlio Claude, nome scelto da Françoise in onore di Claude Gillot, maestro di Watteau. La coppia trascorre sempre meno tempo nello studio di Parigi e sempre più a Golfe-Juan, dove si trasferisce con il bambino alla fine di giugno; in agosto rivisita il laboratorio di ceramica di Georges Ramié a Vallauris, e inizia un”intensa produzione, circa duemila pezzi tra l”ottobre 1947 e il 1948, introducendo innovazioni formali, tecniche e coloristiche che portano a una rivitalizzazione dell”industria ceramica della città, in declino dalla prima guerra mondiale. Nella pittura e nell”incisione produsse poche opere solo fino alla fine dell”anno; continuò a lavorare alle incisioni per i Vingt Poèmes de Góngora, alcuni ritratti di Françoise e nature morte. A dicembre ha fatto le scenografie per l”Edipo Re di Sofocle, diretto da Pierre Blanchar.

Nella primavera del 1948 Picasso e Françoise lasciano il loro appartamento a Golfe-Juan, e in maggio Picasso inizia a lavorare a una serie di trentotto acqueforti e quattro acquetinte per illustrare la Carmen di Prospero Mérimée (Parigi, La Bibliothèque Française), che completerà in novembre. In estate si sono trasferiti in una piccola casa chiamata La Galloise, sulle colline che circondano Vallauris. Françoise stabilì un dialogo artistico aperto con Matisse, attraverso la corrispondenza e le visite all”artista. Picasso completò il poema in sei atti Les Quatre Petites Filles, che iniziò a scrivere nel novembre 1947. Il 25 agosto Picasso va al Congresso degli intellettuali per la pace a Breslavia, tornando a Vallauris a metà settembre. In ottobre torna nel suo studio a Parigi, con Françoise di nuovo incinta. Cominciò a lavorare sul tema della donna-fiore e su diverse nature morte. Dipinse due versioni de La Cuisine (La cucina), una al Musée Picasso di Parigi e l”altra al MoMA di New York, composizioni lineari costruite da ritmi e linee forti, con poco uso del colore. In dicembre dipinge diversi ritratti di suo figlio Claude, e stampa ventisette modelli di Femme assise dans un fauteuil, una serie in cui Françoise indossa un cappotto che Picasso le ha portato dalla Polonia, che continua nel gennaio 1949. Continua anche a lavorare su nature morte con crostacei; Nature morte au poron (Natura morta con un porrone, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (La grande aragosta rossa, collezione privata).

Nel febbraio del 1949 Louis Aragon andò nello studio parigino di Picasso per scegliere un disegno per il manifesto del Congresso Mondiale dei Partigiani per la Pace che si sarebbe tenuto a Parigi nell”aprile dello stesso anno. La colomba, un disegno a matita blu su carta, fu il motivo scelto da Aragon, e l”immagine divenne rapidamente nota come La colomba della pace.

A marzo inizia una serie di dipinti di Françoise seduta, intitolata Femme assise (Donna seduta). In primavera tornò brevemente a Vallauris e comprò una fabbrica di essenze abbandonata per usarla come studio, e usò alcune stanze per conservare il suo lavoro di ceramica. Cominciò anche a raccogliere oggetti e cianfrusaglie, che in seguito avrebbe riutilizzato in vari pezzi. Intensificò il suo lavoro di scultura, che aveva ripreso l”anno precedente: Femme enceinte (Donna incinta) figura una forma femminile da una lunga asta di metallo, alla quale aggiunse due braccia sopra e due gambe sotto, e un ventre gonfio con due piccoli seni al centro. Realizza ancora una serie di opere ispirate ai quadri di Lucas Cranach il Vecchio: le litografie Vénus et l”Amour (Jeune fille inspirée par Cranach), di proprietà di Christie”s, e David et Bethsabée (Cranach) VII (David and Bathsheba (Cranach) VII), al Musée Picasso, Parigi. Le variazioni di Picasso sul David e Betsabea di Cranach ebbero origine in una riproduzione in bianco e nero del catalogo di una mostra del 1937 sull”artista tenuta a Berlino, che Kahnweiler gli aveva dato.

Il 19 aprile 1949 nacque la sua seconda figlia, il giorno dell”apertura del Congresso della Pace, e decise di chiamarla Paloma come il simbolo che aveva creato per i manifesti che apparivano in tutte le strade di Parigi.Dopo la nascita, Françoise riprese il suo lavoro di pittrice, e Kahnweiler le offrì un contratto per essere il suo mercante d”arte esclusivo. La famiglia tornò a Vallauris in autunno, e Picasso, avendo perso parte del suo interesse per la ceramica, tornò alla pittura e alla scultura in modo più concentrato, producendo diversi bronzi, alcuni con motivi africani. Durante l”anno seguente la scultura occupò la maggior parte del suo tempo.

Il 6 agosto 1950 Laurent Casanova inaugura la mostra L”Homme au mouton a Vallauris. Picasso ha dipinto La capra, Donna con carrozzina e Ragazza che salta la corda. Il 15 gennaio 1951 dipinse Massacre in Korea. Nel 1952, disegna Guerra e Pace per decorare la cappella di Vallauris, scrive una seconda opera: Les Quatre Petites Filles.

Nell”aprile 1954 dipinge i ritratti di Sylvette David. A dicembre inizia la serie di variazioni su Le donne di Algeri di Delacroix. Nel maggio 1955 va a vivere con Jacqueline Roque nella villa La California a Cannes. A giugno, si è tenuta una retrospettiva al Musée des Arts Décoratifs. Durante l”estate lavora con Henri-Georges Clouzot per il film Picasso Mystère.

Nel 1956 realizzò The Bathers, sculture in legno (Stoccarda, Staatsgalerie) che furono poi scolpite in bronzo. Ha dipinto The California Workshop. Il 17 agosto 1957 inizia a lavorare a una serie di 58 interpretazioni di Las Meninas (Barcellona, Museo Picasso). Il 29 marzo 1958 ha presentato la decorazione per l”Unesco: The Fall of Icarus. A settembre Picasso acquista il castello di Vauvenargues e dipinge La baia di Cannes.

Sposò Jacqueline a Vallauris il 2 marzo 1961, e in giugno si trasferì a Notre-Dame-de-Vie a Mougins (vicino a Cannes). Ha dipinto: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. Nel novembre 1962 dipinse Il ratto delle Sabine, una versione del quale si trova al Musée National d”Art Moderne di Parigi. L”inaugurazione della retrospettiva al Grand Palais e al Petit Palais ebbe luogo il 19 novembre 1966.

Nel gennaio 1970, il Museo Picasso di Barcellona ricevette una donazione delle opere conservate dalla sua famiglia. Una mostra della sua opera è stata tenuta al Palazzo dei Papi di Avignone da maggio a ottobre. Nell”aprile 1971 la Galleria Louise Leiris espose 194 disegni realizzati tra il 15 dicembre 1969 e il 12 gennaio 1971. Una nuova mostra alla Galleria Louise Leiris nel gennaio 1973, che presenta 156 acqueforti realizzate tra la fine del 1970 e il marzo 1972.

Morte

Nel 1973, all”età di novantuno anni, morì di edema polmonare nella sua casa di Mougins, in Francia. Tuttavia, le autorità locali non gli permisero di essere sepolto nella villa e sua moglie Jacqueline decise di seppellirlo nel castello di Vauvenargues, anch”esso di proprietà di Picasso, dove anche lei sarebbe stata sepolta anni dopo.

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Fonti