Masaccio

gigatos | Aprile 2, 2022

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Riassunto

Masaccio (o meglio, Tommaso di Giovanni di Simone Cassai (21 dicembre 1401, San Giovanni Valdarno, Toscana – autunno 1428, Roma) – pittore italiano, maestro principale della scuola fiorentina, riformatore della pittura del Quattrocento.

Masaccio nacque il 21 dicembre 1401 a San Tommaso, da cui prese il nome, nella famiglia di un notaio di nome Ser Giovanni di Mona Cassai e di sua moglie Iacopa di Martinozzo. Simon, il nonno del futuro artista (da parte di suo padre), era un maestro artigiano che costruiva cassoni e altri mobili. I ricercatori vedono questo fatto come una continuità artistica familiare, la possibilità che il futuro pittore abbia incontrato l”arte e ricevuto le sue prime lezioni da suo nonno. Il nonno di Simon era un ricco artigiano, con diversi appezzamenti di giardino e una casa propria.

Cinque anni dopo la nascita di Tommaso, suo padre, che aveva solo 27 anni, morì improvvisamente. Sua moglie era incinta all”epoca e presto diede alla luce un secondo figlio, che chiamò come suo padre, Giovanni (che più tardi divenne anche lui un artista, conosciuto con il soprannome di Sceggia). Lasciata con due bambini in braccio, Iacopa si risposò presto, questa volta con lo speziale Tedesco di Mastro Feo, un vedovo con due figlie. Il secondo marito di Iacopa morì il 17 agosto 1417, quando Masaccio non aveva nemmeno 16 anni. Dopo questo, è diventato l”uomo più anziano della famiglia, che è in realtà il suo capofamiglia. I documenti d”archivio menzionano una vigna e una parte della casa lasciata dalla morte del suo secondo marito, ma non l”ha utilizzata né ha avuto alcun reddito da essa. Una delle sorelle di Masaccio sposò più tardi il pittore Mariotto di Cristofano.

Masaccio si trasferì presto a Firenze. I ricercatori suggeriscono che lo spostamento è avvenuto prima del 1418. Ci sono documenti che mostrano che la madre di Masaccio affittò una casa nella zona di San Niccolò. È probabile che il laboratorio in cui l”artista lavorava fosse da qualche parte nelle vicinanze. Vasari sostiene che Masolino fu il suo maestro, ma questo è un errore. Masaccio ottenne il titolo di maestro pittore e fu ammesso alla bottega il 7 gennaio 1422, cioè prima che Masolino accettasse nel 1423. Inoltre, nessuna traccia dell”influenza di questo artista può essere vista nelle sue opere. Alcuni studiosi ritengono che nel 1421 lavorò nella bottega di Bicci di Lorenzo e gli attribuiscono un rilievo in terracotta dipinta della chiesa di San Egidio. Tuttavia, gli stilemi delle opere di questi artisti sono troppo diversi per parlare del loro stretto contatto. Tuttavia, il fratello minore di Masaccio, Giovanni (Sceggia), lavorò nella bottega di Bicci di Lorenzo dal 1421.

I veri maestri di Masaccio furono Brunelleschi e Donatello. Sopravvive la prova di una relazione personale tra Masaccio e questi due eccezionali maestri del primo Rinascimento. Erano i suoi compagni più anziani e avevano già fatto le loro prime avances quando l”artista è maturato. Brunelleschi dal 1416 era impegnato a sviluppare la prospettiva lineare, le cui tracce possono essere viste nel rilievo di Donatello della Battaglia di San Giorgio con il Drago – con il quale condivise le sue scoperte. Da Donatello, Masaccio prese in prestito una nuova consapevolezza della personalità umana, caratteristica delle statue fatte da questo scultore per la chiesa di Orsanmichele.

L”arte fiorentina all”inizio del XV secolo era dominata da uno stile noto come “gotico internazionale”. Gli artisti di questo stile hanno creato nei loro dipinti un mondo immaginario di bellezza aristocratica, pieno di lirismo e di convenzione. In confronto le opere di Masaccio, Brunelleschi e Donatello erano piene di naturalismo e di dura prosa della vita. Una traccia dell”influenza degli amici più anziani può essere vista nelle prime opere famose di Masaccio.

Tutti gli studiosi contemporanei considerano questo trittico come la prima opera autentica di Masaccio (dimensioni: pannello centrale 108 x 65 cm, pannelli laterali 88 x 44 cm). Fu scoperto nel 1961 dallo studioso italiano Luciano Berti nella piccola chiesa di San Giovenale vicino alla città di San Giovanni Valdarno, dove Masaccio era nato, e fu esposto in una mostra intitolata Antica arte sacra. Berti giunse presto alla conclusione che il trittico fosse un”opera originale di Masaccio, sulla base della forte somiglianza dei personaggi con altre opere dell”artista – la Madonna col Bambino e Sant”Anna del Museo degli Uffizi di Firenze, la Madonna del polittico di Pisa e il polittico di Santa Maria Maggiore a Roma.

Al centro della pala c”è la Madonna con il Bambino e due angeli, alla sua destra San Bartolomeo e San Biagio, alla sua sinistra Sant”Ambrogio e San Giovenale. In fondo all”opera c”è un”iscrizione che non è più in caratteri gotici ma in lettere moderne usate dagli umanisti nelle loro lettere. È la prima iscrizione gotica in Europa: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D”AP(PRILE). (23 aprile 1422 d.C.). Tuttavia, la reazione contro il gotico, da cui sono stati ereditati gli sfondi dorati del trittico, non era solo nell”iscrizione. Con il punto di vista dall”alto, che è caratteristico della pittura del Trecento, la struttura compositiva e spaziale del trittico è eseguita secondo le leggi della prospettiva sviluppate da Brunelleschi, forse anche eccessivamente geometrica e diretta (il che è naturale per i primi esperimenti di prospettiva). La plasticità delle forme e l”audacia degli angoli creano un”impressione di voluminosità massiccia che non era esistita prima nella pittura italiana.

Secondo i documenti d”archivio studiati, l”opera fu commissionata dal fiorentino Vanni Castellani, che patrocinava la chiesa di San Govenale. Il monogramma del suo nome, due V, è visto dai ricercatori nelle ali piegate degli angeli, con un”altra V che forma i bastoni dei santi sui lembi sinistro e destro. Il trittico fu dipinto a Firenze e nel 1441 è già citato nell”inventario della chiesa di San Govenale. Di quest”opera non rimane alcuna memoria, anche se Vasari menziona due opere del giovane Masaccio nella zona di San Giovanni Valdarno.

Dopo il restauro, il trittico fu esposto alla mostra Metodo a Sienza nel 1982, dove attirò nuovamente l”attenzione della critica. Ora si trova nella chiesa di San Pietro a Cascia di Reggello.

Il 7 gennaio 1422 Masaccio fu ammesso alla Corporazione dell”Arte dei Medici e degli Speziali (che includeva gli artisti), e il 19 aprile dello stesso anno prese parte con Donatello, Brunelleschi e Masolino alla cerimonia di dedicazione della Chiesa di Santa Maria del Carmine, situata nel convento dei Carmelitani a Firenze. Masaccio fu poi incaricato di immortalare questa cerimonia in un affresco. Tuttavia, prima di questo (gli studiosi di solito datano la Sagra al 1424), l”artista era stato probabilmente a Roma per celebrare il Giubileo nel 1423, perché solo questo viaggio può spiegare il fatto che la processione raffigurata nell”affresco assomigliava fortemente agli antichi rilievi romani. Ha studiato da vicino l”arte dell”antica Roma e l”arte paleocristiana.

L”affresco della Santificazione fu dipinto sul muro del convento dei Carmelitani e durò fino al 1600 circa. Secondo il Vasari, raffigura una processione di cittadini che si avvicinano alla chiesa, camminando attraverso la piazza in diverse file, girate ad angolo. Sono sopravvissuti solo disegni di vari artisti, tra cui Michelangelo, che copiano frammenti di questo affresco. Era una grande novità per il suo tempo, e probabilmente non piaceva ai suoi clienti a causa dell”impressione troppo grande di realtà che produceva. Non c”era nulla del solito stile gotico con il suo aristocratismo, i tessuti costosi a fantasia, gli ornamenti d”oro. Al contrario, Masaccio ha raffigurato i partecipanti alla processione in abiti molto semplici. Tra questi, secondo il Vasari, si potevano vedere non solo i suoi amici – Donatello, Brunelleschi e Masolino – ma anche quei rappresentanti della politica fiorentina che erano a favore di un cambiamento di repubblica e combattevano la minaccia milanese – Giovanni di Bicci Medici, Niccolò da Uzzano, Felice Brancaccia, Bartolomeo Valori, Lorenzo Ridolfi, che nel 1425 raggiunse un patto con Venezia contro Milano. Luciano Berti ritiene che Masaccio usò il soggetto della cerimonia religiosa “per incarnare le attuali idee civiche, repubblicane e politico-patriottiche”. È possibile che il realismo di Masaccio sia stato percepito all”epoca non solo come l”antitesi del gotico, ma anche come arte democratica delle classi medie, servendo come una sorta di contrappeso ideologico all”aristocrazia.

Vasari menziona tre ritratti nella sua Vita di Masaccio. Gli storici dell”arte li hanno successivamente identificati con tre “ritratti di giovane uomo”: dal Gardner Museum, Boston, dal Museum of Fine Arts, Chambery, e dalla National Gallery, Washington. La maggior parte dei critici moderni ritiene che gli ultimi due non siano opere di Masaccio, poiché hanno un senso di qualità secondaria e inferiore. Sono stati dipinti più tardi, o forse copiati da opere di Masaccio. Alcuni studiosi considerano autentico solo il ritratto dell”Isabella Gardner Museum, mentre Berti e Raggnanti sostengono che raffiguri un giovane Leon Battista Alberti. Il ritratto è datato tra il 1423 e il 1425; Masaccio lo dipinse prima di un altro ritratto dell”Alberti, il cui caratteristico profilo può essere visto nel suo affresco San Pietro in trono nella Cappella Brancacci, che lo raffigura alla destra dello stesso Masaccio.

Masaccio fu coinvolto in diversi progetti comuni con Masolino e sembra che abbiano goduto di un”amicizia. Per temperamento e prospettive erano artisti molto diversi. Masolino gravitava verso il gotico internazionale aristocratico con la sua favolosità religiosa, piattezza e furbizia, mentre Masaccio, secondo l”umanista Cristoforo Landino, era pieno di avido interesse per il mondo terreno, per la sua conoscenza e affermazione della sua grandezza, agendo come l”esponente spontaneo delle forme materialistiche del panteismo del primo Rinascimento. Nel primo Medioevo, il primo panteismo rinascimentale è ampiamente riconosciuto come una delle forme d”arte più importanti. Con ogni probabilità, la maniera di Masolino, più intima e comprensibile alla maggior parte dei contemporanei, gli dava una migliore possibilità di ottenere buoni ordini, per cui il duo apparteneva al ruolo principale dell”organizzatore di opere, mentre Masaccio fungeva da suo assistente, anche se molto talentuoso. La loro prima opera congiunta conosciuta è la Madonna con Bambino e Sant”Anna della Galleria degli Uffizi.

Nel 1424 il nome di Masaccio appare nelle liste della Compagnia di San Luca, un”organizzazione di artisti fiorentini. Questo è anche l”anno che la critica segna l”inizio della collaborazione tra Masaccio e Masolino (più precisamente tra novembre 1424 e settembre 1425).

“Madonna col Bambino e Sant”Anna” (175 cm x 103 cm) fu dipinta per la chiesa di Sant”Ambrogio e vi rimase fino al suo trasferimento alla Galleria dell”Accademia di Firenze e poi alla Galleria degli Uffizi. Vasari lo considerava interamente di Masaccio, ma già nel XIX secolo Masselli (1832) e Cavalcazelle (1864) sottolineavano le differenze dallo stile di Masaccio. Roberto Longhi, che fece uno studio accurato della collaborazione Masolino-Masaccio (1940), concluse che la Madonna col Bambino e l”angelo di destra che regge la tenda erano di mano di Masaccio, mentre il resto fu eseguito da Masolino, che probabilmente aveva commissionato il dipinto (si pensa che, essendo presto in partenza per l”Ungheria, Masolino commissionò a Masaccio il completamento). Altri specialisti – Salmi (1948), e Salvini (1952) – ritengono che sia stato anche Masaccio a dipingere la figura di Sant”Anna, dato che la sua mano sinistra è sollevata sopra la testa del Cristo Bambino nel forte scorcio che è necessario per la rappresentazione della profondità spaziale. Il dipinto ha sia la bellezza decorativa tipica di Masolino che il desiderio di trasmettere la massa fisica e lo spazio caratteristici di Masaccio.

Secondo l”iconografia medievale del soggetto, comunemente chiamato “Sant”Anna in tre”, Maria era seduta sul grembo di Anna e il Cristo bambino sul grembo di quest”ultima. Lo schema iconografico è conservato in quest”opera; le tre figure formano una piramide tridimensionale e ben costruita. Le sue masse di forma grossolana e il suo “portamento fermo e senza grazia” ricordano la “Madonna dell”Umiltà” della National Gallery di Washington, che alcuni studiosi hanno attribuito indiscutibilmente al giovane Masaccio (il cattivo stato di conservazione rende impossibile individuarne la paternità, anche se Burnson un tempo la considerava un”opera di Masaccio). Assomiglia ad un”altra “Madonna” della cappella di Montemarciano nel Valdarno.

Lo spazio è costruito in diversi piani (una tecnica che Masaccio ripete in alcune composizioni della Cappella Brancaccia): nel primo piano il grembo della Madonna, nel secondo piano il Cristo bambino e le sue mani, nel terzo piano il corpo della Madonna, nel quarto piano il trono, Sant”Anna, la tenda e gli angeli, il tutto completato da un fondo oro. La presenza di Sant”Anna nel dipinto può avere un significato speciale; essa simboleggia l”obbedienza filiale delle monache benedettine alla Madre Superiora (Verdon, 1988).

La collaborazione tra Masolino e Masaccio continuò nel prossimo grande progetto, le pitture murali della Cappella Brancacci.

Gli affreschi della Cappella Brancacci sono la principale opera creata da Masaccio durante la sua breve vita. Dal XV secolo ad oggi, sono stati ammirati dai professionisti e dal grande pubblico. Tuttavia, il dibattito su questi affreschi non è cessato fino ad oggi.

La Cappella Brancacci fu aggiunta al transetto meridionale della chiesa carmelitana di Santa Maria del Carmine (costruita nel 1365) intorno al 1386. Il desiderio della sua costruzione fu espresso da Pietro Brancacci, che morì nel 1367, suo figlio Antonio di Pietro Brancacci dichiara nel suo testamento del 20 febbraio 1383, e specifica che suo padre lasciò 200 fiorini per la costruzione. Nel 1389 un altro ramo della famiglia, Serotino Brancacci, donò altri 50 fiorini per “adornamento et picturas fiendo in dicta capella” (“decorare e dipingere la detta cappella”). Nel 1422 Felice di Michele Brancacci, un prospero mercante di seta, ebbe il compito di occuparsi degli affari della cappella, come dichiara nel suo testamento del 26 giugno dello stesso anno quando fu inviato con un”ambasciata al Cairo. Si pensa che sia stato Felice a commissionare i murales. Quest”uomo era una figura molto importante nella vita di Firenze. Apparteneva alla classe dirigente della Repubblica: almeno dal 1412 occupò posizioni di rilievo nel governo. Più tardi è menzionato come ambasciatore in Lunigiana, poi fu ambasciatore al Cairo. Nel 1426 Felice ricoprì la carica di commissario, un ufficiale al comando delle truppe all”assedio di Brescia durante la guerra con Milano. Sua moglie Lena apparteneva a un”altra importante famiglia fiorentina, gli Strozzi. Con ogni probabilità, Brancacci commissionò la pittura della cappella subito dopo il suo arrivo dal Cairo nel 1423. La maggior parte degli studiosi concorda sul fatto che Masolino e Masaccio iniziarono a lavorare alla fine del 1424 (Masolino fu impegnato con un ordine a Empoli fino al novembre 1424), e il lavoro continuò a intermittenza fino al 1427 o 1428, quando Masaccio partì per Roma, lasciando gli affreschi incompiuti. Molto più tardi, negli anni 1480, l”opera incompiuta fu completata da Filippino Lippi.

Gli affreschi della cappella riguardano la vita di San Pietro, ma non hanno un resoconto cronologicamente coerente della sua vita, ma sono un insieme di storie diverse in tempi diversi. Questo è probabilmente dovuto al fatto che le storie stesse sono state prese da tre fonti – i Vangeli, gli Atti degli Apostoli e la Leggenda Aurea di Giacomo di Voragna. Cominciano, però, con il peccato originale. Nella Cappella Brancacci, Masaccio fu coinvolto nell”esecuzione di sei affreschi.

1. esilio dal paradiso

L”affresco rappresenta la storia biblica della cacciata del primo popolo, Adamo ed Eva, dall”Eden dopo che Eva ha infranto l”ingiunzione di Dio. Essi, piangendo, lasciano l”Eden e sopra le loro teste un angelo su una nuvola rossa con una spada in mano indica la strada verso una terra peccatrice. Il murale misura 208 × 88 cm.

Tutti gli studiosi concordano sul fatto che sia interamente di Masaccio. Il dramma inerente all”affresco contrasta nettamente con la scena della Tentazione dipinta da Masolino sulla parete opposta. Contrariamente alla tradizione gotica, alla scena dell”esilio viene data una profondità psicologica completamente nuova per l”epoca. Adamo è raffigurato come un peccatore che non ha perso la sua purezza spirituale. La posa dell”Eva che piange amaramente è chiaramente presa in prestito da Masaccio dalla scultura dell”Astinenza di Giovanni Pisano per il pulpito della cattedrale di Pisa. I ricercatori citano anche la statua greco-romana della Venere Pudica come fonte di ispirazione per l”immagine di Eva. Analogie tra le sculture sono state trovate anche per la posa di Adamo, da “Laocoonte” e “Marcia” a esempi più moderni come la “Crocifissione”, creata da Donatello per la chiesa di Santa Croce a Firenze.

Durante la ricostruzione della chiesa nel 1746-1748, la parte superiore dell”affresco andò persa. Tuttavia, ancora prima, intorno al 1674, i pii sacerdoti avevano ordinato che i genitali di Adamo ed Eva fossero coperti da foglie. In questa forma, l”affresco è esistito fino all”ultimo restauro, effettuato negli anni 1983-1990, quando sono stati rimossi.

2. Miracolo con uno stentoreo

Fin dai tempi di Vasari, il Miracolo con Stylar è stato considerato l”opera più bella di Masaccio (in alcuni libri russi è indicato come Il dono).

Questo episodio della vita di Cristo è tratto dal Vangelo di Matteo (17:24-27). Gesù e gli apostoli erano in viaggio verso la città di Cafarnao per predicare. Per entrare nella città dovevano pagare una tassa di uno statere. Poiché non avevano soldi, Cristo ordinò a Pietro di prendere un pesce nel lago vicino e di fare un miracolo prendendo la moneta dal suo ventre. L”affresco rappresenta tre episodi contemporaneamente. Al centro, Cristo, circondato dagli apostoli, mostra a Pietro ciò che si deve fare; a sinistra, Pietro, dopo aver preso il pesce, estrae la moneta dal suo ventre; a destra, Pietro dà la moneta all”esattore delle tasse fuori dalla sua casa.

Molti studiosi si sono chiesti perché il pagamento delle tasse sia stato incluso nel ciclo di affreschi. Ci sono diverse interpretazioni di questo episodio, che sembra sottolineare deliberatamente la legittimità della richiesta di tasse. Procacci (1951), Miss (1963) e Berti (1964) concordano sul fatto che l”inclusione dell”argomento fu innescata dalla controversia sulla riforma fiscale che ebbe luogo a Firenze negli anni ”20 e culminò nell”adozione nel 1427 del Catasto, un corpo di legge che stabiliva una tassazione più equa. Steinbart (1948) ha pensato che i soggetti di Pietro, il fondatore della chiesa romana, potrebbero essere un”allusione alla politica di papa Martino V volta al dominio mondiale della chiesa romana, mentre la moneta del lago di Genesaret è un”allusione alle redditizie imprese marittime della Repubblica di Firenze, condotte sotto la guida di Brancacci, che tra le altre cose servì a Firenze come console marittimo. Möller (1961) ha suggerito che il racconto evangelico stesso con lo statir può nascondere l”idea che la Chiesa dovrebbe sempre pagare il tributo non di tasca propria, ma utilizzando qualche fonte esterna. Casazza (1986), seguendo Millard Miss (1963), considerò questo episodio come un elemento della historia salutis (“storia della salvezza”), poiché questa era l”interpretazione del Beato Agostino, che sosteneva che il significato religioso della parabola era la salvezza attraverso la Chiesa. Ci sono anche altre opinioni.

Masaccio ha disposto le figure dei personaggi lungo una linea orizzontale, ma il gruppo di apostoli al centro forma un chiaro semicerchio. I ricercatori ritengono che questo semicerchio sia di origine antica, poiché nell”antichità raffigurava Socrate e i suoi discepoli; più tardi questo modello fu portato nell”arte paleocristiana (Gesù e gli apostoli), e nel primo Rinascimento acquisì un nuovo significato con artisti come Brunelleschi – il cerchio simboleggia la perfezione geometrica e la finalità. Il cerchio fu usato da Giotto nei suoi affreschi a Padova e da Andrea Pisano nel Battistero a Firenze.

Tutti i personaggi dell”affresco hanno una vivida individualità e sono incarnati da diversi personaggi umani. Le loro figure sono vestite con tuniche alla maniera antica – con l”estremità gettata sulle spalle sinistre. Solo Pietro, prendendo una moneta dalla bocca del pesce, si tolse e mise la sua tunica accanto ad essa per non macchiarla. Le pose dei personaggi ricordano quelle delle statue greche, così come i rilievi delle urne funerarie etrusche.

Roberto Longhi concluse nel 1940 che non tutti gli affreschi furono fatti dalla mano di Masaccio, ma che la testa di Cristo fu dipinta da Masolino (la testa di Adamo nell”affresco “Tentazione” di Masolino nella stessa cappella è estremamente simile alla testa di Cristo). La maggior parte dei ricercatori è d”accordo con questa conclusione (Parronchi e Bologna 1966). I restauri effettuati negli anni ”80 hanno confermato questa opinione – la tecnica pittorica nell”esecuzione della testa di Cristo differisce dal resto dell”affresco. Baldini (1986), tuttavia, sostiene che la testa di Adamo e quella di Cristo sono eseguite con tecniche pittoriche diverse.

3. Battesimo del neofita

L”episodio è tratto dagli Atti degli Apostoli (2,41): “Così quelli che accolsero volentieri la sua parola furono battezzati, e quel giorno si unirono circa tremila anime”. Un restauro negli anni 80, durante il quale è stato rimosso uno strato di fuliggine delle candele e del fuoco, ha messo in evidenza la bellezza dei colori chiari di questo affresco, la sua splendida esecuzione, e ha confermato le recensioni entusiastiche che gli erano state attribuite fin dai tempi di Maliabecchiano e Vasari.

L”affresco rappresenta l”apostolo Pietro che compie il rito del battesimo. Sullo sfondo ci sono le figure dei neofiti, pronti ad abbracciare la nuova fede. Gli autori antichi ammiravano particolarmente la naturalezza della posa del giovane nudo che aveva preso freddo in attesa del rito. L”intero gruppo, che rappresenta “circa tremila anime”, è composto da 12 persone (Pietro il 13°), e con il loro numero riecheggia i dodici apostoli che formano il “Colosseo umano” (Cristo il 13°) dell”affresco “Il miracolo di Stylar”.

In passato, diversi studiosi hanno sostenuto che questo affresco non è interamente di mano di Masaccio e che Masolino o Filippino Lippi vi hanno partecipato. Longhi (1940) considerò le due figure a sinistra di Pietro come opera di Filippino. È stato sostenuto da F. Bologna (1966). Procacci (1951) credeva che Masolino avesse dipinto anche la testa di Pietro, ma dopo il restauro degli anni ”80 non ha dubbi che l”affresco sia interamente di Masaccio. Parronchi (1989) sostiene che i due ritratti a sinistra di Pietro furono dipinti da un ignoto assistente di Mazaccio, e che la testa di Pietro è di così bassa qualità che non può essere opera né di Masaccio né di Masolino. Dopo il restauro ci fu un rinnovato dibattito sulla collaborazione tra Masolino e Masaccio: per esempio, Berti (1989) sostiene che Masolino è l”autore dell”intero sfondo paesaggistico di questo affresco.

4. San Pietro guarisce i malati con la sua ombra

Il soggetto dell”affresco (che misura 230 × 162 cm) è tratto dagli Atti degli Apostoli (5,12-16), nel libro segue immediatamente la storia di Anania, che è raffigurata nell”affresco adiacente sulla destra. Gli apostoli fecero molti miracoli, grazie ai quali il numero dei credenti crebbe. Quelli che credevano portavano i malati per le strade di Gerusalemme nella speranza che Pietro ne adombrasse alcuni. La gente veniva anche da altri villaggi e tutti erano guariti.

Gli studiosi non hanno mai dubitato che l”affresco sia interamente di Masaccio. Dai tempi del Vasari, che considerò l”uomo con la fascia rossa al braccio un ritratto di Masolino e lo inserì nella sua biografia, gli studiosi hanno cercato di identificare i personaggi raffigurati con figure storiche. Möller (1961) pensava che l”uomo barbuto che piega le braccia in preghiera fosse un ritratto di Donatello, mentre Berti (1966) pensava che Donatello fosse un uomo anziano con una barba grigia che veniva raffigurato tra Pietro e Giovanni.

L”artista ha collocato gli eventi in una strada fiorentina contemporanea. Masaccio l”ha raffigurato in prospettiva, passando dietro le spalle degli apostoli. I ricercatori credono che questo ritragga l”area della Chiesa di San Felice nella Piazza; la sua memorabile colonna con il suo capitello corinzio può essere vista dietro la schiena di Giovanni. La strada è fiancheggiata da case tipiche della Firenze medievale. La facciata inferiore dell”edificio all”estrema sinistra ricorda Palazzo Vecchio e quella superiore Palazzo Pitti.

5. Distribuzione dei beni e morte di Anania

La storia è tratta da Atti (4:32-37 e 5:1-11). Questa sezione del libro descrive come la comunità cristiana primitiva raccoglieva beni per uso comune da distribuire secondo i giusti principi. Tuttavia, un certo Anania, dopo aver venduto i suoi beni, trattenne parte del ricavato quando si unì alla congregazione. In seguito alle parole di rimprovero dell”apostolo Pietro, Anania fu colto da una tale paura che morì all”istante. Masaccio ha rappresentato due scene in questo affresco (230 × 162 cm): Pietro che distribuisce i beni donati agli apostoli e la morte di Anania, il cui corpo senza respiro giace ai piedi di Giovanni. La scena della distribuzione riceve una certa solennità epica. Tutti gli studiosi sono d”accordo che l”affresco appartiene interamente alla mano di Masaccio. Un recente restauro ha rivelato che il mantello rosato di Giovanni e le mani di Anania sono state copiate da Filippino Lippi su un affresco di Masaccio (Baldini 1986).

Oltre a comprendere il soggetto dell”affresco come la salvezza attraverso la fede, c”è un”altra interpretazione proposta da Luciano Berti (1964). Egli ritiene che l”affresco elogi ancora una volta l”istituto della tassazione catastale, adottato nel 1427 per garantire una maggiore uguaglianza tra la popolazione della Repubblica, suggerendo che la punizione di Anania sia una lezione per quei ricchi fiorentini che non hanno voluto pagare le tasse per intero. Möller (1961) ritiene che l”affresco contenga un ricordo della famiglia committente: l”uomo inginocchiato in abito cardinalizio rosso che tende la mano a Pietro è forse il cardinale Rinaldo Brancacci, o il cardinale Tommaso Brancacci.

6. La resurrezione del figlio di Teofilo e San Pietro nel pulpito

L”affresco (230 × 598 cm) raffigura il miracolo compiuto da Pietro dopo essere stato liberato dalla prigione grazie all”apostolo Paolo. Secondo la Leggenda Aurea di Giacomo di Voragna (vedi sopra), Pietro, arrivando alla tomba di suo figlio Teofilo, prefetto di Antiochia, morto da 14 anni, riuscì a rianimarlo con un miracolo. Tutti i presenti credettero immediatamente in Cristo, e il prefetto di Antiochia e il resto della città si convertirono. Di conseguenza, nella città fu costruito un magnifico tempio, in mezzo al quale fu allestito un pulpito per l”apostolo Pietro. Da questo trono predicava i suoi sermoni. Dopo aver trascorso sette anni su questo trono Pietro andò a Roma, dove sedette sul trono papale, il pulpito, per venticinque anni.

Masaccio ha di nuovo raffigurato due eventi nello stesso affresco: a sinistra e al centro l”apostolo Pietro solleva suo figlio Teofilo, a destra l”apostolo Pietro sul trono. L”artista collocò la scena nel tempio, incorporando nella composizione personaggi reali della chiesa – rappresentanti dei fratelli carmelitani di Santa Maria del Carmine – e parrocchiani, tra cui Masolino, Leon Battista Alberti e Brunelleschi. Vasari indicò che l”affresco fu iniziato da Masolino, ma gli storici dell”arte successivi, con poche eccezioni, lo hanno considerato il lavoro di Masaccio. Nel XIX secolo, gli studiosi tornarono all”opinione che l”opera fu iniziata da Masolino e completata da Masaccio. Inoltre, la stragrande maggioranza degli specialisti accetta la versione che Filippino Lippi fu responsabile del completamento dell”affresco, aggiungendo gli spazi vuoti lasciati da Masaccio e copiando i frammenti danneggiati e imbrattati che raffigurano i nemici della famiglia Medici, tra cui i Brancacci.

Il Vasari ritenne che Filippino Lippi raffigurasse il pittore Francesco Granacci come il giovane risorto, anche se all”epoca Granacci non era più un giovane, “…e anche i signori Tommaso Soderini, Pietro Guccciardini, nobile, padre dei signori Francesco che scrive la storia, Piero del Pulze e Luigi Pulci, poeta…”. Dopo aver studiato l”iconografia e i possibili ritratti dell”affresco, lo studioso italiano Peter Meller, nella sua opera “Brancacci Chapel: Iconographic and Portrait Problems” (1961) confermò l”opinione di Vasari e concluse che l”affresco, tra le altre cose, contiene sfumature politiche: Il frate carmelitano (quarto da sinistra) è un ritratto del cardinale Brande Castiglione, Teofilo seduto sull”altissimo trono è un ritratto del duca Gian Galeazzo Visconti di Milano, e l”uomo seduto alla sua destra vicino ai suoi piedi è Coluccio Salutati, cancelliere della Repubblica di Firenze, autore di invettive contro il governo milanese. Inoltre, sul lato destro dell”affresco accanto all”Apostolo Pietro sul pulpito ci sono Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Masaccio e Masolino.

Il polittico di Pisa è l”unica opera dell”artista datata con precisione; la datazione di tutte le altre opere è approssimativa. Il 19 febbraio 1426, Masaccio si impegnò a dipingere una pala d”altare in più parti per la Cappella di San Giuliano nella Chiesa di Santa Maria del Carmine a Pisa per la modica somma di 80 fiorini. La commissione venne dal notaio pisano Ser Giuliano di Colino degli Scarsi da San Giusto, che dal 1414 al 1425 prese il patronato di quella cappella. Il 26 dicembre 1426 il polittico, a giudicare da un documento di pagamento datato in quella data, era pronto. Gli assistenti di Masaccio, suo fratello Giovanni (Sceggia) e Andrea del Giusto, presero parte al lavoro. La cornice di questa composizione in più parti è stata eseguita dall”intagliatore Antonio di Biagio (forse sulla base di uno schizzo di Masaccio).

Nel XVIII secolo, il polittico fu smontato e i suoi singoli frammenti furono dispersi in vari musei. Molti dei dipinti sono andati persi insieme alla cornice originale della pala d”altare. Oggi rimangono solo 11 dipinti di questa grande opera. Christa Gardner von Teuffel ha suggerito una ricostruzione dell”altare, che la maggior parte degli esperti concorda oggi. Tuttavia, la riga centrale del polittico rimane senza risposta. Una versione era che fosse un normale altare a più parti. Secondo un altro, la sezione centrale dell”altare non era un altare a più parti, ma una pala, cioè le figure dei santi ai lati della Madonna non erano dipinte su tavole separate, ma su una grande tavola (secondo il Vasari, queste erano l”apostolo Pietro, Giovanni Battista, San Giuliano e San Nicola). Lo stato dei frammenti attuali non ci permette di avere un”idea dello splendore del progetto originale. Fu uno dei primi altari ad avere una composizione basata su una prospettiva di recente sviluppo, con linee che convergono in un unico punto. A giudicare dal pannello centrale della Madonna col Bambino, tutte le figure del polittico centrale sono state dipinte come se fossero illuminate da una sola fonte di luce dal lato sinistro.

Madonna e bambino

La “Madonna col Bambino e quattro angeli” (135 x 73 cm) era il pannello centrale di un polittico. Nel 1855 fu conservato nella collezione Sutton come opera di Gentile da Fabriano. Nel 1907 Bernard Berenson lo identificò come un”opera di Masaccio. Dal 1916 il quadro si trova alla National Gallery di Londra. L”opera è gravemente danneggiata; è rifilata nella parte inferiore, con perdite dello strato di pittura sulla superficie, deturpata dal ritocco. L”abito della Madonna è stato eseguito con una vernice rossa scintillante sovrapposta a una base di foglia d”argento. Oggi il brillante effetto decorativo dell”opera è andato perso.

Qui Masaccio ha quasi completamente abbandonato la base della pittura gotica – la linea chiara e fluida che delinea le sagome dei personaggi – ma plasma la forma con il colore, semplificandola e dandole un ritmo geometrico generalizzato (gli studiosi ritengono che la figura della Madonna rifletta l”attento studio del pittore delle sculture di Nicola Pisano e Donatello). Rifugge anche il gioco decorativo di motivi inerente al suo dipinto congiunto con Masolino, Madonna con Bambino e Sant”Anna, che sembra essergli completamente estraneo. Lo sfondo d”oro che è tradizionale per la pittura del XIV secolo è quasi completamente coperto dal monumentale trono antico-classico decorato da piccole colonne con ordine corinzio. Il tipo del bambino è stato preso dalle rappresentazioni antiche di Ercole nell”infanzia; il bambino succhia premurosamente l”uva, aiutandosi a gustarla meglio con le dita. I ricercatori considerano la storia dell”uva come un”allusione eucaristica, un simbolo del vino della comunione, cioè come un simbolo finale del sangue di Cristo che viene versato sulla croce. Questo simbolismo è stato rafforzato dalla scena della Crocifissione, che si trovava direttamente sopra la Madonna col Bambino.

Crocifisso

“La Crocifissione (83 x 63 cm) si trova nel Museo di Capodimonte a Napoli dal 1901. Il dipinto è stato attribuito a Masaccio e attribuito al polittico di Pisa dallo storico dell”arte italiano Lionello Venturi. È dipinto su uno sfondo dorato, con solo una stretta striscia di terra sotto i piedi dei personaggi. Lo sfondo dorato simboleggia l”atemporalità e l”alterità di ciò che sta accadendo. A sinistra la Madonna, a destra Giovanni l”Apostolo, con Maria Maddalena che allarga le braccia in segno di disperazione ai piedi della croce. Nel complesso, questo pannello polittico è nella tradizione della pittura del XIV secolo. Il corpo deformato di Cristo è considerato da alcuni ricercatori come un tentativo fallito di trasmetterlo in riduzione prospettica quando viene visto dal basso. Nonostante il gesto espressivo della Maddalena, la scena è estremamente statica. Roberto Longhi ha suggerito che la figura della Maddalena sia stata attribuita dal maestro in una data successiva, poiché ha un”aureola diversa dagli altri personaggi.

Gli apostoli Paolo e Andrea

L”immagine dell”apostolo Paolo è l”unico pezzo rimasto del polittico pisano a Pisa (Museo di San Matteo). Il pannello misura 51 x 31 cm. Il dipinto è stato attribuito a Masaccio già nel XVII secolo (c”è un”iscrizione sul lato). Quasi tutto il XVIII secolo fu conservato nell”Opera della Primateziale, e nel 1796 fu trasferito al Museo di San Matteo. Paolo è raffigurato su uno sfondo dorato rispettando la tradizione iconografica – tiene una spada nella mano destra e il libro degli Atti degli Apostoli nella sinistra. Nel suo tipo sembra più un filosofo antico che un apostolo. In passato alcuni critici pensavano che il dipinto fosse stato dipinto da un assistente di Masaccio, Andrea di Giusto, ma tutti gli studiosi moderni concordano sul fatto che sia opera di Masaccio.

Un pannello raffigurante l”apostolo Andrea (51 x 31 cm) era nella collezione Lankoronsky a Vienna, poi è entrato nella collezione reale del principe di Lichtenstein a Vaduz e oggi è al Paul Getty Museum di Malibu. Alla figura del santo viene data una monumentalità, l”immagine è costruita come se la guardassimo dal basso. Andrea tiene la croce con la mano destra e gli Atti degli Apostoli con la sinistra. Come Paolo, il volto di Andrea riceve una profondità filosofica.

Sant”Agostino, San Girolamo e due monaci carmelitani

Quattro piccoli pannelli, ognuno dei quali misura 38 x 12 cm, sono stati attribuiti a Masaccio quando erano nella collezione Butler (Londra). Nel 1905 furono acquistati da Federico III per la Pinacoteca di Berlino. Nel 1906, il ricercatore tedesco Schubring collegò queste quattro opere al polittico pisano, suggerendo che avevano precedentemente decorato i suoi pilastri laterali. Tre dei santi (Agostino, Girolamo e un monaco carmelitano con la barba) guardano a destra, il quarto a sinistra. Tutte le figure sono dipinte come se la luce cadesse su di loro da un”unica fonte. Alcuni studiosi credono che queste piccole opere mostrino la mano di uno degli assistenti di Masaccio.

Pridela

Tutti e tre i dipinti sono sopravvissuti: L”adorazione dei Magi (21 x 61 cm), La crocifissione di San Pietro e l”esecuzione di Giovanni Battista (21 x 61 cm) e La storia di San Giuliano e San Nicola (22 x 62 cm). I primi due furono acquistati dal Museo di Berlino nel 1880 dalla collezione fiorentina Capponi. Nel 1908, il museo di Berlino ne acquisì un terzo – La storia di San Giuliano e San Nicola. Non c”erano dubbi sulla paternità dei primi due di Masaccio; il terzo era controverso: Burnson lo considerava il lavoro di Andrea di Giusto, Salmi il lavoro del fratello di Masaccio, Giovanni (Sceggia).

Masaccio non ha usato sfondi dorati nei suoi dipinti di preludio. Gli studiosi hanno ripetutamente notato il ruolo della predella nello sviluppo della pittura rinascimentale in generale: il suo formato allungato orizzontalmente la avvicina ai rilievi antichi; fu anche nei quadri della predella che gli artisti guadagnarono più libertà abbandonando gli sfondi dorati.

La maggior parte degli studiosi concorda sul fatto che l”Adorazione dei Magi sia stata scritta per prima. Vasari ha notato in particolare: “…nel mezzo ci sono i Magi che portano doni a Cristo, e in questa parte molti dei cavalli sono dipinti così bene che non potrebbe essere migliore…”. L”intera scena riceve una solennità speciale. I tre saggi sono mostrati con il seguito tra cui M. Salmi (è in piedi con il copricapo scuro dietro i saggi, guardando pensieroso la scena.

La tavola successiva della pala d”altare raffigura due scene diverse – San Pietro che subisce il martirio venendo crocifisso su una croce rovesciata (in Masaccio non è appeso, ma la sua testa è appoggiata a terra – una ripetizione della scena della Cappella Brancacci) e la decapitazione di Giovanni Battista, eseguito per volere del re Erode. Il boia di Giovanni è mostrato di spalle, con i piedi ben piantati a terra (questa posizione delle gambe riecheggia chiaramente le gambe dell”esattore delle tasse nel “Miracolo dello Stylar” dalla Cappella Brancaccia) – questa capacità di trasmettere la corretta posizione delle gambe (che nessuno prima di lui poteva fare) era ciò per cui Giorgio Vasari lodava Masaccio.

La presenza di San Giuliano e San Nicola nella pala di Pisa e le scene della loro vita sono considerate dagli studiosi una conseguenza del fatto che San Giuliano era il patrono di Giuliano di Colino e San Nicola era il patrono dei suoi genitori (Colino è il diminutivo di Nicolino o Nicola).

Un piccolo pannello (50 x 34 cm) a forma di piccola pala d”altare del Lindenau Museum, Altenburg, contiene due scene: la Preghiera della Coppa e la Comunione di San Girolamo. La scena superiore utilizza uno sfondo dorato, mentre quella inferiore è completamente iscritta. Le figure dei tre apostoli sulla destra hanno la stessa forma del dipinto. La maggior parte dei critici crede che sia stato dipinto immediatamente dopo il polittico di Pisa. Alla fine del XIX secolo, lo studioso tedesco Schmarzow lo attribuì a Masaccio, ma non tutti gli studiosi sono d”accordo con questa attribuzione. Bernson lo attribuisce ad Andrea di Giusto, mentre Longi e Salmi lo considerano opera di Paolo Schiavo. Il valore di quest”opera e l”attribuzione a Masaccio furono riconfermati nei lavori di Ortel (1961), Berti (1964) e Parronchi (1966), che videro in essa una marcata originalità.

Quest”opera risale all”incirca allo stesso periodo del polittico di Pisa. Su uno sfondo dorato sovrapposto a una tavola di 24 x 18 centimetri, raffigura una Madonna che accarezza il mento di un bambino. Lo stemma raffigura uno scudo con sei stelle su sfondo giallo. Lo stemma di Antonio Casini, che fu fatto cardinale il 24 maggio 1426, è sormontato sul rovescio da una fascia nera con una croce d”oro. Roberto Longhi, che svelò l”opera nel 1950 e la attribuì a Masaccio, la attribuì all”epoca del polittico di Pisa per la sua armonia cromatica e i suoi “meravigliosi effetti spaziali”. La maggior parte dei critici di oggi è d”accordo con l”opinione che sia l”opera di Masaccio.

All”inizio del XX secolo il dipinto fu conservato in una collezione privata, poi nel 1952 fu esposto alla “Seconda mostra nazionale delle opere d”arte restituite dalla Germania” a Roma e nel 1988 fu inviato alla Galleria degli Uffizi di Firenze.

Una storia della vita di San Giuliano è iscritta su una piccola tavola di 24×43 cm. A sinistra, San Giuliano, mentre caccia, parla con il diavolo in forma umana, che predice la morte del padre e della madre di Giuliano per mano sua. La parte centrale mostra il padre e la madre di San Giuliano nella camera da letto, dove, scambiandoli per sua moglie e il suo amante, li uccide entrambi. Nella parte destra vede sua moglie viva e sotto shock. Per molto tempo si è pensato che questo piccolo pannello del Museo del Corno di Firenze fosse una parte della pala d”altare di Pisa. Secondo un”altra versione, quest”opera appartiene a un altro lavoro a cui Masaccio potrebbe aver partecipato con Masolino, il Trittico della Carnesecca.

“La Trinità” è un affresco di 667×317 cm, dipinto nella Chiesa di Santa Maria Novella a Firenze e successivamente trasferito su tela. Ci sono diverse opinioni su quando è stato fatto. Alcuni storici ritengono che sia stata dipinta prima della Cappella Brancacci intorno al 1425 (Borsuch, Gilbert e Parronchi), altri ritengono che sia stata dipinta accanto alla Cappella Brancacci nel 1426-1427 (Salmi, Procacci e Brandi) e altri ancora ritengono che sia stata dipinta poco prima della partenza di Masaccio per Roma nel 1427-1428 (Berti).

L”affresco rappresenta Dio Padre che sovrasta un crocifisso con quattro figure in piedi, Maria e Giovanni Evangelista, e sotto di loro due donatori con le mani giunte in preghiera. Nella parte inferiore c”è una tomba con le reliquie di Adamo. Nonostante la presenza del donatore e di sua moglie nell”affresco, non sono sopravvissuti documenti riguardanti il committente di quest”opera. Alcuni credono che possa essere stato Fra Lorenzo Cardoni, che servì come Priore della Chiesa di Santa Maria Novella dal 1423 fino all”inizio del 1426, altri credono che sia stato Domenico Lenzi, che morì nel 1426 e fu sepolto nella chiesa accanto all”affresco. È anche possibile che l”affresco sia stato commissionato da Alesso Strozzi, amico del Ghiberti e del Brunelleschi, che assunse la carica di Priore della chiesa dopo Fra Lorenzo Cardoni.

“La Trinità” è considerata una delle opere più importanti che hanno influenzato lo sviluppo della pittura europea. L”affresco era già stato ammirato dal Vasari nel 1568, ma un paio d”anni dopo fu eretta una nuova pala d”altare nella chiesa, che lo coprì al pubblico, e il pannello centrale della pala, la Madonna del rosario, fu dipinto dal Vasari stesso. L”affresco rimase sconosciuto alle generazioni successive fino al 1861, quando fu trasferito sul muro interno della facciata tra l”ingresso sinistro e quello centrale del tempio. Dopo che Ugo Procacci scoprì la parte inferiore dell”affresco raffigurante le reliquie di Adamo dietro l”altare neogotico costruito nel XIX secolo nel 1952, fu spostato nella sua posizione originale.

A causa della particolare coerenza con cui quest”opera incarna le leggi della prospettiva e i principi architettonici di Brunelleschi, i critici hanno ripetutamente scritto che è stata creata sotto la diretta supervisione dell”architetto, ma la maggior parte non condivide questa opinione. In contrasto con la tradizionale rappresentazione della crocifissione contro un cielo blu con angeli piangenti e la folla ai suoi piedi, Masaccio ha posto la croce in un interno architettonico, simile alla volta di un antico arco di trionfo romano. L”intera scena ricorda molto una nicchia architettonica in cui si trovano delle sculture. La tecnica di realizzazione della composizione era probabilmente semplice: Masaccio martellava un chiodo nella parte inferiore dell”affresco, da cui tendeva dei fili e tracciava la superficie con una matita di ardesia (se ne possono vedere ancora oggi le tracce). Ecco come è stata costruita la prospettiva lineare.

Secondo l”interpretazione più comune dell”iconografia di questo affresco, si riferisce alle tradizionali doppie cappelle medievali del Golgota, con la tomba di Adamo (reliquie) nella parte inferiore e un crocifisso nella parte superiore (cappelle simili copiate dal tempio del Golgota a Gerusalemme). Questa insolita iconografia e disegno pittorico incarna l”idea dello spirito umano che si muove verso la salvezza: crescendo dalla vita terrena (lo scheletro di Adamo) attraverso la preghiera di coloro che stanno accanto, l”intercessione della Vergine Maria e Giovanni Battista, lo spirito umano si muove verso la Santissima Trinità con la speranza di perdonare e ottenere la vita eterna.

Il vassoio di legno, 56 cm di diametro, è dipinto su due lati: uno con una natività e l”altro con un putto e un cagnolino. Nel 1834 il tondo era di proprietà di Sebastiano Ciampi di San Giovanni Valdarno e fu acquistato dal Museo di Berlino a Firenze nel 1883. Quest”opera è solitamente datata al periodo dell”ultimo soggiorno di Masaccio a Firenze prima di partire per Roma dove morì. Dal 1834 l”opera è stata attribuita a Masaccio (prima a Guerrandi Dragomanni, poi a Münz, Bode, Venturi, Schubring, Salmi, Longi e Burnson). Tuttavia, c”è chi la considera opera di Andrea di Giusto (Morelli), o di Domenico di Bartolo (Brandi), o di un anonimo fiorentino che lavorò tra il 1430 e il 1440 (Pittaluga, Procacci, Miss).

L”opera è un desco da parto, una tavola di maternità, che all”epoca era un dono consueto fatto alle donne di famiglie benestanti per congratularsi della nascita del loro bambino (il presepe qui raffigurato mostra un uomo con un desco da parto in piedi alla sua sinistra tra le offerte). Anche se tali opere erano vicine al lavoro degli artigiani, gli artisti più famosi del Quattrocento non hanno evitato di realizzarle. Berti vide in quest”opera “il primo tondo rinascimentale”, richiamando l”attenzione su importanti innovazioni e sull”uso dell”architettura allineata alla prospettiva secondo i principi di Brunelleschi. L”armonia classica inerente a quest”opera sarebbe continuata negli affreschi del Beato Angelico.

Dei pochi documenti d”archivio relativi alla vita dell”artista, c”è la registrazione di un registro fiscale fiorentino. Risale al luglio 1427 e afferma che Masaccio e sua madre affittarono una modesta stanza in via dei Servi, potendo mantenere solo una parte di uno studio condiviso con alcuni altri artisti. Nella sua “Biografia di Masaccio” (1568) Vasari gli dà questa caratteristica: “Era un uomo molto disperso e molto disattento, come quelli che hanno tutti i pensieri e la volontà concentrati solo sulle cose rilevanti per l”arte, e che poco badano a se stessi e ancor meno agli altri. E siccome non voleva mai e in nessun modo pensare agli affari e alle preoccupazioni del mondo, compresi persino i suoi vestiti, e aveva l”abitudine di esigere denaro dai suoi debitori solo in caso di estrema necessità, invece di Tommaso, come si chiamava, tutti lo chiamavano Mazaccio, ma non per cattiveria, perché di natura era gentile, ma per la stessa sua distrazione, che non gli impediva di rendere con tanta prontezza altri simili servizi e simili convenevoli, di cui non ci si sarebbe nemmeno sognati.

Masaccio aveva molti debiti. Ciò è confermato da una nota sulla morte dell”artista fatta nel 1430 da uno dei suoi creditori, che esprime dubbi sulla solvibilità del suo debitore sulla base delle parole di suo fratello Giovanni (Scegi), che rinunciò all”eredità piena di debiti di Masaccio. Questo era lo stato delle cose prima della sua partenza per Roma.

Non è chiaro quanti mesi Masaccio abbia trascorso a Roma. La sua morte fu inaspettata, ma non ci sono basi per la versione di avvelenamento esposta da Vasari. Antonio Manetti ha sentito personalmente dal fratello dell”artista che è morto all”età di circa 27 anni, cioè alla fine del 1428, o all”inizio del 1429. Nei documenti fiscali del novembre 1429 si trova una nota di mano del funzionario di fronte al nome di Masaccio: “Si dice che sia morto a Roma”. Delle reazioni alla sua morte, solo le parole di Brunelleschi “Che grande perdita abbiamo subito” sono sopravvissute. È probabile che queste parole rivelino la piccola cerchia di artisti innovativi che hanno capito l”essenza del lavoro del maestro.

Nel 1428 Masaccio lasciò i suoi affreschi incompiuti nella Cappella Brancacci e andò a Roma. Molto probabilmente fu chiamato lì da Masolino per lavorare a un polittico per la Chiesa di Santa Maria Maggiore a Roma e ad altre prestigiose commissioni. La maggior parte degli studiosi ritiene che Masaccio sia riuscito a iniziare il lato sinistro della pala d”altare raffigurante San Girolamo e San Giovanni Battista. Masolino ha dovuto completare il trittico da solo. L”opera fu conservata a Palazzo Farnese nel XVII secolo, ma fu smontata e venduta nel XVIII secolo. Il trittico era a due facce, quindi, come nel caso della famosa Maesta di Duccio, fu segato longitudinalmente in modo da separare le superfici anteriore e posteriore. Di conseguenza, San Geronimo e Giovanni Battista e San Liberio e San Matteo sono finiti nella National Gallery di Londra, il pannello centrale La fondazione della chiesa di Santa Maria Maggiore e L”ascensione di Maria nel Museo di Capodimonte, Napoli, San Pietro e Paolo e San Giovanni Evangelista e San Martino di Loreto nella Johnson Collection, Philadelphia.

Il dipinto (114cm x 55cm) mostra San Girolamo a figura intera, secondo il canone iconografico: paramento e cappello rosso, con un leone seduto accanto a lui. Dietro di lui c”è Giovanni Battista. Il dipinto è stato attribuito a Masaccio dal ricercatore inglese C. Clarke nel suo articolo pubblicato nel 1951. Tuttavia, alcuni studiosi attribuiscono l”opera a Masolino o anche a Domenico Veneziano.

Secondo il Vasari, Masaccio ottenne “la più grande fama” a Roma, tanto da essere incaricato dal Cardinale di San Clemente di dipingere la Cappella di Santa Caterina nella Chiesa di San Clemente con storie della vita della santa (gli affreschi sono oggi considerati opera di Masolino). Tuttavia, la sua partecipazione ai murales ha successivamente sollevato seri dubbi tra gli studiosi. Alcuni (Venturi, Longhi e, con riserve, Berti) ritengono che Masaccio possa appartenere alle sinopie (disegni preliminari su gesso) nella scena della crocifissione, in particolare nella rappresentazione dei cavalieri a sinistra. Tutti i tentativi di separare la mano di Masaccio da quella di Masolino in questi affreschi non vanno oltre la speculazione. L”affresco con la scena della Crocifissione è gravemente danneggiato e rimane in una condizione che non permette alcuna analisi e conclusioni precise.

L”opera di Masaccio ha avuto una profonda influenza sullo sviluppo della pittura rinascimentale, e più in generale sulla pittura europea in generale. Il suo lavoro è stato studiato da molte generazioni di artisti, compresi Raffaello e Michelangelo. La vita breve ma straordinariamente ricca di scoperte creative di questo eccezionale maestro ha assunto una forma quasi leggendaria in Europa ed è risuonata nelle opere d”arte. Numerosi libri e articoli di giornale sono stati pubblicati su di lui in molte lingue del mondo.

Fonti