Eugène Delacroix

Riassunto

Eugène Delacroix è stato un pittore francese nato il 26 aprile 1798 a Charenton-Saint-Maurice e morto il 13 agosto 1863 a Parigi.

Nella pittura francese dell’Ottocento è considerato il principale esponente del Romanticismo, il cui vigore corrisponde all’ampiezza della sua carriera. All’età di 40 anni, la sua reputazione era sufficientemente consolidata da consentirgli di ricevere importanti incarichi statali. Dipinge su tela e decora le pareti e i soffitti dei monumenti pubblici. Ha lasciato anche incisioni e litografie, diversi articoli scritti per riviste e un Journal pubblicato poco dopo la sua morte e ripubblicato più volte. Notato al Salon nel 1824, negli anni successivi realizza opere ispirate ad aneddoti storici o letterari, ma anche ad eventi contemporanei (La Liberté guidant le peuple) o a un viaggio in Nord Africa (Femmes d’Alger dans leur appartement).

Famiglia

Eugène Delacroix, quarto figlio di Victoire Œben (1758-1814) e Charles-François Delacroix (1741-1805), nasce nel 1798 al numero 2 di rue de Paris a Charenton-Saint-Maurice, vicino a Parigi, in una grande casa borghese del XVII e XVIII secolo ancora esistente.

Charles-François Delacroix, avvocato a Parigi dal 1774, divenne deputato della Convenzione. Alla fine del 1795 divenne ministro degli Affari esteri, poi ambasciatore nella Repubblica di Batave dal 6 novembre 1797 al giugno 1798. Alleato dell’Impero, il 2 marzo 1800 fu nominato prefetto delle Bouches-du-Rhône a Marsiglia, poi tre anni dopo prefetto della Gironda a Bordeaux, dove morì il 4 novembre 1805 e dove è sepolto nel cimitero della Chartreuse.

Victoire Œben, di 17 anni più giovane del marito, discendeva da una rinomata famiglia di ebanisti, gli Œben. Quando suo padre Jean-François Œben, il famoso ebanista di Luigi XV, morì nel 1763, Victoire aveva cinque anni. Tre anni dopo, nel 1766, la madre Françoise Vandercruse, sorella dell’ebanista Roger Vandercruse, si risposò con l’ebanista Jean-Henri Riesener, allievo del primo marito. Da questa seconda unione nacque il 6 agosto 1767 Henri-François Riesener, pittore, fratellastro di Victoire e zio di Eugène Delacroix, che dalla sua unione con Félicité Longrois ebbe un figlio, il pittore Léon Riesener.

Charles-Henri Delacroix, primogenito di Victoire e Charles-François Delacroix, nacque il 9 gennaio 1779. Ebbe una carriera di successo negli eserciti imperiali. Promosso maresciallo onorario di campo nel 1815, fu smobilitato con il grado di generale (ma con paga dimezzata).

Henriette nacque il 4 gennaio 1782 e morì il 6 aprile 1827. Il 1° dicembre 1797 sposò Raymond de Verninac-Saint-Maur (1762-1822), diplomatico in Svezia e poi a Costantinopoli, da cui ebbe un figlio, Charles de Verninac (1803-1834), nipote di Eugène. Su richiesta del marito, David le fece un ritratto (Parigi, Musée du Louvre) nel 1799, in un genere da lui sviluppato negli ultimi anni della Rivoluzione, quello della modella seduta, tagliata sulle ginocchia, su uno sfondo semplice. Il marito chiese anche allo scultore Joseph Chinard (1756-1813) di preparare il busto di Diana cacciatrice (1808, Musée du Louvre).

Henri, nato nel 1784, fu ucciso a 23 anni il 14 giugno 1807 nella battaglia di Friedland.

Victoire Œben muore il 3 settembre 1814. L’insediamento della tenuta materna rovina la famiglia Delacroix. Questo disastro inghiottì tutto il patrimonio dei figli; una proprietà che la madre dell’artista aveva acquistato per coprire un debito dovette essere venduta in perdita. I Verninac accolsero il giovane Eugène, che era rimasto indigente.

Osservando che il padre del pittore era affetto da un grosso tumore ai testicoli da quattordici anni e fino a pochi mesi prima della nascita di Eugène, alcuni autori hanno dedotto che il suo progenitore fosse un altro uomo, Talleyrand, a cui si attribuiscono numerose liaison femminili e che sostituì Charles-François Delacroix al Ministero degli Affari Esteri il 16 luglio 1797. Questo punto di vista è fortemente contestato.

Il chirurgo Ange-Bernard Imbert-Delonnes (1747-1818) pubblicò nel dicembre 1797 un opuscolo sull’asportazione di questo sarcocele, avvenuta il 13 settembre 1797, che rappresentò una novità in campo medico. Egli afferma che l’operazione è riuscita e che il paziente è guarito completamente dopo 60 giorni. Eugène Delacroix nacque sette mesi dopo l’operazione. Tuttavia, il tumore di Charles Delacroix non era necessariamente un ostacolo alla procreazione.

Sebbene vi sia motivo di credere che Charles-François Delacroix non potesse essere il suo progenitore, le speculazioni secondo cui l’artista sarebbe stato il figlio illegittimo di Talleyrand hanno poco fondamento. Caroline Jaubert citò questa voce nel 1880 nella descrizione di una scena di salotto avvenuta intorno al 1840.

Per Raymond Escholier “c’è una sorprendente somiglianza tra la maschera del principe di Benevento e quella di Delacroix – i tratti di Delacroix non ricordano né quelli del fratello generale, né quelli della sorella Henriette – ed è molto probabile che Eugène Delacroix fosse uno di quei figli dell’amore, così spesso dotati di doni prestigiosi. Tuttavia, molti altri notano che Talleyrand era biondo e pallido, mentre Baudelaire, descrivendo il loro amico Eugène Delacroix con i capelli neri, parla di “carnagione peruviana” e Théophile Gautier di un aspetto da “maharajah”.

Emmanuel de Waresquiel ricorda l’assenza di fonti serie per questa presunta paternità e conclude: “Tutti coloro che hanno voluto forzare i tratti del loro personaggio si sono lasciati tentare, senza preoccuparsi del resto, o soprattutto delle fonti, o meglio dell’assenza di fonti. Una volta per tutte, Talleyrand non è il padre di Eugène Delacroix. Prestate solo ai ricchi.

Talleyrand era comunque vicino alla famiglia Delacroix e uno dei mecenati occulti dell’artista. Si dice che abbia favorito l’acquisto da parte del barone Gérard della Scène des massacres de Scio (Scena dei massacri di Scio, presentata al Salon del 1824 e ora al Louvre), per la somma di 6.000 franchi. Il nipote adultero di Talleyrand, il duca di Morny, presidente del Corpo legislativo e fratellastro di Napoleone III, fece di Delacroix il pittore ufficiale del Secondo Impero, sebbene l’imperatore gli preferisse Winterhalter e Meissonnier. Delacroix beneficiò anche dell’ombra protettrice di Adolphe Thiers, che fu il suo mentore. Il sostegno di Thiers sembra aver aiutato Delacroix a ottenere diversi incarichi importanti, in particolare la decorazione del Salon du Roi nel Palais Bourbon e parte della decorazione della biblioteca del Senato nel Palais du Luxembourg.

Questa protezione, tuttavia, non stabilisce la paternità naturale e Maurice Sérullaz non è un padre naturale.

Al di là dell’interesse per la curiosità, le opinioni in questa controversia riflettono l’importanza che i commentatori vogliono attribuire al talento e al carattere individuale, oppure alle relazioni sociali e familiari, o ancora all’ereditarietà, nel successo di Delacroix.

Istruzione e formazione

Quando il padre morì, Eugène aveva solo sette anni. Madre e figlio lasciano Bordeaux per Parigi. Nel gennaio 1806, vivono al 50 di rue de Grenelle, nell’appartamento di Henriette e Raymond de Verninac. Dall’ottobre 1806 all’estate 1815, Delacroix frequentò una scuola d’élite, il Lycée Impérial (oggi Lycée Louis-le-Grand), dove ricevette una buona educazione.

La sua lettura era classica: Orazio, Virgilio, ma anche Racine, Corneille e Voltaire. Impara il greco e il latino. I numerosi disegni e schizzi scarabocchiati nei suoi quaderni testimoniano già le sue doti artistiche. Incontra i suoi primi confidenti al Lycée Impérial: Jean-Baptiste Pierret (1795-1854), Louis (1790-1865) e Félix (1796-1842) Guillemardet, e Achille Piron (1798-1865). Condivisero la sua vita bohémienne e gli rimasero fedeli fino alla fine della sua vita.

Ha ricevuto anche una prima educazione musicale, prendendo lezioni da un vecchio organista che amava Mozart. Il maestro di musica, che aveva notato il talento del bambino, raccomandò alla madre di farlo diventare musicista. Ma la morte del padre nel 1805 mise fine a questa possibilità. Tuttavia, per tutta la vita continuò a partecipare alla vita musicale parigina, cercando la compagnia di compositori, cantanti e strumentisti: Paganini che suona il violino (1831, Collezione Philipps, Washington).

Nel 1815 lo zio, Henri-François Riesener, lo mandò nello studio di Pierre-Narcisse Guérin, dove i suoi compagni di studio erano Paul Huet, Léon Cogniet, Ary e Henry Scheffer e Charles-Henri de Callande de Champmartin. Lì incontrò Théodore Géricault, di sette anni più anziano, che ebbe una grande influenza sulla sua arte. L’insegnamento di Guérin era al tempo stesso classico e liberale. Insegnava il principio neoclassico del primato del disegno sul colore, il ritorno all’antichità caro al tedesco Winckelmann, ma non era chiuso alle nuove idee.

Nel marzo del 1816, Delacroix continuò il suo apprendistato, sempre con Guérin, presso le Beaux-Arts di Parigi, dove l’insegnamento era meno costoso rispetto agli studi privati. L’insegnamento privilegiava il disegno e la copia dei maestri. Grazie alla scheda di lavoro nel gabinetto delle stampe della Biblioteca Nazionale, acquisita il 13 luglio 1816, copiò per diversi anni i manoscritti delle collezioni di costumi medievali. I suoi risultati nei concorsi e negli esami all’École des beaux-arts non gli fanno sperare in un soggiorno a Roma; nel 1820 non supera la prima parte del Prix de Rome. Allo stesso tempo, trovò lavori saltuari: disegno industriale, decorazione di appartamenti, costumi teatrali; il piccolo reddito dell’eredità non era sufficiente a soddisfare le sue necessità.

Per tutta la sua carriera, Delacroix soffrì delle carenze della sua formazione tecnica, sottovalutata dall’insegnamento ufficiale. Per lui, Davide era l’ultimo detentore dei “segreti” perduti. La sua generazione, “disgustata da una pittura gelida, in cui la qualità della materia aveva così poco spazio, sembra aver voltato le spalle a qualsiasi insegnamento”. Dipingendo d’istinto, il risultato, come per la maggior parte dei suoi contemporanei, è stato un disastro che si è manifestato dopo pochi anni. La Morte di Sardanapalus, del 1827, doveva essere completamente restaurata nel 1861. I delicati rapporti tonali che avevano incantato i suoi contemporanei non sopravvissero; crepe e fessure, causate dalla fretta di dipingere senza rispettare i tempi di asciugatura, danneggiarono la sua pittura. Il diario di Delacroix testimonia la consapevolezza delle sue mancanze.

Nel 1816, Delacroix incontra Charles-Raymond Soulier, un acquerellista anglofilo dilettante allievo di Copley Fielding, tornato dall’Inghilterra. Questo amico e Richard Parkes Bonington introdussero Delacroix all’arte dell’acquerello, che lo allontanò dagli standard accademici insegnati alle Beaux-Arts. Gli inglesi combinarono l’acquerello con la gouache e utilizzarono vari processi come la gommatura, la verniciatura e il raschiamento. Soulier gli insegnò anche i rudimenti della lingua inglese.

Dal 24 aprile alla fine di agosto del 1825 si reca in Inghilterra. Scoprì il teatro di Shakespeare assistendo alle rappresentazioni di Riccardo III, Enrico IV, Otello, Il mercante di Venezia e La tempesta, due anni prima che una compagnia inglese arrivasse a Parigi. Ha anche visto un adattamento del Faust di Goethe. Delacroix troverà soggetti teatrali per tutta la sua carriera: Amleto e Orazio al cimitero (1835, Francoforte) e Amleto e i due becchini (1839, Museo del Louvre). Fino alla sua morte, questi soggetti si mescolano a temi orientali, letterari, storici e religiosi. Dopo questo viaggio, la tecnica dell’acquerello diventa importante nel suo lavoro. Gli fu di grande aiuto durante il suo viaggio in Nord Africa, per poter riprodurre tutti i colori.

Inizio carriera

Nel 1819, il primo tentativo di decorazione di Delacroix riguarda la sala da pranzo della dimora privata di M. Lottin de Saint-Germain, nell’Ile de la Cité. Prima del marzo 1820 terminò i piani delle porte in stile pompeiano. Di questo insieme, ormai scomparso, rimangono solo i disegni e i progetti, i personaggi, le scene allegoriche o mitologiche, conservati al Museo del Louvre.

Nel 1821, il tragediografo Talma gli commissionò la decorazione della sala da pranzo della dimora privata che aveva fatto costruire al 9 di rue de la Tour-des-Dames, a Montmartre, con quattro piani di porte raffiguranti le quattro stagioni in uno stile greco-romano ispirato agli affreschi di Ercolano, come quelli di M. Lottin. Il Louvre possiede una serie di disegni e progetti preparatori, mentre il resto è conservato in una collezione privata a Parigi.

I suoi primi dipinti da cavalletto sono due pale d’altare ispirate ai pittori del Rinascimento:

Nel 1822, Delacroix, desideroso di affermarsi nella pittura e di trovare una via d’uscita alle sue difficoltà finanziarie, si presenta per la prima volta al Salon con La barca di Dante o Dante e Virgilio nell’oltretomba, che lo Stato acquista da lui per 2.000 franchi, contro i 2.400 che aveva chiesto. Le reazioni dei critici sono state vivaci, persino virulente. “Una vera e propria tartouillade”, ha scritto Étienne-Jean Delécluze, allievo di Jacques-Louis David e difensore della sua scuola davidiana, sul Moniteur del 18 maggio. Tuttavia, Adolphe Thiers, allora giovane giornalista, parlò del “futuro di un grande pittore” in un articolo elogiativo sul Constitutionnel dell’11 maggio. Antoine-Jean Gros, che ha ammirato La Barque de Dante, ha descritto il pittore come “un Rubens castigato”.

Avendo definito il suo soggetto molto tardi, a metà gennaio, Delacroix dovette lavorare in fretta per essere pronto a esporre al Salon Officiel, dal 24 aprile. Utilizzava vernici che facevano asciugare i colori più rapidamente, ma compromettevano la conservazione della tela. Gli strati scuri sottostanti si sono asciugati più velocemente di quelli chiari in superficie, causando enormi crepe e scheggiature. Nel febbraio 1860 ottenne il permesso di restaurarlo personalmente.

Il tema, tratto dal Canto VIII dell’Inferno di Dante, non aveva precedenti all’epoca. I contemporanei, avendo solo una conoscenza superficiale dell’opera dantesca, illustrarono sempre gli stessi episodi: la storia di Ugolino (Inferno, canto XXXIII), Paolo e Francesca (Inferno, canto V), la Barca di Caronte (Inferno, canto III). La scelta dell’aneddoto e di un formato finora riservato a soggetti religiosi, mitologici o storici per questo quadro a soggetto letterario mostra la novità di Delacroix, che vuole dimostrare di essere un vero pittore e di padroneggiare le diverse parti della sua arte: il nudo, il panneggio, l’espressione.

In questo dipinto ci sono molte influenze. I critici sottolineano le somiglianze tra la Barca di Dante e la Zattera della Medusa di Géricault (1819, Musée du Louvre), un primo piano, una barca, onde impetuose, per poi sminuirne l’importanza.

Théodore Géricault esercitò una notevole influenza su Delacroix, soprattutto all’inizio della sua carriera. Ha preso in prestito il suo stile: forti contrasti di luce e ombra che danno rilievo e modellazione. Utilizzò anche alcuni dei suoi colori: vermiglio, blu di Prussia, marroni e bianchi colorati. L’ufficiale turco che rapisce lo schiavo greco sul suo cavallo nella Scena dei massacri di Scio (1824, Musée du Louvre) è ispirato all’Ufficiale dei cacciatori a cavallo di Géricault (1812, Musée du Louvre). Quando Géricault morì il 26 gennaio 1824, Delacroix divenne il leader involontario del Romanticismo.

L’influenza di Michelangelo è evidente nella muscolatura imponente del dannato (che ricorda uno dei due Schiavi del Louvre) e della donna, derivata da un prototipo maschile. La figura di Flegias, l’uccellatore, incaricato di condurre Dante e Virgilio alla città infernale di Dity, rimanda all’antichità e al Torso del Belvedere (IV secolo a.C., Museo Pio-Clementino di Roma). Le naiadi nello Sbarco di Maria de’ Medici a Marsiglia di Rubens (1610, Musée du Louvre) ispirano la colorazione delle gocce d’acqua sui corpi dei dannati in piccoli tocchi di colore puro. Delacroix aveva realizzato uno studio: Torso di sirena, dopo lo Sbarco di Maria de’ Medici (Kunstmuseum di Basilea).

Sotto l’influenza di Géricault e con l’incoraggiamento di Gros, negli anni venti del XIX secolo Delacroix moltiplica i suoi studi di cavalli dal vero. Il 15 aprile di quell’anno scrive nel suo diario: “È assolutamente necessario iniziare a produrre cavalli. Andate in una stalla ogni mattina; andate a letto molto presto e alzatevi allo stesso modo”. Stabilì un programma di studio che comprendeva visite alle scuderie e al maneggio. La compilazione di questa enciclopedia gli servirà per i suoi futuri dipinti.

Con Scène des massacres de Scio, che Delacroix presenta nel 1824 al Salon Officiel, e con La Grèce sur les ruines de Missolonghi due anni dopo, Delacroix partecipa al movimento filellenico. Gli fu assegnata una medaglia di seconda classe e lo Stato acquistò l’opera per 6.000 franchi, che fu poi esposta al Musée du Luxembourg. Il dipinto è stato ispirato da un evento attuale: il massacro della popolazione dell’isola di Chio da parte dei turchi nell’aprile del 1822. Delacroix aveva già l’idea di dipingere un quadro su questo tema, che abbandonò a favore de La barca di Dante. Ha trovato il suo soggetto nel libro Mémoires du colonel Voutier sur la guerre actuelle des Grecs. Lunedì 12 gennaio 1824 pranzò con il colonnello e annotò nel suo diario: “Così è proprio oggi.

Per l’elaborazione del suo dipinto, Delacroix compie ricerche iconografiche presso la Biblioteca Nazionale e ottiene da M. Auguste il prestito di costumi orientali portati dai suoi viaggi in Oriente. Un taccuino utilizzato intorno al 1820-1825 cita la consultazione di Lettres sur la Grèce, di Claude-Étienne Savary, nonché gli schizzi tratti da Mœurs et coutumes turques et orientales dessinés dans le pays, del disegnatore Rosset (1790).

M. Auguste, ex scultore diventato acquerellista e pastellista, ha riportato studi notevoli e tutta una serie di oggetti dai suoi viaggi in Grecia, Egitto, Asia Minore e Marocco: tessuti, costumi, armi e chincaglierie varie. È considerato l’iniziatore dell’orientalismo in Francia. La sua influenza su Delacroix e sulla sua arte fu molto forte, soprattutto tra il 1824 e il 1832, data del suo viaggio in Nord Africa.

Inizia la donna trascinata dal cavallo il 25 gennaio. La modella che ha posato per questo personaggio si chiama Émilie Robert.

La critica, la maggior parte degli artisti e il pubblico accolsero il dipinto con severità. I colleghi di Delacroix, come Girodet, gli rimproverano il suo modo di dipingere e di trascurare il disegno, come aveva fatto Delécluze nel 1822. Gros aveva apprezzato la Barca di Dante; accolse la Scena delle Stragi di Scio, dichiarandola il “Massacro della pittura”. Alcuni critici, sottolineando l’influenza dei Pestiférés de Jaffa di Gros, scrissero che aveva “lavato male la tavolozza di Gros”. Thiers, tuttavia, continuò a sostenerlo con convinzione su Le Constitutionnel: “M. Delacroix ha dimostrato un grande talento, e ha eliminato i dubbi facendo sì che la pittura dei Greci succedesse a quella di Dante”, così come Théophile Gautier e Charles Baudelaire, che gli dedicò una poesia in uno dei suoi salotti. Questo quadro lo pone come portabandiera dei Romantici, che egli deplora, non volendo essere affiliato a nessuna scuola.

Il pittore presentò al Salon anche altri tre dipinti: Tête de vieille femme (Musée des Beaux-Arts d’Orléans) e Jeune orpheline au cimetière (Musée du Louvre) e, fuori catalogo, Le Tasse dans la maison des fous (collezione privata). Tra il 1823 e il 1825 dipinse diversi quadri di greci in costume da palikar (soldati greci che combattevano contro i turchi durante la guerra d’indipendenza) e turchi, alcuni dei quali potrebbero essere stati utilizzati per la Scène des massacres de Scio. Al Salon Officiel, Delacroix ebbe l’opportunità di vedere i dipinti di John Constable esposti dal suo mercante Arrowsmith, tra cui Il carro da fieno (1821, National Gallery, Londra), che fu premiato con la medaglia d’oro. Aneddoticamente, dopo aver visto questo dipinto, decise di rifare il cielo della Scena del massacro di Scio, dopo aver chiesto il permesso al conte de Forbin, direttore dei musei.

In quell’anno Delacroix condivide per qualche tempo lo studio dell’amico Thales Fielding, al 20 di Rue Jacob. Aveva conosciuto i quattro fratelli Fielding grazie al suo buon amico Raymond Soulier, che era cresciuto in Inghilterra e che gli aveva dato lezioni di inglese. È con loro che viene introdotto all’acquerello, una specialità inglese. L’anno successivo si recò in Inghilterra con Talete.

Il periodo di scadenza

Durante il suo viaggio in Inghilterra dal maggio all’agosto 1825, Delacroix visitò Hampstead e l’Abbazia di Westminster, che utilizzò come ispirazione per L’assassinio del vescovo di Liegi (1831, Musée du Louvre). Incontra Sir David Wilkie, pittore di storia, genere e ritratti, e Thomas Lawrence, che vede nel suo studio. Ammirava molto il suo stile e i suoi ritratti e si ispirò al suo ritratto di David Lyon (1825 circa, Museo Thyssen-Bornemisza) per quello del barone di Schwiter (1826-1830, National Gallery, Londra).

Negli anni venti del XIX secolo Delacroix, di sette anni più anziano di lui, incontra per la prima volta Louis-Auguste Schwiter (1805-1889) a casa dell’amico Jean-Baptiste Pierret. Erano molto amici ed entrambi grandi ammiratori del ritrattista inglese. Visitò anche il dottor Samuel Rush Meyrick, un antiquario ben noto per la sua collezione di armi e armature, che studiò con Richard Parkes Bonington, che aveva incontrato nuovamente a Londra. I due uomini condividevano lo stesso gusto per il Medioevo, da cui gli studi congiunti: diversi fogli sono stati successivamente attribuiti l’uno all’altro.

Dal 1826, Delacroix frequenta Victor Hugo e il suo cenacolo. All’inizio si formò un gruppo attorno a Charles Nodier e Alexandre Soumet. Questo primo cenacolo si riunì prima nell’appartamento di Nodier in rue de Provence e poi alla Bibliothèque de l’Arsenal, dove era stato nominato bibliotecario. Il loro comune interesse per il Medioevo ha dato origine allo “stile del trovatore”: Ingres e Delacroix hanno entrambi prodotto piccoli dipinti in questo stile.

Allo stesso tempo, e a partire dal 1823, gli amici di Victor Hugo formarono una sorta di scuola intorno al poeta. Dal 1828 e 1829, questo secondo gruppo divenne il secondo cenacolo, con Hugo che divenne il leader del movimento romantico, al quale aderirono i membri del primo cenacolo. Nel 1830 i rapporti tra Delacroix e Hugo si deteriorano: il poeta lo rimprovera per il suo scarso impegno nel Romanticismo.

Lo stesso giorno, gli Ottomani prendono Missolungi, una roccaforte dell’indipendenza greca. Il 24 maggio, Lebrun ospitò una mostra nella sua galleria per raccogliere fondi a sostegno della causa greca. L’obiettivo era quello di allertare l’opinione pubblica in un momento in cui il governo francese sosteneva la neutralità. Delacroix presenta dapprima Il doge Marino Faliero (Wallace Collection, Londra), Don Giovanni e Un ufficiale ucciso in montagna, che sostituisce in giugno con La lotta di Giaour e Hassan e in agosto con La Grecia sulle rovine di Missolungi (Musée des Beaux-Arts, Bordeaux). Per questa allegoria della Grecia si è ispirato alle antiche Vittorie e alla figura mariana, con il mantello blu e la tunica bianca. Questa interpretazione del soggetto confuse i critici, tranne Victor Hugo.

In questo periodo della sua vita, Delacroix ebbe numerose relazioni amorose con donne sposate, Eugènie Dalton, Alberthe de Rubempré, Elisa Boulanger e Joséphine Forget. Il pittore soggiornò al Castello di Beffes, a casa dell’amico generale Coëtlosquet, dove decorò la camera da letto di Madame Louise Pron, detta Sarah, con affreschi arabescati in stile pompeiano. Dipinse la Natura morta con aragoste, il cui significato, secondo Michèle Hannoosh, è da ricercare nelle caricature anticlericali che il pittore fece in questa occasione del suo amico generale Coëtlosquet come aragosta (bretone) e come Omar (travestito da turco): “Abbé Casse, missionario, prếchant devant le calife Homard”.

Al Salon del 1827-1828, Delacroix espone diverse opere. La critica ha respinto all’unanimità La morte di Sardanapalo (Musée du Louvre). Il 21 marzo, Étienne-Jean Delécluze dichiara nel Journal des débats che si tratta di un errore: “L’occhio non può districarsi nella confusione di linee e colori… Sardanapale è un errore di pittore”, aggiungendo che Delacroix dovrebbe seguire dei corsi di prospettiva, essendo quest’arte per la pittura ciò che l’ortografia è per tutti gli altri. Il giorno dopo, per La Gazette de France, si tratta del “peggior quadro del Salon”. Le Quotidien ha messo in dubbio un'”opera bizzarra” il 24 aprile. Per il critico Vitet “Eugène Delacroix è diventato la pietra dello scandalo delle mostre” e Charles Chauvin nel Moniteur universel, pur riconoscendo un’esecuzione franca e audace e il colore caldo e vivace di Rubens, non capisce “Dove siamo? Su quale terreno si trova la scena? Dove questo schiavo pretende di cavalcare questo cavallo? La maggior parte del pubblico trova questo quadro ridicolo. Che M. Delacroix si ricordi che il gusto francese è nobile e puro e che coltivi Racine piuttosto che Shakespeare”.

Tuttavia, Delacroix non voleva scandalizzare i suoi coetanei, ma piuttosto convincerli del suo genio con i suoi riferimenti all’arte del passato, con la molteplicità delle sue fonti di ispirazione e con la scelta del suo tema nell’antico Oriente.

Lo sfogo che la presentazione del quadro provocò mise in imbarazzo i suoi amici, che non intervennero per difenderlo. Victor Hugo non si schierò pubblicamente dalla sua parte, anche se espresse il suo entusiasmo in una lettera a Victor Pavis del 3 aprile 1828, scrivendo: “Non credere che Delacroix abbia fallito. Il suo Sardanapalus è una cosa magnifica e così gigantesca che sfugge alle piccole vedute”. Il pittore era anche vittima delle buone parole degli umoristi, che non apprezzava, nonostante il suo gusto per i giochi di parole. Questa volta il quadro non fu acquistato e il sovrintendente alle Belle Arti, Sosthène de La Rochefoucauld (che si rifiutò categoricamente di farlo), non volle acquistarlo. La violenza degli attacchi avrebbe fatto precipitare la sua rottura con il movimento romantico. Scrisse che sarebbe stato tenuto lontano dagli incarichi pubblici per cinque anni, ma non fu così e l’anno successivo ne ottenne alcuni.

Ingres, pittore neoclassico, presentò l’Apoteosi di Omero al Salon di quell’anno. Rappresenta la pittura classica, così come Delacroix rappresenta la pittura romantica, e sarà considerato il principale rivale di Delacroix per tutta la sua vita. Attraverso questi due artisti, si confrontano due concezioni opposte della pittura: il disegno e l’annullamento dell’artista dietro il soggetto, per i classici, e il colorito e l’affermazione dell’espressione e del tocco individuale, per i romantici. Con L’apoteosi di Omero e La morte di Sardanapalo, i due artisti affermano le loro dottrine. La disputa sul colore, che oppose i poussinisti e i rubenisti negli anni Settanta del Cinquecento, si rinnovò nel XIX secolo con nuove opposizioni, oltre a quella tra colore e linea. La critica considerava Delacroix il leader dei coloristi fino al XX secolo.

Dopo questo fallimento, Delacroix conservò il dipinto nel suo studio. Nel 1844 decise di metterlo in vendita; nel 1845 un collezionista americano, John Wilson, lo acquistò per 6.000 franchi. Il dipinto fu restaurato da Haro e presentato al pubblico nel 1861. Fu infine acquisito dal Louvre nel 1921.

Il Salon del 1827-1828 fu, insieme all’Esposizione universale del 1855, l’evento più importante per Delacroix in termini di numero di dipinti presentati. In due spedizioni, ha esposto per la prima volta :

Allora sarà :

Nel 1828, Charles Motte, editore di rue des Marais, pubblicò Faust, la tragedia di Goethe tradotta da Philipp Albert Stapfer, illustrata da una suite di 17 litografie di Delacroix. In una lettera da Weimar all’amico Johann Peter Eckermann, Goethe esprime il suo entusiasmo per l’opera e ritiene che Stapfer abbia fatto un buon lavoro nel tradurre le scene che aveva immaginato.

Dopo la visita di Carlo X a Nancy, il 28 agosto 1828 Delacroix fu incaricato dal ministro degli Interni di dipingere un quadro che il re voleva regalare alla città. Completato nel 1831, La morte di Carlo il Temerario o L’Ardito, più comunemente noto come La battaglia di Nancy (Musée des beaux-arts de Nancy), fu esposto al Salon solo nel 1834. Seguono, nel dicembre 1828 o nel gennaio 1829, le commissioni di due dipinti per la duchessa di Berry, vedova del figlio minore del re: Quentin Durward e l’uomo sfregiato (Musée des beaux-arts de Caen) e La battaglia di Poitiers, nota anche come Re Giovanni alla battaglia di Poitiers (Musée du Louvre), completato nel 1830.

Su richiesta del duca Luigi Filippo d’Orléans, Delacroix dipinse un grande quadro (420 × 300 cm) per la sua galleria storica del Palais-Royal, Richelieu disant sa messe (1828) o Le Cardinal de Richelieu dans sa chapelle au Palais-Royal, che fu distrutto durante la Rivoluzione del 1848 e di cui rimane solo una litografia di Ligny nella Storia del Palais Royal di Jean Vatout (1830?).

In gennaio, gli chiede di nuovo un altro quadro ispirato a Walter Scott, L’assassinio del vescovo di Liegi (Musée du Louvre), presentato prima all’Accademia reale nel 1830, poi al Salon del 1831 e infine all’Esposizione universale del 1855 a Parigi e a quella di Londra del 1862. C’è un aneddoto su questo quadro, che riguarda una tovaglia bianca, il punto principale di questa scena, che Delacroix aveva difficoltà a dipingere. Mentre disegnava una sera dall’amico Frédéric Villot, si dice che il pittore si sia dato un ultimatum, dichiarando: “Domani attaccherò questa maledetta tovaglia, che per me sarà Austerlitz o Waterloo”. Ed era Austerlitz. Per l’ossatura della volta, si è ispirato agli schizzi realizzati al Palazzo di Giustizia di Rouen e all’antica Westminster Hall che aveva visitato durante il suo soggiorno a Londra.

A partire dal 1830, Delacroix scrisse cinque articoli di critica d’arte per la Revue de Paris, che Louis Véron aveva fondato l’anno precedente. Il primo, dedicato a Raffaello, è apparso a maggio e il secondo, su Michelangelo, a luglio. Esprime le sue convinzioni estetiche e la sua ammirazione per questi due artisti, che hanno avuto una grande influenza sul suo lavoro.

Le Trois Glorieuses, il 27, 28 e 29 luglio 1830, portarono alla caduta di Carlo X e alla salita al potere di Luigi Filippo. Il 30 settembre, il nuovo governo organizzò tre concorsi per la decorazione della sala delle sedute della nuova Camera dei Deputati, che sarebbe stata ricostruita nel Palais Bourbon. Delacroix entra nelle ultime due competizioni. I temi proposti sono :

La giuria composta da Guérin (1774-1833), Gros e Ingres assegnò il Mirabeau a Hesse, allievo di Gros, e il Boissy d’Anglas a Vinchon, Prix de Rome 1814. Achille Ricourt, scrittore e giornalista, fondatore della rivista L’Artiste, considererà questa decisione un’ingiustizia nei confronti della causa romantica. Louis Boulanger ha scritto: “Il mio pittore è Delacroix. Tutto questo vive, tutto questo si muove, si contorce e accelera il movimento del sangue nelle arterie… È l’accento della natura colto nelle sue qualità più inaspettate, qualità preziose, che sole rivelano il grande pittore, ma che purtroppo troppo spesso lo rivelano a pochi”.

La rivista pubblica anche la lunga “Lettre sur les concours” che Delacroix aveva inviato il 1° marzo 1831, per accentuare la polemica. È un violento atto d’accusa nei confronti delle competizioni, che contrappone i mediocri ai Ruben, ai Raffaello e agli Hoffmann, con un tono pieno di ironia. Il bozzetto realizzato per il secondo soggetto, Mirabeau davanti a Dreux-Brézé, è oggi esposto al Musée national Eugène-Delacroix. Il bozzetto del terzo soggetto, Boissy d’Anglas che guida la rivolta, si trova al Musée des Beaux Arts di Bordeaux.

Nel 1831, Delacroix presentò La Liberté guidant le peuple al Salon, inaugurato il 14 aprile di quell’anno. Il dipinto, indicato come n. 511 nel catalogo del Salon, era intitolato Le 28 juillet ou La Liberté guidant le peuple, titolo che avrebbe mantenuto in seguito. Delacroix dipinse questo quadro per due motivi. Il primo è il suo fallimento al Salon del 1827. Voleva cancellarla e accattivarsi i favori del potere creando un’opera d’arte che rappresentasse le idee liberali che condivideva con il nuovo re francese Luigi Filippo I. Delacroix non era infatti favorevole all’istituzione di una Repubblica, voleva che la monarchia francese fosse una monarchia moderata che rispettasse le libertà ma anche il diritto dei popoli all’autodeterminazione. Inoltre, durante la Rivoluzione dei Tre Gloriosi, Delacroix fu arruolato nelle guardie della collezione del Museo del Louvre. Non ha potuto partecipare a questa rivoluzione. In una lettera del 28 ottobre 1830 al fratello Charles Delacroix, scrive: “Ho intrapreso un soggetto moderno, una barricata, e se non ho vinto per la patria, almeno dipingerò per essa. Questo mi ha messo di buon umore”. In questa lettera, egli indica quindi che si rammarica di non aver partecipato a questa gloriosa rivoluzione e che intende glorificare coloro che l’hanno fatto. La parola “patria” dimostra che per lui il dipinto è un atto patriottico e che il suo obiettivo primario non è tanto quello di compiacere il nuovo re, con il quale aveva precedentemente mantenuto rapporti di amicizia, ma in realtà di glorificare coloro che hanno reso possibile questa rivoluzione. In questo dipinto vuole glorificare il popolo, cioè le classi lavoratrici che hanno eretto barricate e combattuto per porre fine al regno del monarca Carlo X, che voleva ristabilire una monarchia assoluta di diritto divino. La composizione del suo dipinto rivela di per sé questo desiderio di glorificare il popolo. Infatti, tutti i personaggi, ad eccezione della figura femminile allegorica della libertà, provengono dalla classe operaia, cioè dal popolo. La presenza di un bambino al suo fianco rivela inoltre che tutti i cittadini avevano il coraggio di combattere per rovesciare Carlo X. In questo modo fa apparire questo popolo come un grande popolo i cui ideali dovrebbero essere rispettati. Poiché gli ideali liberali erano anche quelli del re Luigi Filippo I, quest’ultimo acquistò il dipinto per 3.000 franchi con l’obiettivo di esporlo nel Palais du Luxembourg.

Il suo dipinto è stato esposto solo per pochi mesi. Hippolyte Royer-Collard, direttore delle Beaux-Arts, lo fece mettere tra le riserve, nel timore che il suo soggetto favorisse le rivolte. Edmond Cavé, suo successore, permise a Delacroix di esporlo nuovamente nel 1839. L’opera fu nuovamente esposta nel 1848, ma poche settimane dopo il pittore fu invitato a ritirarla. Grazie a Jeanron, direttore dei musei, e a Frédéric Villot, curatore del Louvre, La Liberté guidant le peuple è stata trasferita nelle riserve del Musée du Luxembourg. Con il consenso di Napoleone III, fu esposto all’Esposizione Universale del 1855. Il museo del Louvre lo espose in modo permanente a partire dal novembre 1874.

Il suo soggetto evoca le battaglie di strada che si svolsero durante le giornate rivoluzionarie del 27, 28 e 29 luglio, note anche come “Tre giorni gloriosi”. Una giovane donna a petto nudo, con un berretto frigio e una bandiera tricolore in mano, è l’allegoria della Libertà. Marcia armata, accompagnata da un bambino di strada che brandisce pistole. A sinistra del quadro, un giovane in giacca e cravatta e cappello a cilindro tiene in mano un’espingola (fucile a salve con due canne parallele). La leggenda vuole che questo giovane rappresenti Delacroix e che abbia partecipato all’insurrezione. Ci sono diversi motivi per dubitarne, come la testimonianza inattendibile di Alexandre Dumas. Il pittore, di idee bonapartiste, fu al massimo arruolato nella Guardia Nazionale, ripristinata il 30 luglio 1830 dopo essere stata abolita nel 1827, per custodire il tesoro della Corona, che si trovava già al Louvre.

Lee Johnson, specialista britannico di Delacroix, identifica invece il giovane come Étienne Arago, ardente repubblicano e direttore del teatro Vaudeville dal 1830 al 1840. Questa era anche l’opinione di Jules Claregie nel 1880. Per quanto riguarda il bambino di strada, si dice che abbia ispirato Victor Hugo (1802-1885) per il suo personaggio Gavroche, in Les Misérables, pubblicato nel 1862.

La critica ha accolto il dipinto con moderazione. Delécluze scrisse nel Journal des Débats del 7 maggio: “Questo quadro, dipinto con brio, colorato in diverse sue parti con un talento raro, ricorda molto lo stile di Jouvenet”. Altri critici hanno trovato inaccettabile la figura della Libertà, definendola “una pescivendola, una ragazza pubblica, una faubourienne”. Il suo realismo è inquietante: la nudità del busto, la pelosità delle ascelle.

La sua assenza dal museo per anni ne ha fatto un’icona repubblicana. Lo scultore François Rude vi si è ispirato per la sua Partenza dei Volontari sull’Arco di Trionfo dell’Étoile. Nel 1924, il pittore Maurice Denis riprese questo soggetto per decorare la cupola del Petit Palais. È stata utilizzata come manifesto per la riapertura del Museo del Louvre nel 1945 e in seguito ha ornato la vecchia banconota da 100 franchi.

Le dispute tra i classici e i romantici o i moderni infastidivano Delacroix. Il 27 giugno 1831 scrive al pittore Henri Decaisne (1799-1852), anch’egli membro della Société libre de peinture et de sculpture, fondata il 18 ottobre 1830, per adottare una strategia comune di fronte alla potente influenza della Société des Amis des Arts, vicina all’Institut de France (creato nel 1789 e rianimato nel 1817). Su consiglio di Decaisne, contattò Auguste Jal, un importante critico d’arte, per difendere la loro causa su Le Constitutionnel. In una lunga lettera a M. d’Agoult, Ministro degli Interni, per esporre le loro rimostranze, sottolinea i pericoli della separazione degli artisti “ufficiali” dagli altri, il cui talento era spesso maggiore. Il riconoscimento ufficiale arrivò nel settembre 1831 con l’assegnazione della Légion d’honneur.

Nel 1831, Eugène Delacroix accompagnò per sette mesi la missione diplomatica che Luigi Filippo aveva affidato a Charles-Edgar, conte di Mornay (1803-1878) presso il sultano del Marocco (1859). Mornay doveva portare un messaggio di pace e rassicurare il Sultano e gli inglesi, preoccupati dopo la conquista francese dell’Algeria.

Questo viaggio avrebbe avuto un effetto profondo sul pittore. Delacroix scopre l’Andalusia spagnola e il Nord Africa, il Marocco e l’Algeria: i loro paesaggi, la loro architettura, le loro popolazioni musulmane ed ebraiche, i loro costumi, il loro stile di vita e le loro usanze. Il pittore annota instancabilmente, fa disegni e acquerelli, che costituiscono uno dei primi diari di viaggio in cui descrive ciò che scopre. Questo viaggio è stato fondamentale per la sua tecnica e la sua estetica. Portò con sé sette quaderni, che costituiscono il suo diario di viaggio, di cui solo quattro si sono conservati.

In seguito, per tutta la vita, tornò regolarmente sul tema del Marocco in più di ottanta dipinti a tema “orientale”, in particolare Les Femmes d’Alger dans leur appartement (1834, Musée du Louvre), La Noce juive au Maroc (1841, Musée du Louvre), Le Sultan du Maroc (1845, Musée des Augustins de Toulouse).

Questo viaggio, intrapreso a proprie spese, permise a Delacroix, che non era mai stato in Italia, di riscoprire “l’antichità vivente”. La lettera che inviò a Jean-Baptiste Pierret il 29 gennaio è molto eloquente a questo proposito: “Immaginate, amico mio, cosa si prova a vedere le figure consolari, Catone e Bruto, sdraiati al sole, che passeggiano per le strade, che rammendano le loro pantofole, a cui non manca nemmeno l’aria sdegnosa che dovevano avere i padroni del mondo…”.

Grazie a questo viaggio in Nord Africa e al suo soggiorno in Algeria da lunedì 18 a giovedì 28 giugno 1832, Delacroix avrebbe visitato l’harem di un ex re del Dey, che egli evoca nel suo dipinto raffigurante le donne di Algeri nel loro appartamento, del Salon del 1834 (Louvre, cat. n. 163), una scena che riprodurrà a memoria nel suo studio al suo ritorno. Poirel, un ingegnere del porto di Algeri, lo presentò a un ex corsaro che accettò di aprire le porte della sua casa al giovane francese. Delacroix fu trasportato da ciò che vide: “È come ai tempi di Omero, la donna nella ginecea, che ricama tessuti meravigliosi. È la donna come la intendo io.

Grazie a questo viaggio, fu uno dei primi artisti ad andare a dipingere l'”Oriente” dal vero, il che si tradusse, oltre che in numerosi schizzi e acquerelli, in alcune belle tele nel filone delle Femmes d’Alger dans leur appartement, un dipinto che è al tempo stesso orientalista e romantico, essendo l’orientalismo una caratteristica di artisti e scrittori del XIX secolo.

Il 31 agosto 1833, Thiers, all’epoca ministro dei Lavori pubblici, affida a Delacroix la sua prima grande decorazione: la “pittura murale” del salone del re o sala del trono del Palais Bourbon (oggi Assemblea nazionale). Questo insieme, composto da un soffitto con baldacchino centrale circondato da otto cassoni (quattro grandi e quattro piccoli), quattro fregi sopra le porte e le finestre e otto pilastri, gli fu pagato per 35.000 franchi. Lo dipinse a olio su tela marmorizzata, e i fregi a olio e cera direttamente sul muro per ottenere un’opacità più vicina alla tempera. Adottò la stessa tecnica per le lesene dipinte sulle pareti, ma in grisaglia. Portò a termine questa commissione senza collaboratori, ad eccezione degli ornatisti per le decorazioni dorate, in particolare Charles Cicéri.

Nei quattro pannelli principali, l’artista raffigurò quattro figure allegoriche che per lui simboleggiavano le forze vive dello Stato: la giustizia, l’agricoltura, l’industria e il commercio e la guerra. I quattro più piccoli, posti ai quattro angoli della stanza, tra i pannelli principali, sono ricoperti da figure di bambini, con attributi come :

Nei sovramontanti allungati che separano le finestre e le porte, l’artista raffigurò in grisaglia i principali fiumi della Francia (la Loira, il Reno, la Senna, il Rodano, la Garonna e la Saona). Ai lati del trono ha collocato l’oceano e il Mediterraneo, che costituiscono la cornice naturale del Paese. Il suo lavoro fu ben accolto dalla critica, che nel complesso lo riconobbe come un grande decoratore, al pari del Primaticcio o di Medardo Rosso. Per loro, Delacroix ha unito intelligenza e cultura, scegliendo temi adatti allo spazio e al volume del luogo da decorare. La Sala del Trono (oggi Sala Delacroix), dove il re apriva le sedute parlamentari, era in effetti una stanza molto sgradevole da decorare, con una superficie quadrata di circa 11 metri per lato, e doveva essere allestita.

Gli ultimi anni

Nel 1838 presenta al Salon il dipinto Medea, che viene acquistato dallo Stato e donato al Musée des Beaux-Arts di Lille. Nel 1839, Delacroix si reca nelle Fiandre per vedere i quadri di Rubens insieme a Elisa Boulanger, con la quale ha una relazione sentimentale e che conosce da un ballo a casa di Alexandre Dumas nel 1833. Nel 1840 presentò l’Entrata dei crociati a Costantinopoli, ora al Louvre.

Non appena la sua opera fu completata al Salon du Roi, nel settembre 1838 il ministro degli Interni, Camille de Montalivet, gli affidò la decorazione della biblioteca dell’Assemblea Nazionale, ancora oggi al Palais Bourbon. Per questo progetto su larga scala, Delacroix dipinse le cinque cupole e i due cul-de-four della sala di lettura.

Ognuna delle cinque cupole è dedicata a una disciplina, evocata nei pendenti da scene o eventi che l’hanno illustrata: Legislazione al centro, Teologia e Poesia da un lato, Filosofia e Scienze dall’altro.

I due vicoli ciechi che li incorniciano rappresentano la Pace, culla della conoscenza, e la Guerra, che ne è la distruzione:

I lavori si protrassero fino alla fine del 1847, quando la costruzione fu ritardata da vari problemi di salute e da altri lavori paralleli. L’opera fu accolta con entusiasmo dalla critica e contribuì al suo riconoscimento come artista completo nella tradizione rinascimentale italiana.

Contemporaneamente, tra il 1840 e il 1846, gli fu commissionata la decorazione della sala di lettura della biblioteca del Senato nel Palazzo del Lussemburgo a Parigi:

Per realizzare queste grandi commissioni, Delacroix aprì nel 1841 un atelier con allievi, assistenti che dovevano adottare la scrittura del pittore in totale abnegazione. Erano incaricati di creare gli sfondi e le grisaglie, come raccontano Lasalle-Borde e Louis de Planet.

Nel 1850, Delacroix fu incaricato di dipingere la decorazione centrale della Galerie d’Apollon del Louvre, dove presentò Apollo che conquista il serpente Pitone. Nel 1851 la città di Parigi gli commissionò la decorazione del Salon de la Paix dell’Hôtel de Ville, distrutto da un incendio nel 1871.

Champrosay

A partire dal 1844, Delacroix affitta un “bicoque” o cottage a Draveil, in una località chiamata Champrosay, dove fa installare uno studio di 10 m2. In piena campagna, raggiungibile in treno, Delacroix venne a riposare lontano da Parigi, dove imperversava il colera. Lì poté, accompagnato dalla governante Jenny, che lo aveva raggiunto intorno al 1835, fare lunghe passeggiate in campagna per curare la sua tubercolosi. Acquistò la casa nel 1858. Ha lavorato a numerosi paesaggi e a diverse vedute di Champrosay a pastello (Museo del Louvre) e a olio (Museo di Le Havre). Realizza molti dipinti a memoria seguendo i suoi appunti e taccuini dal Marocco, interpretando scene antiche in stile orientale. Il suo lavoro diventa più intimo, i piccoli dipinti vengono venduti dai commercianti parigini. Visita regolarmente la costa normanna a Étretat, Fécamp e soprattutto Dieppe, dove dipinge acquerelli e pastelli. Dipinge anche nature morte, spesso fiori immaginari, come i gigli gialli a cinque petali. Il suo rapporto con George Sand, sebbene stretto, si fa più distante. Dopo aver dipinto un ritratto dello scrittore nel 1834, Delacroix si reca regolarmente a Nohant-Vic dove dipinge un’Educazione della Vergine per la chiesa di Nohant. Le offrì un mazzo di fiori in un vaso sopra il suo letto, ma quando lei si innamorò di Alexandre Manceau, incisore e allievo di Delacroix, quest’ultimo si indignò, soprattutto perché si opponeva alla rivoluzione del 1848, di cui Sand era stato uno dei protagonisti. Nel 1844, il prefetto Rambuteau commissionò una Pietà per la chiesa di Saint-Denys-du-Saint-Sacrement a Parigi. In 17 giorni realizzò il suo capolavoro, che lascia “un profondo solco di malinconia”, come disse Baudelaire.

A partire dagli anni Cinquanta del XIX secolo, Delacroix si interessa alla fotografia. Nel 1851 fu membro fondatore della Société héliographique. Utilizzò lastre di vetro e nel 1854 commissionò al fotografo Eugène Durieu una serie di fotografie di modelli di nudo maschile e femminile. Delacroix impose criteri particolari per la realizzazione di queste fotografie in vista del loro riutilizzo, in particolare immagini volutamente leggermente sfocate e lo spoglio più completo. Affascinato dall’anatomia umana, Delacroix scrisse nel suo diario: “Guardo con passione e senza fatica queste fotografie di uomini nudi, questo mirabile poema, questo corpo umano sul quale sto imparando a leggere e la cui vista mi dice più delle invenzioni degli scrittori.

Queste fotografie, commissionate da Delacroix a Durieu, così come quasi tutti i disegni realizzati a partire da esse, sono state esposte al Musée national Eugène-Delacroix con il sostegno della Bibliothèque nationale de France. Il ricongiungimento di queste fotografie e dei disegni che hanno ispirato appare fondamentale per comprendere la tensione nell’uso del mezzo fotografico nell’opera di Delacroix, a metà strada tra l’esaltazione della scoperta di uno strumento prezioso e lo scetticismo del pittore, che lo percepiva solo come un elemento strumentale, lontano dal poter competere con la pittura.

Finché la domanda da parte dei collezionisti rimase bassa, la sua carriera dipendeva dalle commissioni ufficiali. Per ottenere il favore delle autorità, frequentava tutti i circoli politici alla moda e non rifiutava mai una visita che potesse rivelarsi fruttuosa. Per tutta la vita, ad eccezione degli ultimi anni segnati dalla malattia, Delacroix condusse un’intensa vita sociale ma ne soffrì, ottemperando a questi obblighi per ottenere commissioni. Fece anche regolarmente delle cure termali a Bad-Ems nel 1861 e a Eaux-Bonnes nel 1845, dove redasse un diario di viaggio. Amava ritirarsi nella sua casa di campagna a Champrosay, vicino alla foresta di Sénart, soprattutto a partire dagli anni Quaranta del XIX secolo.

Nel 1851 fu eletto consigliere comunale di Parigi. Rimase in questa posizione fino al 1861. Approva il metodo di apprendimento del disegno “per imparare a disegnare correttamente e a memoria” di Madame Marie-Elisabeth Cavé.

Delacroix trovò il sostegno della stampa, delle riviste d’arte e di alcuni critici dell’epoca.

Così Baudelaire ritiene che il pittore non sia solo “un eccellente disegnatore, un prodigioso colorista, un compositore ardente e fertile, tutto ciò che è ovvio”, ma che “esprima soprattutto la parte più intima del cervello, l’aspetto sorprendente delle cose”. Un quadro di Delacroix “è l’infinito nel finito”. È “il più suggestivo di tutti i pittori” perché traduce “con il colore quella che si potrebbe chiamare l’atmosfera del dramma umano”.

Adolphe Thiers scrisse diversi articoli elogiativi sul Constitutionnel, in particolare in occasione dell’esposizione dei Massacri di Scio.

Théophile Gautier non esitò a criticare alcuni dipinti, ma nel corso degli anni la sua ammirazione non venne mai meno. “M. Delacroix comprende perfettamente la portata della sua arte, perché è un poeta oltre che un uomo di esecuzione. Non fa tornare la pittura alle puerilità gotiche né alle scemenze pseudo-greche. Il suo stile è moderno e corrisponde a quello di Victor Hugo in Les Orientales: è lo stesso ardore e lo stesso temperamento”.

Victor Hugo era molto meno convinto. Una volta disse, come riportato dal figlio Charles: Delacroix “ha tutto, tranne uno; gli manca ciò che gli artisti supremi, pittori o poeti, hanno sempre cercato e trovato: la bellezza”. Aggiunse che in tutta la sua opera non c’era una sola donna veramente bella, ad eccezione degli angeli che Hugo vedeva come donne nel Cristo nell’Orto degli Ulivi e di un busto femminile (senza specificare quale) delle Scene dei massacri di Scio. Secondo l’autore, i personaggi femminili di Delacroix sono caratterizzati da ciò che egli definisce, con un audace ossimoro, “squisita bruttezza”, come illustrato in particolare dalle Femmes d’Alger dans leur appartement.

Alexandre Dumas è d’accordo con Hugo quando scrive del pittore: “vede piuttosto il brutto che il bello, ma la sua bruttezza è sempre poetata da un sentimento profondo. Vede in lui “un pittore nel pieno vigore del termine, pieno di difetti impossibili da difendere, pieno di qualità impossibili da contestare”. Da qui la virulenza delle opinioni inconciliabili su di lui, perché, aggiunge, “Delacroix è un fatto di guerra e un caso di guerra. Doveva avere solo fanatici ciechi o acerrimi detrattori”.

Il suo genio fu riconosciuto solo tardivamente dai circoli pittorici ufficiali. Trionfò solo nel 1855 all’Esposizione Universale. In questa occasione, Ingres espone quaranta dipinti e Delacroix trentacinque, una sorta di retrospettiva che comprende alcuni dei suoi più grandi capolavori in prestito da vari musei. È stato presentato come l’uomo che ha saputo andare oltre la formazione classica per rinnovare la pittura. Il 14 novembre 1855 fu nominato Commendatore della Legione d’Onore e ricevette la Grande Medaglia d’Onore all’Esposizione Universale. Fu eletto all’Institut de France solo il 10 gennaio 1857, dopo sette candidature non accolte, in quanto Ingres si oppose alla sua elezione. Non fu del tutto soddisfatto, poiché l’Accademia non gli assegnò il posto di professore di Belle Arti che aveva sperato. Intraprese poi un Dictionnaire des Beaux-Arts che non portò a termine.

Tuttavia, i critici sono sempre così severi con lui, come scrive Maxime Du Camp nella sua recensione dell’Exposition Universelle: “M. Decamps è un saggio democratico, un rivoluzionario convinto, che, facendo gran parte del presente, ci mostra nel futuro splendori consolanti e fortificanti. M. Eugène Delacroix è un demagogo senza scopo né causa che ama il colore per il colore, cioè il rumore del rumorista. Ammiriamo con rispetto M. Ingres; crediamo a M. Decamps, che ha tutte le nostre simpatie; non ci piace M. Delacroix. Nel 1859 partecipa al suo ultimo Salon. Ha esposto in particolare La salita al Calvario, Il rapimento di Rebecca e Amleto. Secondo Philippe Burty, il Salon è la Waterloo del pittore. In difesa del pittore, Baudelaire scrisse un articolo apologetico per la Revue française, “Salon de 1859”, che si concludeva con le seguenti parole: “Disegnatore eccellente, colorista prodigioso, compositore ardente e fertile, tutto questo è ovvio, tutto questo è stato detto. Ma perché produce la sensazione di novità? Cosa ci dà in più rispetto al passato? Grande come il grande, abile come l’abile, perché ci attrae di più? Si potrebbe dire che, dotato di un’immaginazione più ricca, esprime soprattutto la parte più interna del cervello, l’aspetto sorprendente delle cose, tanto la sua opera conserva fedelmente l’impronta e lo stato d’animo della sua concezione. È l’infinito nel finito. È il sogno! E con questa parola non intendo il capriccio della notte, ma la visione prodotta da un’intensa meditazione o, nei cervelli meno fertili, da uno stimolante artificiale. In una parola, Eugène Delacroix dipinge soprattutto l’anima nelle sue ore più belle. Delacroix rispose al poeta in una lettera rimasta famosa: “Come posso ringraziarvi degnamente per questa nuova prova della vostra amicizia? Mi trattate come si trattano i grandi morti; mi fate arrossire pur piacendomi molto; siamo fatti così.

Nel 1849 Delacroix fu incaricato di dipingere tre affreschi per la Cappella degli Angeli nella chiesa di Saint-Sulpice a Parigi, lavoro che portò avanti fino al 1861. Questi affreschi, Le Combat de Jacob et l’Ange e Héliodore chassé du temple accompagnato dalla lanterna sul soffitto di Saint Michel terrassant le Dragon, sono il testamento spirituale del pittore. Per produrli, il pittore si trasferisce in rue Furstenberg, a pochi passi di distanza. Sviluppò un processo basato su cera e colori a olio per dipingere i suoi affreschi in una chiesa con un’umidità endemica che causava la distruzione degli affreschi a causa del salnitro. Era malato e sfinito dal lavoro al freddo e in condizioni difficili. All’inaugurazione degli affreschi non erano presenti funzionari.

L’affresco della lotta dell’angelo e di Giacobbe illustra la lotta tra il patriarca della Bibbia e l’angelo al centro a sinistra dell’affresco, ai piedi di tre alberi, e contiene molte allusioni al suo viaggio in Marocco nel 1832; a destra sono menzionate figure in turbante con pecore e un cammello. A destra, in fondo all’affresco, ci sono oggetti marocchini e sull’erba ai piedi di Giacobbe, la spada marocchina Nimcha che ha portato con sé dal suo viaggio.

Completato nel 1860, l’affresco di Eliodoro scacciato dal tempio riprende il momento in cui il generale seleucide, venuto a rubare il tesoro del Tempio, viene scacciato da angeli cavalieri, seguendo il racconto biblico del secondo libro dei Maccabei (3, 24-27). Delacroix unisce il mondo orientale e quello biblico in un’unica visione. Si è anche ispirato alla storia della pittura nella versione del 1725 di Francesco Solimena al Louvre o a quella di Raffaello.

Sul soffitto è raffigurata la battaglia vittoriosa di San Michele contro il drago, tre battaglie che riecheggiano quelle di Delacroix con la pittura: “La pittura mi infastidisce e mi tormenta in mille modi, come la padrona più esigente; da quattro mesi fuggo fin dal primo mattino e corro verso quest’opera incantevole, come ai piedi della padrona più cara; ciò che da lontano mi sembrava facile da superare mi presenta ora difficoltà orribili e incessanti. Ma perché questa eterna lotta, invece di abbattermi, mi solleva, invece di scoraggiarmi, mi consola e riempie i miei momenti, quando l’ho lasciata?

Nel 1861, Baudelaire pubblicò un articolo entusiasmante sui dipinti di Saint-Sulpice, al quale Delacroix rispose con una calorosa lettera al poeta. Nel 1863 Baudelaire pubblicò L’œuvre et la vie d’Eugène Delacroix, in cui rese omaggio al genio del pittore.

Fine vita

Nel 1862 riprende il tema di Medea.

Ma i suoi ultimi anni furono rovinati da una salute cagionevole, che lo fece sprofondare in una grande solitudine. I suoi amici accusano Jenny di aver nutrito un sentimento emotivo, geloso ed esclusivo, perfino di interesse personale, rafforzando la sua diffidenza e il suo carattere ombroso.

Morì “tenendo per mano Jenny” alle 7 di sera per un attacco di emottisi dovuto alla tubercolosi il 13 agosto 1863, al numero 6 di rue de Furstemberg a Parigi, l’appartamento-studio dove si era trasferito nel 1857. È sepolto nel cimitero di Père-Lachaise, divisione 49. La sua tomba, un sarcofago in pietra volsca, è, per suo desiderio, copiata dall’antico poiché la sua forma riproduce fedelmente il modello antico della tomba detta di Scipione. È stato costruito dall’architetto Denis Darcy.

Il suo amico, il pittore Paul Huet, ha tenuto il suo elogio funebre, che ha aperto con le parole di Goethe: “Signori. I morti se ne vanno in fretta”, che Delacroix amava citare. Designato erede da Delacroix, riceve la collezione di litografie di Charlet, i dipinti di Monsieur Auguste e gli schizzi di Portelet, ma non ricevendo alcun souvenir, disegno o dipinto di Delacroix, partecipa alla vendita dell’atelier nel 1864, dove acquista, tra le altre cose, una testa di cavallo, figura accademica.

Altri artisti contemporanei gli hanno reso un vibrante omaggio, in particolare Gustave Courbet. Nei suoi Principes de l’art pubblicati nel 1865, Pierre-Joseph Proudhon riassumeva: “Capo della scuola romantica, come David lo era stato della scuola classica, Eugène Delacroix è uno dei più grandi artisti della prima metà del XIX secolo. Non avrebbe avuto eguali, e il suo nome avrebbe raggiunto il più alto grado di fama, se alla passione dell’arte e alla grandezza del talento avesse unito la chiarezza dell’idea”.

Quando morì, lasciò a Jenny 50.000 franchi, ma anche due orologi, ritratti in miniatura di suo padre e dei suoi due fratelli, e specificò persino che lei avrebbe dovuto scegliere tra i mobili dell’appartamento per “mettere insieme i mobili per un piccolo appartamento adatto”. Mise “da parte” i quaderni del diario dall’esecutore testamentario, A. Piron, e li fece modificare. Piron e li ha fatti pubblicare. Morì il 13 novembre 1869 in rue Mabillon a Parigi e fu sepolta accanto al pittore secondo le sue volontà.

Eugène Delacroix aveva partecipato alla creazione, nel 1862, della Société nationale des beaux-arts, lasciando che l’amico scrittore Théophile Gautier, che lo aveva fatto conoscere nel cenacolo romantico, ne diventasse il presidente con il pittore Aimé Millet come vicepresidente. Oltre a Delacroix, il comitato comprendeva i pittori Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Pierre Puvis de Chavannes e tra gli espositori Léon Bonnat, Jean-Baptiste Carpeaux, Charles-François Daubigny, Laura Fredducci, Gustave Doré e Édouard Manet. Dopo la sua morte, la Société Nationale des Beaux-Arts organizzò una mostra retrospettiva dell’opera di Delacroix nel 1864. Nello stesso anno, Henri-Fantin Latour dipinse il suo Hommage à Delacroix, un ritratto di gruppo di dieci artisti dell’avanguardia parigina (tra cui Charles Baudelaire, James Whistler e Edouard Manet). Per questi artisti moderni, questa pittura è un modo per rivendicare una certa parentela con Delacroix (nella misura in cui il suo stile affermava già una certa libertà dai precetti dell’accademia).

Vero e proprio genio, ha lasciato molte opere impegnate, spesso legate all’attualità (I massacri di Scio o La libertà che guida il popolo). Dipinse anche alcuni quadri a tema religioso (La crocifissione, La lotta di Giacobbe con l’angelo, Cristo sul lago di Gennesaret, ecc.), anche se talvolta si dichiarò ateo. In tutti i campi del suo tempo, rimane il simbolo più evidente della pittura romantica.

Lo studio e le collezioni del pittore furono venduti in tre giorni nel febbraio 1864 con un successo strepitoso.

Nel 1930, in occasione del centenario del Romanticismo, Élie Faure chiarì questo termine attribuito a Delacroix. Delacroix è, secondo lui, più classico di Ingres: “È facile dimostrare che Ingres, con le sue deformazioni più arbitrarie che espressive e la sua mancanza di comprensione dell’ordine razionale di una composizione, è al tempo stesso più romantico e meno classico, nonostante le sue qualità realistiche e sensuali, di Delacroix, Barye o Daumier”. La definizione della parola “romantico” in pittura dovrebbe essere ampliata, sempre secondo Élie Faure: “I più grandi dei nostri classici sono romantici prima della lettera, come lo erano i costruttori di cattedrali quattro o cinque secoli prima. E con il passare del tempo, ci rendiamo conto che Stendhal, Charles Baudelaire, Barye, Balzac e Delacroix prendono naturalmente posto accanto a loro. Il Romanticismo, in verità, potrebbe ridursi a definirsi solo per l’eccesso di salienza, che è il principio dell’arte stessa e della pittura soprattutto. Ma dove inizia e dove finisce questo eccesso? Con genialità, appunto. Sarebbero quindi i cattivi romantici a definire il romanticismo.

L’opera di Delacroix ha ispirato molti pittori, come il divisionista Paul Signac e Vincent van Gogh. I suoi dipinti mostrano una grande padronanza del colore.

Édouard Manet copia diversi dipinti di Delacroix, tra cui La barca di Dante.

Già nel 1864, Henri Fantin-Latour presentò al Salon un Omaggio a Delacroix, un quadro in cui si vedono Baudelaire, Édouard Manet, James Whistler… riuniti intorno a un ritratto del pittore.

Paul Signac pubblica nel 1911 De Delacroix au néo-impressionnisme, in cui fa di Delacroix il padre e l’inventore delle tecniche cromatiche divisioniste dell’Impressionismo. Numerosi pittori rivendicarono Delacroix come proprio, tra i più importanti Paul Cézanne, che copiò Bouquets de Fleurs e Médée. Dipinge persino un’Apoteosi di Delacroix (1890-94) in cui i pittori di paesaggi pregano il maestro in cielo. Ha dichiarato a Gasquet, davanti alle donne di Algeri nel loro appartamento: “Siamo tutti in questo Delacroix”. Degas, che dichiarò di voler combinare Ingres e Delacroix, copiò i Bouquets de fleurs di Delacroix in suo possesso. Degas possedeva 250 dipinti e disegni di Delacroix. Claude Monet, che si ispirò alle vedute della Manica da Dieppe per i suoi dipinti, possedeva Falaises près de Dieppe.

Maurice Denis e i Nabis avevano una grande ammirazione per Delacroix, sia per il suo lavoro che per il suo atteggiamento nei confronti della vita, come si può leggere nel suo diario. Maurice Denis ha avuto un ruolo decisivo nel salvare lo studio del pittore. Negli anni Cinquanta Picasso realizza una serie di dipinti e disegni basati su Des femmes d’Alger dans leur appartement.

Questa influenza sulle generazioni successive lo ha reso uno dei padri dell’arte moderna e della ricerca contemporanea, mentre Robert Motherwell ha tradotto la rivista in inglese.

Una sottoscrizione pubblica ha permesso l’installazione di un monumento di Jules Dalou nei Giardini del Lussemburgo a Parigi.

Molte opere di Eugène Delacroix sono state utilizzate per oggetti francesi di uso quotidiano:

In astronomia, Delacroix, un asteroide nella fascia principale degli asteroidi, e Delacroix, un cratere sul pianeta Mercurio, sono chiamati in suo onore (10310).

Temi letterari

La maggior parte delle opere di Delacroix sono ispirate alla letteratura. Questo era già il caso della sua Barca di Dante. Così come il suo Sardanapalo, ispirato a una poesia di Byron; così come la sua Barca di Don Giovanni, tratta da un’altra poesia di Byron; e così come molti altri dipinti che provengono direttamente dalle opere di Shakespeare, Goethe o altri scrittori, tra cui Walter Scott, Dante e Victor Hugo. I pirati africani che rapiscono una giovane donna al Louvre sono probabilmente ispirati a uno dei suoi Orientali (la Canzone dei pirati).

Temi religiosi

Nel corso della sua carriera ha eseguito anche una serie di dipinti religiosi:

Iniziato nel 1822, interrotto nel 1824, ripreso nel 1847 fino alla sua morte nel 1863, il diario di Delacroix è il capolavoro letterario del pittore. In esso annotava, giorno dopo giorno, i suoi pensieri sulla pittura, la poesia e la musica, nonché sulla vita parigina e politica della metà del XIX secolo. In lunghi taccuini annota le discussioni con George Sand, con la quale ebbe una profonda amicizia e divergenze politiche, le passeggiate con le sue amanti, tra cui la baronessa Joséphine de Forget, di cui fu amante per circa vent’anni, e gli incontri artistici con Chopin, Chabrier, Dumas, Géricault, Ingres e Rossini… Si tratta di un resoconto quotidiano non solo della vita del pittore, delle sue preoccupazioni, dei progressi dei suoi dipinti, della sua malinconia e dell’evoluzione della sua malattia (la tubercolosi), che evitava di mostrare a chi gli era vicino, tranne che alla sua governante e confidente Jenny Le Guillou, poiché Delacroix non era mai stato sposato, con la quale, con il passare degli anni, si instaurò un rapporto di coppia, lontano dalla vita dell’alta società, con l’uno che proteggeva l’altra. Giovedì 4 ottobre 1855, leggiamo: “Non posso esprimere il piacere che ho avuto nel rivedere Jenny. Povera cara donna, la piccola figura magra ma gli occhi scintillanti di felicità con cui parlare. Torno a piedi con lei, nonostante il maltempo. Sono da diversi giorni, e probabilmente lo sarò per tutto il mio soggiorno a Dieppe, sotto l’incantesimo di questa riunione con l’unico essere il cui cuore è mio senza riserve. La prima edizione del Diario di Delacroix è stata pubblicata da Plon nel 1893 e rivista nel 1932 da André Joubin, quindi ripubblicata nel 1980 con una prefazione di Hubert Damisch presso lo stesso editore. Solo nel 2009 Michèle Hannoosh ha pubblicato una monumentale versione critica, corretta sui manoscritti originali e arricchita da recenti scoperte.

A Delacroix si deve anche la stesura di un Dictionnaire des Beaux-Arts, assemblato e pubblicato da Anne Larue, e di articoli sulla pittura.

(elenco non esaustivo)

Delacroix aveva aperto un corso nel 1838 in rue Neuve-Guillemin, che fu trasferito in rue Neuve-Bréda nel 1846. Secondo Bida, il corso era essenzialmente “sull’ordine della composizione”.

Disegni e incisioni

Secondo Alfred Robaut, Eugène Delacroix ha lasciato 24 incisioni e 900 litografie.

Nel 1827, l’editore e litografo Charles Motte lo convinse a illustrare la prima edizione francese del Faust di Johann Wolfgang von Goethe.

“È con i Romantici francesi della seconda generazione, quella razza di artisti di alto livello e di grandi ambizioni, come Delacroix e Berlioz, con un fondo di malattia, qualcosa di congenitamente incurabile, veri fanatici, dell’espressione, virtuosi fino al midollo…”

– Nietzsche, Ecce Homo, Œuvres philosophiques complètes, Gallimard 1974 p.  267

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Fonti

  1. Eugène Delacroix
  2. Eugène Delacroix
  3. Inscrite à l’Inventaire Supplémentaire des Monuments Historiques depuis 1973[2]. Elle a été transformée en bâtiment municipal en 1988 et abrite désormais la médiathèque de Saint-Maurice au 29, rue du Maréchal-Leclerc à Saint-Maurice.
  4. C’est l’opinion de Jean Orieux[10].
  5. A.B. Imbert Delonnes, Opération de sarcocèle faite le 27 fructidor an V au citoyen Charles Delacroix, Paris, gouvernement de la République française, an vi (1798) (lire en ligne). Du grec sarkos, chair et de kêlê, tumeur. La tumeur du testicule gauche, de 35 cm de long, avait atteint 32 livres (14 kg) et avait absorbé le reste de l’appareil génital qui apparaissait semblable « à un second nombril ».
  6. Auteur de Souvenirs, dans le chapitre « Berryer. Un séjour à Augerville en 1840 », elle présente Delacroix dans les pages 36 à 42, concluant par cette paternité supposée. Le peintre figure ensuite comme protagoniste des conversations de salon jusqu’à la page 54[13].
  7. Maintenant décédé, ex-inspecteur général honoraire des Musées et ex-conservateur en chef honoraire du Cabinet des dessins au musée du Louvre et du musée Eugène-Delacroix, ex-professeur à l’École du Louvre et aux cours de Civilisation française de la Sorbonne.
  8. ^ Jones, Daniel (2011). Roach, Peter; Setter, Jane; Esling, John (eds.). Cambridge English Pronouncing Dictionary (18th ed.). Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-15255-6.
  9. ^ Clark, Kenneth, Civilisation, page 313. Harper and Row, 1969.
  10. ^ Wellington, Hubert, The Journal of Eugène Delacroix, introduction, page xiv. Cornell University Press, 1980. ISBN 0-8014-9196-7
  11. ^ «Géricault allowed me to see his Raft of Medusa while he was still working on it. It made so tremendous an impression on me that when I came out of the studio I started running like a madman and did not stop till I reached my own room», (EN) Jonathan Miles, The Wreck of the Medusa: The Most Famous Sea Disaster of the Nineteenth Century, Atlantic Monthly Press, 2008, pp. 175-176, ISBN 978-0-8021-4392-1.
  12. «Eugene Delacroix». HA!. Consultado el 15 de mayo de 2020.
  13. «Eugène Delacroix. Biografía». www.arteespana.com. Consultado el 15 de mayo de 2020.
  14. «Delacroix, Eugène». Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Consultado el 15 de mayo de 2020.
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