Clyfford Still

Riassunto

Clyfford Elmer Still è stato un pittore americano della metà del XX secolo. È stato uno dei membri fondatori dell”Espressionismo astratto negli Stati Uniti. È nato il 30 novembre 1904 a Grandin, nel Nord Dakota, ed è morto il 23 giugno 1980 a New York. Dal 2011 gli è stato dedicato un museo a Denver (Colorado).

Clyfford Still apparteneva al piccolo gruppo originario degli Espressionisti astratti insieme a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Franz Kline, Philip Guston, Arshile Gorky, Robert Motherwell e Adolph Gottlieb. Fu vicino a Pollock nella prima generazione dell”Espressionismo astratto e sviluppò presto un nuovo approccio alla pittura attraverso l”astrazione, iniziando nel 1944 con opere di grandi dimensioni (tra cui 1944-N No. 2, noto anche come Red Flash on Black Field, olio su tela, 264,8 × 221,6 cm, MoMA, The Sidney and Harriet Janis Collection, 1967). Per tutta la vita ha esposto o venduto raramente i suoi dipinti.

Still è nato nel 1904 a Grandin, nel North Dakota, e ha trascorso la sua infanzia negli Stati Uniti nord-occidentali, a Spokane, Washington D.C. e a Bow Island, nel sud dell”Alberta, in Canada. Nel 1925 si reca a New York e studia brevemente all”Art Students League. Ha frequentato l”Università di Spokane dal 1926 al 1927 e vi è tornato nel 1931 grazie a una borsa di studio, laureandosi nel 1933. Nell”autunno del 1933 è stato borsista e successivamente membro della facoltà del Washington State College (oggi Washington State University), dove ha conseguito il Master of Fine Arts nel 1935. Insegnò lì fino al 1941.

Trascorse le estati del 1934 e del 1935 alla Fondazione Trask (ora Yaddo) di Saratoga Springs, New York. Nel 1937, insieme al collega di Washington Worth Griffin, Still ha co-fondato la Nespelem Art Colony (tra cui Untitled (Indian Houses, Nespelem) (1936)), che ha prodotto centinaia di ritratti e paesaggi che ritraggono la vita dei nativi americani nella riserva indiana di Colville (Stato di Washington) durante le quattro estati del ”37-”40. Con uno stile documentaristico, annota i colori degli abiti degli indiani), e realizza studi più liberi in una tavolozza che ricorderà per molti anni.

Nel 1941 si trasferisce ancora nella Bay Area di San Francisco, dove lavora in varie industrie belliche e contemporaneamente si dedica alla pittura. Nel 1943 tiene la sua prima mostra personale al San Francisco Museum of Art (oggi San Francisco Museum of Modern Art). Dal 1943 al 1945 ha insegnato al Richmond Professional Institute (RPI), oggi Virginia Commonwealth University, e poi a New York City.

Nel 1944 realizza due dipinti dalle caratteristiche formali molto simili: 1944-N n. 1 e 1944-N n. 2, di grande formato (il primo 266 × 233 cm), astrazione e spatola in un impasto denso che crea una texture irregolare: grandi effetti di vernice nera

1946: Mark Rothko, che Still aveva conosciuto in California nel 1943, lo presenta a Peggy Guggenheim, che all”inizio del 1946 gli dedica la prima mostra personale nella sua galleria, The Art of This Century Gallery. L”anno successivo Peggy Guggenheim chiude la sua galleria e Still, insieme a Rothko e ad altri espressionisti astratti, si unisce alla Betty Parsons Gallery. Vi ha tenuto tre mostre (1947, 1950, 1951). Tornò a San Francisco, dove divenne un insegnante molto influente presso la California School of Fine Arts (oggi San Francisco Art Institute), dove insegnò dal 1946 al 1950. Ha tenuto una mostra al California Palace of the Legion of Honor di San Francisco (1947). Nel 1948, con Rothko, gettò le basi di quello che sarebbe diventato il Soggetto dell”Accademia degli Artisti, un think tank collettivo e un club di artisti che invitava i relatori a tenere conferenze che venivano discusse e dibattute. Clyfford Still si trasferisce a San Francisco per due anni prima di tornare a New York.

Anni Cinquanta: nel 1950 si trasferisce a New York, dove rimane per la maggior parte del decennio. È l”apice dell”Espressionismo astratto, ma l”artista evita di associarsi alla Scuola di Astrattismo di New York. È in questo periodo che diventa sempre più critico nei confronti del mondo dell”arte. Fa parte di un gruppo di “irascibili” (quasi tutti espressionisti astratti) che nel 1950 protestano (in una riunione a Subjects of the Artist) contro il disprezzo in cui sono tenuti dal Metropolitan Museum of Art, che sta preparando la sua prima mostra di arte americana con una giuria che mostra il suo disprezzo per l”astrazione americana. La foto degli “irascibili”, poi pubblicata su Life, li rese universalmente famosi pubblicizzando l”Espressionismo astratto. In quel periodo, più di tutti gli altri del gruppo, Still insiste sull”unicità del proprio lavoro all”interno del gruppo, segna oltre al disprezzo per alcuni dei suoi colleghi, e infine le sue crescenti richieste di riconoscimento lo escludono dal mondo dell”arte di New York. All”inizio degli anni Cinquanta, Still rompe i legami con le gallerie commerciali. Una retrospettiva dell”opera di Still si è tenuta alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, New York, nel 1959.

1961: si trasferisce in una fattoria di 22 acri vicino a Westminster, nel Maryland, ritirandosi dal mondo dell”arte e potendo lavorare in solitudine. Ha sempre utilizzato un fienile come studio nella proprietà durante i mesi più caldi. Nel 1966, Still e la sua seconda moglie acquistarono una casa di un quarto di metro quadro al 312 di Church Street a New Windsor, nel Maryland, a circa otto miglia dalla loro fattoria, dove visse fino alla sua morte.

Negli anni Sessanta ha tenuto diverse mostre personali (Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Philadelphia (1963) e Marlborough-Gerson Gallery, New York (1969-70)). Nel 1972 riceve l”Award of Merit for Painting dall”American Academy of Arts and Letters, di cui diventa membro, e nel 1975 la Skowhegan Medal for Painting. Nel 1975, un gruppo di suoi dipinti è stato esposto in modo permanente al Museo d”Arte Moderna di San Francisco. Infine, nel 1980 gli è stata dedicata una mostra al Metropolitan Museum of Art.

Tra i primi dipinti dell”espressionismo astratto, July 1945-R (per un certo periodo chiamato Quicksilver) evoca un fulmine, una linea bianca verticale irregolare su uno sfondo scuro o nero. In una lettera del 1950, parla di un lampo che ha provocato in lui una “rivelazione”, anche se non è chiaro che tipo di rivelazione fosse.

Considerato ancora oggi uno dei pittori più importanti del movimento pittorico Color Field, i suoi dipinti non figurativi sono anche non oggettivi e riguardano in gran parte la giustapposizione di colori e superfici diverse in varie configurazioni. A differenza di Mark Rothko o Barnett Newman, che organizzavano i loro colori in modo relativamente semplice (Rothko come rettangoli nebulosi, Newman come linee sottili su vasti campi di colore piatti), le disposizioni di Still sono meno regolari. Le sue esplosioni di colore frastagliato danno l”impressione che uno strato di colore sia stato “strappato” dal dipinto, rivelando i colori sottostanti. Un altro punto di differenza con Newman e Rothko è il modo in cui la pittura viene stesa sulla tela; mentre Rothko e Newman utilizzano colori piuttosto piatti e una pittura relativamente sottile, Still utilizza un impasto spesso, producendo un”ampia varietà di spessori sottili e toni scintillanti, che catturano la luce reale. Nel 1947 inizia a lavorare nel grande formato che amplierà e modificherà nel corso della sua carriera: un campo di colori, in grande formato, applicati con le spatole, che creano effetti di luce e di materia strutturata.

Attraverso questi effetti materici, con un”alta percentuale di olio o con un materiale a grana secca molto visibile, Still crea superfici “tettoniche” con le sue spatole, che a volte catturano la luce e altrove la assorbono completamente, come buchi neri.

A differenza della maggior parte degli artisti visivi dell”epoca, Still macina e prepara i propri pigmenti, con i quali crea colori speciali che applica sulle sue enormi tele.

Il museo di Denver, interamente dedicato a lui, ha permesso di evidenziare alcuni aspetti del processo creativo, attraverso uno studio comparativo di varianti, o repliche, di oltre 50 dipinti. Sembra quindi che quest”opera possa essere considerata una “pittura gestuale”, poiché i gesti dell”artista sono perfettamente visibili guardando il dipinto, e con grande forza se non altro per le dimensioni delle applicazioni di colore con la spatola. D”altra parte, i paragoni evocano un processo graduale e non un”emersione totalmente spontanea e immediata. Sebbene siano pochi i dipinti che sono stati completamente reinventati, nella maggior parte dei casi i cambiamenti sono più sottili: un cambiamento nel supporto, un diverso metodo di applicazione della pittura, o una diversa texture, oppure è il gioco della luce sulla superficie del dipinto a non essere più lo stesso, manipolando le proprietà riflettenti della pittura. Così, ci sono molti aggiustamenti, in formati significativamente diversi, con il desiderio di superare, nel dipinto successivo, ciò che era stato costruito nella prima versione: “Anche se le poche repliche che faccio sono generalmente vicine all”originale o ne sono un”estensione, ognuna ha una vita propria e non è una copia. Il lavoro attuale ha chiarito alcuni fattori e, paradossalmente, in questo caso è più vicino al mio concetto originale rispetto al primo, che porta i segni delle forze che si sono scontrate.

La vicinanza tra Pollock e Still è stata studiata da David Anfam. Still scopre il dipinto di Pollock La donna della luna (1942) durante la mostra alla galleria di Peggy Guggenheim L”arte di questo secolo (en), nel novembre 43. Si dice che tre dei dipinti di Still siano “meditazioni”, tra cui il PH-242, del 1943-44. Questa amicizia fu particolarmente evidente nel 1943, quando Pollock dipinse il Murale per Peggy Guggenheim in un corridoio del suo appartamento. L”immensa tela, per il suo spazio e il suo horror vacui, sembra infatti evocare il West americano, se si tiene conto di una frase di Pollock del 1944. L”amicizia tra Still e Pollock durò fino al 1955, anche se il carattere irascibile di Still raggiunse un picco particolarmente acuto negli anni Cinquanta.

Entrambi avevano l”idea che la pittura fosse soprattutto il lavoro di un “uomo”. Riferendosi con evidente piacere all”ultima mostra di Pollock alla Sidney Janis Gallery nel 1955, inviò una nota a Pollock contenente la frase: “Era che qui un uomo era stato al lavoro, al lavoro più profondo che un uomo possa fare, affrontando ciò che è e a cui aspira”. E al contrario Pollock dice nel 1955: “Fa sembrare il resto di noi un accademico”. Altrove Pollock afferma che “entrambi (Still e lui, in alcune versioni “tutti e tre” – con Rothko) hanno cambiato la natura della pittura”. Secondo David Anfam, il dipinto The Deep del 1953 (Centre Georges Pompidou) è “inconfondibile” come omaggio a Still.

Sebbene Still non abbia mai accettato di condividere una sala espositiva con altri, nove mesi prima dell”inaugurazione della sua grande retrospettiva al Metropolitan Museum nel 1979, scelse di appendere il suo enorme dipinto PH-929 (1974) accanto ad Automn Rythmn (1950) di Pollock.

La critica ha lodato la pura materialità della sua pittura, la presenza monumentale e dinamica, lo spirito sublime delle sue immagini astratte. Il suo atteggiamento nei confronti dei suoi coetanei e della pittura era considerato provocatorio e intransigente, così come quello di David Smith, amico di Still e Pollock.

David Anfam, specialista dell”Espressionismo astratto, ha commentato: “Il suo lavoro ha un impatto viscerale, i dipinti fissano me e lo spettatore. Non conosco molti altri artisti che inducano lo stesso tipo di carica elettrica, un vero e proprio brivido. Ma non è solo questo tipo di dramma ad alta tensione a catturarmi, quello che trovo notevole è che Still sia riuscito a combinare questa intensità con un raro grado di sottigliezza e delicatezza. (Il suo lavoro produce uno shock viscerale, i dipinti fissano me e qualsiasi spettatore. Non conosco molti altri artisti che inducano lo stesso tipo di scossa elettrica, un vero brivido. Tuttavia, non è solo questo tipo di dramma ad alta tensione ad attirarmi, ma ciò che trovo notevole è che Still è riuscito a combinare questa intensità con la sottigliezza e la delicatezza in un grado raramente raggiunto).

Nel novembre 2011 è stato inaugurato a Denver un museo interamente dedicato a lui, che riunisce il 94% delle sue opere invendute e non esposte, rimosse dalla scena pubblica per 30 anni: 825 dipinti e 1.575 opere su carta. Lui e sua moglie Patricia hanno concepito l”idea di un museo interamente dedicato a lui. Secondo la volontà dell”artista, l”intera donazione è conservata in un unico luogo, in una città e non in un museo, e nessuna attrazione disturba il rapporto con l”opera, nessuna caffetteria, nessun bookshop.

Bibliografia e riferimenti da Internet

Collegamenti esterni

Fonti

  1. Clyfford Still
  2. Clyfford Still
  3. « I have a definite feeling for the West : the vast horizontality of the land, for instance ; here only the Atlantic ocean gives you that. » (J”ai une affection essentielle pour l”Ouest: la vaste horizontalité du pays, par exemple; ici seulement l”océan Atlantique vous donne ça) : David Anfam , 2015, p. 18
  4. ^ “Clyfford Still”. The Phillips Collection. Archived from the original on January 22, 2010. Retrieved 21 October 2014.
  5. Patricia Still, p. 156 (Brief aan een vriend, mei 1951)
  6. a b c Dominic van den Boogerd, p. 40
  7. a b Patricia Still, p. 146
  8. a b Patricia Still, p. 156
  9. Schenking aan de stad Denver
  10. [1]
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