Expressionnisme abstrait

gigatos | mars 31, 2022

Post Views: 13

Résumé

L »expressionnisme abstrait est un mouvement artistique de la peinture américaine de l »après-guerre, développé à New York dans les années 1940. Il s »agit du premier mouvement spécifiquement américain à atteindre une influence internationale et à placer New York au centre du monde de l »art occidental, un rôle autrefois dévolu à Paris.

Bien que le terme « expressionnisme abstrait » ait été appliqué pour la première fois à l »art américain en 1946 par le critique d »art Robert Coates, il avait été utilisé pour la première fois en Allemagne en 1919 dans le magazine Der Sturm, à propos de l »expressionnisme allemand. Aux États-Unis, Alfred Barr a été le premier à utiliser ce terme en 1929 à propos des œuvres de Wassily Kandinsky.

Sur le plan technique, le surréalisme, qui met l »accent sur la création spontanée, automatique ou subconsciente, est un important prédécesseur. L »égouttage de la peinture de Jackson Pollock sur une toile posée sur le sol est une technique qui trouve ses racines dans les travaux d »André Masson, de Max Ernst et de David Alfaro Siqueiros. Les recherches les plus récentes tendent à placer le surréaliste exilé Wolfgang Paalen dans la position de l »artiste et du théoricien qui a encouragé la théorie de l »espace des possibilités dépendant du spectateur à travers ses peintures et sa revue DYN. Paalen s »est penché sur les idées de la mécanique quantique, ainsi que sur les interprétations idiosyncrasiques de la vision totémique et de la structure spatiale de la peinture amérindienne de la Colombie-Britannique, et a préparé le terrain pour la nouvelle vision spatiale des jeunes abstraits américains. Son long essai Totem Art (1943) a eu une influence considérable sur des artistes tels que Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko et Barnett Newman. Vers 1944, Barnett Newman tente d »expliquer le tout nouveau mouvement artistique américain et inclut une liste des « hommes du nouveau mouvement ». Paalen est mentionné deux fois ; les autres artistes cités sont Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky et d »autres. Robert Motherwell est mentionné avec un point d »interrogation. Une autre manifestation précoce importante de ce qui deviendra l »expressionnisme abstrait est l »œuvre de l »artiste du Nord-Ouest américain Mark Tobey, en particulier ses toiles à « écriture blanche » qui, bien que généralement de petite taille, anticipent l »aspect « all-over » des peintures au goutte-à-goutte de Pollock.

Le nom du mouvement provient de la combinaison de l »intensité émotionnelle et de l »abnégation des expressionnistes allemands avec l »esthétique anti-figurative des écoles abstraites européennes telles que le futurisme, le Bauhaus et le cubisme synthétique. En outre, il a une image de rébellion, d »anarchie, de grande idiosyncrasie et, selon certains, de nihilisme. Dans la pratique, le terme s »applique à un grand nombre d »artistes travaillant (principalement) à New York et ayant des styles très différents, et même à des œuvres qui ne sont ni particulièrement abstraites ni expressionnistes. L »expressionniste abstrait californien Jay Meuser, qui peignait généralement dans le style non-objectif, a écrit à propos de son tableau Mare Nostrum : « Il est de loin préférable de capturer l »esprit glorieux de la mer que de peindre toutes ses petites ondulations. » Les « peintures d »action » énergiques de Pollock, avec leur sensation d » »occupation », sont différentes, tant sur le plan technique qu »esthétique, de la série des Femmes, violente et grotesque, des peintures figuratives de Willem de Kooning et des rectangles de couleur des peintures Color Field de Rothko (qui ne sont pas ce que l »on qualifierait habituellement d »expressionnistes, et dont Rothko niait l »abstraction). Pourtant, ces quatre artistes sont classés parmi les expressionnistes abstraits.

L »expressionnisme abstrait présente de nombreuses similitudes stylistiques avec les artistes russes du début du XXe siècle, tels que Wassily Kandinsky. S »il est vrai que la spontanéité ou l »impression de spontanéité caractérisait de nombreuses œuvres des expressionnistes abstraits, la plupart de ces peintures impliquaient une planification minutieuse, d »autant plus que leur grande taille l »exigeait. Avec des artistes tels que Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz, et plus tard Rothko, Newman et Agnes Martin, l »art abstrait implique clairement l »expression d »idées concernant le spirituel, l »inconscient et l »esprit.

La raison pour laquelle ce style a été accepté par le grand public dans les années 1950 est sujette à débat. Le réalisme social américain était le courant dominant dans les années 30. Il avait été influencé non seulement par la Grande Dépression, mais aussi par les muralistes mexicains tels que David Alfaro Siqueiros et Diego Rivera. Le climat politique qui a suivi la Seconde Guerre mondiale n »a pas toléré longtemps les protestations sociales de ces peintres. L »expressionnisme abstrait est apparu pendant la guerre et a commencé à être présenté au début des années 40 dans des galeries de New York telles que The Art of This Century Gallery. L »ère McCarthy d »après-guerre est une période de censure artistique aux États-Unis, mais si le sujet est totalement abstrait, il est considéré comme apolitique et donc sans danger. Ou si l »art était politique, le message était largement destiné aux initiés.

Si le mouvement est étroitement associé à la peinture, la collagiste Anne Ryan et certains sculpteurs en particulier ont également fait partie intégrante de l »expressionnisme abstrait. David Smith, et sa femme Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois et Louise Nevelson, notamment, sont quelques-uns des sculpteurs considérés comme des membres importants du mouvement. En outre, les artistes David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero, et les sculpteurs Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian, et même Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell, et plusieurs autres, faisaient partie intégrante du mouvement expressionniste abstrait. Beaucoup des sculpteurs cités ont participé au Ninth Street Show, une célèbre exposition organisée par Leo Castelli sur East Ninth Street à New York en 1951. Outre les peintres et les sculpteurs de l »époque, l »école new-yorkaise d »expressionnisme abstrait a également suscité l »adhésion d »un certain nombre de poètes, dont Frank O »Hara, et de photographes tels que Aaron Siskind et Fred McDarrah (dont le livre The Artist »s World in Pictures a documenté l »école new-yorkaise au cours des années 1950), ainsi que de cinéastes, notamment Robert Frank.

Bien que l »école expressionniste abstraite se soit rapidement répandue dans tous les États-Unis, les épicentres de ce style ont été la ville de New York et la région de la baie de San Francisco en Californie.

À un certain moment, la toile a commencé à apparaître aux peintres américains les uns après les autres comme une arène où agir. Ce qui devait figurer sur la toile n »était pas une image mais un événement.

Dans les années 40, il y avait non seulement peu de galeries (The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery et quelques autres) mais aussi peu de critiques disposés à suivre le travail de l »avant-garde new-yorkaise. Il y avait aussi quelques artistes ayant une formation littéraire, parmi lesquels Robert Motherwell et Barnett Newman, qui faisaient également office de critiques.

Alors que l »avant-garde new-yorkaise était encore relativement inconnue à la fin des années 1940, la plupart des artistes qui sont devenus des noms familiers aujourd »hui avaient leurs critiques mécènes bien établis : Clement Greenberg défendait Jackson Pollock et les peintres des champs colorés comme Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et Hans Hofmann ; Harold Rosenberg semblait préférer les peintres d »action comme Willem de Kooning et Franz Kline, ainsi que les peintures séminales d »Arshile Gorky ; Thomas B. Hess, le rédacteur en chef d »ARTnews, défendait Willem de Kooning.

Les nouveaux critiques ont élevé leurs protégés en considérant les autres artistes comme des « suiveurs » ou en ignorant ceux qui ne servaient pas leur objectif promotionnel.

En 1958, Mark Tobey est devenu le premier peintre américain depuis Whistler (1895) à remporter le premier prix de la Biennale de Venise.

Barnett Newman, membre tardif du groupe Uptown, écrit des avant-propos de catalogues et des critiques, et à la fin des années 1940, il devient un artiste exposant à la Betty Parsons Gallery. Sa première exposition personnelle a lieu en 1948. Peu après sa première exposition, Barnett Newman fait remarquer, lors d »une des sessions d »artistes au Studio 35 : » Nous sommes en train de faire le monde, dans une certaine mesure, à notre propre image. » Utilisant ses talents d »écrivain, Newman s »est battu à chaque étape du processus pour renforcer son image d »artiste nouvellement établie et pour promouvoir son travail. Un exemple est sa lettre du 9 avril 1955, « Lettre à Sidney Janis : – il est vrai que Rothko parle le combattant. Il se bat, cependant, pour se soumettre au monde philistin. Ma lutte contre la société bourgeoise a impliqué le rejet total de celle-ci. »

Étrangement, la personne dont on pense qu »elle a le plus contribué à la promotion de ce style est un trotskiste new-yorkais : Clement Greenberg. Longtemps critique d »art pour la Partisan Review et The Nation, il est devenu un partisan précoce et éclairé de l »expressionnisme abstrait. L »artiste fortuné Robert Motherwell s »est joint à Greenberg pour promouvoir un style qui correspondait au climat politique et à la rébellion intellectuelle de l »époque.

Greenberg a proclamé l »expressionnisme abstrait et Pollock en particulier comme l »épitomé de la valeur esthétique. Il a soutenu l »œuvre de Pollock sur des bases formalistes, la considérant tout simplement comme la meilleure peinture de son époque et l »aboutissement d »une tradition artistique remontant au cubisme, à Cézanne et à Monet, dans laquelle la peinture est devenue de plus en plus « pure » et concentrée sur ce qui lui est « essentiel », à savoir la réalisation de marques sur une surface plane.

L »œuvre de Pollock a toujours polarisé les critiques. Rosenberg a parlé de la transformation de la peinture en un drame existentiel dans l »œuvre de Pollock, dans lequel « ce qui devait aller sur la toile n »était pas une image mais un événement ». « Le grand moment est arrivé quand il a été décidé de peindre »juste pour peindre ». Le geste sur la toile était un geste de libération de la valeur – politique, esthétique, morale. »

L »un des critiques les plus virulents de l »expressionnisme abstrait à l »époque était le critique d »art John Canaday du New York Times. Meyer Schapiro et Leo Steinberg, ainsi que Greenberg et Rosenberg, sont d »importants historiens de l »art de l »après-guerre qui ont exprimé leur soutien à l »expressionnisme abstrait. Au début et au milieu des années soixante, les jeunes critiques d »art Michael Fried, Rosalind Krauss et Robert Hughes ont apporté un éclairage considérable à la dialectique critique qui continue de se développer autour de l »expressionnisme abstrait.

La Seconde Guerre mondiale et l »après-guerre

Avant et pendant la Seconde Guerre mondiale, des artistes, écrivains et poètes modernistes, ainsi que d »importants collectionneurs et marchands, ont fui l »Europe et l »assaut des nazis pour trouver refuge aux États-Unis. Beaucoup de ceux qui n »ont pas fui ont péri. Parmi les artistes et les collectionneurs qui sont arrivés à New York pendant la guerre (certains avec l »aide de Varian Fry) figurent Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger et Piet Mondrian. Quelques artistes, notamment Picasso, Matisse et Pierre Bonnard, sont restés en France et ont survécu.

La période d »après-guerre a laissé les capitales européennes en plein bouleversement, avec l »urgence de se reconstruire économiquement et physiquement et de se regrouper politiquement. À Paris, ancien centre de la culture européenne et capitale du monde de l »art, le climat artistique est désastreux et New York remplace Paris comme nouveau centre du monde de l »art. L »Europe d »après-guerre voit la continuation du surréalisme, du cubisme, de Dada et des œuvres de Matisse. Toujours en Europe, l »art brut et l »abstraction lyrique ou tachisme (l »équivalent européen de l »expressionnisme abstrait) s »emparent de la nouvelle génération. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages et Jean Messagier, entre autres, sont considérés comme des figures importantes de la peinture européenne d »après-guerre. Aux États-Unis, une nouvelle génération d »artistes américains commence à émerger et à dominer la scène mondiale, et on les appelle les expressionnistes abstraits.

Les années 1940 à New York annoncent le triomphe de l »expressionnisme abstrait américain, un mouvement moderniste qui combine les leçons apprises de Matisse, Picasso, le surréalisme, Miró, le cubisme, le fauvisme et le début du modernisme par l »intermédiaire de grands maîtres américains tels que Hans Hofmann d »Allemagne et John D. Graham d »Ukraine. L »influence de Graham sur l »art américain au début des années 1940 est particulièrement visible dans les œuvres de Gorki, de Kooning, Pollock et Richard Pousette-Dart, entre autres. La contribution de Gorky à l »art américain et mondial est difficile à surestimer. Son travail d »abstraction lyrique était un « nouveau langage ». Il a « éclairé la voie pour deux générations d »artistes américains ». La spontanéité picturale d »œuvres de maturité telles que Le foie est le peigne du coq, Les fiançailles II et Un an d »asclépiade préfigurait immédiatement l »expressionnisme abstrait, et les chefs de file de l »école de New York ont reconnu l »influence considérable de Gorki. Les premiers travaux de Hyman Bloom ont également eu une influence. Les artistes américains ont également bénéficié de la présence de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst et du groupe d »André Breton, de la galerie de Pierre Matisse et de la galerie The Art of This Century de Peggy Guggenheim, ainsi que d »autres facteurs. Hans Hofmann, en particulier, en tant que professeur, mentor et artiste, a joué un rôle important et influent dans le développement et le succès de l »expressionnisme abstrait aux États-Unis. Parmi les protégés d »Hofmann figurait Clement Greenberg, qui est devenu une voix extrêmement influente pour la peinture américaine, et parmi ses élèves se trouvait Lee Krasner, qui a présenté son professeur, Hofmann, à son mari, Jackson Pollock.

À la fin des années 1940, l »approche radicale de Jackson Pollock en matière de peinture a révolutionné le potentiel de tout l »art contemporain qui lui a succédé. Dans une certaine mesure, Pollock s »est rendu compte que le cheminement vers la réalisation d »une œuvre d »art était aussi important que l »œuvre d »art elle-même. À l »instar des réinventions novatrices de Picasso en matière de peinture et de sculpture au tournant du siècle, via le cubisme et la sculpture construite, avec des influences aussi disparates que les peintures de sable navajo, le surréalisme, l »analyse jungienne et l »art mural mexicain, Pollock a redéfini ce qu »était la production de l »art. Son abandon de la peinture de chevalet et de la conventionnalité a été un signal libérateur pour les artistes de son époque et pour tous ceux qui ont suivi. Les artistes ont réalisé que le processus de Jackson Pollock – placer la toile brute non tendue sur le sol où elle pouvait être attaquée des quatre côtés en utilisant des matériaux d »artiste et des matériaux industriels ; des écheveaux linéaires de peinture dégoulinant et jetés ; le dessin, la coloration, le brossage ; l »imagerie et la non-imagerie – a essentiellement porté la création artistique au-delà de toute limite antérieure. L »expressionnisme abstrait en général a élargi et développé les définitions et les possibilités dont disposaient les artistes pour créer de nouvelles œuvres d »art.

Les autres expressionnistes abstraits ont suivi la percée de Pollock avec de nouvelles percées de leur côté. Dans un sens, les innovations de Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos et d »autres ont ouvert les vannes de la diversité et de l »étendue de tout l »art qui les a suivis. Les mouvements radicaux anti-formalistes des années 1960 et 1970, dont Fluxus, Neo-Dada, l »art conceptuel et le mouvement artistique féministe, peuvent être rattachés aux innovations de l »expressionnisme abstrait. La relecture de l »art abstrait, effectuée par des historiens de l »art tels que Linda Nochlin et Catherine de Zegher, montre toutefois de manière critique que les femmes artistes pionnières qui ont produit des innovations majeures dans l »art moderne ont été ignorées par les récits officiels de son histoire, mais ont finalement commencé à obtenir une reconnaissance longtemps attendue dans le sillage du mouvement expressionniste abstrait des années 1940 et 1950. L »expressionnisme abstrait est apparu comme un mouvement artistique majeur à New York au cours des années 1950 et, par la suite, plusieurs galeries d »art de premier plan ont commencé à inclure les expressionnistes abstraits dans leurs expositions et dans leurs listes d »habitués. Parmi ces galeries importantes des quartiers chics, citons la Charles Egan Gallery, la Betty Parsons Gallery, la Tibor de Nagy Gallery, la Stable Gallery, la Leo Castelli Gallery et bien d »autres ; et plusieurs galeries du centre-ville, connues à l »époque sous le nom de Tenth Street galleries, ont exposé de nombreux jeunes artistes émergents travaillant dans la veine de l »expressionnisme abstrait.

L »action painting était un style répandu des années 1940 jusqu »au début des années 1960, et est étroitement associé à l »expressionnisme abstrait (certains critiques ont utilisé les termes action painting et expressionnisme abstrait de manière interchangeable). Une comparaison est souvent établie entre l »action painting américain et le tachisme français.

Le terme a été inventé par le critique américain Harold Rosenberg en 1952 et a marqué un changement majeur dans la perspective esthétique des peintres et des critiques de l »école de New York. Selon Rosenberg, la toile est « une arène dans laquelle on peut agir ». Alors que les expressionnistes abstraits tels que Jackson Pollock, Franz Kline et Willem de Kooning n »ont jamais caché qu »ils considéraient la peinture comme une arène où l »on peut s »approprier l »acte de création, les premiers critiques acquis à leur cause, comme Clement Greenberg, se sont concentrés sur l » »objet » de leurs œuvres. Pour Greenberg, c »était la matérialité des surfaces coagulées et couvertes d »huile des tableaux qui était la clé pour les comprendre en tant que documents de la lutte existentielle des artistes.

La critique de Rosenberg a déplacé l »accent de l »objet vers la lutte elle-même, le tableau fini n »étant que la manifestation physique, une sorte de résidu, de l »œuvre d »art réelle, qui était dans l »acte ou le processus de création du tableau. Cette activité spontanée était l » »action » du peintre, à travers le mouvement des bras et des poignets, les gestes picturaux, les coups de pinceau, la peinture jetée, éclaboussée, tachée, émiettée et dégoulinante. Le peintre laissait parfois la peinture dégouliner sur la toile, tout en dansant rythmiquement, ou même en se tenant dans la toile, laissant parfois la peinture tomber selon le subconscient, laissant ainsi la partie inconsciente de la psyché s »affirmer et s »exprimer. Tout cela est cependant difficile à expliquer ou à interpréter car il s »agit d »une manifestation supposée inconsciente de l »acte de création pure.

Dans la pratique, le terme « expressionnisme abstrait » est appliqué à un grand nombre d »artistes travaillant (principalement) à New York et ayant des styles très différents, et il est même appliqué à des œuvres qui ne sont pas spécialement abstraites ou expressionnistes. Les peintures d »action énergiques de Pollock, avec leur aspect « chargé », sont différentes, tant sur le plan technique qu »esthétique, de la série des Femmes violentes et grotesques de De Kooning. Woman V fait partie d »une série de six tableaux réalisés par De Kooning entre 1950 et 1953, qui représentent une figure féminine de trois quarts de longueur. Il a commencé le premier de ces tableaux, Woman I, en juin 1950, et a modifié et peint l »image à plusieurs reprises jusqu »en janvier ou février 1952, date à laquelle le tableau a été abandonné sans être terminé. Peu après, l »historien de l »art Meyer Schapiro a vu le tableau dans l »atelier de De Kooning et a encouragé l »artiste à persévérer. De Kooning réagit en commençant trois autres tableaux sur le même thème : Woman II, Woman III et Woman IV. Au cours de l »été 1952, passé à East Hampton, de Kooning explore davantage le thème à travers des dessins et des pastels. Il a peut-être terminé le travail sur Woman I à la fin du mois de juin, ou peut-être même en novembre 1952, et les trois autres tableaux de femmes ont probablement été achevés à peu près au même moment. La série Woman est une série de peintures résolument figuratives.

Un autre artiste important est Franz Kline. Comme Jackson Pollock et d »autres expressionnistes abstraits, Kline a été qualifié de « peintre d »action » en raison de son style apparemment spontané et intense, qui se concentre moins, voire pas du tout, sur les figures ou l »imagerie, mais sur les coups de pinceau et l »utilisation de la toile, comme le montre son tableau Numéro 2 (1954).

L »écriture automatique était un véhicule important pour les peintres d »action tels que Kline (dans ses peintures en noir et blanc), Pollock, Mark Tobey et Cy Twombly, qui utilisaient le geste, la surface et la ligne pour créer des symboles et des écheveaux calligraphiques et linéaires qui ressemblent au langage et résonnent comme de puissantes manifestations de l »inconscient collectif. Robert Motherwell, dans sa série Elegy to the Spanish Republic, a peint de puissants tableaux en noir et blanc en utilisant le geste, la surface et le symbole pour évoquer de puissantes charges émotionnelles.

Parallèlement, d »autres peintres d »action, notamment de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell et James Brooks, ont utilisé l »imagerie par le biais de paysages abstraits ou de visions expressionnistes de la figure pour articuler leurs évocations très personnelles et puissantes. Les peintures de James Brooks étaient particulièrement poétiques et prémonitoires par rapport à l »abstraction lyrique qui s »est imposée à la fin des années 1960 et dans les années 1970.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb et les blocs de couleurs sereinement chatoyants de l »œuvre de Mark Rothko (qui n »est pas ce qu »on appelle habituellement expressionniste et dont Rothko a nié le caractère abstrait), sont classés parmi les expressionnistes abstraits, bien qu »issus de ce que Clement Greenberg a appelé la direction Color field de l »expressionnisme abstrait. Hans Hofmann et Robert Motherwell peuvent tous deux être décrits comme des praticiens de l »Action painting et de la Color field painting. Dans les années 1940, les images très construites de Richard Pousette-Dart s »appuyaient souvent sur les thèmes de la mythologie et du mysticisme, tout comme les peintures de Gottlieb et de Pollock au cours de cette même décennie.

La peinture Color Field faisait initialement référence à un type particulier d »expressionnisme abstrait, notamment aux œuvres de Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt et à plusieurs séries de peintures de Joan Miró. Greenberg considérait que la peinture Color Field était liée mais différente de l »Action painting. Les peintres du Color Field ont cherché à débarrasser leur art de la rhétorique superflue. Des artistes comme Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey, et surtout Ad Reinhardt et Barnett Newman, dont le chef-d »œuvre Vir heroicus sublimis fait partie de la collection du MoMA, ont utilisé des références à la nature très réduites et ont peint avec une utilisation très articulée et psychologique de la couleur. En général, ces artistes éliminent l »imagerie reconnaissable, dans le cas de Rothko et Gottlieb, ils utilisent parfois des symboles et des signes pour remplacer l »imagerie. Certains artistes ont cité des références à l »art passé ou présent, mais en général, la peinture en champ coloré présente l »abstraction comme une fin en soi. En poursuivant cette direction de l »art moderne, les artistes voulaient présenter chaque tableau comme une image unifiée, cohérente et monolithique.

Par opposition à l »énergie émotionnelle et aux marques de surface gestuelles des expressionnistes abstraits tels que Pollock et de Kooning, les peintres du Color Field ont d »abord semblé froids et austères, effaçant la marque individuelle en faveur de grandes zones plates de couleur, que ces artistes considéraient comme la nature essentielle de l »abstraction visuelle, ainsi que la forme réelle de la toile, que plus tard, dans les années 1960, Frank Stella en particulier a réalisée de manière inhabituelle avec des combinaisons de bords courbes et droits. Cependant, la peinture Color Field s »est avérée être à la fois sensuelle et profondément expressive, bien que d »une manière différente de l »expressionnisme abstrait gestuel.

Bien que l »expressionnisme abstrait se soit rapidement répandu dans tous les États-Unis, les principaux centres de ce style ont été New York et la Californie, en particulier l »école de New York, et la région de la baie de San Francisco. Les peintures expressionnistes abstraites partagent certaines caractéristiques, notamment l »utilisation de grandes toiles, une approche « all-over », dans laquelle la totalité de la toile est traitée avec la même importance (par opposition au centre qui présente plus d »intérêt que les bords). La toile en tant qu »arène est devenue un credo de l »Action painting, tandis que l »intégrité du plan de l »image est devenue un credo des peintres du Color field. De plus jeunes artistes ont commencé à exposer leurs peintures liées à l »expressionnisme abstrait dans les années 1950, notamment Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas et Robert Goodnough.

Bien que Pollock soit étroitement associé à l »Action Painting en raison de son style, de sa technique, de sa touche picturale et de son application physique de la peinture, les critiques d »art ont assimilé Pollock à la fois à l »Action Painting et à la color field painting. Un autre point de vue critique avancé par Greenberg relie les toiles allover de Pollock aux grands Nymphéas de Claude Monet réalisés dans les années 1920. Des critiques d »art tels que Michael Fried, Greenberg et d »autres ont observé que le sentiment général dans les œuvres les plus célèbres de Pollock – ses peintures au goutte-à-goutte – se lit comme de vastes champs d »éléments linéaires construits. Ils notent que ces œuvres se lisent souvent comme de vastes complexes d »écheveaux de peinture de valeur similaire et de champs de couleur et de dessin all-over, et qu »elles sont liées aux Monet de la taille d »une murale, qui sont construits de la même manière à partir de marques brossées et brouillées de valeur proche qui se lisent également comme des champs de couleur et de dessin. L »utilisation par Pollock de la composition en all-over lui confère un lien philosophique et physique avec la manière dont les peintres de champs de couleur comme Newman, Rothko et Still construisent leurs surfaces ininterrompues et, dans le cas de Still, brisées. Dans plusieurs tableaux que Pollock a peints après sa période classique de peinture au goutte-à-goutte de 1947 à 1950, il a utilisé la technique de la coloration de la peinture à l »huile fluide et de la peinture maison dans la toile brute. En 1951, il réalise une série de peintures noires semi-figuratives et, en 1952, des peintures colorées. Lors de son exposition de novembre 1952 à la Sidney Janis Gallery de New York, Pollock présente Number 12, 1952, une grande peinture magistrale qui ressemble à un paysage coloré (Nelson Rockefeller a acquis cette peinture pour sa collection personnelle).

Si Arshile Gorky est considéré comme l »un des pères fondateurs de l »expressionnisme abstrait et un surréaliste, il a également été l »un des premiers peintres de l »école de New York à utiliser la technique de la coloration. Gorky a créé de vastes champs de couleurs vives, ouvertes et ininterrompues qu »il a utilisées dans nombre de ses tableaux comme motifs. Dans ses tableaux les plus efficaces et les plus aboutis, réalisés entre 1941 et 1948, Gorki a constamment utilisé des champs de couleurs intenses, laissant souvent la peinture couler et s »égoutter, sous et autour de son lexique familier de formes organiques et biomorphiques et de lignes délicates. James Brooks est un autre expressionniste abstrait dont les œuvres des années 1940 rappellent les peintures au pistolet des années 1960 et 1970. Brooks utilisait régulièrement la technique de la tache dans ses peintures de la fin des années 1940. Brooks a commencé à diluer sa peinture à l »huile afin d »obtenir des couleurs fluides qu »il pouvait verser, égoutter et tacher sur la toile brute qu »il utilisait. Ces œuvres combinent souvent calligraphie et formes abstraites. Au cours des trois dernières décennies de sa carrière, le style d »expressionnisme abstrait brillant à grande échelle de Sam Francis a été étroitement associé à la peinture de type Color field. Ses peintures étaient à cheval sur les deux camps de l »expressionnisme abstrait, l »Action painting et le Color Field painting.

Après avoir vu les peintures de Pollock de 1951, composées de peinture à l »huile noire diluée tachant la toile brute, Frankenthaler a commencé à produire des peintures tachées de diverses couleurs à l »huile sur toile brute en 1952. Sa peinture la plus célèbre de cette période est Montagnes et mer. Elle est l »une des initiatrices du mouvement Color Field qui a émergé à la fin des années 1950. Frankenthaler a également étudié avec Hans Hofmann.

Les peintures de Hofmann sont une symphonie de couleurs, comme on peut le voir dans The Gate, 1959-1960. Il était renommé non seulement en tant qu »artiste mais aussi en tant que professeur d »art, tant dans son Allemagne natale que plus tard aux États-Unis. Hofmann, qui est venu d »Allemagne aux États-Unis au début des années 1930, a apporté avec lui l »héritage du modernisme. En tant que jeune artiste dans le Paris d »avant la Première Guerre mondiale, Hofmann a travaillé avec Robert Delaunay, et il a connu de première main le travail novateur de Picasso et de Matisse. L »œuvre de Matisse a eu une énorme influence sur lui et sur sa compréhension du langage expressif de la couleur et du potentiel de l »abstraction. Hofmann est l »un des premiers théoriciens de la peinture en champ coloré, et ses théories ont influencé les artistes et les critiques, en particulier Clement Greenberg, ainsi que d »autres personnes dans les années 1930 et 1940. En 1953, Morris Louis et Kenneth Noland ont tous deux été profondément influencés par les peintures de taches d »Helen Frankenthaler après avoir visité son studio à New York. De retour à Washington, ils ont commencé à produire les œuvres majeures qui ont créé le mouvement color field à la fin des années 1950.

En 1972, le conservateur du Metropolitan Museum of Art, Henry Geldzahler, a déclaré :

Clement Greenberg a inclus les œuvres de Morris Louis et de Kenneth Noland dans une exposition qu »il a organisée à la Kootz Gallery au début des années 1950. Clem a été le premier à voir leur potentiel. Il les a invités à New York en 1953, je crois, dans le studio d »Helen pour voir une peinture qu »elle venait de réaliser, intitulée Mountains and Sea, une très, très belle peinture, qui, dans un sens, sortait de Pollock et de Gorky. C »était aussi l »un des premiers tableaux de taches, l »un des premiers grands tableaux de terrain dans lequel la technique de la tache était utilisée, peut-être le premier. Louis et Noland ont vu le tableau déroulé sur le sol de son studio et sont retournés à Washington, DC, où ils ont travaillé ensemble pendant un certain temps sur les implications de ce type de peinture.

Dans la peinture abstraite des années 1950 et 1960, plusieurs nouvelles orientations ont vu le jour, comme la peinture hard-edge illustrée par John McLaughlin. Entre-temps, en réaction contre le subjectivisme de l »expressionnisme abstrait, d »autres formes d »abstraction géométrique ont commencé à apparaître dans les ateliers d »artistes et dans les cercles radicaux d »avant-garde. Greenberg est devenu la voix de l »abstraction post-peinture, en organisant une exposition influente de nouvelle peinture qui a fait le tour des grands musées d »art des États-Unis en 1964. La peinture en champ coloré, la peinture hard-edge et l »abstraction lyrique sont apparues comme de nouvelles directions radicales.

Depuis le milieu des années 1970, on affirme que ce style a attiré l »attention, au début des années 1950, de la CIA, qui y voyait une représentation des États-Unis en tant que havre de la libre pensée et des marchés libres, ainsi qu »un défi aux styles réalistes socialistes prévalant dans les pays communistes et à la domination des marchés de l »art européens. Le livre de Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War-The CIA and the World of Arts and Letters, (publié au Royaume-Uni sous le titre Who Paid the Piper? : CIA and the Cultural Cold War) explique en détail comment la CIA a financé et organisé la promotion des expressionnistes abstraits américains dans le cadre de l »impérialisme culturel via le Congress for Cultural Freedom de 1950 à 1967. La série Elegy to the Spanish Republic de Robert Motherwell, notamment, abordait certaines de ces questions politiques. Tom Braden, chef fondateur de la division des organisations internationales (IOD) de la CIA et ancien secrétaire exécutif du Museum of Modern Art, a déclaré dans une interview : « Je pense que c »était la division la plus importante de l »agence, et je pense qu »elle a joué un rôle énorme dans la guerre froide. »

Contre cette tradition révisionniste, un essai de Michael Kimmelman, critique d »art en chef du New York Times, intitulé Revisiting the Revisionists : The Modern, Its Critics and the Cold War, soutient qu »une grande partie des informations concernant ce qui se passait sur la scène artistique américaine dans les années 1940 et 1950, ainsi que l »interprétation qu »en font les révisionnistes, sont carrément fausses ou, au mieux, décontextualisées, contrairement aux principes historiographiques avoués des révisionnistes. Parmi les autres ouvrages sur le sujet figurent Art in the Cold War, de Christine Lindey, qui décrit également l »art de l »Union soviétique à la même époque, et Pollock and After, édité par Francis Frascina, qui reprend l »article de Kimmelman.

Le peintre canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002), membre du groupe montréalais d »inspiration surréaliste Les Automatistes, a contribué à introduire un style apparenté à l »impressionnisme abstrait dans le monde de l »art parisien à partir de 1949. Le livre novateur de Michel Tapié, Un Art Autre (1952), a également eu une influence considérable à cet égard. Tapié était également un conservateur et un organisateur d »expositions qui a promu les œuvres de Pollock et de Hans Hofmann en Europe. Dans les années 1960, l »effet initial du mouvement avait été assimilé, mais ses méthodes et ses partisans sont restés très influents dans l »art, influençant profondément le travail de nombreux artistes qui ont suivi. L »expressionnisme abstrait a précédé le tachisme, la peinture Color Field, l »abstraction lyrique, Fluxus, le pop art, le minimalisme, le postminimalisme, le néo-expressionnisme et les autres mouvements des années 60 et 70, et a influencé tous les mouvements ultérieurs qui ont évolué. Les mouvements qui étaient des réponses directes et des rébellions contre l »expressionnisme abstrait ont commencé avec la peinture hard-edge (Frank Stella, Robert Indiana et d »autres) et les artistes pop, notamment Andy Warhol, Claes Oldenburg et Roy Lichtenstein qui ont atteint la célébrité aux États-Unis, accompagnés par Richard Hamilton en Grande-Bretagne. Aux États-Unis, Robert Rauschenberg et Jasper Johns ont jeté un pont entre l »expressionnisme abstrait et le pop art. Le minimalisme est illustré par des artistes tels que Donald Judd, Robert Mangold et Agnes Martin.

Cependant, de nombreux peintres, tels que Jules Olitski, Joan Mitchell et Antoni Tàpies, ont continué à travailler dans le style expressionniste abstrait pendant de nombreuses années, étendant et élargissant ses implications visuelles et philosophiques, comme de nombreux artistes abstraits continuent à le faire aujourd »hui, dans des styles décrits comme l »abstraction lyrique, le néo-expressionnisme et autres.

Dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, un groupe d »artistes new-yorkais a créé l »une des premières véritables écoles d »artistes en Amérique, ouvrant une nouvelle ère dans l »art américain : l »expressionnisme abstrait. Cela a conduit au boom de l »art américain qui a donné naissance à des styles tels que le Pop Art. Cela a également contribué à faire de New York un centre culturel et artistique.

Les expressionnistes abstraits valorisent l »organisme par rapport à l »ensemble statique, le devenir par rapport à l »être, l »expression par rapport à la perfection, la vitalité par rapport au fini, la fluctuation par rapport au repos, le sentiment par rapport à la formulation, l »inconnu par rapport au connu, le voilé par rapport au clair, l »individu par rapport à la société et l »intérieur par rapport à l »extérieur.

A lire aussi, mythologie – Thor

Artistes expressionnistes abstraits

Styles, tendances, écoles et mouvements connexes

A lire aussi, biographies-fr – Pie XI

Autres sujets connexes

Sources