Giorgio Morandi
gigatos | avril 4, 2022
Résumé
Giorgio Morandi (20 juillet 1890, Bologne – 18 juin 1964, Bologne) était un peintre et graphiste italien.
Le futur artiste, l »aîné de cinq enfants, est né dans la famille d »Andrea Morandi (1858-1909) – copropriétaire de la succursale de Bologne d »une entreprise française, qui faisait le commerce du chanvre, il épouse en 1889 la jeune Maria Maccaferri, âgée de 19 ans. Giorgio a d »abord travaillé dans le cabinet de son père, mais sa passion précoce pour la peinture lui a fait prendre un autre chemin dans la vie : en 1907, il s »est inscrit à l »Accademia di Belle Arti di Bologna. Après la mort précoce de son père, grâce aux efforts de sa mère pour assurer l »éducation de ses enfants, il a pu poursuivre ses études et être diplômé de l »Accademia en 1913. Morandi a obtenu de bons résultats dans l »étude, mais n »a pas reçu d »une éducation académique l »école de la créativité, qui a cherché. Cette école aurait pu lui offrir un voyage à Paris, dont il rêvait au début des années 1910, mais les difficultés financières de sa famille ne lui ont pas permis de quitter Bologne, où il a enseigné le dessin dans les écoles primaires de 1914 à 1929.
Dans la nouvelle peinture française, que Morandi ne connaît d »abord que par des reproductions en noir et blanc, il est guidé par les œuvres de Renoir et de Cézanne en particulier. Mais si les tableaux de Renoir ont été vus directement par le jeune artiste en 1910 à la IXe Biennale de Venise, où une salle entière était consacrée aux œuvres de Renoir, pendant longtemps, il n »a étudié les tableaux de Cézanne que par reproduction.
Les premières œuvres connues de Morandi – un paysage et un portrait de sa sœur Dina, exécutés d »une manière plastique tranchante – sont datées de 1911 et 1912. Entre 1913 et 1914, Giorgio Morandi participe à plusieurs expositions futuristes à Bologne et à Rome, rencontre Umberto Boccioni et Carlo Carrà, et reçoit les éloges du leader futuriste italien Tomaso Marinetti, mais ses activités créatives sont largement influencées par le travail des cubistes français et en partie par Henri Rousseau. Parallèlement à son intérêt pour les expériences des nouveaux mouvements, Morandi approfondit la peinture des maîtres anciens – Giotto, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca – avec des voyages à Florence (1910), Padoue et Assise.
À l »occasion de l »entrée de l »Italie dans les hostilités de la Première Guerre mondiale à l »été 1915, il est appelé sous les drapeaux (en raison de sa très grande taille, il est affecté à un régiment de grenadiers), mais après deux mois de service, il souffre d »une dépression nerveuse et est réformé. En 1917, Morandi tombe à nouveau gravement malade et est presque incapable de travailler.
En 1916-1919, la quête créative de Morandi le rapproche des représentants de la « peinture métaphysique » – Giorgio de Chirico, Arturo Martini et, en particulier, Carlo Carr. Dans les premières années d »après-guerre, ces artistes, ainsi que Morandi, sont membres des « Valori Plastici » (« Valeurs plastiques »), du nom de la revue du même nom fondée en 1918 par l »artiste, éditeur et marchand d »art Mario Broglio, qui organise en 1921 une exposition itinérante du groupe à Berlin, Dresde, Hanovre et Munich. Broglio est le premier à signer un contrat d »exclusivité avec l »artiste bolonais et commence à vendre ses œuvres. Cependant, en 1922, alors que Morandi expose encore avec de Chirico, Carra et Martini à l » »Exposition de printemps » de Florence (et de Chirico écrit un article sur lui dans le catalogue de cette exposition), ses nouvelles œuvres indiquent que son « stade métaphysique » est révolu.
Dans les années 1930, Giorgio Morandi reçoit sa première reconnaissance. D »abord comme graphiste : les succès de la décennie précédente dans le domaine de la gravure lui permettent en 1930 de prendre la chaire de technique de gravure à l »Académie des Beaux-Arts de Bologne (il l »occupera jusqu »en 1956). En 1932, il assiste à la première exposition de gravure italienne contemporaine à Florence et, la même année, la revue L »italiano lui consacre un numéro spécial avec un article d »Ardengo Soffici, qui suggère en 1938 que Morandi devienne membre correspondant de l »Académie des Beaux-Arts de Florence. Peu à peu, sa peinture devient également un phénomène notable dans l »art italien : depuis 1931, les œuvres de Morandi sont présentées à la plus prestigieuse exposition nationale, la Quadrenale de Rome, et en 1939, 42 de ses tableaux sont mis à l »honneur dans une salle d »exposition séparée de la Quadrenale III de Rome.
Au milieu des années 1930, sa peinture est très appréciée par le célèbre historien de l »art Roberto Longhi et par l »important collectionneur, critique et homme d »affaires Lamberto Vitali (1896-1992), avec qui Giorgio Morandi est ensuite lié par une longue amitié. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Longhi a contribué à le faire libérer de la prison de Bologne et l »a ensuite soutenu en organisant une exposition personnelle à la Galleria Il Fiore de Florence, qui a été inaugurée le 25 avril 1945, le jour où les Alliés ont libéré Bologne. Vitale devient non seulement l »un des plus grands collectionneurs d »œuvres de Morandi (dont il lègue les plus précieuses à la Pinacothèque Brera de Milan), mais aussi l »auteur d »un catalogue à vie de ses dessins (1957) et d »un catalogue récapitulatif posthume de l »artiste (1977).
Malgré la célébrité qui lui est venue dans les années d »après-guerre, Morandi n »a pas changé son style de vie modeste. Célibataire, il vit avec ses sœurs célibataires dans l »appartement vétuste de ses parents à Bologne, l »une des pièces lui servant de studio et de chambre. Ce n »est qu »en 1959 qu »il construit une maison dans la commune rurale de Grizzana, à 30 km de Bologne, où il avait passé de nombreuses années pendant la guerre ; Morandi y passe les mois d »été avec ses sœurs et les dernières années de sa vie. En 1985, le nom de l »artiste a été ajouté au nom de cette commune : Grizzana-Morandi.
Lors d »une rare interview à la fin des années 1950, Giordo Morandi a parlé ainsi du genre principal de son œuvre :
« Essentiellement, je suis un artiste dont la part du lion est constituée de natures mortes, capables de transmettre au spectateur un sentiment de paix et d »intimité, qualités que j »apprécie moi-même plus que tout. <…>
Les catalogues consolidés de Vitali présentent environ 1 340 peintures à l »huile de Giorgio Morandi (sans compter les aquarelles et les dessins). Les paysages représentent un peu moins d »un cinquième de son héritage, Morandi n »a pratiquement pas laissé de portraits (le reste de ses œuvres sont des natures mortes, dont un grand groupe de ses « Fleurs » (il les appelait « natures mortes florales » et les offrait généralement aux connaisseurs, à ses amis et à ses sœurs), ainsi qu »un certain nombre de peintures et de gravures représentant des coquillages – « images du monde pétrifié ».
Les historiens de l »art qui ont visité l »atelier de Giorgio Morandi ont noté l »approche particulière de l »artiste vis-à-vis de la nature dont sont issues ses natures mortes. Selon Roberto Longhi, il s »agissait d » »objets inutiles », c »est-à-dire d »objets sortis de la réalité. Victoria Markova se souvient : « …Presque tous ces objets – bouteilles, jarres, vases de formes diverses – étaient soit peints à la gouache dans une couleur particulière <…>, soit recouverts d »une couche de plâtre délibérément négligée, grâce à laquelle ils perdaient non seulement leur lien utilitaire avec la vie quotidienne, mais aussi leur texture naturelle et leurs propriétés matérielles – le verre cessait d »être du verre, et le métal n »était plus du métal. James Troll Sobie, commissaire de l »exposition new-yorkaise Italian Art of the 20th Century (1949), a souligné que, lorsqu »il préparait les objets pour ses natures mortes (boîtes, parallélépipèdes), Morandi « … peignait souvent leurs surfaces avec des formes géométriques simples – carrés, cercles, rectangles – dans des couleurs invariablement douces ». Maria Christiane Bandera, directrice de recherche de la Fondation Robert Longy, a décrit un objet « réalisé en étain spécialement à la demande de Morandi et que l »on retrouve souvent dans ses œuvres – sous la forme d »un entonnoir renversé posé sur un cylindre. Elle a réalisé une étude approfondie des techniques de travail de l »artiste, et souligne que Morandi s »est détaché de la fonctionnalité de ses objets mis en scène et a passé beaucoup de temps à les agencer et à les adapter les uns aux autres.
Il est significatif qu »en comparant les compositions des sujets des différentes natures mortes de Morandi de la même période, la fin des années 1940 par exemple, Bandera en parle en termes de musique et d »architecture :
« Il les réunissait ensuite comme un tout, puis les retournait, orchestrant leur mélodie avec des couleurs pleines de lumière, raffinées, sophistiquées. Il a sélectionné des objets aux formes allongées – cruches, vases, lampes, bouteilles. Le plus souvent, il s »agit de bouteilles, ses propres bouteilles : des bouteilles de Bourgogne sombres et traditionnelles ; des bouteilles à col allongé qui ressemblent aux flèches des cathédrales gothiques, s »étirant vers le haut, avec des taches de lumière qui accentuent leur structure ; des bouteilles en spirale et cannelées ; des bouteilles en forme de pyramide avec une base triangulaire ; des bouteilles « persanes » – plates, avec un col court. Il a choisi des récipients comme formes élémentaires de différentes hauteurs et proportions pour aider à construire une composition… ».
Giorgio Morandi est un phénomène totalement indépendant dans l »art du vingtième siècle. L »influence « métaphysique » qu »il a subie au début de son œuvre n »aurait eu aucun intérêt (cette disposition stéréotypée de figures « mannequinales » dans l »esprit de G. Chirico dans une tridimensionnalité géométrique simplifiée, et ne dirait rien de l »artiste auquel son nom est associé, si même ses premières œuvres ne montraient pas le coloriste raffiné qu »il était dans la période la plus expressive de sa peinture. La proximité avec le minimalisme, que certains critiques d »art prétendent, ne s »applique donc pas – sa gamme, bien qu »apparemment simple, est extrêmement complexe, et construite sur les nuances les plus subtiles ; Et les formes présentes dans ses œuvres sont simples, mais suffisamment variées, dotées de caractère, et parfois finement fantaisistes plutôt que primitives – dans le sens impliqué par ce style.
La clé de la compréhension de son art se trouve dans les peintures du début de la Renaissance italienne, dans les fresques de Giotto, dans les natures mortes de F. La clé pour comprendre son art se trouve dans les fresques de Giotto et les natures mortes de F. Surbaran ou les simples croquis de J.-B. S. Chardin. Le mode de vie de l »artiste, qui s »est éloigné des problèmes du monde trépidant (il n »a pratiquement jamais quitté Bologne), témoigne de son désir de voir et de montrer la beauté des formes simples, de sa capacité à la trouver constamment dans cette vie tranquille, en chambre, qui apparaît derrière la monotonie imaginaire dans la variété, « l »intimité » des ambiances de ses tableaux.
L »expérience de Morandi en matière de graphisme de chevalet est également intéressante. Ses gravures sont caractérisées par une gamme de tons doux proche de celle inhérente à ses peintures ; en fait, il résout ici les mêmes problèmes que dans la peinture à l »huile, mais y parvient en utilisant des moyens techniques complètement différents, le résultat étant l »unité de l »imagerie. Les sujets des natures mortes de G. Morandi sont entremêlés d »objets domestiques prosaïques, tels que des cafetières, des bocaux et des bouteilles… Le peintre a trouvé sa propre approche pour résoudre ses problèmes de composition, artistiques et plastiques les plus intéressants. Il parvient à transmettre les relations spatiales, la lumière et l »ombre à l »aide de traits croisés, se croisant les uns les autres ou passant d »un objet à l »autre sans contour. Les sujets se fondent dans l »arrière-plan, il n »y a pas de contour, pas de limites claires. Le peintre atteint une grande harmonie et une grande intégrité dans l »impression.
Ses œuvres ont reçu le prix de la peinture à la Biennale de Venise (1948), le grand prix pour une série de gravures à la Biennale de São Paulo (1953) et le grand prix de la peinture à la Biennale de São Paulo (1957). En 1962, après une exposition personnelle à Siegen, l »artiste a reçu le prix Rubens et en 1963, il a reçu la médaille d »or Arquiginasio au nom de la ville de Bologne.
Les natures mortes de Morandi apparaissent dans « La Dolce Vita » (1960) de Federico Fellini et dans « La Nuit » (1961) de Michelangelo Antonioni.
La première exposition monographique de Giorgio Morandi en Union soviétique s »est tenue du 18 mai au 10 juillet 1973 à Moscou, au Musée des Beaux-Arts Pouchkine. Elle comprenait 24 peintures (dont deux provenant de la collection de l »Ermitage), 13 aquarelles et dessins, et 50 gravures.
En 1989, Leningrad et Moscou ont accueilli une grande exposition rétrospective sur le centenaire de Morandi dans le cadre d »une grande tournée internationale intitulée Progetto Morandi Europa. Sette mostre in sette musei » (« sept expositions dans sept musées »). Le projet a débuté en novembre 1988 à Tampere (Finlande) puis l »exposition a été présentée à Leningrad du 21 janvier au 19 février 1989 dans les salles de la galerie Nadvornaya du Palais d »Hiver où 58 peintures, 25 aquarelles, 25 dessins au crayon et 22 gravures ont été exposés. À Moscou, l »exposition était accueillie par l »Union des artistes de l »URSS et, en raison de difficultés d »organisation, l »exposition, qui s »est tenue en mars dans les salles de la Maison centrale des artistes, a été raccourcie de moitié. L »exposition a ensuite voyagé à Londres, Locarno et Tübingen ; selon l »organisatrice de cette tournée, Marilena Pasquali, elle s »est terminée à Düsseldorf en mars 1990.
La troisième exposition nationale de Morandi a eu lieu à Moscou, dans les salles du musée des Beaux-Arts Pouchkine, du 25 avril au 10 septembre 2017. L »exposition comprenait 46 peintures, 7 aquarelles, 23 gravures et 8 planches de gravure. Un catalogue détaillé, publié en russe et en italien dans une traduction parallèle, était un complément indispensable aux œuvres exposées.
Sources
