Umberto Boccioni
gigatos | marzo 18, 2022
Resumen
Umberto Boccioni (19 de octubre de 1882 – 17 de agosto de 1916) fue un influyente pintor y escultor italiano. Contribuyó a dar forma a la estética revolucionaria del movimiento futurista como una de sus principales figuras. A pesar de su corta vida, su enfoque del dinamismo de la forma y la deconstrucción de la masa sólida guiaron a los artistas mucho después de su muerte. Sus obras se conservan en muchos museos de arte públicos, y en 1988 el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York organizó una gran retrospectiva de 100 piezas.
Umberto Boccioni nació el 19 de octubre de 1882 en Reggio Calabria. Su padre era un funcionario menor, originario de la región de Romagna, en el norte, y su trabajo incluía frecuentes reasignaciones por toda Italia. La familia pronto se trasladó al norte, y Umberto y su hermana mayor, Amelia, crecieron en Forlì (Emilia-Romaña), Génova y, finalmente, Padua. A los 15 años, en 1897, Umberto y su padre se trasladaron a Catania (Sicilia), donde terminaría la escuela. Algún tiempo después de 1898, se trasladó a Roma y estudió arte en la Scuola Libera del Nudo de la Accademia di Belle Arti di Roma. También estudió con el cartelista de estilo Liberty Giovanni Mataloni.
Lo poco que se sabe de sus años en Roma se encuentra en la autobiografía de su amigo Gino Severini (1883-1966), que recuerda su encuentro en 1901 y el interés mutuo por Nietzsche, la rebelión, las experiencias vitales y el socialismo. Los escritos de Boccioni en esta época ya expresan la combinación de indignación e ironía que se convertiría en una característica de toda la vida. Su carácter crítico y rebelde, y su capacidad intelectual en general, contribuirían sustancialmente al desarrollo del movimiento futurista. Después de construir una base de habilidades, habiendo estudiado los clásicos a través del Impresionismo, tanto él como Severini se convirtieron en alumnos de Giacomo Balla (1871-1958), un pintor centrado en la moderna técnica Divisionista, pintando con colores divididos en lugar de mezclados y rompiendo la superficie pintada en un campo de puntos y rayas punteadas. Severini escribió: «Fue una gran suerte para nosotros conocer a un hombre así, cuya dirección fue decisiva para todas nuestras carreras».
En 1906, se trasladó brevemente a París, donde estudió los estilos impresionista y postimpresionista, antes de visitar Rusia durante tres meses, para conocer de primera mano los disturbios civiles y las medidas gubernamentales. De regreso a Italia en 1907, tomó brevemente clases de dibujo en la Accademia di Belle Arti de Venecia. La primera vez que visitó la Famiglia Artistica, una sociedad de artistas de Milán, fue en 1901.
Mientras viajaba de una ciudad a otra, paralelamente a sus esfuerzos artísticos más rompedores, trabajó como ilustrador comercial. Entre 1904 y 1909 proporcionó litografías y pinturas al gouache a editoriales de renombre internacional, como la berlinesa Stiefbold & Co. La producción de Boccioni en este campo demuestra su conocimiento de la ilustración europea contemporánea, como la obra de Cecil Aldin, Harry Eliott, Henri Cassiers y Albert Beerts, y atestigua su información de las tendencias contemporáneas en las artes visuales más en general.
Boccioni se trasladó a Milán en 1907. Allí, a principios de 1908, conoció al pintor divisionista Gaetano Previati. A principios de 1910 conoció a Filippo Tommaso Marinetti, que ya había publicado su Manifiesto del Futurismo el año anterior. El 11 de febrero de 1910, Boccioni firmó, junto con Balla, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Severini, el Manifiesto de los pintores futuristas, y el 8 de marzo lo leyó en el teatro Politeama Chiarella de Turín.
Boccioni se convirtió en el principal teórico del movimiento artístico. «Sólo cuando Boccioni, Balla, Severini y algunos otros futuristas viajaron a París a finales de 1911 y vieron lo que Braque y Picasso habían estado haciendo, el movimiento empezó a tomar verdadera forma». También decidió ser escultor después de visitar varios estudios en París, en 1912, entre ellos los de Georges Braque, Alexander Archipenko, Constantin Brâncuși, Raymond Duchamp-Villon, August Agero y, probablemente, Medardo Rosso. En 1912 expuso algunos cuadros junto con otros futuristas italianos en la Galerie Bernheim-Jeune, y al año siguiente volvió a exponer sus esculturas en la Galerie La Boétie: todo ello relacionado con la elaboración de lo que Boccioni había visto en París, donde había visitado los estudios de escultores cubistas, entre ellos los de Constantin Brâncuși, Raymond Duchamp-Villon y Alexander Archipenko para ampliar sus conocimientos sobre la escultura de vanguardia.
En 1914 publicó Pittura e scultura futuriste (dinamismo plástico) explicando la estética del grupo:
«Mientras los impresionistas pintan un cuadro para dar un momento concreto y subordinan la vida del cuadro a su parecido con este momento, nosotros sintetizamos todos los momentos (tiempo, lugar, forma, color-tono) y así pintamos el cuadro.
Expuso en Londres, junto con el grupo, en 1912 (Sackville Gallery) y 1914 (Doré Gallery): las dos exposiciones causaron una profunda impresión en varios jóvenes artistas ingleses, en particular en C.R.W. Nevinson, que se unió al movimiento. Otros se alinearon en cambio con su equivalente británico, el vorticismo, dirigido por Wyndham Lewis.
«El don de Boccioni consistió en aportar una mirada fresca a la realidad de un modo que, ahora reconocemos, definió la naturaleza del movimiento moderno en las artes visuales y también en la literatura». –Michael Glover (crítico de arte, The Independent)
La participación italiana en la Primera Guerra Mundial comenzó a finales de mayo de 1915 con la declaración de guerra de Italia a Austro-Hungría. El «Batallón de Voluntarios Ciclistas y Motoristas Lombardos», del que formaba parte Boccioni, partió a principios de junio de Milán a Gallarate, para dirigirse después a Peschiera del Garda, en la retaguardia del frente del Trentino. En julio de 1915, los voluntarios fueron destinados a un sector del frente en torno a Ala y la Gardesana. El 24 de octubre de 1915, Boccioni participó en la batalla de Dosso Casina. El 1 de diciembre de 1915 el batallón fue disuelto en el marco de una reorganización general; los voluntarios fueron despedidos temporalmente, y luego cada uno fue llamado a filas junto con la clase. En mayo de 1916, Boccioni fue reclutado por el ejército italiano y fue asignado a un regimiento de artillería en Sorte de Chievo, cerca de Verona. El 16 de agosto de 1916, fue arrojado de su caballo durante un ejercicio de entrenamiento de caballería y fue pisoteado. Murió al día siguiente, a la edad de treinta y tres años, en el Hospital Militar de Verona, y fue enterrado en el Cementerio Monumental de esa ciudad.
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Primeros retratos y paisajes
De 1902 a 1910, Boccioni se centró inicialmente en los dibujos, y luego esbozó y pintó retratos, con su madre como modelo frecuente. También pintó paisajes, a menudo con la llegada de la industrialización, los trenes y las fábricas, por ejemplo. Durante este periodo, se mueve entre el puntillismo y el impresionismo, y la influencia de Giacomo Balla, y las técnicas del divisionismo son evidentes en los primeros cuadros (aunque luego se abandonan en gran medida). La mañana (1909) destaca por «la audaz y juvenil violencia de los tonos» y como «un atrevido ejercicio de luminosidad». Su obra Tres mujeres (1909-10), que retrata a su madre y a su hermana, y a su amante de toda la vida, Inés, en el centro, fue citada por expresar una gran emoción: fuerza, melancolía y amor.
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Desarrollo del futurismo
Boccioni trabajó durante casi un año en La città sale o La ciudad se levanta, 1910, un cuadro enorme (2 m por 3 m), que se considera su punto de inflexión en el futurismo. «Intenté una gran síntesis de trabajo, luz y movimiento», escribió a un amigo. Tras su exposición en Milán en mayo de 1911, el cuadro atrajo numerosas críticas, en su mayoría de admiración. En 1912 se había convertido en un cuadro de cabecera para la exposición que recorría Europa, la introducción al Futurismo. Ese año se vendió al gran pianista Ferruccio Busoni por 4.000 liras, y hoy se expone con frecuencia en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la entrada del departamento de pintura.
La risata (1911) se considera la primera obra verdaderamente futurista de Boccioni. Había abandonado por completo el divisionismo y ahora se centraba en las sensaciones derivadas de su observación de la vida moderna. Su recepción pública fue bastante negativa, comparada desfavorablemente con Tres mujeres, y fue desfigurada por un visitante, pasando sus dedos por la pintura aún fresca. Las críticas posteriores fueron más positivas, y algunos consideraron el cuadro una respuesta al cubismo. Fue comprada por Albert Borchardt, un coleccionista alemán que adquirió 20 obras futuristas expuestas en Berlín, entre ellas La calle entra en casa (1911), que representa a una mujer en un balcón con vistas a una calle concurrida. En la actualidad, la primera también es propiedad del Museo de Arte Moderno, y la segunda del Museo Sprengel de Hannover.
Boccioni pasó gran parte de 1911 trabajando en una trilogía de cuadros titulada «Stati d»animo» («Estados de ánimo»), que, según él, expresaban la salida y la llegada a una estación de ferrocarril: Las despedidas, Los que se van y Los que se quedan. Los tres cuadros fueron comprados originalmente por Marinetti, hasta que Nelson Rockefeller los adquirió de su viuda y posteriormente los donó al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
A partir de 1912, con Elasticità o Elasticidad, que representa la energía pura de un caballo, plasmada con un intenso cromatismo, completó una serie de cuadros dinámicos: Dinamismo di un corpo umano (Cuerpo humano), ciclista (Ciclista), Foot-baller (Jugador de fútbol), y en 1914 Dinamismo plástico: cavallo + caseggiato (Dinamismo plástico: caballo + casas).
A la vez que continúa con este enfoque, revive su anterior interés por el retrato. Comenzando con L»antigrazioso (El antigracioso) en 1912 y continuando con I selciatori (Los adoquines de la calle) e Il bevitore (El bebedor) ambos en 1914.
En 1914 Boccioni publicó su libro Pittura, scultura futuriste (Pintura y escultura futurista), que provocó una ruptura entre él y algunos de sus compañeros futuristas. Como consecuencia de ello, quizás abandonó su exploración del Dinamismo, y en su lugar buscó una mayor descomposición de un tema por medio del color. Con Volúmenes horizontales, en 1915, y el Retrato de Ferruccio Busoni, en 1916, completó su regreso a la pintura figurativa. Tal vez sea oportuno que este último cuadro sea un retrato del maestro que compró su primera obra futurista, La ciudad se levanta.
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Escultura
La redacción de su Manifiesto técnico de la escultura futurista, publicado el 11 de abril de 1912, supuso el lanzamiento intelectual y físico de Boccioni a la escultura, que había comenzado a trabajar en ella el año anterior.
A finales de 1913 había terminado la que se considera su obra maestra, Forme uniche della continuità nello spazio (Formas únicas de continuidad en el espacio), en cera. Su objetivo era representar una «continuidad sintética» del movimiento, en lugar de la «discontinuidad analítica» que veía en artistas como František Kupka y Marcel Duchamp. Durante su vida, la obra sólo existió como molde de yeso. Se fundió por primera vez en bronce en 1931. Esta escultura ha sido objeto de amplios comentarios, y en 1998 fue seleccionada como imagen para ser grabada en el reverso de la moneda italiana de 20 céntimos de euro.
Poco después de la muerte de Boccioni en 1916 (y tras la celebración de una exposición conmemorativa en Milán), su familia las confió por un tiempo impermanente a un colega escultor, Piero da Verona; éste pidió entonces a su ayudante que las depositara en el vertedero local. El indignado relato de Marinetti sobre la destrucción de las esculturas fue ligeramente diferente; en sus memorias, afirmó que las esculturas fueron destruidas por los obreros para despejar el espacio que el «envidioso escultor de mente estrecha» había colocado. Así, gran parte de su obra experimental de finales de 1912 a 1913 fue destruida, incluidas las piezas relacionadas con las pinturas contemporáneas, que sólo se conocen a través de fotografías. Una de las pocas piezas que se conservan es el Antigrazioso (también llamado La madre).
En 2019, la Colección Estorick de Arte Moderno Italiano realizó una exposición que reconstruía varias de las esculturas destruidas.
Fuentes
