Salvador Dalí

Resumen

Salvador Dalí, nacido en Figueras el 11 de mayo de 1904 y fallecido en la misma ciudad el 23 de enero de 1989, fue un pintor, escultor, grabador, guionista y escritor catalán de nacionalidad española. Se le considera uno de los principales representantes del surrealismo y uno de los pintores más famosos del siglo XX.

Influido por el impresionismo desde muy joven, dejó Figueras para recibir una formación artística académica en Madrid, donde trabó amistad con Federico García Lorca y Luis Buñuel y buscó su estilo entre diferentes movimientos artísticos. Siguiendo el consejo de Joan Miró, se trasladó a París tras sus estudios y se unió al grupo surrealista, donde conoció a su esposa Gala. Encontró su propio estilo a partir de 1929, cuando se convirtió en un surrealista de pleno derecho e inventó el método paranoico-crítico. Excluido del grupo unos años más tarde, vivió la Guerra Civil española en el exilio en Europa, antes de abandonar la Francia devastada por la guerra para ir a Nueva York, donde vivió durante ocho años e hizo fortuna. A su regreso a Cataluña, en 1949, se volvió al catolicismo, se acercó a la pintura del Renacimiento y se inspiró en los avances científicos de su época para desarrollar su estilo hacia lo que denominó «misticismo corpuscular».

Sus temas más frecuentes eran los sueños, la sexualidad, la comida, su esposa Gala y la religión. La persistencia de la memoria es uno de sus cuadros surrealistas más famosos, El Cristo de San Juan de la Cruz es uno de sus principales cuadros con motivo religioso. Artista muy imaginativo, mostró una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, lo que le permitió atraer la atención del público, pero irritó a algunos en el mundo del arte, que veían este comportamiento como una forma de publicidad que a veces iba más allá de su obra. Durante su vida se le dedicaron dos museos, el Museo Salvador Dalí y el Teatro-Museo Dalí. El propio Dalí creó esta última como una obra surrealista en toda regla.

La simpatía de Dalí por Francisco Franco, su excentricidad y sus obras tardías hacen que el análisis de su obra y su persona sea difícil y controvertido.

Infancia

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech nació en el número 20 de la calle Monturiol. Esta zona, el Ampurdán, con el puerto de Cadaqués, le sirvió de «telón de fondo, de apoyo y de escenario» para su obra. Su padre, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) era notario. Su madre fue Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Nació nueve meses después de la muerte de su hermano, también llamado Salvador (1901-1903), que murió de una gastroenteritis infecciosa. Cuando tenía cinco años, sus padres le llevaron a la tumba de su hermano y le dijeron -según contó- que era la reencarnación de su hermano. Se dice que esta escena le provocó el deseo de demostrar su singularidad en el mundo, el sentimiento de ser una copia de su hermano y el temor a la tumba de éste.

«Nací doble. Mi hermano, el primer intento de mí mismo, un genio extremo y por lo tanto inviable, todavía había vivido siete años antes de que sus circuitos cerebrales acelerados se incendiaran».

Su padre es descrito como autoritario o más bien liberal, según la fuente. En cualquier caso, aceptó sin demasiada dificultad que su hijo emprendiera la carrera de las artes, animado por el resurgimiento artístico en Cataluña a principios de siglo. Su madre compensó un poco este carácter autoritario, apoyando el interés artístico de su hijo, tolerando sus rabietas, sus enojos, sus sueños y sus mentiras.

Dalí también tenía una hermana, Ana María, cuatro años menor que él. En 1949 publicó un libro sobre su hermano, Dalí visto por su hermana. Durante su infancia, Dalí entabló amistad con futuros jugadores del Barcelona F.C., como Emilio Sagi-Barba o Josep Samitier. Durante las vacaciones, el trío jugó al fútbol en Cadaqués. En 1916, descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia del pintor impresionista Ramón Pichot, un artista local que viajaba regularmente a París, la capital del arte de la época.

Por consejo de Pichot, su padre le envió a tomar clases de pintura con Juan Núñez en la escuela municipal de grabado. Al año siguiente, su padre organizó una exposición de sus dibujos a lápiz en la casa familiar. A los catorce años, en 1919, Dalí participa en una exposición colectiva de artistas locales en el teatro municipal de Figueras, donde varios de sus cuadros llaman la atención de dos famosos críticos: Carlos Costa y Puig Pujades. También participó en una segunda exposición colectiva en Barcelona, patrocinada por la Universidad, donde recibió el Premio del Rector. La influencia impresionista se ve claramente en los cuadros de Dalí hasta 1919. La mayor parte de ellas fueron realizadas en Cadaqués, inspiradas en el pueblo y en sus escenas de la vida cotidiana.

Al final de la Primera Guerra Mundial, se unió a un grupo de anarquistas y puso sus miras en el desarrollo de la revolución marxista. Al año siguiente, en 1919, cuando cursaba su último año en el Instituto Ramón Muntaner, publicó con varios de sus amigos una revista mensual, Studium, en la que aparecían ilustraciones, textos poéticos y una serie de artículos sobre pintores como Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci. En 1921, junto con unos amigos, fundó el grupo socialista Renovació Social.

En febrero de 1921 su madre muere de cáncer de útero. Dalí tenía entonces 16 años. Más tarde dijo que este fue «el golpe más duro que he recibido en mi vida». La adoraba. No podía resignarme a la pérdida de un ser con el que pretendía hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma». Posteriormente, el padre de Dalí se volvió a casar con la hermana del fallecido, lo que Dalí nunca aceptó. Obtuvo el bachillerato en 1922.

La juventud en Madrid

En 1922 Dalí se traslada a la famosa residencia de estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Enseguida llamó la atención por su excéntrico carácter de dandi. Llevaba el pelo largo y con patillas, una gabardina y calcetines gruesos de estilo victoriano. Sin embargo, fueron sus pinturas, que Dalí tiñó de cubismo, las que más llamaron la atención de sus compañeros de residencia, especialmente de los que se convirtieron en figuras del arte español: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel, Rafael Barradas y, en general, la generación del 27. Sin embargo, es posible que en aquella época Dalí no comprendiera del todo los principios cubistas. De hecho, sus únicas fuentes eran los artículos publicados en la prensa -L»Esprit Nouveau- y un catálogo que le entregó Pichot, ya que en aquella época no había pintores cubistas en Madrid. Aunque sus profesores estaban abiertos a lo nuevo, iban por detrás del alumno: adaptaban el impresionismo francés a los temas hispanos, un enfoque que Dalí había superado el año anterior.

Dalí se dedicó, junto con Lorca y Buñuel, al estudio de los textos psicoanalíticos de Sigmund Freud. Consideró el psicoanálisis como uno de los descubrimientos más importantes de su vida. Acusado erróneamente de dirigir una agitación en Cataluña, fue expulsado de la academia en 1923 y encarcelado del 21 de mayo al 11 de junio. El motivo de su detención parece estar relacionado con la denuncia de fraude electoral presentada por el padre de Dalí tras el golpe de Estado de Primo de Rivera. Dalí volvió a la Academia al año siguiente.

En 1924, todavía desconocido, Salvador Dalí ilustró por primera vez un libro. Se trata de una publicación del poema catalán Les Bruixes de Llers (Las brujas de Llers) de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, una influencia que le marcó para el resto de su vida. En la residencia rechazó las insinuaciones amorosas del joven Lorca, que le dedicó varios poemas:

«Era homosexual, todo el mundo lo sabe, y estaba locamente enamorado de mí. Intentó acercarse a mí unas cuantas veces… y yo estaba muy avergonzado, porque no era homosexual, y no estaba dispuesto a ceder.

– Salvador Dalí; conversaciones con Alain Bosquet

Los dos artistas se hicieron amigos. Junto a Maruja Mallo y Margarita Manso, también alumnas de la Escuela de Bellas Artes, participaron en el episodio fundacional del movimiento feminista Las Sinsombrero en la Puerta del Sol, llamado así por el acto de quitarse el sombrero en público, acto entonces reservado a los hombres en el Madrid de los años veinte. Es probable que cada uno de los jóvenes encontrara en el otro una pasión por el descubrimiento estético que coincidiera con sus propios deseos. Las peticiones del escritor se produjeron en un momento decisivo de la obra de Dalí, que veía en ella un eco de sus investigaciones sobre el inconsciente. Dadas las afabulaciones de Dalí, probablemente nunca sabremos cuál era su relación, aunque los dos artistas se retrataban «amorosamente». Los cuadros de esta época están marcados por el onanismo del pintor, que afirmaba haber permanecido virgen antes de su encuentro con Gala. Dalí recibe la visita de Federico García Lorca en noviembre de 1925 en Cadaqués, y ese mismo año Dalí celebra su primera exposición individual en Barcelona en la Galería Dalmau, donde presenta Retrato del padre del artista y Joven en la ventana.

A finales de 1926, la misma galería expuso otras obras de Dalí, entre ellas La cesta del pan, pintada durante ese año. Este fue el primer cuadro del artista que se expuso fuera de España, en 1928, en la exposición Carnegie de Pittsburgh. Su dominio de los medios pictóricos se refleja impecablemente en esta obra realista. Las primeras críticas de Barcelona fueron cálidas. Para uno de ellos, si este «niño de Figueras» volvió la cara hacia Francia, «es porque puede hacerlo, porque sus dotes de pintor, dadas por Dios, deben fermentar». ¿Qué importa si Dalí utiliza el lápiz de mina de Ingres o la gruesa madera de las obras cubistas de Picasso para avivar las llamas? Posteriormente, Dalí fue expulsado de la Academia en octubre de 1926, poco antes de sus exámenes finales, por haber declarado que nadie estaba en condiciones de examinarlo.

París, boda con Gala

En 1927, probablemente a principios de año, Dalí visita París por primera vez, con dos cartas de recomendación para Max Jacob y André Breton. Según él, este viaje «estuvo marcado por tres visitas importantes: Versalles, el Museo Grévin y Picasso», a quien el joven Dalí admiraba profundamente. Picasso ya había recibido comentarios elogiosos de Joan Miró sobre Dalí.

Pablo Picasso tenía 23 años más que él. Dalí contó que durante este encuentro le mostró uno de sus pequeños cuadros, La niña de Figueres, que Picasso contempló durante un cuarto de hora, y que luego Picasso hizo lo mismo con muchos de los suyos, sin mediar palabra. Añadió que cuando llegó la hora de irse, «en la puerta, intercambiamos una mirada que decía: »¿Entendido? – Entendido».

Con el tiempo, Dalí desarrolló su propio estilo y, a su vez, se convirtió en un punto de referencia y un factor de influencia en la pintura de estos pintores. Algunas de las características de la pintura de Dalí de esta época se convirtieron en las señas de identidad de su obra. Absorbió las influencias de diversas corrientes artísticas, desde el academicismo y el clasicismo hasta las vanguardias. Sus influencias clásicas fueron Rafael, Bronzino, Zurbarán, Vermeer y, por supuesto, Velázquez, cuyo bigote torcido adoptó y que se convirtió en un emblema. Alternaba técnicas tradicionales con métodos contemporáneos, a veces en la misma obra. Las exposiciones de este periodo atrajeron una gran atención, provocaron debates y dividieron a los críticos. Su hermana menor, Anna-Maria, sirvió a menudo de modelo durante este periodo, posando a menudo de espaldas frente a una ventana. En 1927, Dalí, con 23 años, alcanza su madurez artística, como se aprecia en sus obras La miel es más dulce que la sangre y Carne de ganso, la primera inspirada en su relación con Lorca y la segunda en su primer encuentro íntimo con Gala.

Unos meses más tarde, Luis Buñuel fue a Figueras, donde los dos amigos escribieron el guión de la película surrealista Un chien andalou, antes de que Dalí regresara a París en 1928, acompañado por otro catalán, Joan Miró. Para Robert Descharnes y Gilles Néret, la película lanzó a Dalí y Buñuel «como un cohete». Para el pintor, fue «un puñal en el corazón del París espiritual, elegante y culto», y añadió que la película fue aplaudida por un «público mudo que aplaude todo lo que parece nuevo y extraño».

Tras la visita de René Magritte y Paul Éluard a Cadaqués en el verano de 1929, y por consejo de Joan Miró, Dalí se une al surrealismo. A su regreso a París comenzó a frecuentar el grupo surrealista formado por Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara y Paul Éluard y su esposa Helena, conocida por todos como Gala. Nacida con el nombre de Elena Ivanovna Diakonova, era una emigrante rusa de la que Dalí se enamoró, y que fue seducida por este hombre diez años más joven que ella. Aunque Dalí afirmaba ser completamente impotente y virgen, su obra refleja su obsesión sexual. En particular, representó el deseo en forma de cabezas de leones.

Gala era su musa. Ocupó el lugar de su familia, organizó sus exposiciones y vendió sus cuadros. En diciembre, debido a su aventura con Gala -una mujer casada-, Salvador Dalí se enemista con su padre y su hermana Anna-Maria. La leyenda de un grabado mal interpretado completa el cuadro de un hijo enfrentado a su familia. El crítico de arte Eugenio d»Ors informó en un periódico de Barcelona de que Dalí había mostrado al grupo surrealista un cromo que representaba el Sagrado Corazón, en el que estaba escrito «a veces escupo por placer sobre el retrato de mi madre», provocando la ira de su padre y obligando a Dalí a marcharse. Él y Gala pasaron los años 1930 a 1932 en París. Sin embargo, los primeros meses fueron difíciles, ya que sus cuadros se vendían mal y la pareja vivía con muy poco. Pero el pintor se hizo un nombre en París, donde frecuentaba tanto las cenas sociales como los círculos surrealistas. En 1930, al no poder instalarse en Cadaqués por la hostilidad de su padre, Dalí y Gala compran una pequeña casa de pescadores a unos cientos de metros de Cadaqués, en primera línea de mar, en la pequeña cala de Portlligat. A lo largo de los años, con la ayuda de la fortuna, transformó su propiedad en una suntuosa villa, hoy convertida en museo. El paisaje de la pequeña cala se convirtió en una referencia pictórica permanente en la obra del pintor, que decía: «Aquí sólo estoy en casa, en todos los demás sitios sólo estoy de paso». Gala y Dalí se casaron por lo civil en 1934, antes de hacerlo por lo religioso en 1958.

En 1931 Dalí pintó uno de sus lienzos más famosos, La persistencia de la memoria, también conocido como Los relojes blandos, que, según algunas teorías, ilustra su rechazo al tiempo como entidad rígida o determinista. Dalí, «en un patético deseo de eternidad, convierte el tiempo del reloj, es decir, el tiempo mecánico de la civilización, en un material blando y dúctil que también puede comerse a la manera de un camembert corrido. Esta idea es desarrollada por otras figuras de la obra, como el gran paisaje o ciertos relojes de bolsillo que son devorados por los insectos. Por otra parte, los insectos forman parte del imaginario daliniano como entidad natural destructiva y, como explica el pintor en sus memorias, son una reminiscencia de su infancia.

Dalí y el grupo surrealista

Dalí sigue exponiendo regularmente y se une oficialmente al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. En octubre y noviembre de 1933, participó en el 6º Salón de los Superdotados con miembros del grupo.

Durante los dos años siguientes, su obra influyó fuertemente en el círculo surrealista, que lo aclamó como creador del método paranoico-crítico, que se decía permitía acceder al subconsciente, liberando las energías artísticas creativas. Es, según el pintor, un «método espontáneo de conocimiento irracional basado en la objetivación crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones delirantes». Breton rindió homenaje a este descubrimiento, que acababa de dotar

«Es el método crítico paranoico que el Surrealismo ha demostrado ser capaz de aplicar a la pintura, a la poesía, al cine, a la construcción de objetos típicamente surrealistas, a la moda, a la escultura, a la historia del arte e incluso, si es necesario, a cualquier tipo de exégesis.

– André Breton

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En esta época, Dalí abandona temporalmente su obra con imágenes de doble sentido, como El hombre invisible, mientras que las figuras de Guillermo Tell, Lenin, los paisajes y las figuras antropomórficas, el Ángelus de Millet, Vermeer y Hitler aparecen sistemáticamente en sus cuadros. Una actividad importante de este periodo fue la creación de objetos surrealistas con el escultor Giacometti. Según Dalí, están dotados de un «mínimo de funcionamiento mecánico, basado en las fantasías y representaciones susceptibles de ser provocadas por la realización de actos inconscientes». Se mantuvo impermeable a los problemas de los surrealistas con la política, una «anécdota de la historia» según él. Enfadó al grupo estudiando sistemáticamente a Hitler y «la esvástica tan antigua como el sol de China».

Si las diferencias políticas distanciaron poco a poco a André Breton y a Louis Aragon, las provocadas por Dalí no tenían comparación. Para André Thirion, Dalí «no era marxista y no le importaba», pero entre las ensoñaciones eróticas de Dalí hacia niñas de 12 años, que provocaron una reacción incluso en el Comité Central del Partido Comunista, y su obsesión por la figura de Hitler durante dos años, el pintor fue convocado a casa de Breton en enero de 1934, donde apareció vestido de enfermo, con un jersey y un termómetro en la boca. Una vez terminada la acusación de Breton, leyó su alegato en striptease, afirmando con un lenguaje florido que se limitaba a transcribir sus -particulares- sueños y que, como resultado de sus sueños, él y Breton serían pronto objeto de una performance homosexual. Fue expulsado después de esta reunión. Sin embargo, Dalí siguió colaborando con el grupo, que le necesitaba, sobre todo como agente publicitario, en Londres en 1936 con una escafandra, y en París en febrero de 1938, donde mostró su Taxi pluvieux, en el que dos maniquíes de escaparate recibían la lluvia entre ensaladas y caracoles de Borgoña.

A finales de 1933, su marchante Julien Levy expone 25 obras de Dalí en Nueva York. Dalí se moría por conocer los Estados Unidos. Las obras de Picasso ya estaban expuestas allí, a diferencia de los museos franceses. Caresse Crosby, una rica mujer estadounidense, le convenció fácilmente para que hiciera el viaje. Dalí y Gala viajaron a Nueva York por primera vez en 1934; Picasso les adelantó el dinero de los billetes. Los estadounidenses quedaron cautivados por la excentricidad del personaje y la audacia de un surrealismo con el que entonces casi no estaban familiarizados. Para gran desesperación de Breton, Dalí era considerado el único auténtico surrealista, hecho que el pintor, triunfante y ebrio de megalomanía, se apresuró a confirmar el 14 de noviembre en Nueva York: «Los críticos ya distinguen entre el surrealismo anterior o posterior a Dalí. La exposición en la galería Julien Levy fue un gran éxito y Dalí comprendió que su éxito estaba en Estados Unidos. Su pintura empezaba a ser apreciada. Edward James, ahijado del rey Eduardo VII, se convirtió en su mecenas y compró toda su obra de 1935 a 1936. La Metamorfosis de Narciso y el Canibalismo de Otoño son algunos de los cuadros más famosos de este periodo.

Guerra Civil Española

De vuelta a Cataluña, Dalí y Gala abandonan Portlligat en 1936 para huir de la Guerra Civil española y viajan por Europa. Vivieron durante un tiempo en la Italia fascista, donde se inspiró en las obras romanas y florentinas del Renacimiento, en particular para crear imágenes dobles como España. Sus cuadros Construcción blanda con judías hervidas (también conocido como Premonición de la Guerra Civil) y La jirafa en llamas fueron los más representativos de este periodo, en el que se inventaron estos monstruos. Estas reflejan su visión de la guerra, pero no su actitud política. Representó la guerra civil como un fenómeno histórico natural, una catástrofe natural, y no como un acontecimiento político, como había hecho Picasso con el Guernica. Fue en Londres donde se enteró del asesinato de su amigo Federico García Lorca el 19 de agosto de 1936 en Granada a manos de un franquista, lo que le hizo caer en una profunda depresión.

Durante su segundo viaje a Estados Unidos, la prensa y el público dieron al «Señor Surrealismo» una acogida triunfal. El retrato de Dalí realizado por el fotógrafo Man Ray fue portada de la revista Time en diciembre de 1936. En febrero de 1937, Dalí se reunió con los hermanos Marx en Hollywood y pintó un retrato de Harpo Marx, con cucharas, arpas y alambre de espino. La película que planeaban hacer nunca vio la luz. En 1938, por mediación de Edward James y de su amigo Stefan Zweig, Dalí conoce en Londres a Sigmund Freud, a quien admiraba desde hacía tiempo y cuya obra había inspirado sus propias investigaciones pictóricas sobre los sueños y el inconsciente.

Según el relato de Conroy Maddox, el anciano Freud le habló a Zweig en esta ocasión de Dalí:

«Nunca he visto un espécimen más perfecto de español; ¡qué fanático!

– Conroy Maddox.

En 1939 Dalí publica una Declaración de la independencia de la imaginación y de los derechos del hombre a su propia locura. Sus peregrinaciones europeas le llevaron a exiliarse durante cinco meses, desde septiembre de 1938, en la villa de Coco Chanel, La Pausa, donde preparó la exposición de Nueva York en la galería Julien Levy. En esta ocasión, en 1939, destruyó una obra que había creado y que había sido modificada sin su consentimiento en una tienda de la Quinta Avenida.

Nueva York

Cuando Francia entra en guerra en 1939, Dalí y Gala se encuentran en París, que abandonan para ir a Arcachon. Poco antes de la invasión alemana, fueron a España y luego a Portugal. Dalí, que se había desviado a Figueras para ver a su familia, se reunió con Gala en Lisboa, desde donde embarcaron hacia Nueva York. Vivieron allí durante ocho años, donde también viven muchos intelectuales franceses en el exilio. Dalí se integró perfectamente en la alta sociedad neoyorquina, pintó numerosos retratos de estadounidenses adinerados -Helena Rubinstein-, participó activamente en la vida teatral con grandes murales, fabricó sus primeras joyas y se interesó por el cine, en particular por los Hermanos Marx, Walt Disney y Alfred Hitchcock. Después de este traslado, también buscó la fe católica y acercar su pintura al clasicismo, lo que no hizo hasta 1945.

En 1941, Dalí envió a Jean Gabin un guión cinematográfico, Moontide (El barco del amor). A finales de ese año se celebró la primera exposición retrospectiva de Dalí en el Museo de Arte Moderno, y estas sesenta obras -43 óleos y 17 dibujos- viajaron por Estados Unidos durante los dos años siguientes. Las ocho mayores ciudades acogieron la exposición, asegurando la notoriedad del pintor, y pronto se multiplicaron las propuestas comerciales, permitiéndole amasar una sólida fortuna, lo que inspiró a Breton el feroz anagrama «Salvador Dalí – Dólares Avida». Robert y Nicolas Descharnes explican que «durante este periodo Dalí no dejó de escribir».

En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí. Escribió regularmente para los catálogos de sus exposiciones, como la organizada por la Galería Knoedler en 1943. En él afirmaba que «el surrealismo habrá servido al menos para dar una prueba experimental de la total esterilidad de los intentos de automatización que han ido demasiado lejos y han generado un sistema totalitario». La pereza contemporánea y la falta de técnica han alcanzado su paroxismo en el significado psicológico del uso actual de la institución académica. También escribió una novela, publicada en 1944, sobre un desfile de moda de coches, que inspiró una caricatura de Erdwin Cox para The Miami Herald, en la que Dalí lleva un automóvil como disfraz de fiesta. Durante estos años, Dalí realizó ilustraciones para ediciones en inglés de clásicos como El Quijote, la autobiografía de Benvenuto Cellini y los Ensayos de Michel de Montaigne. También diseñó los decorados de la película de Alfred Hitchcock Spellbound y, junto con Walt Disney, emprendió la producción del dibujo animado inacabado Destin, que se editó en 2003, mucho después de la muerte de sus autores.

Este fue uno de los periodos más prolíficos de su vida, pero discutido por algunos críticos, que creen que Dalí difuminó la línea entre el arte y los bienes de consumo al abandonar la pintura para dedicarse al diseño y los artículos comerciales. Los cuadros de esta época se inspiran en los recuerdos de Cataluña a través de sus colores y espacios, en los que el pintor representa temas de América. En este sentido, la pintura Poesía de América fue visionaria. Reúne en una obra la segregación negra, la pasión americana por el rugby y la irrupción de una marca en una obra de arte: Coca-Cola. Al final de la Segunda Guerra Mundial, no regresó inmediatamente a Europa. En 1945 dio un giro hacia el clasicismo, sin aislarse del resto del mundo. Los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki le inspiraron para crear Idilio atómico y uraniano y Tres esfinges en bikini. El abandono del «Dalí del psicoanálisis» por el «Dalí de la física nuclear» no le permitió dar un paso inmediato hacia el catolicismo. La pintura de esta época tomó prestadas de los clásicos las relaciones geométricas: la proporción áurea o divina. Este fue el caso, en particular, de Atomic Leda.

Volver a Cataluña

A partir de 1949, los Dalí volvieron a vivir en Cataluña bajo la dictadura de Franco y pasaron los inviernos en París, en una suite del Hotel Meurice. Multiplicó por diez su virtuosismo técnico, intensificó su interés por los efectos ópticos y, sobre todo, hizo su regreso a la fe católica. Fue recibido en audiencia privada el 23 de noviembre de 1949 por el Papa Pío XII. Su investigación sobre las proporciones clásicas le llevó a «sublimar todas las experiencias revolucionarias de la adolescencia en la gran tradición mística y realista de España». Esta conversión se concretó en dos cuadros, La Virgen de Port Lligat (1949) y Cristo de San Juan de la Cruz (1951), que se completaron con las ilustraciones para La Divina Comedia (1952, acuarelas). Para entonces ya había publicado su Manifeste mystique, en el que explicaba los entresijos de su misticismo nuclear, y firmaba sus primeros lienzos corpusculares, de los que es representativo el cuadro Galatea con esferas. Vinculó el catolicismo y la física de partículas explicando las elevaciones -de la Virgen, de Jesús- por la «fuerza angélica», de la que los protones y los neutrones serían vectores, elementos angélicos. Vinculó el cuerno de rinoceronte a la castidad, a la Virgen María, en un razonamiento que combinaba la geometría «divina» de la espiral logarítmica, el cuerno el animal y la construcción corpuscular «del más violento rigor» del lienzo del maestro holandés. Pintó muchos temas compuestos por este apéndice.

El 17 de diciembre de 1955, expuso estas ideas en la Sorbona en su conferencia «Aspectos fenomenológicos del método paranoico-crítico». Llegó a la universidad en un Rolls-Royce amarillo y negro, lleno de coliflores, que repartió como autógrafos. En su presentación, contrapuso Francia y España, siendo la primera el país más racional del mundo y la segunda el más irracional, y demostró la singularidad de los cuartos traseros del paquidermo con un girasol, relacionando el conjunto con el famoso Dentellière y los corpúsculos de la física atómica.

En 1959, André Breton organizó una exposición llamada «Homenaje al Surrealismo» para celebrar el cuadragésimo aniversario de este movimiento. La exposición incluía obras de Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara y Eugenio Granell. Breton se opuso firmemente a la inclusión de la Virgen Sixtina de Dalí en la Exposición Internacional Surrealista de Nueva York del año siguiente. Según Robert Descharnes, el comportamiento de Dalí en esta época fue una reacción a su fama para proteger su creatividad. Si Picasso, por las mismas razones, se había refugiado en el castillo de Vauvenargues, Dalí, incapaz de callarse, comentaba los fenómenos, los descubrimientos y los acontecimientos de su tiempo, y la mezcla resultante no siempre era del mejor gusto. Confundiendo a los críticos, dejó que los medios de comunicación más importantes analizaran sus bigotes y se concentraran en algunos de sus cuadros, como el Cristo de San Juan de la Cruz. Esta actitud hizo que el experto en surrealismo de Sotheby»s, Andrew Strauss, dijera

«Dalí trabajó para construir su popularidad a escala mundial. Precedió a Andy Warhol en esta estrategia del culto al artista estrella».

Dalí se interesó por los nuevos descubrimientos científicos de su época. Le fascinaban el ADN y el teseracto, un hipercubo de cuatro dimensiones. Su cuadro Corpus hypercubus (1954) representa a Jesucristo crucificado sobre el patrón de una hiperfigura de este tipo, en el que pretendía crear una síntesis de la iconografía cristiana y las imágenes de desintegración inspiradas en la física nuclear. Dalí, un artista experimentado, no se limitó a pintar. Permaneció muy atento a todas las novedades de la pintura postsurrealista, incluidas las formas que se desprendían totalmente de ella. Experimentó con muchos medios y procesos nuevos o innovadores, como la pintura de proyección o la holografía, técnica de la que fue pionero. Muchas de sus obras incorporan ilusiones ópticas, juegos de palabras visuales y trampantojos. También experimentó con el puntillismo, el tramado (una red de puntos similar a la utilizada en la imprenta) y las imágenes estereoscópicas. Fue uno de los primeros en utilizar la holografía en el arte. Jóvenes artistas, como Andy Warhol, proclamaron que Dalí tuvo una importante influencia en el arte pop. Descubierta en la estación de ferrocarril de Perpiñán, la estereoscopía fascinó a Dalí, que al final de su carrera produjo imágenes en dos cuadros (ojos derecho e izquierdo) difíciles de reproducir. Muchas de ellas están expuestas en el Museo Dalí de Figueras (¡Atenas está que arde!).

Dalí tenía un suelo de cristal en una habitación cercana a su estudio. Lo utilizó mucho para estudiar los escorzos, tanto desde abajo como desde arriba, para incorporar a sus cuadros figuras y objetos muy expresivos. También le gustaba utilizarlo para entretener a sus amigos e invitados.

Los ingresos de Dalí y Gala les permitían llevar una vida de lujo. Ya en 1960, contrataron al gerente John Peter Moore. Su sucesor, Enrique Sabater, explicó que «Dalí ganaba más que el presidente de los Estados Unidos». En esta época, Salvador Dalí y Gala comenzaron a separarse. En París, Dalí conoció a Amanda Lear, que entonces se presentaba como transexual. Amanda Lear recibió clases de pintura de Dalí. Un artículo de Julián Ruiz (es) en El Mundo se ilustra con una foto de 1963 de los dos protagonistas. Le sirvió principalmente de modelo y se convirtió en su musa (por ejemplo, con Hypnos (1965) y Bateau Anthotropic), con quien mantuvo una relación que duró quince años, como relata en su libro sobre el pintor. A partir de 1965, la modelo acompaña oficialmente a Dalí en sus salidas. Salvador Dalí también la ayudó a instalarse en la habitación 9 del Hotel La Louisiane, en la rue de Seine. En 1969, Gala Dalí adquirió el antiguo castillo de Púbol, cerca de Figueras, que restauró y que alberga la Fundación Gala-Salvador Dalí.

Obras históricas y estereoscópicas

Las pinturas a pequeña escala de los años anteriores dieron paso, a partir de 1958, a obras monumentales de tema histórico, como La batalla de Tetuán (1962, 308 × 406 cm). El cuadro representa la conquista española de Tetuán, en Marruecos, en 1860. Dalí pintó un cuadro de gran formato cada año, como El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1959). Las últimas obras maestras de este periodo fueron Estación Perpignan (1965), El torero alucinógeno (1968-1970) y La pesca del atún (1966-1967). De 1966 a 1973, Dalí trabajó en un encargo para una edición de lujo de Alicia en el País de las Maravillas.

Se interesó por mejorar la representación de la tercera dimensión más allá de la perspectiva clásica. Según el pintor, el momento más reconfortante de la historia de la pintura tuvo lugar el 17 de noviembre de 1964, cuando descubrió, en el centro de la estación de ferrocarril de Perpiñán, la posibilidad de pintar al óleo la «verdadera» tercera dimensión mediante la estereoscopía. El descubrimiento de la holografía le permitió acercarse a la cuarta dimensión (el tiempo), técnica que utilizó a partir de los años 70, para obtener la «inmortalidad de las imágenes grabadas holográficamente gracias a la luz del láser temporal». En 1969 pintó sus primeros techos y a partir del año siguiente se concentró en las imágenes estereoscópicas. Sus cuadros holográficos más conocidos datan de 1972. Los primeros hologramas se expusieron en la Galería Knoedler de Nueva York en abril de 1972.

Teatro-museo

En 1960, Dalí inicia las obras de su teatro-museo en su ciudad de Figueras. Este era su mayor proyecto. Le dedicó la mayor parte de su energía hasta 1974. Siguió desarrollándolo hasta mediados de los años 80. Con el acuerdo del alcalde, Ramón Guardiola, eligió las ruinas del teatro de Figueras, incendiado durante la Guerra Civil, donde había realizado su primera exposición en 1914. Los fondos para la renovación fueron adelantados por el Estado español en 1970. La cúpula de cristal con forma bizantina fue diseñada por el arquitecto Emilio Pérez Piñero a petición de Dalí, que soñaba con una cúpula de cristal al estilo del arquitecto estadounidense Buckminster Fuller. El propio Dalí diseñó gran parte del museo, desde los huevos monumentales de las paredes hasta la altura de los aseos. El arquitecto Joaquim Ros de Ramis trabajó en la renovación, siempre de acuerdo con las directrices del maestro. Las obras comenzaron el 13 de octubre de 1970 y un año después el pintor empezó a trabajar en las pinturas del techo del teatro-museo. En 1971 recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes. También inauguró la primera y mayor galería de arte de España en su momento, la Sala Gaudí Barcelona, junto a otras personalidades como Gabriel García Márquez.

Los últimos años

En 1979, el Centro Georges Pompidou organizó una gran retrospectiva de la obra de Dalí, en la que se expusieron 169 pinturas y 219 dibujos, grabados y objetos del artista. Una de las particularidades de la exposición estaba en el sótano. Un Citroën fue suspendido del techo con una butifarra, una cuchara de 32 metros de largo y agua corriendo por el radiador del coche.

Al año siguiente, la salud de Dalí se deteriora considerablemente. A los 76 años, Dalí mostró síntomas de la enfermedad de Parkinson y perdió definitivamente sus capacidades artísticas. En 1982 recibió el título de Marqués de Dalí de Púbol de manos del Rey de España, Juan Carlos. Dalí realizó su último dibujo para el Rey, titulado Cabeza de Europa.

Gala murió el 10 de junio de 1982, a los 87 años. Dalí se trasladó de Figueras al Castillo de Púbol, donde en 1984 se produjo un incendio en su habitación, cuya causa nunca se aclaró. Dalí se salvó y volvió a vivir en Figueras, en su teatro-museo. En noviembre de 1988, Dalí es hospitalizado tras sufrir un infarto. Recibió una última visita del Rey de España el 5 de diciembre de 1988. El pintor falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras a la edad de 84 años. Fue enterrado en la cripta de su teatro-museo.

Su carácter turbulento ha hecho olvidar a veces el compromiso artístico del pintor. Sin embargo, Dalí era un pintor meticuloso e implacable, que concebía sus lienzos durante un largo periodo de tiempo y los creaba con un esmero que quería acercarse a sus maestros clásicos, Rafael o Vermeer. Michel Déon considera que «Dalí es consciente de su genio hasta el vértigo. Es, al parecer, una sensación íntima muy reconfortante». Los primeros cuadros conservados muestran un verdadero talento precoz, a partir de los 6 años. Sus primeros retratos de su familia en Cadaqués ya tenían una sorprendente fuerza pictórica, notablemente impresionista. Jugando con el material, mezcló durante un tiempo grava con pintura (Vieillard crépusculaire, 1918).

Lamentó la falta de formación teórica en la Academia de Bellas Artes de Madrid. Al final de estos años madrileños, comenzó un periodo de influencias diversas. El joven Dalí se sumergió en diversas técnicas, desde el puntillismo (Mannequin barcelonais, 1927) hasta Picasso (Venus y un marinero, 1925).

Obra pictórica

A los diez años, Dalí dijo que no quería un profesor de dibujo porque era un pintor impresionista. Aunque esta afirmación perentoria provocó la risa, el pintor recibió desde muy joven la influencia de los impresionistas por la proximidad de la familia Pichot y, en particular, de Ramón Pichot. Este último fue uno de los primeros impresionistas catalanes que formó parte del entorno de Picasso en 1900 y su estilo recuerda al de Toulouse-Lautrec. Dalí admiraba a Renoir y a Meissonier («un verdadero ruiseñor del pincel»), de cuya falta de genio se burlaba pero cuya técnica increíblemente meticulosa le impresionaba. A estas influencias se sumó, hacia 1918, el interés por los pintores «pompier», como Marià Fortuny, en quien se inspiró para La batalla de Tetuán (1962). Picasso fue una especie de hermano mayor que le dio la bienvenida cuando llegó a París. Dalí buscó toda su vida enfrentarse a él, el único artista contemporáneo al que reconocía un genio al menos igual al suyo.

Más que ningún otro, el Renacimiento italiano fue para Dalí una referencia permanente e indispensable. Aunque se consideraba el mejor dibujante de su época, reconocía que sus dibujos «no valían casi nada» en comparación con los grandes maestros del Renacimiento. Admirador de Leonardo da Vinci -en quien encontró las raíces de su método paranoico-, durante mucho tiempo tuvo a Rafael en alta estima, afirmando que era el único contemporáneo capaz de entenderlo. Hacia el final de su vida, las figuras de Miguel Ángel se convirtieron en una parte importante de su producción pictórica. También admiró durante toda su vida a Diego Velázquez, y Vermeer fue otro faro, cuya técnica trató de imitar durante mucho tiempo, a veces con éxito.

Dalí reivindicó una técnica muy clásica, incluso hiperrealista en ciertos periodos, y a lo largo de su carrera trató de mostrar un virtuosismo cada vez más real, manteniéndose fiel al óleo en casi toda su obra pintada. El trabajo es casi siempre muy meticuloso, lo que le da una apariencia tranquilizadora de academicismo, con dibujos preparatorios muy cuidadosos y una ejecución meticulosa, a menudo con lupa. Algunas de las pequeñas obras muestran un verdadero talento para el miniaturismo (Primer Retrato de Gala, Retrato de Gala con dos chuletas de cordero en equilibrio sobre el hombro). Decía que el ultraacademicismo era, en su opinión, una formación que debía tener todo pintor, «sólo a partir de este virtuosismo es posible otra cosa, es decir, el arte». Odiaba a Cézanne, que era, según él, «el peor pintor francés». Se opuso a los pintores modernos en su conjunto; a la racionalización, al escepticismo y a la abstracción. Matisse fue «uno de los últimos pintores modernos», que representó las últimas consecuencias de la Revolución y el triunfo de la burguesía. En contraste con su conversión al catolicismo, afirmaba que los jóvenes pintores modernos no creían en nada, y que por tanto él era un «modernista»,

«Es muy normal que cuando no se cree en nada, se acabe pintando casi nada, lo que ocurre con toda la pintura moderna.

– Salvador Dalí

Antes de su encuentro con el surrealismo, cuando todavía estaba en Cadaqués, Dalí comenzó a producir con «diabólica facilidad en todas las técnicas», «fotografías en trampantojo», como las llamaba, anticipándose a los hiperrealistas americanos en más de 25 años. Hacia finales de los años 20, representó sus sueños. Su primera imagen doble fue El hombre invisible (1929) y mantuvo este enfoque durante la mayor parte de su carrera.

La noción de «doble» fue fundamental para Dalí, tanto en su pintura como en su vida. Se originó en la muerte de su hermano mayor Salvador, continuó con Veermer y la espiral logarítmica, siguió con su alter ego Gala, y se convirtió en una oposición entre Dentelière y Rinoceronte, en un personaje que era simultáneamente agnóstico y católico romano. Refinó y diversificó su técnica de imágenes dentro de imágenes e imágenes basadas en marcos y redes de puntos (La Madonna Sixtina).

Sus investigaciones sobre la tercera y la cuarta dimensión le llevaron a trabajar sucesivamente en la estereografía y la holografía. En 1973, declaró que hacía «fotografías coloreadas a mano de imágenes extrapictóricas superfinas de la irracionalidad concreta». Hasta el final, jugó con el ojo del espectador, sobre todo en sus últimas obras, Cincuenta imágenes abstractas que, vistas a dos metros, se convierten en tres Lenins vestidos de chinos y a seis metros en la cabeza de un tigre de Bengala real, El torero alucinógeno o Gala desnuda mirando al mar, que, a dieciocho metros de distancia, revela al presidente Lincoln.

A partir de entonces, su obra está llena de alusiones personales, a menudo crípticas y oníricas, que reutiliza a su antojo, como la inquietante figura del Gran Masturbador, que utilizó muchas veces en 1929 (Retrato de Paul Éluard y El Gran Masturbador). Reconoció que la pintura de Miró estaba «hecha de la misma sangre» que la suya y recibió la influencia de René Magritte, pero pronto adquirió su propio estilo con sus cuadros La miel es más dulce que la sangre (1927) y Cenicitas (1928) y luego con la invención del método paranoico-crítico.

Patrice Schmitt, hablando de un encuentro entre Dalí y Lacan, señaló que «la paranoia según Dalí es la antítesis de la alucinación en su carácter activo. Es a la vez metódico y crítico. Tiene un significado preciso y una dimensión fenomenológica y se opone a lo automático, cuyo ejemplo más conocido es el cadáver exquisito. Haciendo un paralelismo con las teorías de Lacan, concluye que el fenómeno paranoide es de tipo pseudoalucinatorio. Ahora bien, las técnicas de la doble imagen en las que Dalí venía trabajando desde Cadaqués, El hombre invisible (conjunción que hizo decir a Robert Descharnes y a Gilles Néret que Dalí era «el único verdadero pintor totalmente surrealista, del mismo modo que podemos decir que Monet es el único verdadero pintor totalmente impresionista, desde el principio de su obra hasta los Nenúfares del final».

Las explosiones de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki sacudieron «sísmicamente» al pintor y le dieron una nueva fuente de inspiración: la física nuclear. Se declaró «ex-surrealista», aunque, según Robert Decharnes y Gilles Néret, siguió siéndolo más que nunca. La teoría atómica supone una discontinuidad fundamental de la materia: la física nuclear dice, simplificando las cosas, que las partículas elementales separadas por el vacío mantienen el equilibrio, mientras forman un conjunto coherente a escala macroscópica. Encontrando en Heisenberg a su nuevo padre, y con una lógica siempre irrefutable, afirmó que lo que producen los físicos lo pueden pintar los pintores, que ya son especialistas en ángeles. Durante este periodo, los cuerpos y objetos representados por Dalí se encontraban en estado de levitación, un nuevo enfoque que estaba vinculado «tanto a la proporción áurea como a las especulaciones de la física moderna». Reflejan la evolución espiritual del pintor, en una constante preocupación por una doble pertenencia, agnóstica y católica.

En 1946, regresó a la pintura renacentista en busca de inspiración, lo que permitió al pintor lograr una síntesis de tres enfoques improbables: corpuscular, católico romano y renacentista.

Temas pictóricos

La cala de Portlligat, pero también el puerto pesquero o la fachada de la casa del pintor, aparecen en muchos de sus cuadros de la época en que la pareja se trasladó allí en 1930. La zona del Cap de Creus era para Dalí «el paisaje más concreto del mundo». Las rocas de bordes afilados y formas extrañas son bien conocidas por los senderistas de Cadaqués. Dalí las utilizó a menudo en sus cuadros (La nariz de Napoleón transformada en una mujer embarazada que pasea su sombra entre las ruinas originales, 1945). La imagen compuesta y de aspecto enigmático del Gran Masturbador apareció en 1929, en el Retrato de Paul Éluard. Se compone de varios elementos, a veces variables: párpados, pestañas, todo ello apoyado en una nariz de perfil. Un saltamontes se representa a menudo boca abajo, cerca del lugar de la boca. Este elemento estuvo muy presente de 1929 a 1931 (La Persistencia de la memoria, 1931). Aparte de la simbología propia del autor, el aspecto general es el de las rocas con las que Dalí estaba familiarizado.

Varios animales adquieren para él un carácter morboso. Es el caso, por ejemplo, de las hormigas, muy presentes desde Retrato de Paul Éluard (1929). Según él, se relacionan con una escena de la infancia en la que, tras acoger a un murciélago herido, el joven Salvador encontró al animal agonizando a la mañana siguiente: «El murciélago, cubierto de hormigas frenéticas, gime, con la boca abierta, mostrando los dientes de una ancianita. El burro podrido también forma parte de estas representaciones. Está presente en la película Un chien andalou (1929), y en varios cuadros de la misma época -La miel es más dulce que la sangre (1927), Cenicitas (1928), El burro podrido (1928)-, así como en varios cadáveres de animales en descomposición. Según el pintor, estas imágenes le recordaron la traumática escena del cadáver de su erizo domesticado, invadido por un ejército de gusanos: «Su espigado lomo se agitaba sobre un inaudito enjambre de gusanos frenéticos».

Los saltamontes también hacen referencia a escenas de su infancia y a su terror a los saltamontes, que sus compañeros le enviaban a veces en clase. Los saltamontes estaban muy presentes en sus obras de los años 20 y 30, y a menudo se asociaban con el Gran Masturbador.

El rinoceronte -y especialmente su cuerno- era, por otra parte, un instrumento divino en relación con su mística nuclear, así como un apéndice fálico evidente (la Virgen joven se autosodomiza con los cuernos de su propia castidad). Dalí lo utilizó ya en 1951 (Tête raphaélesque éclatée) y, sobre todo, hacia 1955 (Étude paranoïacritique de La Dentellière de Vermeer). Explicó que «La Encajera consigue un máximo de dinamismo biológico gracias a las curvas logarítmicas de los cuernos de rinoceronte».

Las moscas, en cambio, se asocian a un sentimiento positivo. Dalí decía que adoraba estos insectos y que en Portlligat dejaba que le cubrieran el cuerpo. Las consideraba «las hadas del Mediterráneo». Michel Déon cuenta que se deleitaba leyendo L»Éloge de la mouche, de Lucien de Samosate.

Al igual que su padre, que se escondía para comerlos, a Dalí le encantaba comer los erizos de mar que le traían del mar cercano. Los utilizó en sus cuadros (La Virgen de Port Lligat 1950), en la fotografía, e incluso como artista, metiendo una pajita en sus bocas, cuyos movimientos dibujaban formas en una pantalla. Este fue probablemente el primer uso de un equinodermo como artista pictórico.

En 1954 firmó seis cerámicas «La estrella roja del mar», inspiradas en Maurice Duchin, ministro español.

La comida, y el acto de comer, ocupan un lugar central en la obra y el pensamiento de Dalí, para quien «la belleza será comestible o no será, el pan estuvo muy presente desde 1926 (La panera). La muy clásica Cesta de pan, antes muerte que suciedad (1945) fue expuesta en un lugar de honor por Dalí en el museo de Figueras, expresando la importancia de este cuadro. Fue con una baguette de 2 metros de largo con la que llegó a Estados Unidos por primera vez, y con una baguette de 12 metros de largo llevada por varios panaderos con la que se presentó en una conferencia en París en 1959. Su simbolismo le parecía muy importante a Dalí: «El pan ha sido uno de los primeros temas fetiches y obsesiones de mi obra, el primero, al que me he mantenido más fiel».

El huevo frito sin el plato se repite regularmente en su obra. Habría recordado al pintor los fosfenos que aparecen cuando se aprietan los globos oculares y que él asocia a un recuerdo intrauterino. Quizá la creación pictórica más conocida de Dalí sea las Montres Molles. Fluyen como un camembert: «Los relojes blandos son como el queso, y especialmente como el camembert cuando está completamente maduro, es decir, cuando tiene tendencia a empezar a gotear. Entonces, ¿qué tiene que ver el queso con el misticismo? Las espaldas y las nalgas de las mujeres están presentes en su obra desde muy pronto, especialmente en los retratos de su hermana Anna-Maria en Cadaqués (Personaje en una ventana, 1925, Joven de espaldas (Anna Maria), 1926). Más tarde, un cuadro más explícito, Joven virgen autosodomizada por los cuernos de su propia castidad (1954), arrojó luz sobre el significado erótico de estas poses. Permanecieron presentes a lo largo de toda la obra del pintor.

Gala apareció en 1931 en una obra minúscula (Primer retrato de Gala), un verdadero tour de force de miniaturista, expuesta en el Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; se puede utilizar una lupa para apreciar mejor los detalles. Posteriormente, sus retratos fueron muy numerosos; su rostro y su característico peinado la hacían fácilmente reconocible. Aparece de frente (Ángelus de Gala, 1935) o de espaldas (Mi mujer, desnuda, mirando su propio cuerpo convertido en, tres vértebras de una columna, cielo y arquitectura, 1945), desnuda (Leda Atómica, 1949), como la Virgen María (La Virgen de Port Lligat, 1950), con un pecho desnudo (Galarina, 1945).

El descubrimiento de un par de muletas abandonadas en el ático de la casa de su padre fue una revelación. Lo define como «un soporte de madera derivado de la filosofía cartesiana. Generalmente se utiliza para apoyar la ternura de las estructuras blandas». Inmediatamente se convirtió en un objeto fetiche que prolifera en su obra, a menudo para sostener un apéndice blando. En ella podemos detectar la angustia de impotencia que dominaba a Dalí antes de su encuentro sexual con Gala. En 1929, la presencia en el cuadro Jeu lugubre de un hombre con los pantalones manchados provocó un escándalo en el círculo surrealista. Gala fue enviada en delegación para asegurarse de que el joven catalán no tenía tendencias coprofágicas, lo que horrorizó a los surrealistas. Gala supo tranquilizarlos, al tiempo que advertía a Dalí contra el estado de ánimo tan «pequeñoburgués» de un grupo de artistas que pretendía ser totalmente sincero.

El Ángelus de Millet se convirtió en una auténtica obsesión para Dalí. Sus figuras están representadas en un gran número de sus cuadros, desde Monument imperial à la femme-enfant, Gala – Fantaisie utopique (1929) hasta La Gare de Perpignan, en 1965. Dalí explicó a menudo el erotismo del cuadro, así como su creencia de que la pareja estaba rezando alrededor del ataúd de su hijo muerto. Sorprendentemente, una radiografía en el Louvre revela una zona oscura y rectangular bajo el suelo entre las dos figuras.

La Venus de Milo era una referencia ocasional. Apareció por primera vez en una escultura secuestrada con su amigo Marcel Duchamp, y luego como imagen metamorfoseada en torero en Le Torero hallucinogène.

La muerte está presente en toda la obra desde los primeros cuadros surrealistas, incluso los primeros retratos de ancianos. La muerte aparece primero en su aspecto físico más repulsivo, el de los cadáveres en descomposición. Más tarde, se hizo más discreto, pero siempre estuvo presente, incluso en las pinturas cristianas, principalmente en las crucifixiones. Es notable en Retrato de mi hermano muerto (1963), La pesca del atún (1967), El torero alucinógeno (1970).

El Abecedario del Amor nació de la pasión de Dalí por las artes gráficas y por su musa Gala. A partir de sus iniciales, «S», «D» y «G», y de una corona, inventó ocho caracteres abstractos como símbolo de su amor. El alfabeto se hizo público en los años 70 cuando encargó un bolso a Lancel como regalo a Gala.

Esta bolsa es un modelo pequeño con fuelle y asa de cadena de bicicleta. Su piel está decorada con un estampado tipo Toile Dalígram, que utiliza los caracteres del alfabeto del amor.

Escultura

Durante mucho tiempo, la escultura siguió siendo anecdótica en la obra de Dalí, con raras excepciones como el Objeto escatológico con función simbólica (1931) o el Busto rinoceronte de la encajera de Vermeer (1955). Volvió a la creación tridimensional en la década de 1960, y especialmente en 1970, con la creación del Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Busto de Dante (1964), Silla con alas de buitre (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Máscara funeraria de Napoleón que puede servir de tapa para un rinoceronte (1970).

Salvador Dalí dijo que de niño modeló la Venus de Milo porque estaba en su caja de lápices: fue su primer intento de escultura. A partir de los años 30, Dalí prueba la tercera dimensión con objetos surrealistas. Junto con Giacometti, creó objetos con función simbólica, Busto de mujer retrospectivo. Busto: Pan y Tintero, mediante el ensamblaje de una marotte de porcelana pintada con otros objetos reciclados (1933). En 1936, Marcel Duchamp y Salvador Dalí colaboraron para crear la Venus de Milo con cajones.

A partir de esta época, creó esculturas en bronce basadas en sus cuadros más famosos, como La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles, L»Éléphant spatial, que demuestran con extremo vigor la fuerza expresiva de sus imágenes iconográficas surrealistas.

Dalí realizó sus primeras joyas tras la Segunda Guerra Mundial en Nueva York: El ojo del tiempo (1949), Labios de rubí (1950), El corazón real (1953).

Entre 1969 y 1979, Salvador Dalí realizó una colección de 44 estatuas de bronce, de las que sólo se hicieron 4: Colección Clot de Dalí.

Arquitectura

En 1939, creó el pabellón Sueño de Venus para la Feria Internacional de Nueva York. Era una atracción de feria surrealista con, entre otras cosas, una Venus vencida por la fiebre del amor en un lecho de raso rojo, sirenas y jirafas. De esta casa sólo quedan los recuerdos, unas cuarenta fotografías de Eric Schaal, una película de ocho minutos y el suntuoso cuadríptico con relojes blandos, conservado en Japón. El pintor había hecho del surrealismo un arte de vivir.

En Portlligat decoró su casa a su manera, «como un príncipe de la cursilería, la ironía y la burla». Su biblioteca era deliberadamente inaccesible, con hileras de libros colocados en lo alto de la pared para que nadie pudiera alcanzarlos. En el eje de la piscina fálica había un templo con una gran mesa de altar, donde se resguardaba del sol y recibía a sus amigos. El fondo de su piscina estaba revestido de erizos de mar; era un encargo del maestro al escultor César, que había realizado un vaciado en poliéster para «caminar sobre los erizos de mar como Cristo caminó sobre las aguas». El patio tenía la forma de la silueta de una mujer del Angelus de Millet. El sofá se hizo con un molde de los labios de Mae West. La pared trasera, llamada «muro Pirelli», estaba decorada con grandes anuncios de neumáticos.

A principios de los años 70, el proyecto del teatro-museo de Figueras tomó finalmente forma. Dalí se tomó muy en serio el diseño de este museo construido a su gloria: «Quiero que mi museo sea un bloque único, un laberinto, un gran objeto surrealista. Será un museo teatral. Los visitantes saldrán con la sensación de haber tenido un sueño teatral.

Literatura

Los escritos de Dalí forman un importante corpus que sólo se publica en su totalidad en español. Escribió, al menos desde su adolescencia (Studium), poemas, algunos textos literarios y un diario que se publicó en 2006. Publicó numerosos textos que exponen sus ideas, su concepción de la pintura y aportan elementos biográficos que permiten comprender la génesis de algunos de sus cuadros. Oui expone sus concepciones teóricas en dos grandes textos: «La revolución paranoico-crítica» y «Arcangelismo científico».

Escritos en un estilo muy personal, los dos textos autobiográficos más famosos de Dalí son La vida secreta de Salvador Dalí, que ofrece detalles biográficos de su infancia, su problemática relación con su padre y la convicción adquirida desde niño de que era un genio, y Diario de un genio, que trata de los años 1952 a 1963. Dalí escribió una única novela durante la guerra, Rostros ocultos. En ella retrató la aristocracia francesa durante la guerra, y en particular la relación amorosa de dos personajes, el duque de Grandsailles y Solange de Cléda. Este último es una ilustración de lo que él mismo llamó clédalisme, cuyo objetivo era completar «la trilogía de la pasión inaugurada por el Marqués de Sade», cuyos dos primeros elementos son el sadismo y el masoquismo.

En 1938 también escribió una interpretación paranoico-crítica de una de sus obras de referencia, en el Mito Trágico del Ángelus de Millet, publicado en 1963. Ilustró Fantastic memories (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) y La Limite (1951) de Maurice Sandoz, a quien conoció en Nueva York a principios de los años cuarenta.

Cine

La juventud de Dalí coincidió con la época dorada del cine mudo. Conoció a Luis Buñuel en la residencia de estudiantes de Madrid y le hizo protagonista de uno de sus primeros cuadros. Esta amistad dio lugar a una colaboración que se desarrolló en el contexto del surrealismo. En complicidad con él, participó en la escritura de dos películas emblemáticas del cine surrealista. El primero, Un chien andalou (1929), es un cortometraje de dieciséis minutos. Fue financiada por los vizcondes de Noailles, tras una exposición en París. Tras una brutal imagen introductoria destinada a marcar mejor la ruptura entre el mundo real y el surrealista, se suceden varias escenas oníricas, dotadas únicamente de la lógica de los sueños. La película provocó un escándalo en los círculos intelectuales parisinos. Sin embargo, según Robert Descharnes, Dalí y Buñuel querían hacer algo «diferente a todo lo que se había hecho antes». Con esta idea se realizó la segunda película, L»Âge d»or (La Edad de Oro), en 1930. A pesar de tener un programa común, los dos autores eran opuestos; Dalí quería representar el amor, la creación y los mitos católicos en el escenario del Cap de Creus. Lo que para Dalí debería haber sido un sacrilegio sutil, refinado y profundo, fue transformado por Buñuel en un anticlericalismo primario. La película, de una hora de duración, provocó el malestar del público entre monárquicos y surrealistas. Considerada insolente en su momento, estuvo prohibida hasta 1981.

Dalí participó en el rodaje de varias películas que no se completaron. En 1941 escribió la primera escena del sueño para la película Moontide de Fritz Lang, que no se rodó debido a la entrada de Estados Unidos en la guerra. En 1945, Dalí comienza a dirigir el dibujo animado Destino con Walt Disney, que se interrumpe a los pocos meses por problemas financieros relacionados con la guerra. Dalí y Disney se apreciaban mucho, y Dalí consideraba al cineasta un «gran surrealista americano» a la altura de los Hermanos Marx y Cecil B. DeMille.

Escribió un guión para los Hermanos Marx titulado Jirafas a caballo, que se quedó en forma de borrador. En 1945 diseñó el decorado de la escena del hechizo en la película de Alfred Hitchcock La casa del Dr. Edwardes. En esta escena, Gregory Peck, psicoanalizado por Ingrid Bergman, ve una cortina de ojos muy abiertos -una idea tomada de la película Un chien andalou- y unas enormes tijeras que cortan párpados y retinas.

El propio Dalí produjo una serie de cortometrajes surrealistas experimentales en los que se ponía en escena. En la década de 1950 realizó L»Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, dirigida por Robert Descharnes, en la que las imágenes y los objetos se asociaban mediante la curva logarítmica y la proporción áurea. En 1975, fue Impressions de la Haute Mongolie (Homenaje a Raymond Roussel). En esta película, que tiene la apariencia de un falso documental, Salvador Dalí cuenta la historia de un pueblo desaparecido cuyas huellas encontró durante un viaje a la «Alta Mongolia». La historia es completamente inventada. Dalí ha orinado en el anillo de un bolígrafo y ha esperado a que la corrosión haga efecto, filmando los efectos a distancias macro y microscópicas, con un comentario «historiador».

Con Jean-Christophe Averty y Robert Descharnes, dirigió L»Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), un anuncio de chocolate Lanvin en 1968. Alejandro Jodorowsky, en su abortado proyecto cinematográfico de la novela Dune, había pedido a Dalí que interpretara el papel del emperador Shaddam IV. Dalí exigió, entre otras cosas, que se le pagara la astronómica tarifa de 100.000 dólares la hora y propuso un trono de inspiración escatológica.

Teatro

Dalí participó en varios proyectos relacionados con el teatro. En 1927 colaboró con Federico García Lorca en la obra Marina Pineda y escribió el libreto de Bacanal, inspirado en Tannhäuser de Richard Wagner. Durante su estancia en Nueva York, Dalí creó varios fondos, decorados y trajes para ballets, Laberinto (1941), Helena (1942), Romeo y Julieta (1942), Café de Cinitas (1943) y Tristan Fou (1944).

El mundo de la moda

A lo largo de su vida y su obra, Dalí permaneció en simbiosis con el polimorfo mundo de la moda. En su insaciable deseo de materializar la ilimitada creatividad que le caracterizaba, exploró los registros creativos más heterogéneos del sector de la moda. Sus modelos eran preferentemente mujeres con caderas prominentes -mujeres con coxis- y axilas sin pelo, como Greta Garbo. Entre sus logros más notables, produjo muchos patrones de tela y diseños decorativos para la ropa. Colaboró con Coco Chanel en el diseño del vestuario y la escenografía de la obra teatral Bacchanal, «paranoico-cinética», participó en la creación de algunos diseños de sombreros, entre ellos uno famoso con forma de zapato y, con la modista Elsa Schiaparelli, creó el vestido «langosta» (años 30), encargado por Edward James para su amiga la actriz Ruth Ford. En 1950, junto con Christian Dior, diseñó el «traje 1945» con cajones. Salvador Dalí creó el lienzo Dalígram a finales de los años 60, basado en un estuche de Louis Vuitton. En 1970, un bolso de Lancel fue decorado con su alfabeto del amor, mientras que el asa estaba formada por una cadena de bicicleta. Creó trajes de baño femeninos que comprimían los pechos y daban así una apariencia angelical; un smoking afrodisíaco cubierto de vasos de chupito rellenos de menta; corbatas; el diseño del pelo de sus bigotes-antenas metamórficos; frascos de perfume.

Muchos de sus diseños se quedaron como modelos sin llegar a realizarse. Entre ellos se encontraban los vestidos con divisiones falsas y rellenos de falsa anatomía; el maquillaje de mejillas huecas para eliminar las ojeras; las gafas caleidoscópicas para los viajes en coche; las uñas postizas formadas por pequeños espejos en los que contemplarse.

Fotografía

Dalí mostró un verdadero interés por la fotografía, a la que dio un lugar importante en su obra. Armonizó los escenarios y las fotografías como un pintor trabaja su lienzo con sus pinceles. Dalí fotógrafo fue la revelación de una parte importante y poco conocida de la creación daliniana. Trabajó con fotógrafos como Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton y Philippe Halsman. Con esta última, creó la famosa serie Dalí Atomicus. Fue sin duda Robert Descharnes, su amigo y colaborador-fotógrafo durante 40 años, quien más fotografías hizo de Dalí, del hombre y de su obra.

El fotógrafo y periodista Enrique Sabater conoció a Dalí en el verano de 1968, cuando la agencia americana Radical Press le encargó una entrevista con el pintor en su casa de Portlligat. Entre ellos surgió una amistad y el fotógrafo pasó doce años con Dalí como su secretario, mano derecha y confidente. Enrique tomó miles de fotos de Dalí y Gala. En 1972, cuando Elvis Presley le visitó, Dalí quedó tan impresionado por su camisa campestre con motivos bordados y botones de nácar que el cantante se la regaló. Luego se lo puso para hacer Dalí con la camisa de Elvis. El maestro le dijo a Marc Lacroix, que tomó la fotografía: «Cuando Elvis Presley vino a verme a mi estudio, enseguida se dio cuenta de que me fascinaba su camisa de campo. Cuando se iba me dijo: «¿Te gusta mi camisa? Sí. Mucho. Sin mediar palabra, se desabrochó los botones y salió sin camisa. Desde entonces no lo dejo para pintar.

Con Marc Lacroix, fotógrafo de moda, Dalí posó en 1970 para una serie de retratos en los que se ponía en escena, en fotos delirantes: Dalí con una corona de araña, Dalí con una oreja florida, Avida Dollars. Esta última fotografía fue tomada encima de un cartel del Banque de France, rodeado de billetes en su efigie. Siguiendo con Marc Lacroix, intentó un experimento al que llevaba tiempo dándole vueltas. Realizó un cuadro tridimensional, Eight Pupils, utilizando un prototipo de cámara estereoscópica para representar la profundidad.

Dalí mantenía una relación de amistad con el cantante del grupo de rock duro Alice Cooper, Vincent Furnier. Los dos artistas se admiraban mutuamente, ya que Alice Cooper utilizó un cuadro de Dalí para ilustrar su álbum DaDa en 1983, después de que éste le dedicara un holograma diez años antes titulado First Cylinder. Retrato del cerebro de Alice Cooper. Una de las fotografías más llamativas es la del pintor con un sombrero de copa, en cuyos lados había colocado máscaras de la Mona Lisa. Según Thérèse Lacroix, lo creó para su participación en un baile ofrecido por la baronesa Rothschild. Sólo aparece la mitad del rostro de Dalí entre enigmáticas sonrisas congeladas.

La cesta del pan

La cesta del pan (31,5 × 31,5 cm), (Museo Salvador Dalí), es un óleo sobre madera pintado en 1926. Fue la primera obra de Dalí que se expuso fuera de España, en la Exposición Internacional del Instituto Carnegie de Pittsburgh en 1928. Esta obra temprana fue realizada poco después de terminar sus estudios de arte en Madrid, cuando estudiaba a los maestros holandeses. En ella, a los veintidós años, Dalí demostró la plena posesión de sus capacidades pictóricas.

Representada de forma muy realista en un claroscuro muy clásico, una panera de mimbre se presenta con cuatro rebanadas de pan, una de ellas con mantequilla. El conjunto se coloca sobre un mantel blanco con muchas volutas. En el centro, se muestra el reverso del mantel, revelando los detalles del tejido de forma muy clara. El fondo es oscuro, incluso negro. La dura luz blanca parece que aclara la escena.

Metamorfosis de Narciso

La Metamorfosis de Narciso (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) fue pintada en 1936-37, cuando el pintor estaba en pleno periodo surrealista. Es una escena mitológica cuya historia más detallada se cuenta en las Metamorfosis de Ovidio.

Según Ovidio, tras un encuentro con la ninfa Eco, que no pudo seducirle, Narciso, hijo de la ninfa Liriope y del río Cefis, fue obligado por Némesis, la diosa de la venganza, a beber agua clara. Sin embargo, «encaprichado con su imagen, que ve en el agua, presta cuerpo a la vana sombra que le cautiva: extasiado ante sí mismo, permanece con el rostro inmóvil como una estatua de mármol de Paros». Narciso se enamoró de su reflejo pero, incapaz de separarse de su cuerpo, comenzó a llorar. Sus lágrimas perturbaron la imagen, que desapareció. Narciso golpeó con desesperación y, una vez que el agua se calmó de nuevo, contempló su maltrecho reflejo. Se dejó morir, lamentándose con un «ay», que Eco repitió incansablemente hasta un «adiós» final al que también respondió la ninfa. En su entierro, «sólo se encuentra en su lugar una flor amarilla, coronada de hojas blancas en medio de su tallo».

Dalí presentó con su cuadro un «poema paranoico» del mismo nombre y tema, precedido de un metatexto, un manual de instrucciones. Según el pintor, se trata de la primera obra, pintura y poema, concebida íntegramente según el método crítico paranoico. Aunque el poema afirma que el dios de la nieve está presente en las montañas del fondo, la escena tiene lugar en primavera, la estación de los narcisos. El pintor explota una doble imagen, derivada de su método crítico paranoico, al representar el estado anterior a la transformación de Narciso a la izquierda y su transformación a la derecha, utilizando el sentido de lectura latino. A la izquierda, la figura de contornos imprecisos se refleja en el agua. Está inclinado y su cabeza descansa sobre sus rodillas, esperando la muerte. A la derecha, el doble de la imagen tras la transformación. La figura se convierte en una mano delgada y pétrea que emerge de la tierra. En sus tres dedos unidos lleva un enorme huevo del que sale un narciso. Tanto el clavo como el huevo están rotos y el grupo está representado en un gris pétreo y cadavérico, sobre el que suben hormigas, símbolos de la putrefacción.

En el fondo y en el centro se representa lo que Dalí define en el poema como un «grupo heterosexual en estado de espera». Se trata de un grupo de ocho hombres y mujeres desnudos rechazados por Narciso que, según Dalí, incluye a un hindú, un catalán, un alemán, un ruso, un americano, una sueca y una inglesa. Otra interpretación es la de Shnyder, que considera la transformación opuesta. La mano de la derecha es el estado inicial; a la izquierda, desplazada por la traslación, está el pintor Dalí, en un doble de esta imagen. Este grupo se metamorfosea en una figura sentada y encorvada que se refleja en el agua helada, una figura como el Narciso del mito de Ovidio. Los colores son cálidos, dorados y suaves. Dalí dice de la figura de Narciso en su estado inicial que «cuando se le mira insistentemente, también se funde en las rocas rojas y doradas».

Premonición de guerra civil

Como muchos de los cuadros de Dalí, éste tiene un doble título: Construcciones blandas con judías hervidas. Premonición de la Guerra Civil. Se trata de un óleo sobre lienzo, de 100 × 99 cm, conservado en el Museo de Arte de Filadelfia. Se inició en París en 1936, cuando el aumento de los disturbios armados en España dejaba pocas dudas sobre el futuro inmediato del país, sobre «la proximidad del gran canibalismo armado de nuestra historia, el de nuestra próxima guerra civil». En Vida secreta de Salvador Dalí, el pintor cuenta cómo, en 1934, cuando se proclamó la república catalana, él y Gala huyeron de Barcelona a París, entre los bloqueos anarquistas y la declaración de independencia catalana. Su conductor fue asesinado en el camino de vuelta.

En el fondo, la mayor parte del lienzo está ocupada por el cielo. En el suelo terroso y soleado se encuentra un enorme ser con un rostro malhumorado y una anatomía absurda. Toda la imagen se ve desde un ángulo bajo. En este cuadro Dalí logra una forma de descomposición, disección y recomposición de un gigante en un monstruo. Es, según Jean-Louis Ferrier, un lienzo en el que «un gigantesco cuerpo humano se desgarra, se abre, se estrangula, hace muecas de dolor y de locura». Una mano está en el suelo, en el polvo, mientras que la otra, levantada hacia el cielo, se agarra a un pecho. Ambos están contraídos y son de un color gris cadavérico. Los brazos forman un ángulo y se extienden en una especie de pierna conectada a una pelvis. En la pelvis, un pie descompuesto y su pierna erguida forman, junto con las partes mencionadas, un enorme trapecio, cuyo lado largo está coronado por una cabeza sonriente levantada hacia el cielo. El conjunto se apoya en un pie mórbidamente cortado y en una minúscula mesita de noche, ambos entre judías hervidas esparcidas por el suelo. En la cuenca, a la derecha del pie, hay un zurullo.

El propio Dalí comentó la presencia de estas judías, lo que justifica el primer título de la obra: «La estructura blanda de esta enorme masa de carne de la Guerra Civil, la he adornado con judías hervidas, porque no se puede imaginar tragar toda esta carne insensible sin el acompañamiento, incluso banal, de alguna verdura melancólica y harinosa.

La asociación de la guerra, la comida y el amor es el tema central de otro de sus cuadros sobre el mismo tema: Canibalismo en otoño.

La tentación de San Antonio

La Tentación de San Antonio fue pintada en 1946. Es un óleo surrealista sobre lienzo que mide 90 × 119,5 cm y se conserva en Bruselas, en el Museo Real de Bellas Artes. El cuadro fue realizado en 1946 en Nueva York y es representativo del periodo en el que el surrealismo fue dejando paso a la religión. Para entonces, Dalí se había involucrado en el cine y realizó esta obra durante un concurso organizado para una adaptación cinematográfica de la novela Bel-Ami de Guy de Maupassant. El concurso lo ganó Max Ernst y el cuadro de Dalí no fue aceptado. Para Gilles Néret, el cuadro juega con la oposición religioso-erótica.

«Alquimia de miedos y deseos, La tentación de San Antonio es una sutil síntesis de la pintura clásica y del agudo sentido de la espiritualidad de su autor.

– Gilles Néret

El cuadro muestra a San Antonio en el desierto, arrodillado y con una cruz para protegerse de las tentaciones que le atacan en un gesto de exorcismo. Estas tentaciones adoptan la forma de un caballo gigante y una fila de elefantes con enormes y grotescas «patas de araña». San Antonio es representado como un mendigo, mientras que cada animal tiene una tentación en su espalda, entre las más comunes entre los hombres. El triunfo está representado por el caballo de cascos sucios y desgastados; a su derecha, una mujer desnuda que se cubre los pechos ofrece su voluptuoso cuerpo. Ella representa la sexualidad. Luego vienen las riquezas. Se trata de un obelisco dorado en el siguiente elefante, inspirado en el obelisco de Bernini en Roma. A continuación aparece una mujer desnuda atrapada en una casa de oro. Esto se remata con las trompetas de la fama. En el fondo, un último elefante porta un enorme monolito fálico y sobresale de una nube en la que se representa un castillo. En medio del paisaje desértico, bajo los elefantes, dos hombres discuten. Uno de ellos va vestido con una capa roja y lleva una cruz. El otro es gris y se inclina hacia adelante. Un ángel blanco vuela sobre el desierto.

Cristo de San Juan de la Cruz

El Cristo de San Juan de la Cruz es uno de los cuadros más famosos del pintor. Se trata de un óleo sobre lienzo, realizado en 1951, de 205 × 116 cm, que se conserva en el Museo Kelvingrove de Glasgow. La originalidad de la perspectiva y la destreza técnica hicieron que el cuadro fuera muy famoso, hasta el punto de que en 1961 un fanático intentó vandalizarlo con poco éxito. Durante la década de 1950, el artista representó varias veces la escena de la crucifixión, como en Corpus hypercubus, pintado en 1945. Para este cuadro, Dalí se basó en las teorías del Discurso de la Forma Cúbica de Juan de Herrera, que estuvo al frente del monasterio de San Lorenzo de El Escorial en el siglo XVI.

Dalí se inspiró en un dibujo místico de San Juan de la Cruz conservado en el Monasterio de la Encarnación de Ávila, y en una imagen que dijo haber soñado de un círculo en un triángulo. Esta figura, que según él era como el núcleo de un átomo, era similar al diseño del monasterio y decidió utilizarla para su cuadro. El cuadro muestra a Jesús crucificado, tomado desde una perspectiva de pájaro y visto desde arriba de la cabeza. La cabeza mira hacia abajo y es el punto focal del cuadro. La parte inferior del cuadro representa un paisaje impasible, formado por la bahía de Port Lligat. En la esquina inferior derecha, dos pescadores están ocupados con un barco. Se inspiran en un dibujo de Velázquez para La rendición de Breda y en un cuadro de Le Nain. Entre el Crucificado y la bahía hay nubes místicas y misteriosas, iluminadas por la luz que emana del cuerpo de Jesús. El potente claroscuro utilizado para realzar la figura de Jesús crea un efecto dramático.

Cristo está representado de forma humana y sencilla. Lleva el pelo corto -en contraste con las representaciones clásicas- y está en posición relajada. El signo que se encuentra en la parte superior de la cruz es una hoja de papel con las iniciales INRI. En contraste con las representaciones clásicas, Cristo no está herido, no está clavado en la cruz, no tiene cortes, muy poca sangre y no tiene ninguno de los atributos clásicos de la crucifixión – clavos, corona de espinas, etc. Parece estar flotando junto a la cruz. Parece flotar junto a la cruz. Dalí lo justificó explicando que en un sueño cambió su plan inicial de poner flores, claveles y jazmines, en las heridas de Cristo, «quizá por un refrán español que dice A mal Cristo, demasiada sangre». Algunos comentaristas afirman que se trata de la obra más humana y humilde sobre el tema de la Crucifixión.

Principales obras pictóricas

Salvador Dalí pintó 1.640 cuadros, principalmente óleos sobre lienzo. Los títulos y las fechas están tomados del libro de Gilles Néret y Robert Descharnes.

Un gran número de obras de Salvador Dalí se exponen en la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras, en el Teatro-Museo Dalí, que él mismo calificó como «el mayor de los objetos surrealistas del mundo».

Principales museos

Junto con Pablo Picasso, Salvador Dalí fue uno de los dos artistas para los que se crearon en vida dos museos dedicados exclusivamente a su obra. El primero en abrir fue fundado por los coleccionistas A. Reynolds Morse y Eleanor Morse, que a lo largo de los años habían reunido una vasta colección. En 1971, el primer museo, situado en Beachwood (Cleveland), fue inaugurado por el propio Salvador Dalí. En la década de 1980, la pareja legó las obras a la ciudad de San Petersburgo, en Florida, que abrió un nuevo Museo Salvador Dalí en 1982. Allí se conservan 96 cuadros de Dalí, más de 100 acuarelas y dibujos, más de 1.300 fotografías, esculturas, joyas y numerosos archivos. En 2011 se inauguró un nuevo edificio a prueba de huracanes. El segundo museo en abrirse fue el Teatro-Museo Dalí. Situado en su ciudad natal, Figueras, Cataluña, fue construido en las ruinas de un antiguo teatro arrasado por el fuego durante la Guerra Civil española. El pintor la transformó en museo en la década de 1970 y dio a la ciudad un nuevo atractivo turístico. Se inauguró en 1974.

A mediados de los años noventa, se abrieron otros dos museos en España. El primero es el castillo de Púbol, que fue la residencia de su esposa Gala. Tras su muerte en 1982, el castillo sirvió de residencia a Salvador Dalí durante dos años, hasta que se produjo un incendio en la sala en 1984. Asimismo, su casa de Portlligat, en el puerto de Cadaqués, se ha convertido en un museo público. En Francia, Dalí París presenta la colección de más de quince esculturas originales, lo que convierte a esta exposición en la más importante de Francia. En Alemania, el Museo Dalí de la plaza de Leipzig, en Berlín, reúne más de 400 obras del artista catalán.

El cine en Dalí

La relación de Dalí con el cine fue objeto de un documental titulado Cinema Dalí en 2004, y de una retrospectiva de la Tate Modern de Londres en 2007. En 2009, la película «Little Ashes», dirigida por Paul Morrison, repasa la juventud de Dalí en Madrid. Robert Pattinson interpreta el papel de Salvador Dalí.

En 2011, una comedia dirigida por Woody Allen, Medianoche en París, cuenta la historia de dos jóvenes estadounidenses en el ambiente de los artistas del París de los años 20. Se encuentran con Salvador Dalí, interpretado por Adrien Brody. La película ganó el Oscar al Mejor Guión Original en 2012.

El personaje

La figura sigue siendo controvertida entre los críticos e historiadores del arte. En el centenario del nacimiento de Dalí, el crítico literario Peter Bürger señaló en Die Zeit que las clasificaciones de los artistas modernos establecidas a partir de 1955 no suelen incluir a Dalí, a diferencia de otros pintores surrealistas como André Masson, Joan Miró o Max Ernst. A partir de los años 40, en Estados Unidos, Dalí fue objeto de críticas por sus trabajos de alta costura, joyería y, en general, de diseño. Se le acusó de difuminar la línea entre el arte y el consumo. Esta actitud de los críticos sólo terminó con la llegada del arte pop, que asumió completamente esta confusión. Su obsesión por Hitler también fue controvertida.

El historiador del arte Michael Peppiatt escribió, a este respecto, que «Dalí pasó de la brillantez subversiva de su juventud a una creciente vacuidad y exhibicionismo remunerativo», oponiéndose a Jean Dutourd, de la Academia Francesa:

«Salvador Dalí, que era muy inteligente, comprendió varias cosas que los artistas generalmente no comprenden, la primera es que el talento (o el genio) es un puesto de feria. Para atraer a los clientes, hay que hablar bien, tener una lengua afilada, hacer payasadas y travesuras en un escenario. Esto es en lo que Dalí destacó desde el principio. Se consideraba el mejor pintor del siglo XX, es decir, un artista clásico que tuvo la desgracia de caer en un periodo bajo de su arte. Los trisotinos de la intelectualidad occidental y la burguesía que los siguió hicieron la ley, es decir, la opinión.

«Hay dos maneras de conciliar a esta gente, de la que depende la reputación; la primera es ser tan serio como ellos, tan lleno de dignidad. Reconocen inmediatamente a un miembro de la tribu y saben cómo demostrarlo. El inconveniente es que para tener éxito con esa actitud hay que ser un poco imbécil uno mismo. La única salida era la provocación, es decir, la extravagancia y lo inesperado tanto en el pensamiento como en la palabra, la sinceridad brutal, el gusto por la frivolidad, la iconoclasia respecto a todo lo que está de moda y, por tanto, es intocable.

Sin embargo, Dalí utilizó el academicismo y la pintura de salón del siglo XIX de una forma totalmente inesperada, lo que ha obligado a algunos críticos a reconsiderar su juicio sobre su arte más recientemente. Este fue el caso, sobre todo, tras las retrospectivas sobre el surrealismo daliniano en París y Düsseldorf. Según Peter Bürger, «Dalí, fallecido en 1989, aún no ha encontrado su lugar en el arte del siglo XX».

En el prólogo de Diario de un genio, Michel Déon resume la originalidad del pintor: «Lo más entrañable de Dalí son sus raíces y sus antenas. Raíces hundidas en lo más profundo de la tierra, donde van en busca de todo lo que el hombre ha sido capaz de producir de suculento (según una de sus tres palabras favoritas) en cuarenta siglos de pintura, arquitectura y escultura. Antenas dirigidas al futuro, que huelen, prevén y comprenden con la velocidad del rayo. Nunca se dirá lo suficiente que Dalí es un espíritu de curiosidad insaciable». Thérèse Lacroix, esposa y colaboradora de Marc Lacroix, que visitó a Salvador y a Gala en numerosas ocasiones a lo largo de diez años, observa que Dalí «impresionaba por su mirada y por su forma de llevar la cabeza. Era altivo pero divertido, no se tomaba a sí mismo en serio».

Opiniones políticas

La relación de Dalí con la política fue a menudo equívoca e incomprendida. Sin embargo, desempeñaron un papel importante en su carrera artística. De adolescente, Dalí «se inclinaba por el anarcosindicalismo radical», seguía con pasión la revolución rusa y los avances del Ejército Rojo de Trotsky, y se definía entonces como socialista. Fue detenido y encarcelado durante varias semanas en Girona por agitación revolucionaria. Pero su visión política fue evolucionando hacia un «anarquismo violentamente antisocial» y luego hacia un apolitismo provocador. Su individualismo visceral probablemente no podría hacer frente a un movimiento popular a largo plazo. En 1934 provocó la ira de los surrealistas al representar a Guillermo Tell bajo la apariencia de Lenin, lo que André Breton consideró un «acto antirrevolucionario». La ruptura fue completa cuando Dalí concentró su trabajo en Hitler, hacia quien hizo comentarios ambiguos a finales de los años 30, hasta que Breton excluyó definitivamente al pintor. Dalí huyó de España justo a tiempo para el estallido de la Guerra Civil.

Para Robert Descharnes y Gilles Néret, Dalí vivió esta guerra española con incomprensión. Se apuntan las palabras del pintor: «No tenía el alma ni la fibra histórica. Cuanto más se desarrollaban los acontecimientos, más me sentía apolítico y enemigo de la historia». Se quedó atónito ante la «ignominia» del asesinato de su amigo Lorca, «el pintor más apolítico de la tierra». Presionado para elegir entre Hitler y Stalin «por la hiena de la opinión pública», eligió seguir siendo él mismo. Tuvo la misma actitud durante la Segunda Guerra Mundial, huyendo de Francia en guerra, y fue muy criticado por ello, por ejemplo por George Orwell: «A medida que se acercaba la guerra en Europa, sólo tenía una preocupación: encontrar un lugar que tuviera buena comida y del que pudiera huir rápidamente en caso de peligro», añadiendo en su biografía que Dalí era un dibujante excepcional y un tipo desagradable.

Tras su regreso a Cadaqués en 1948, Dalí hace gala de un monarquismo casi místico. Jean-Louis Gaillemin señala las palabras del pintor:

«Monarquía absoluta, cúpula estética perfecta del alma, homogeneidad, unidad, continuidad biológica hereditaria suprema, todo ello en lo alto, elevado cerca de la cúpula del cielo. Abajo, anarquía enjambrada y súper gelatinosa, heterogeneidad viscosa, diversidad ornamental de estructuras blandas ignominiosas, comprimidas y entregando el último jugo de sus formas últimas de reacción.»

Esta actitud fue interpretada bien como un acercamiento al franquismo -en particular por André Breton- o bien como una forma de no apoyar directamente a ese régimen, que sin embargo hizo uso de algunas declaraciones del pintor y le concedió la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica en 1964. Su actitud siguió siendo ambigua. Al margen de las consideraciones surrealistas, si por un lado Dalí no perdonó la muerte de Lorca a manos de los milicianos franquistas y denunció hasta el final la censura de la obra de su amigo poeta, por otro lado conoció personalmente a Franco en 1953 y pintó un retrato de su nieta en 1974.

Para Robert Descharnes, Dalí estaba sobre todo cerca de la tradición monárquica española, que complementaba otros aspectos de su giro tradicionalista hacia el catolicismo romano y la pintura renacentista. Dalí reivindicó su apoyo a la monarquía, que promovió como una traición a la burguesía, su clase social de origen. Comenzando en la extrema izquierda, su carrera política se desplazó hacia la derecha. En Francia, Dalí fue apoyado principalmente en los años 50 y 60 por intelectuales de derechas como Louis Pauwels, pero cuando se declaró «anarco-monárquico» en 1970, abrió la puerta a la especulación sobre esta orientación política, ciertamente minoritaria.

Según Vicente Navarro, en 1975, poco antes de su muerte, Dalí felicitó al viejo general Franco por sus acciones encaminadas a «limpiar España de fuerzas destructivas», tras firmar órdenes de ejecución de cuatro presos de ETA. Mientras muchos veían a Dalí en el papel de «bufón de la corte» de Franco, otros, como el arquitecto Óscar Tusquets en su libro Dalí y otros amigos, señalaban que la extrema exageración de estas felicitaciones a un dictador a las puertas de la muerte debía interpretarse con ironía, ya que las constantes provocaciones del pintor tenían como objetivo construir una figura pública surrealista.

Los cuadros de Salvador Dalí son obras muy codiciadas por los coleccionistas de arte. El óleo sobre madera Mi mujer desnuda mirando su propio cuerpo que se convierte en pasos, tres vértebras de una columna, 1945, se vendió en Sotheby»s de Londres el 4 de diciembre de 2000 por 2.600.000 libras esterlinas o 4.274.140 euros. El óleo sobre lienzo Eco nostálgico, de 96,5 × 96,5 cm, se vendió en Sotheby»s de Londres el 2 de noviembre de 2005 por 2.368.000 dólares (2.028.665 euros).

Se rumorea que Dalí fue obligado por su entorno a firmar lienzos en blanco para que pudieran ser pintados por otros y vendidos después de su muerte como originales, alimentando la sospecha y, en consecuencia, devaluando las últimas obras del maestro.En cuanto a sus litografías con mariposas, Salvador Dalí recortó fotografías de estos insectos de revistas, las pegó en una hoja de papel y las hizo copiar por el litógrafo Jean Vuillermoz. Estas litografías se imprimieron en hojas ya firmadas por Dalí.

En 2017, una adivina, Pilar Abel, aseguró ser su hija. Para determinar si el pintor era realmente el padre biológico, el tribunal de Madrid ordenó la exhumación de su cuerpo el 26 de junio «para obtener muestras de sus restos». La exhumación tuvo lugar el 20 de julio en el Museo Dalí de Figueras, donde el pintor fue enterrado en una cripta. El 6 de septiembre de 2017, la Fundación Dalí reveló que los resultados del ADN demuestran que el artista español no es el padre de Pilar Abel.

Salvador Dalí es un personaje secundario en la película de animación Buñuel después de la Edad de Oro (2018): se le menciona varias veces y su voz (interpretada por Salvador Simó, el director) se escucha en una escena en la que Luis Buñuel le telefonea.

Enlaces externos

Fuentes

  1. Salvador Dalí
  2. Salvador Dalí
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