James Rosenquist
gigatos | enero 6, 2022
Resumen
James Rosenquist (29 de noviembre de 1933 – 31 de marzo de 2017) fue un artista estadounidense y uno de los impulsores del movimiento del arte pop. Partiendo de su experiencia en la pintura de signos, las obras de Rosenquist a menudo exploraban el papel de la publicidad y la cultura de consumo en el arte y la sociedad, utilizando técnicas que aprendió haciendo arte comercial para representar iconos culturales populares y objetos cotidianos. Aunque sus obras se han comparado a menudo con las de otras figuras clave del movimiento del arte pop, como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, las piezas de Rosenquist eran únicas en el sentido de que a menudo empleaban elementos del surrealismo utilizando fragmentos de anuncios e imágenes culturales para enfatizar la naturaleza abrumadora de los anuncios. En 2001 ingresó en el Salón de la Fama de los Artistas de Florida.
La carrera de Rosenquist en el arte comercial comenzó cuando tenía 18 años, después de que su madre le animara a realizar un trabajo de verano pintando. Empezó pintando carteles de Phillips 66, yendo a gasolineras desde Dakota del Norte hasta Wisconsin. Tras dejar la escuela, Rosenquist aceptó una serie de trabajos esporádicos y luego se dedicó a pintar carteles. De 1957 a 1960, Rosenquist se ganó la vida como pintor de carteles. Rosenquist aplicó las técnicas de la pintura de carteles a las pinturas a gran escala que empezó a crear en 1960. Al igual que otros artistas pop, Rosenquist adaptó el lenguaje visual de la publicidad y la cultura pop al contexto de las bellas artes: «Pinté vallas publicitarias sobre todas las tiendas de caramelos de Brooklyn. «Llegué a pintar una botella de whisky Schenley mientras dormía», escribió en su autobiografía de 2009, Painting Below Zero: Notes on a Life in Art. La revista Time afirmó que «su poderoso estilo gráfico y sus montajes pintados ayudaron a definir el movimiento del arte pop de los años 60».
En 2003, el crítico de arte Peter Schjeldahl se preguntaba sobre la aplicación de Rosenquist de las técnicas de pintura de signos a las bellas artes «¿acaso importar el método al arte es un truco barato? También lo fueron la serigrafía fotográfica de Warhol y el forrado de paneles de cómics de Lichtenstein. El objetivo en todos los casos era fusionar la estética de la pintura con la semiótica de la realidad contemporánea empapada de medios. La eficacia desnuda de la creación artística antipersonal define el Pop clásico. Es como si alguien te invitara a inspeccionar el puño con el que te golpea simultáneamente».
Rosenquist realizó sus dos primeras exposiciones individuales en la Green Gallery en 1962 y 1963. En 1965 expuso su cuadro F-111, una pintura a escala de habitación, en la Galería Leo Castelli, con la que alcanzó el reconocimiento internacional.
Pero Rosenquist dijo lo siguiente sobre su participación en el movimiento del arte pop: «Me llamaban artista Pop porque utilizaba imágenes reconocibles. A los críticos les gusta agrupar a la gente. No conocí a Andy Warhol hasta 1964. En realidad, no conocía mucho a Andy ni a Roy Lichtenstein. Todos surgimos por separado».
En 1971, Rosenquist llegó al sur de Florida tras recibir una oferta de Donald Saff, decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del Sur de Florida, para participar en el Graphicstudio de la escuela, una iniciativa artística de colaboración. En los años siguientes, Rosenquist siguió siendo un colaborador clave del estudio, cooperando con los estudiantes y otros artistas y produciendo numerosas obras propias, hasta crear su estudio Aripeka en 1976. Rosenquist seguiría viajando a Florida a lo largo de su carrera con el artista desarrollando varias obras por encargo para la comunidad, incluyendo dos murales para el edificio del capitolio del estado de Florida y una escultura para el Johns Hopkins All Children»s Hospital, además de formar parte del Consejo de Administración del Museo de Arte de Tampa.
Los cuadros de Rosenquist han estado expuestos en el vestíbulo de la Key Tower de Cleveland (Ohio). Su F-111 se expuso allí durante muchos años.
Tras ser aclamado, Rosenquist realizó encargos a gran escala. Entre ellos se encuentra el conjunto de tres cuadros El nadador en la econonimia (1997-1998) para el Deutsche Guggenheim de Berlín, Alemania, y un cuadro que se proyectó para el techo del Palacio de Chaillot de París, Francia.
Zona: Una obra clave en el desarrollo de su estilo característico, Rosenquist cita su obra de 1961, Zona, como un punto de inflexión en el desarrollo de su estética personal, siendo la pieza la primera en emplear la escala monumental, un aspecto recurrente en el arte de Rosenquist que se ejemplifica en sus numerosos murales. Zone también supuso un paso adelante en la obra de Rosenquist, ya que se apartó de sus trabajos anteriores, en los que se alejó de los experimentos previos con el expresionismo abstracto, y Rosenquist la describió como su primera obra pop. Realizada al óleo sobre dos lienzos separados, la obra ejemplifica los inicios del movimiento del arte pop en la forma en que Rosenquist toma imágenes de los medios de comunicación, utilizando una imagen de un tomate y un recorte de un anuncio de crema de manos. Las dos imágenes están divididas en zonas separadas, que sirven para centrarse en paralelismos visuales como el arco del tallo del tomate y las pestañas de la mujer, además de ilustrar la composición fragmentada, a menudo surrealista, característica de Rosenquist.
Presidente electo: Publicada el mismo año que Zone, President Elect de James Rosenquist es una de sus obras más conocidas, en la que el artista traslada un retrato de John F. Kennedy de un cartel de campaña a una gran pantalla. El cuadro también incluye una imagen superpuesta de una mano sosteniendo un pastel en escala de grises, así como la parte trasera de un Chevrolet. Rosenquist utiliza los iconos de la cultura pop para examinar la fama y la relación entre la publicidad y el consumidor, explorando el tipo de fama e iconografía que conlleva la política estadounidense. Con President Elect, Rosenquist pretende hacer una declaración sobre el nuevo papel que la publicidad y los medios de comunicación tuvieron durante la campaña de Kennedy. «En aquella época me interesaba mucho la gente que se anunciaba», dijo Rosenquist. «¿Por qué ponían un anuncio de sí mismos? Así que esa era su cara. Y su promesa era medio Chevrolet y un trozo de pastel rancio». En el cuadro, Rosenquist contrasta el retrato de Kennedy con el pastel y el Chevrolet para mostrar cómo se comercializa cada elemento entre los consumidores estadounidenses.
F-111: En 1965, James Rosenquist completó F-111, una de las obras más grandes y ambiciosas de su colección. Con más de 83 pies y 23 lienzos, la escala del cuadro evoca el trabajo de Rosenquist en vallas publicitarias, ilustrando una representación a tamaño real del avión F-111 Aardvark. Inicialmente, el cuadro debía cubrir las cuatro paredes de la sala principal de la galería Castelli de Manhattan, ocupando la totalidad de cada pared sin ningún tipo de relieve visual, para proyectar una visión imponente y continua de la guerra. Pintado durante la guerra de Vietnam, F-111 contrasta imágenes de la guerra con imágenes comerciales de anuncios, mostrando neumáticos, un pastel, bombillas, una chica en un secador de pelo de salón, burbujas y espaguetis. Rosenquist yuxtapone las imágenes de los anuncios con las del avión como forma de insinuar escenas gráficas de la guerra, con bombillas rotas cerca de la cabina que reflejan las bombas que caen desde el avión, y el capó del secador de pelo que recuerda el aspecto de un misil. Rosenquist utiliza el cuadro para cuestionar el papel del marketing y la cobertura de la guerra, describiendo el avión como «un vuelo a través del fuego antiaéreo de la sociedad de consumo para cuestionar la colusión entre la máquina de la muerte de Vietnam, el consumismo, los medios de comunicación y la publicidad».
Rosenquist recibió numerosos honores, entre ellos la selección como «Art In America Young Talent USA» en 1963, el nombramiento para un mandato de seis años en el Consejo Nacional de las Artes en 1978 y la concesión del Golden Plate Award de la American Academy of Achievement en 1988. En 2002, la Fundación Cristóbal Gabarrón le concedió su premio internacional de arte anual, en reconocimiento a sus contribuciones a la cultura universal.
A partir de su primera retrospectiva en 1972, organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York y el Wallraf-Richartz Museum de Colonia, la obra de Rosenquist fue objeto de varias exposiciones en galerías y museos, tanto en Estados Unidos como en el extranjero. El Museo Solomon R. Guggenheim organizó una retrospectiva de toda su carrera en 2003, que viajó a nivel internacional, y que fue organizada por los comisarios Walter Hopps y Sarah Bancroft.
Su F-111, expuesto en el Museo Judío en 1965, fue mencionado en un capítulo de Polaroids from the Dead, de Douglas Coupland.
Rosenquist se casó dos veces y tuvo dos hijos. Con su primera esposa, Mary Lou Adams, con la que se casó el 5 de junio de 1960, su primer matrimonio terminó en divorcio. En 1976, un año después de su divorcio, se trasladó a Aripeka, Florida. Su segunda esposa fue Mimi Thompson, con la que se casó el 18 de abril de 1987, y con la que tuvo una hija: Lily.
El 25 de abril de 2009, un incendio arrasó el condado de Hernando, Florida, donde Rosenquist había vivido durante 30 años, quemando su casa, sus estudios y su almacén. Todos los cuadros almacenados en su propiedad fueron destruidos, incluidas las obras de arte para una próxima exposición.
Rosenquist murió en su casa de Nueva York el 31 de marzo de 2017, tras una larga enfermedad; tenía 83 años. Le sobreviven su esposa, Thompson; una hija, Lily; un hijo, John; y un nieto, Oscar.
Fuentes
