Ingmar Bergman

Delice Bette | enero 11, 2023

Resumen

Ernst Ingmar Bergman, nacido el 14 de julio de 1918 en Uppsala (Suecia) y fallecido el 30 de julio de 2007 en Fårö (Suecia), fue un director de cine y teatro, productor cinematográfico, guionista, director de teatro, dramaturgo y escritor sueco. Es una de las figuras culturales suecas de mayor renombre internacional y uno de los más grandes directores de la historia del cine. Entre sus películas más clásicas y aclamadas por la crítica figuran Sonrisa de una noche de verano (1955), El séptimo sello (1957), El lugar de la fresa (1957), Como en un espejo (1961), Los vigilantes de la noche (1963), El silencio (1963), Persona (1966), Susurros y gritos (1972), Escenas de un matrimonio (1973), Fanny y Alexander (1982) y Saraband (2003).

A lo largo de su carrera, Bergman ha dirigido y escrito guiones para más de sesenta películas y documentales tanto para cine como para televisión, además de dirigir más de 170 obras de teatro. Sus películas transcurren principalmente en Suecia, y varias de ellas se rodaron en Fårö. Sus diversas obras tratan temas como la traición, la locura, la fe, la existencia de Dios, la humanidad, la muerte, la educación de los jóvenes, la mujer y su papel en la sociedad y el principio de sencillez. Creó colaboraciones creativas con sus directores de fotografía Gunnar Fischer y Sven Nykvist, y su elenco de actores incluía a Harriet Andersson, Bibi Andersson, Liv Ullmann, Gunnar Björnstrand, Erland Josephson, Ingrid Thulin y Max von Sydow.

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Infancia y adolescencia

Su padre, Erik Bergman, se ordenó en Uppsala en 1912 y fue primero sacerdote en la parroquia de Forsbacka in Valbo, en Gästrikland, de 1913 a 1918, tras lo cual se trasladó con su esposa a Estocolmo. Con el tiempo se convirtió en predicador de la corte.

Su madre, Karin Bergman, nacida en Åkerblom, había empezado a formarse como enfermera en el centro de formación de la Cruz Roja en el hospital de Sabbatsberg, pero se vio obligada a abandonarlo en 1912 a causa de la tuberculosis. Durante diez años sus padres vivieron en la vicaría de Sophiahemmet, cuando Erik Bergman, además de asistente del párroco (desde 1918) en la parroquia de Hedvig Eleonora, se convirtió en capellán de hospital en 1924 en Sophiahemmet, Estocolmo. Su hijo Ingmar nació en Uppsala, donde sus padres habían hecho escala en casa de sus abuelos cuando se trasladaron desde Gästrikland. Un mes después fue bautizado en la casa de verano de Våroms, en Dalarna. Al mismo tiempo, la devastadora pandemia de gripe española hacía estragos e Ingmar Bergman declaró más tarde falsamente en su autobiografía Laterna Magica que su madre se había visto afectada por la pandemia en el momento de su nacimiento, por lo que el recién nacido se habría encontrado en un estado debilitado y tuvo que ser bautizado de urgencia en el hospital. Sin embargo, investigaciones de archivo posteriores han demostrado que no fue así, sino que la familia padeció posteriormente una forma más leve y de corta duración de la enfermedad. En la familia también había un hermano, Dag, cuatro años mayor, y una hermana, Margareta, cuatro años menor. Cuando el padre fue nombrado vicario en 1934, se trasladaron a la vicaría frente a la iglesia de Hedvig Eleonora, en Östermalmstorg.

Bergman creció en un hogar sacerdotal con muchas imágenes religiosas y, para el niño, contradicciones conflictivas, que configuraron sus temas de trabajo a lo largo de su vida. A menudo describía la contradicción entre el mensaje cristiano de amor, por un lado, y la estricta disciplina del padre y el castigo a su hermano mayor, Dag en particular, por otro, un tema que Bergman utilizó en la película Fanny y Alexander. La relación con su padre, según Bergman, siguió siendo complicada durante mucho tiempo. La película mencionada también muestra su pasión, de niño, por el teatro de marionetas y los experimentos con coches con su querido aparato de laterna magica.

Bergman fue alumno de la escuela Palmgrenska, que le inspiró la película escolar Hets (1944), su primer guión adaptado.

Bergman estudió en la Universidad de Estocolmo de 1937 a 1940 y se interesó por el teatro y, más tarde, por el cine. En 1937 empezó a dirigir a varios aficionados.

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Trabajo y empleados

Bergman comenzó su carrera teatral en 1937 como director del teatro Mäster Olofsgården, en la sala de la iglesia de la Misión de la Ciudad de Estocolmo, en el casco antiguo de la ciudad. En 1940 fue nombrado director adjunto temporal de la Ópera. En 1941 y 1942 dirigió su propio teatro de aficionados, Medborgarteatern, en Medborgarhuset, en Södermalm, con varias producciones. Como actividad secundaria, fundó Sagoteatern for Children, la primera verdadera compañía de teatro infantil de Suecia, que en 1942 pasó a manos de Elsa Olenius para formar la base de lo que se convertiría en el extenso Vår teater.

Tras permanecer mucho tiempo a las puertas del legendario Filmstaden de Solna con la esperanza de ser «descubierto», por fin llamó la atención dentro y en 1940 tuvo la oportunidad de entrar y empezar a trabajar como montador de guiones y coguionista a las órdenes de Stina Bergman en Svensk Filmindustri. Basándose en parte en sus propios recuerdos escolares desagradables, consiguió, al cabo de un tiempo, encontrar interés en rodar su propio guión original para la película Hets (1944), que más tarde sería premiada internacionalmente y que se convirtió en su debut cinematográfico. Bergman fue ayudante de dirección en el plató

Las perspectivas de ganar la confianza necesaria para seguir haciendo películas tras esta derrota se consideraron mínimas. En ese momento se puso en contacto con Bergman Lorens Marmstedt, un arriesgado director de cine independiente y productor de Terrafilm y la Folkbiografer sueca. Marmstedt le ofreció la oportunidad de hacer otra película, algo que Bergman describió más tarde con gran gratitud como su gran salvación para su futura carrera, y una película llevó a otra. De esta época son las películas It»s Raining on Our Love (1946), Ship to India Land (1947), Music in the Dark (1947) y Prison (1949). Prisión fue la primera película que Bergman dirigió con su propio guión original. La película fue protagonizada por el también director Hasse Ekman, que más tarde realizó una entrañable parodia de escenas de la misma en una película propia. Bergman no tardó en regresar a Svensk Filmindustri con guiones para películas de Gustaf Molander y con su propia Hamnstad (1948), que marcó el inicio de una larga colaboración con el director de fotografía Gunnar Fischer. Svensk Filmindustri produjo la mayoría de las siguientes películas de Bergman.

En medio de toda esta actividad cinematográfica, Bergman, a la edad de 25 años, fue nombrado director del Teatro Municipal de Helsingborg el 6 de abril de 1944. Después de Helsingborg, se trasladó en 1946 al Teatro Municipal de Gotemburgo, donde a menudo se ha referido a las instructivas conversaciones con su director Torsten Hammarén como cruciales para su desarrollo como director. En las entrevistas solía citar sus palabras: «Lo primero que tiene que aprender un director es a escuchar y a mantener la boca cerrada». Su debut en Gotemburgo inmediatamente después de la guerra se produjo con el estreno mundial del cruel drama dictatorial Calígula, de Albert Camus, en noviembre de 1946. La producción fue muy elogiada y se convirtió en la consagración de Anders Ek en el papel protagonista. Permaneció en Gotemburgo hasta 1950, cuando realizó las producciones inaugurales del Intiman de Estocolmo, entre ellas algo tan inusual para Bergman como la ópera política Tolvskillingsoperan, de Bertolt Brecht. En 1951, puso en escena La rosa tatuada, de Tennessee Williams, dramaturgo habitual, en el recién creado Norrköping-Linköping Stadsteater. A partir de 1945-46 y hasta 1952, pasó la mayor parte de la década de 1950 como director, dramaturgo y director artístico del Teatro Municipal de Malmö, un periodo que más tarde describió como el más feliz de su vida.

Llevó a la mayor parte de su futuro reparto a Malmö, donde dirigió una aclamada mezcla de producciones, entre ellas Sagan, de Hjalmar Bergman; Fausto, de Goethe; La novia de la corona, de August Strindberg; La sonata fantasma y Erik XIV, de Molière; El misántropo, de Henrik Ibsen; Peer Gynt, de Henrik Ibsen; la obra folclórica Los Värmlands, y la opereta La viuda alegre, de Franz Lehár, con Gaby Stenberg. Algunas producciones viajaron en aclamadas giras de invitados a Londres y París. En este periodo también se produjeron varias de las películas más conocidas de Bergman, como Verano con Monika, La velada de Gycklarnas -primera colaboración con el fotógrafo Sven Nykvist-, La sonrisa de la noche de verano, El séptimo sello (basada en su obra teatral Trämålning, representada en Malmö), El lugar de la fresa, El rostro y El cuento de la doncella.

En 1951 Bergman debutó como director en el Dramaten con la obra de Björn-Erik Höijer Det lyser i kåken, y en 1961 regresó allí, donde permaneció de forma intermitente hasta la última producción en 2002. De 1963 a 1966 Bergman fue director del Dramaten, donde desarrolló las actividades teatrales infantiles del teatro, pero estar encerrado en el trabajo administrativo fue una dura prueba para el artista, normalmente extremadamente creativo, y le llevó a un periodo de enfermedad.

Fue en el Dramaten donde se produjo el gran cambio de su vida en 1976, cuando fue detenido por la policía en pleno ensayo teatral bajo sospecha de evasión fiscal. El incidente atrajo una enorme atención, sobre todo a escala internacional. Bergman fue completamente exonerado tras unos meses en los tribunales, pero se sintió tan violado física y psicológicamente que el 22 de abril de 1976 anunció su intención de abandonar el país. Tras un periodo de caos con discusiones cinematográficas no realizadas en Hollywood (incluida una adaptación cinematográfica prevista de La viuda alegre con Barbra Streisand), se traslada a Múnich. La ciudad se convirtió en su hogar y lugar de trabajo de 1977 a 1982.

En Alemania, realizó la película El huevo de la serpiente (1977), la aclamada obra de cámara La sonata de otoño (1978), rodada en Noruega y protagonizada por Ingrid Bergman y Liv Ullmann, y De la vida de las marionetas (1980). En Múnich, Bergman trabajó en el Residenztheater. También fue director invitado en el Teatro Nacional de Oslo en 1967, en el Teatro Nacional de Londres en 1970, en el Teatro Real de Copenhague en 1973 y en el Festival de Salzburgo en 1983.

Bergman trabajó constantemente en paralelo con el teatro y el cine como guionista, director y productor. Además de teatro y cine, realizó un gran número de producciones para la Televisión Sueca entre 1957 y 2003, entre ellas Escenas de un matrimonio (1973), Cara a cara (1976) y el guión de La buena voluntad (1992). Ha realizado varias producciones para el Radioteatro de la Corporación Sueca de Radiodifusión, así como algunas producciones de ópera de gran repercusión, como El camino a Ruckles, de Igor Stravinsky (telefilme de 1993), en la Ópera Real de Suecia. Varios de sus guiones, obras de teatro y otros trabajos se han publicado en forma de libro. Durante su estancia en Malmö también escribió libretos de ballet.

Más tarde, utilizando una imagen tomada de Antón Chéjov, describió así la relación entre el teatro y el cine: «El teatro es como una esposa fiel, pero el cine es como mi amante. En sus últimos años continuó siendo un director de escena apreciado e innovador, y está claro que el teatro influyó en su cine. En cuanto al cine, él mismo se dejó influir mucho por el cine francés, El Körkarl de Victor Sjöström, las primeras películas mudas de Georges Méliès y, como cinéfilo empedernido, más tarde con su propio cine en Fårö, valoraba mucho las películas de Federico Fellini, Andrei Tarkovsky, Akira Kurosawa, Luis Buñuel y Jan Troell, por ejemplo.

A finales de los años 60, los «tres gigantes» Bergman, el italiano Federico Fellini y el japonés Akira Kurosawa prepararon juntos un proyecto cinematográfico único, una historia de amor contada por cada uno en su propia versión. Para gran decepción de Bergman, el proyecto nunca llegó a materializarse, ya que Kurosawa cayó enfermo y otros asuntos interfirieron posteriormente. A lo largo de los años, Bergman mantuvo otras conversaciones de colaboración con Fellini que no llegaron a materializarse.

A menudo se hacía referencia a Bergman como el «director demonio» por su temperamento a menudo fogoso y su personalidad dinámica y exigente. También luchó durante toda su vida con lo que él llamaba sus «demonios» de diversos tipos (guardaba listas enteras de estos diversos tipos de emociones atormentadoras y áreas problemáticas). Prefería la intuición al intelecto en la dirección y era conocido y a menudo apreciado por su especial capacidad de perspicacia para hacer que los actores se sintieran «vistos».

Se dice que decía que sentía una gran responsabilidad como director y que tenía que, casi como una «figura paterna» percibida por muchos, apoyar a sus queridos actores, pero muchos eran también los que podían caer en desgracia si la «química» no era la adecuada. Ingmar Bergman mantuvo una actitud distante y crítica durante el proceso, afirmando que uno debe mantenerse neutral y profesional a la hora de juzgar un día de rodaje. Muchos destacados actores, directores y otras personas de todo el mundo han tenido a Bergman como principal inspiración y han intentado en vano trabajar con él, y a lo largo de los años se discutieron y prepararon numerosos proyectos en el extranjero que, por diversas razones, no llegaron a materializarse.

Bergman tenía un talento inusual y a menudo conseguía financiar sus películas y producciones; pero también luchó durante mucho tiempo con muchos de sus proyectos favoritos, como El séptimo sello, que finalmente tuvo que rodar con un presupuesto y un tiempo muy ajustados, y muchos proyectos nunca llegaron a buen puerto. En el clima cultural de izquierdas de los años setenta, luchó por encontrar su lugar. The Touching (1970) fue coproducida con Estados Unidos y, para realizar una de sus grandes películas, Susurros y gritos (1971), la mayor parte del reparto tuvo que invertir sus sueldos con pérdidas o ganancias. Entonces Sveriges Television acudió al rescate con telefilmes

Después siguió su involuntaria estancia en el extranjero hasta 1981, cuando regresó con la multipremiada superproducción Fanny y Alexander y una serie de producciones en gira mundial en el Dramaten, empezando por El rey Lear de Shakespeare (1984). Con ello, pasó de ser un artista con fama de estirado y de difícil acceso a un «icono nacional» más popular y accesible a los ojos del gran público. Decía que no le importaban ni la popularidad ni los presupuestos gigantescos de las películas. Sus películas solían tener presupuestos reducidos en comparación con los presupuestos acelerados que suelen tener las películas más populares. En las décadas de 1970 y 1980, también produjo algunas películas de otros directores, como Gunnel Lindblom, Erland Josephson y Kjell Grede.

A diferencia de las películas anteriores basadas en precuelas, a partir de finales de la década de 1940 Bergman escribió sus propios guiones originales para la mayoría de las películas que dirigió; a menudo pasaban meses o años desde la idea hasta la escritura. Era meticuloso en su trabajo, hacía preparativos minuciosos para, como él decía, poder luego permitirse cada vez más improvisar en el proceso de colaboración.

Bergman declaró en 1982, tras el estreno de Fanny y Alexander, que ésta sería su última película y que ahora se dedicaría principalmente a dirigir teatro. También fue el último largometraje que realizó principalmente para el cine. Los veinte años siguientes los dedicó a varios telefilmes, guiones dirigidos por otros cineastas cercanos a él (por ejemplo, Trolösa, dirigida por Liv Ullmann) y numerosos encargos de dirección en el Dramaten, el Teatro de la Radio y la Ópera Real.

Bergman mantuvo a raya su integridad y no participó mucho en la vida social pública. Con el tiempo, un selecto grupo de amigos y colaboradores habituales se convirtió en el «establo Bergman» y no muchos otros fueron admitidos fácilmente en este círculo íntimo. Predominaban la atención meticulosa a la puntualidad, el orden, la devoción leal y las puertas cerradas a los forasteros durante las horas de trabajo. A medida que la fama de Bergman crecía internacionalmente, también lo hacía el número de devotos admiradores y personalidades de la cultura que deseaban conocerle o trabajar con él, y para muchos era visto casi como una deidad sagrada y venerada. Sobre todo en relación con su convivencia con Liv Ullmann en los años setenta, la presión mediática internacional creció y se vio obligado a construir muros alrededor de su casa en Fårö.

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Empleados

Bergman reunió a un conjunto de actores que aparecieron en sus películas. A muchos de ellos los había conocido en el teatro. Entre ellos estaban Max von Sydow, Bibi Andersson, Harriet Andersson, Gunnar Björnstrand, Erland Josephson, Eva Dahlbäck, Gunnel Lindblom, Stig Olin, Birger Malmsten e Ingrid Thulin. La noruega Liv Ullmann se incorporó al equipo algo más tarde, pero trabajó estrechamente con Bergman durante mucho tiempo. Posteriormente se incorporaron Lena Olin, Pernilla August, Lena Endre, Peter Stormare y Elin Klinga. Gente como Nils Poppe, Hasse Ekman y Hans Alfredson también aparecieron en las películas de Bergman.

Bergman empezó a trabajar con el director de fotografía Sven Nykvist en 1953, en La noche de los gitanos, pero no fue hasta 1960, en La doncella, cuando Nykvist sustituyó por completo al anterior fotógrafo principal de Bergman, Gunnar Fischer. La colaboración con Nykvist duró mucho tiempo y ambos mantuvieron una estrecha y creativa relación. A menudo sólo necesitaban un mínimo de preparación de las articulaciones. También se alegró de trabajar repetidamente con el mismo personal técnico producción tras producción.

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Privacidad

Ingmar Bergman se casó cinco veces:

Bergman vivió de 1965 a 1970 con la actriz y directora Liv Ullmann y tuvo una hija con ella, la escritora Linn Ullmann. Liv Ullmann ha escrito sobre este periodo y el siguiente en dos libros: Förändringen y Tidvatten. También mantuvo relaciones duraderas con Harriet Andersson (1952-1955) y Bibi Andersson (1955-1959), ambas colaboradoras durante mucho tiempo en sus producciones cinematográficas.

En 2013 se publicó la biografía del periodista y escritor Thomas Sjöberg Ingmar Bergman – una historia de amor, sexo y traición (Lind & Co). El libro describe la caótica vida privada del director hasta su último matrimonio, pero también ofrece una visión en profundidad de la infancia de Bergman y de sus influencias en la juventud nazi.

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Alojamiento

Desde principios de la década de 1960, con interrupciones por los años en Múnich, Bergman residió parcialmente en Fårö, donde también rodó varias de sus películas, como Como en un espejo (la primera película rodada allí) y Persona. También tenía un apartamento en Karlaplan y otro más pequeño en Villagatan, Estocolmo. En la década de 1940, durante su primer matrimonio, vivió un tiempo en Abrahamsberg, en Bromma. Durante su estancia en Malmö, en los años 50, vivió en la entonces recién construida Stjärnhusen, en la zona de Mellanheden, y durante su etapa en Käbi Laretei, en los años 60, vivió tanto en la isla de Torö como en Djursholm. En su infancia se quedaba de vez en cuando con su abuela en Uppsala y también le gustaba volver a las zonas de vacaciones de su infancia en Dalarna.

Bergman se trasladó a Múnich en 1976; había emigrado de Suecia tras ser acusado de evasión fiscal y no volvió a rodar largometrajes en Suecia hasta 1981, cuando realizó Fanny y Alexander. Sin embargo, conservó su propiedad en Fårö y su empresa cinematográfica independiente Cinematograph, y pasaba mucho tiempo allí, principalmente durante los veranos. Realizó dos documentales sobre la gente y la naturaleza de Fårö, Fårödokument en 1969 y Fårödokument en 1979.

Muchos personajes de las películas de Bergman han tenido nombres similares. Esto se ha interpretado de diferentes maneras. Algunos nombres se han interpretado de forma alegórica, por ejemplo nombres bíblicos como Isaac y Tomás. Otros nombres se han interpretado según su origen etimológico. Alma en español significa «alma»; la hermana Alma en Persona simbolizaría entonces la vida emocional, la psique o el estado interior del ser humano. El apellido Vogler procede del círculo familiar del mundo de la infancia de Bergman. También está relacionado con «pájaro»; se dice que Bergman tenía miedo a los pájaros, y estos personajes se han interpretado a veces como amenazadores.

¿Quizás los nombres son sólo coincidencias? El propio Bergman escribe en su cuaderno de ejercicios para Susurros y gritos: «Anna. Es un buen nombre, aunque ya lo he usado en muchos contextos, pero es tan bueno».

Otra interpretación es fijarse en el tipo de personaje que lleva el nombre. Vogler suele ser artista de algún tipo (actriz en Persona). Vergérus es a menudo una figura autoritaria, preferentemente científicamente informada (un obispo severo en Fanny y Alexander). Vogler representa lo emocional, mientras que Vergérus representa lo racional.

Nombres de pila recurrentes: Albert, Alma, Anna, Eva, Fredrik, Henrik, Isak, Johan, Karin (nombre de la madre de Bergman), Marie.

Apellidos recurrentes: Egerman, Jacobi, Rosenberg, Vergérus, Vogler, Åkerblom (apellido de soltera de la madre de Bergman).

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El artista y el arte

Uno de los personajes más típicos de las películas de Bergman es el artista; en al menos 25 de sus películas (y en la mayoría de sus obras de teatro), el artista desempeña un papel importante. Muchos de ellos parecen autorretratos de Bergman, quien, inspirado por August Strindberg, utilizó sus propias experiencias vitales y conflictos relacionales (sobre todo de su infancia y de la casa de su abuela en Uppsala) a lo largo de su vida, tanto en películas como en interpretaciones teatrales.

Sin embargo, el arte en sí no desempeña un papel muy importante; por ejemplo, rara vez se muestra cómo se desarrolla una obra de arte. En cambio, el arte y el artista parecen ser utilizados por Bergman como imagen de la sociedad y de la falta de comunicación entre las personas.

A grandes rasgos, hay dos tipos de artista en Bergman: el artista humillado (por ejemplo, Frost en La velada de Gycklarnas y Albert Emanuel Vogler en El rostro) y el artista vampírico (por ejemplo, David en Como en un espejo y Elisabeth Vogler en Persona).

El artista humillado es el que se ve obligado a actuar y humillarse ante un público amenazante, y que luego es escrutado y vilipendiado. El artista vampírico es el que parasita de las experiencias ajenas y luego utiliza este material en su propio arte. Un cierto temor maníaco de un mundo «parasitario» hacia el artista siempre expuesto es también evidente, por ejemplo, en la película La hora del lobo, a la que dio por primera vez el título de Los devoradores de hombres.

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Relación con la política y la sociedad

Bergman describe su propia postura política durante los años treinta y la Segunda Guerra Mundial como apolítica y proalemana, que en ocasiones se habría deslizado hacia simpatías nazis, en un controvertido pasaje de Laterna Magica. Sin embargo, más adelante en la Guerra Mundial, se expondría al peligro con producciones teatrales explícitamente antinazis, incluidos los estrenos de tres obras de la resistencia, como el drama danés Niels Ebbesen, prohibido por los nazis, del resistente Kaj Munk, asesinado poco después de su estreno. Ni el Dramaten ni ningún otro teatro se había atrevido a representar la obra debido a la presión alemana, y una situación similar se produjo con el drama submarino pacifista U 39 de Rudolf Värnlund, ambos representados en 1943 en el recién fundado Dramatikerstudion, orientado a la protesta, que se enfrentó a las protestas de la embajada alemana en Estocolmo y al acoso del Ministerio de Asuntos Exteriores por su recurrente selección de repertorio no neutral. El tercer estreno tuvo lugar ese mismo año en el Teatro de Estudiantes de Estocolmo con una obra sobre la ocupación alemana de Noruega, Strax innan man vaknar, del joven escritor noruego Bengt Olof Vos. Como nuevo director del Teatro Municipal de Helsingborg, en 1944 puso en escena una versión claramente antinazi de Macbeth, el drama del poder de William Shakespeare, a pocos kilómetros de Elsinore, ocupada por los alemanes, como «una obra antinazi y antihitleriana sobre un criminal de guerra». Además, más tarde dirigió el estreno en Suecia del drama de Peter Weiss sobre los juicios de Núremberg de posguerra, Rannsakningen, en el Dramaten y en la radio en 1966.

Aunque en general se mantuvo apolítico en su obra, más tarde llegó a tratar repetidamente temas y cuestiones sobre el individuo vulnerable y sensible en relación con un mundo esquivo, a menudo amenazador, destructivo y belicoso. Concretamente en películas como La vergüenza (1968), sobre la realidad de la guerra, con la ruptura ante las atrocidades de la guerra de Vietnam en Persona (1966), un mundo aparentemente impío de alienación en una sociedad totalitaria de la Guerra Fría en El silencio (1963), una Europa devastada por la guerra e invadida por los refugiados en Sed (1949), la emergente Alemania nazi en El huevo de la serpiente alemana (1976). El drama medieval El séptimo sello (1957), con sus preguntas existenciales sobre la vida y su vínculo simbólico con la amenaza nuclear concreta de la época, atravesó al público -en palabras de Bergman en el libro Pictures (1990)- «como una tea por el mundo». El tema adquiere formas más simbólicas en películas como Hets (1944), con su tiránico profesor «Calígula», en la vulnerable gente del circo de Gycklarnas afton (1953) y en la angustiosa Vargtimmen (1968).

Al tener que completar el «pan de cada día» del drama de espionaje antisoviético Tales cosas no ocurren aquí (1950) a raíz de la escandalosa llamada extradición báltica de 1946, y protagonizada por verdaderos actores refugiados bálticos, Bergman se lo tomó tan mal que más tarde prohibió la película (aunque se hicieron excepciones para ciertas cinematecas y similares). Consideraba que la película era un burdo entretenimiento de suspense en lugar de un retrato honesto de las verdaderas tragedias humanas y los escándalos humanitarios que estaban teniendo lugar en nuestra parte del mundo.

En relación con la politización y los nuevos puntos de vista de las jóvenes generaciones de trabajadores culturales durante los cambios sociales del movimiento radical del 68, a Bergman le resultaba cada vez más difícil encontrar su lugar. A muchas de las generaciones establecidas de cineastas y personalidades de la cultura les resultaba cada vez más difícil continuar sus actividades en Suecia. Algunos se vieron obligados a dejar de trabajar, otros optaron por buscar trabajo en el extranjero. Para rodar la película Susurros y gritos (1973), los participantes se vieron obligados a invertir sus propios salarios para financiar el proyecto, pero aun así recibieron violentas críticas de grupos disidentes. Cuando, en 1976, fue detenido por la policía en el Dramaten bajo acusaciones falsas de evasión fiscal, el enfrentamiento era un hecho definitivo.

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Lo espiritual y lo secular

Como hijo imaginativo de un estricto padre sacerdote -compárese la imagen del obispo castigador en Fanny y Alexander (1982)-, gran parte de la vida laboral de Bergman estuvo marcada por reflexiones sobre cuestiones cristianas y su vida llegó a oscilar en diversos periodos entre los polos de su dualidad, con una fuerte dosis de ansiedad como resultado, un deambular entre la esperanza y la duda. Durante la mayor parte de su vida, hasta los años sesenta, a menudo se dejó llevar por una profunda religiosidad en su trabajo, a veces predicando casi pequeños sermones a su conjunto, por ejemplo durante el trabajo en El Séptimo Sello. A partir de los años sesenta se produjo un cambio con un periodo de casi agnosticismo, en el que llegó a trasladar racionalmente sus creencias más cerca de una visión humanista, según la cual «el hombre es portador de su propia santidad» y con la muerte ocurre «lo mismo que con apagar una bombilla», algo que le pareció sumamente liberador y lógico. Comenzó entonces a articular sus dudas oscilantes en películas como la trilogía Como en un espejo (1960), Los vigilantes de la noche (1962) y El silencio (1962). A esta última película le había dado primero el título de «El silencio de Dios». Al mismo tiempo, este camino inicial de duda religiosa fue seguido cada vez más por una búsqueda de un lenguaje cinematográfico más profundo y «metafísicamente» transgresor en obras más angustiadas y experimentales como Persona (1966), La hora del lobo (1966), La vergüenza (1967), El rito (1967), Susurros y gritos (1971), Cara a cara (1975) y De la vida de las marionetas (1980). Según su colega y amigo Vilgot Sjöman, Bergman llegó a enfurecerse en esa época cuando vio su documental I Blush (1981) desde los barrios bajos de Filipinas y le acusó de haberse vuelto religioso, Sin embargo, hacia el final de su vida, estas condiciones empezaron a parecerse a la fe espiritualizada y esperanzada de años anteriores, a la luz de su miedo de toda la vida a la muerte y la desesperación ante la idea de no poder volver a ver a su última esposa Ingrid después de su muerte. Por ello, dijo sentir fuertemente su presencia espiritual en su vida cotidiana y ahora se declaró convencido de la vida después de la muerte. Esta nueva reconciliación puede apreciarse en obras como Conversaciones individuales (1996) y la obra final Saraband (2003).

A lo largo de su vida, se esforzó por lograr en su arte una experiencia trascendente y onírica del mundo. De su colega ruso Andrei Tarkovsky escribe en Laterna Magica: «Cuando el cine no es un documento, es un sueño. Por eso Tarkovski es el más grande de todos. Se mueve con obviedad en las habitaciones de los sueños (…) Toda mi vida he llamado a la puerta de las habitaciones donde se mueve con tanta obviedad.» Una película como la mágica The Face (1958) se mueve mucho en esta dirección.

El segundo polo de la vida y la obra de Bergman se refiere a las relaciones humanas más realistas, tanto los matices y juegos emocionales, psicológicos, a menudo sutiles, en el interior de las personas y entre ellas -por los que Bergman ha adquirido fama internacional, así como por su trabajo sensible y de escucha con los actores- como las relaciones más íntimas y a menudo complejamente sensuales. De joven, Bergman se describe a sí mismo como un hombre solitario, inhibido y con extraños intereses culturales, pero con el tiempo llegó a desarrollar una larga serie de relaciones íntimas con muchas de sus actrices en particular. Se trata de un tema representado con una oscilación entre la lujuria y la complicación en películas como Llueve sobre nuestro amor (1946), Sed (1949), A la alegría (1950), Juego de verano (1950), Las mujeres esperan (1952), Verano con Monika (1952), Una lección de amor (1953), entre otras, La sonrisa de la noche de verano (1955), El jardín del placer (1961), Por no hablar de todas esas mujeres (1963), Una pasión (1968), El tacto (1970), Escenas de un matrimonio (1972), De la vida de una marioneta (1980), Fanny y Alexander (1982), Los dos bienaventurados (1985) y Los infieles (2000). Sin embargo, apenas hay complicaciones en relación con cuestiones religiosas o prohibiciones.

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Experimento de forma

Bergman también está considerado uno de los grandes innovadores del arte cinematográfico. Se ha movido en diferentes estilos, desde películas más poéticas y épicas hasta representaciones casi neorrealistas como Hamnstad (1948) y Verano con Monika (1952). Ha experimentado con técnicas de montaje y formas oníricas, como en El lugar de los sueños (1957) y El silencio (1962), ha realizado idiosincrásicas películas históricas de disfraces como El séptimo sello (1956) y El cuento de la doncella (1959), y una serie de intrigantes obras de cámara psicológicas entre personas, una forma no menos asociada a Bergman. Con la alemana Ur marionetternas liv (1980), se acerca a un estilo alemán erotizante y excavador en la línea de Rainer Werner Fassbinder o Margarethe von Trotta.

Persona (1965) es una de las películas más famosas de Bergman y se caracteriza por su carácter existencial y vanguardista. Bergman la consideraba, junto con Susurros y gritos (1973), sus mejores películas, ya que llevaban al límite las fronteras del arte cinematográfico. Susurros y gritos es único en su composición cromática; el color y la música interactúan aquí de un modo sin precedentes.

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Teatro

No es habitual que una persona combine la dirección teatral y la cinematográfica hasta el punto en que lo hizo Bergman, pero para él era una interacción natural, que a menudo se inspiraba y polinizaba mutuamente. No es infrecuente encontrar diferentes periodos en los que una producción teatral inspira la realización de una película, sobre todo durante el periodo creativo del Teatro Municipal de Malmö en la década de 1950, cuando la producción de la opereta Glada änkan (1954) dio lugar a la desenfadada película Sommarnattens leende (1955), su propia obra medieval Trämålning (1955) se convirtió en la base de la película El séptimo sello (1956), y obras de Molière como Don Juan (1955) y El misántropo (1957) tuvieron una conexión temática con la película El ojo del diablo (1960). Con la salida de la exuberante región de Skåne, la forma se hizo más seria, más contemporánea.

Los orígenes de Bergman se remontan al teatro, desde los espectáculos de marionetas de su infancia y los experimentos de laterna magica en casa hasta el teatro de aficionados de Mäster Olofsgården, al que acudía en su juventud como vía de escape de un complicado entorno familiar y donde a veces incluso dormía en el suelo del teatro envuelto en una alfombra. A partir de ahí, pasó por el teatro infantil en Medborgarhuset, producciones para giras de parques folclóricos y producciones cada vez más profesionales tanto en el teatro estudiantil de Estocolmo como en el Dramatikerstudion, recién fundado por Vilhelm Moberg y otros, para convertirse en 1944, a los 26 años, en el director y primer director del Stadsteater de Helsingborg. Sus producciones llamaron la atención desde el principio y a menudo recibieron elogiosas críticas en la prensa. También escribió y dirigió varias de sus propias obras para teatro y radio, y es uno de los dramaturgos nórdicos más representados en escenarios de todo el mundo, sobre todo a través de versiones teatrales de guiones cinematográficos.

De las más de 130 producciones escénicas y más de 40 radioteatrales que dirigió, hubo ciertos dramaturgos y obras que se repitieron una y otra vez a lo largo de su vida. El incomparable favorito y amigo del alma fue August Strindberg. De él, Bergman dirigió un total de 31 producciones, de las cuales cuatro eran de Una obra de ensueño, cuatro de La sonata fantasma y tres de El pelícano. Para sus dramas históricos, Strindberg adoptó el enfoque de William Shakespeare de dar vida a las historias reales tomándose la libertad de utilizar él mismo y sus propias experiencias e impulsos vitales personales en la representación, en lugar de ser distantemente deferente, y este enfoque Bergman a su vez podría decirse que lo adoptó de Strindberg. Bergman se ha hecho internacionalmente conocido por retratar repetidamente sus propias vidas y experiencias y las de sus familiares en conflicto, tanto en el teatro como en el cine, a su inconfundible manera personal. (Este enfoque serio y revelador sin concesiones ha sido a su vez continuado más tarde, como una línea sueca reconocible, casi sinónimo de la imagen internacional común de Suecia, en el drama de Lars Norén. Bergman pensaba que Norén era brillante, pero nunca llegó a trabajar él mismo en su obra).

En la primera parte de su vida, también volvió con frecuencia a las obras del ídolo juvenil Hjalmar Bergman, cuyo Sagan integró no menos de cuatro producciones de un total de nueve de su tocayo; la producción de Malmö, protagonizada por Bibi Andersson, también hizo una aparición como invitada en París en 1958 con la ayuda del dinero recaudado por los habitantes de Malmö. En esta época, también realizaba producciones de dramaturgos contemporáneos como Tennessee Williams (cuatro producciones), Jean Anouilh (cinco producciones) y suecos como Björn-Erik Höijer (seis producciones) y Olle Hedberg. Otro compañero a lo largo de su vida ha sido Henrik Ibsen, cuyo Peer Gynt retomó en dos ocasiones: con Max von Sydow en Malmö en 1957 y en el Dramaten con Börje Ahlstedt en 1991. Además, clásicos como William Shakespeare, con un total de diez producciones, incluidas tres del violento drama de poder Macbeth, y Molière, con nueve producciones, incluidas tres de Don Juan y tres de El Misántropo, han regresado con frecuencia. El repertorio también incluía obras de Per Olov Enquist y otros.

Sin embargo, no le interesaba ni el teatro político de los años 60 y 70 ni el teatro más intelectualmente experimental o absurdista de escritores como Samuel Beckett, Eugene Ionesco o Harold Pinter, que él calificaba de «comida rápida para impacientes». Lo más cerca que estuvo de estas formas fueron probablemente dos producciones de la notable Seis papeles en busca de autor de Luigi Pirandello (una con Liv Ullmann y otras en Oslo en 1967), producciones del estadounidense Edward Albee y del polaco Witold Gombrowicz en dos versiones de Yvonne, princesa de Borgoña en tiempos pasados. Según Bergman, el teatro «debe ser el encuentro del hombre con el hombre y nada más». A lo largo de su vida, compaginó su faceta de creador teatral desafiante y personal, por un lado, y de «director teatral» clásico responsable, con su dosis de clásicos consagrados y nombres conocidos, por otro. Además de ser corresponsable de conducción de sus primeras compañías, fue director teatral del Teatro Municipal de Helsingborg 1944-46 y de Dramaten 1963-66, así como Dramachief durante su etapa en el Teatro Municipal de Malmö 1952-58. Durante los años 1940-1960, en particular, también fue muy activo en el Teatro de la Radio y el Teatro de la Televisión, y realizó varias producciones de teatro musical, como la ópera de Mozart La flauta mágica en la Televisión Sueca en 1974 y el estreno sueco en abril de 1961 de la ópera de Igor Stravinsky El camino de las rucas en la Ópera Real, donde también se estrenó mundialmente su propia ópera y la de Daniel Börtz Los BackAnts en 1991. También ha puesto en escena el clásico de la canción sueca Värmlänningarna, tanto para Radioteatern en 1951 como en el Malmö Stadsteater en 1958, y la Tolvskillingsoperan de Bertolt Brecht en 1950 en Intiman.

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Música

Para Bergman, la música fue un consuelo y una fuente vital de inspiración durante toda su vida. «Si tuviera que elegir entre perder la vista o el oído, me quedaría con el oído», declaró el cineasta en una entrevista, y «el cine es casi como la música», «como cineasta he aprendido muchísimo de mi devoción por la música». Dijo que cada vez construía más sus guiones y producciones con la estructura de movimiento y la precisión de las composiciones musicales. En los rodajes, a menudo prefería escuchar los diálogos de los actores en lugar de verlos, porque si suenan reales, se ven bien, era su experiencia. Si hubiera tenido talento para ello, habría elegido ser director de orquesta, dijo también. Sin embargo, sufría limitaciones en su capacidad para recordar la música, lo que dificultaba especialmente su trabajo con el drama musical.

Era sobre todo la música clásica pura, rigurosa y concentrada lo que más apreciaba. Compositores como Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Schubert aparecen una y otra vez en sus películas. También colaboró con compositores suecos contemporáneos, sobre todo con Erik Nordgren y Erland von Koch en varias películas anteriores, pero también con Lars Johan Werle, Karl-Birger Blomdahl, Ivan Renliden y Daniel Bell. Entre la música popular, apreciaba especialmente las sutiles canciones de Povel Ramel. La tardía colaboración de Bergman con Peter Stormare en una serie de producciones teatrales y televisivas le introdujo en la música rock moderna, que llegó a moldear gran parte de la forma de su rebelde producción de Hamlet para Dramaten en 1986, con atronadora música de cierre a cargo del grupo Imperiet.

La música y los músicos desempeñan un papel central en varias películas, como el pianista ciego de Música en la oscuridad (1947), los músicos de orquesta de To Joy (1949), los ejercicios de ballet de Summer Play (1950), los bufones de El séptimo sello (1956), la famosa violonchelista de Not to Mention All Those Women (1963), la representación de La flauta mágica con marionetas de La voz del lobo (1966), la madre y la hija que tocan el piano en La sonata de otoño (1977) y la niña que toca el violonchelo en Saraband (2003). En películas como Sonrisa de una noche de verano (1955) y El cuento de la doncella (1959), los actores estallan repentinamente en una canción, y la música de cine acompaña a la mayoría de las películas.

El 18 de julio de 2004, Bergman intervino como conferenciante de verano en la Radio Sueca. Dedicó mucho tiempo a hablar de música y planteó a los oyentes algunas preguntas sobre qué es realmente la música y de dónde viene. La respuesta fue enorme y SR recibió un gran número de cartas, tras lo cual se realizó un programa especial sobre estas respuestas, titulado Breven till Bergman 24 de diciembre de 2004.

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Oscar

En 1970, Bergman recibió el premio Irving G. Premio en memoria de Thalberg en los Premios de la Academia. Tres de las películas de Bergman ganaron el Oscar a la mejor película internacional:

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Otros premios y distinciones

A menudo se repite la idea de que Bergman sería más apreciado en el extranjero que en Suecia, donde a veces tuvo que enfrentarse a duras críticas. Esto fue especialmente cierto en las primeras películas, como La velada de los Gycklar y La sonrisa de una noche de verano. Entre los críticos se encontraba Olof Lagercrantz. Más tarde, las películas fueron criticadas por su falta de compromiso social, sobre todo durante el clima cultural radical y el replanteamiento de las formas culturales en las décadas de 1960 y 1970. Cabe destacar que Bo Widerberg comenzó su carrera cinematográfica criticando duramente a Bergman en el libro Visionen i svensk film (1962). Hubo que esperar hasta Fanny y Alexander (1982) para que la crítica sueca y el público cinematográfico alabaran unánimemente su obra. Esta película en particular ha sido considerada tanto artísticamente impulsada como, en contraste con las obras de cámara de Bergman, inusualmente accesible.

Un detalle curioso de la crítica a Bergman fue el número anti-Bergman que la revista Chaplin publicó el 14 de noviembre de 1960 «para despejar el aire de la presencia un poco sofocante del director de genio, que coleccionaba Oscars y Palmas de Oro en abundancia». El propio Bergman participó, tanto con una intercesión por el inminente veredicto como en secreto con un artículo muy crítico, escrito bajo el seudónimo (crítico de cine francés) de Ernest Riffe. Sin embargo, pronto se corrió la voz de que el propio Bergman era el autor y, tras desmentidos poco entusiastas, admitió en el libro de entrevistas Bergman on Bergman (1970) que la acusación era cierta.

Tres fundaciones gestionan y desarrollan el legado cultural de Ingmar Bergman. Estas dos últimas fundaciones se crearon en 2009 y su labor va tomando forma poco a poco.

La Fundación Ingmar Bergman fue creada en 2002 por el Instituto Sueco de Cinematografía, Dramaten, Svensk Filmindustri y Sveriges Television en consulta con Bergman, quien le donó la mayor parte de su legado artístico -guiones, material de trabajo, notas, diarios, correspondencia, etc.-, así como los derechos de todos sus guiones, que financian en gran parte las actividades de la Fundación, sobre todo a través de un gran número de producciones teatrales en todo el mundo. Sus archivos son accesibles a investigadores y escritores, y la Fundación también se encarga de divulgar entre el público información relevante sobre la vida y la obra de Bergman. En 2007, los archivos de la Fundación se incluyeron en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

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Festivales

En el verano de 2004 se puso en marcha el pequeño festival «Fårö Filmdagar» por iniciativa de Jannike Åhlund y otros. Poco a poco, se convirtió en el evento anual de verano Bergmanveckan on Fårö, con proyecciones de películas y charlas con invitados relacionados con la obra de Bergman y aquellos que se inspiraron en él. En años anteriores, Wim Wenders, Kenneth Branagh, Harriet Andersson, Bibi Andersson y Ang Lee, entre otros, han visitado la semana, y el propio Bergman ha participado en ocasiones.

En mayo-junio de 2009 se celebró en Dramaten el primer festival internacional de teatro de Bergman, el Festival Internacional de Teatro Ingmar Bergman, con la intención de volver cada cierto tiempo.

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Premios de Cultura

Varios premios culturales han sido creados por el propio Bergman o en su memoria y se conceden periódicamente a personalidades de la cultura según diversos criterios.

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Otras obras culturales relacionadas con Ingmar Bergman

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Nuevas producciones internacionales de obras de Bergman

Bergman participó en la creación de una escuela de cine en Suecia desde una fase temprana, y estuvo empleado desde su creación en 1964 y durante varios años como «inspector» y conferenciante habitual en la Escuela de Cine del Instituto Sueco de Cine y su sucesor, el Instituto Dramático.

En 1987 fue uno de los fundadores de la Academia de Cine Europeo, con sede en Berlín, y fue su Presidente de Honor hasta su muerte.

El 18 de julio de 2004, Bergman fue el orador de verano en el programa Sommar de la Radio Sueca.

En 2005, se creó una «Cátedra Ingmar Bergman» en el Departamento de Estudios Cinematográficos de la Universidad de Estocolmo, en colaboración con la Fundación Ingmar Bergman. Su primer profesor fue el especialista holandés en cine Thomas Elsaesser desde 2006.

En septiembre de 2008, Ingmar Bergman dio su nombre a una calle y una plaza de Estocolmo. Parte de Smålandsgatan, cerca del Dramaten, pasó a llamarse calle de Ingmar Bergman, y el cruce fuera del Dramaten, donde confluyen Smålandsgatan, Almlöfsgatan y Nybrogatan, se denominó plaza de Ingmar Bergman. Ingmar Bergman solía esperar su taxi en este lugar tras su jornada laboral en el Dramaten. También en Helsingborg, Bergman recibió una plaza Ingmar Bergman en Bruksgatan, cerca de la dirección del antiguo teatro municipal de Helsingborg, donde Bergman fue su director en los años cuarenta. La inauguración tuvo lugar el 14 de julio de 2008, día en que Bergman habría cumplido 90 años.

En 2010, Ingmar Bergman también tuvo una calle con su nombre en Uppsala, su ciudad natal. Parte de Nedre Slottsgatan se convirtió entonces en la calle de Ingmar Bergman. La calle está cerca de los bloques donde se rodó la película Fanny y Alexander, cerca de las viviendas familiares de Trädgårdsgatan (donde la abuela de Bergman tenía un gran apartamento) y cerca de Slottsbiografen, donde Bergman tuvo sus primeras experiencias cinematográficas.

Ingmar Bergman es el protagonista del nuevo billete sueco de 200 coronas, que se introdujo el 1 de octubre de 2015. El billete muestra una imagen de Bergman y Bengt Ekerot, vestidos de la Muerte, durante el rodaje de El séptimo sello.

Bergman murió el mismo día que el director italiano Michelangelo Antonioni.

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Documentales

Entre 1957 y 2003, Bergman dirigió

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Otras producciones televisivas

Ingmar Bergman participó en 137 producciones teatrales entre 1938 y 2002 como director (a veces también como guionista) en Estocolmo, Helsingborg, Malmö, Gotemburgo, Norrköping, Oslo, Copenhague, Londres, Múnich y Salzburgo, y muchas de estas producciones han realizado giras y actuado como invitados en un gran número de países de todo el mundo.

Dirigió dos producciones operísticas en la Ópera Real Sueca (el estreno sueco de El camino a Rucklaren, de Igor Stravinsky, en 1961, y el estreno mundial de Los BackAnts, de Daniel Börtz, con libreto propio, en 1991; esta última también en versión televisiva, en 1993), además de la producción televisiva de La flauta mágica, de Mozart, en 1974. En el Stadsteater de Malmö representó la muy publicitada opereta Glada änkan en 1954, con Gaby Stenberg en el papel principal, el teatro de canciones Värmlänningarna en 1958 y escribió el libreto del aclamado ballet Skymningslekar en 1954. En 1976 también realizó la película de danza La danza de las mujeres malditas para la SVT con la coreógrafa Donya Feuer, colaboradora durante mucho tiempo en las producciones de Bergman. Véase también: lista de producciones teatrales de Ingmar Bergman.

Para Radioteatern de Sveriges Radio dirigió y escribió

En los fondos del Archivo Bergman se conservan varias obras juveniles inéditas y otros manuscritos y escritos, además de los que se enumeran a continuación. Algunos también se han publicado como relatos cortos y seriales en diversos periódicos y revistas.

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Libros publicados

Además de un gran número de libros, artículos de prensa y reportajes de radio y televisión en varios idiomas a escala internacional, se han realizado varias películas y programas de televisión sobre y protagonizados por Ingmar Bergman y su obra. Varias de ellas han atraído una considerable atención internacional y han sido premiadas en festivales internacionales de cine. Además del documento Fanny y Alexander (1986), también se han realizado las llamadas películas «entre bastidores» sobre la producción de algunas de las diversas películas de Ingmar Bergman.

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En inglés

Fuentes

1. Ingmar Bergman
2. Ingmar Bergman
3. ^ Sveriges dödbok 1830-2020, Sveriges släktforskarförbund
4. ^ Tuohy, Andy (3 september 2015) (på engelska). A-Z Great Film Directors. Octopus. ISBN 9781844038558. https://books.google.com/books?id=kbonCgAAQBAJ
5. ^ Gallagher, John (1 januari 1989) (på engelska). Film Directors on Directing. ABC-CLIO. ISBN 9780275932725. https://books.google.co.uk/books?id=KB9Kv-CKfyQC&pg=PA259#v=onepage&q=ingmar%2520bergman%2520greatest%2520auteur
6. ^ Linton-Malmfors, Birgit (2003). Karins liv, Karin Bergman i dagböcker och brev 1907-1966. sid. sid. 23, 28, 33
7. Prononciation en suédois de Suède retranscrite selon la norme API.
8. Bergman 2001, p. 12-13.
9. ^ Il cinema, grande storia illustrata, De Agostini, 1982, Vol. V, p. 205
10. ^ Ingmar Bergman, Lanterna magica, Milano, Garzanti, 1987, pag. 125
11. В 2011 году появилась статья, в которой на основании проведённой генетической экспертизы утверждалось, что Карин, скорее всего, не являлась биологической матерью Ингмара Бергмана[3][4], но позже результаты экспертизы были опровергнуты[5][6].