Giorgio Morandi

Resumen

Giorgio Morandi (20 de julio de 1890, Bolonia – 18 de junio de 1964, Bolonia) fue un pintor y artista gráfico italiano.

El futuro artista, el mayor de cinco hijos, nació en el seno de la familia Andrea Morandi (1858-1909) – copropietario de la sucursal boloñesa de una empresa francesa, que comerciaba con cáñamo, en 1889 se casó con la joven de 19 años Maria Maccaferri. Giorgio trabajó inicialmente en la empresa de su padre, pero su temprana pasión por la pintura le hizo tomar otro camino en la vida: en 1907 se matriculó en la Accademia di Belle Arti di Bologna. Tras la temprana muerte de su padre, gracias a los esfuerzos de su madre por proporcionar una educación a sus hijos, pudo continuar sus estudios y graduarse en la Accademia en 1913. Morandi obtuvo buenos resultados en el estudio, pero no recibió de una formación académica la escuela de creatividad que buscaba. Esta escuela podría haberle proporcionado un viaje a París, con el que soñaba a principios de la década de 1910, pero las dificultades económicas de la familia le impidieron abandonar Bolonia, donde en 1914-1929 enseñó dibujo en escuelas primarias.

En la nueva pintura francesa, que al principio Morandi sólo conocía en reproducciones en blanco y negro, se guió especialmente por las obras de Renoir y Cézanne. Pero si los cuadros de Renoir fueron vistos por el joven artista directamente en 1910 en la IX Bienal de Venecia, donde se dedicó una sala entera a las obras de Renoir, durante mucho tiempo estudió los cuadros de Cézanne sólo por reproducción.

Las primeras obras conocidas de Morandi -un paisaje y un retrato de su hermana Dina, ejecutados con una aguda plástica- están fechadas en 1911 y 1912. Entre 1913 y 1914, Giorgio Morandi participó en varias exposiciones futuristas en Bolonia y Roma, conociendo a Umberto Boccioni y Carlo Carrà, y recibiendo los elogios del líder futurista italiano Tomaso Marinetti, pero su búsqueda artística estuvo muy influenciada por la obra de los cubistas franceses y, en parte, por Henri Rousseau. Paralelamente a su interés por los experimentos de los nuevos movimientos, Morandi profundiza en la pintura de los maestros antiguos -Giotto, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca- con viajes a Florencia (1910), Padua y Asís.

Con motivo de la entrada de Italia en las hostilidades de la Primera Guerra Mundial, en el verano de 1915, fue reclutado por el ejército (debido a su gran estatura fue asignado a un regimiento de granaderos), pero tras servir durante dos meses sufrió una crisis nerviosa y fue dado de baja. En 1917 Morandi vuelve a enfermar gravemente y casi no puede trabajar.

En 1916-1919, la búsqueda creativa de Morandi le acercó a los representantes de la llamada «pintura metafísica»: Giorgio de Chirico, Arturo Martini y, en particular, Carlo Carr. En los primeros años de la posguerra, estos artistas, junto con Morandi, fueron miembros de los «Valori Plastici» («Valores Plásticos»), llamados así por la revista del mismo nombre fundada en 1918 por el artista, editor y marchante Mario Broglio, que en 1921 organizó una exposición itinerante del grupo en Berlín, Dresde, Hannover y Múnich. Broglio fue el primero en firmar un contrato de exclusividad con el artista boloñés y comenzó a vender su obra. Sin embargo, en 1922, cuando Morandi seguía exponiendo con de Chirico, Carra y Martini en la «Exposición de Primavera» de Florencia (y de Chirico escribió un artículo sobre él en el catálogo de esa exposición), sus nuevas obras indicaban que su «etapa metafísica» era cosa del pasado.

En los años 30, Giorgio Morandi recibe su primer reconocimiento. Primero como artista gráfico: los éxitos de la década anterior en el campo del grabado le permitieron en 1930 hacerse cargo de la cátedra de técnica del grabado en la Academia de Bellas Artes de Bolonia (ocupó la cátedra hasta 1956). En 1932 asistió a la primera exposición de grabado italiano contemporáneo en Florencia, y ese mismo año la revista L»italiano le dedicó un número especial con un artículo de Ardengo Soffici, que en 1938 sugirió que Morandi fuera miembro correspondiente de la Academia de Bellas Artes de Florencia. Poco a poco, su pintura se convierte también en un fenómeno notable en el arte italiano: desde 1931, las obras de Morandi se presentan en la exposición nacional más prestigiosa, la Quadrenale de Roma, y en 1939 se le rinde homenaje con 42 de sus cuadros en una sala independiente en la Quadrenale III de Roma.

A mediados de la década de 1930, su pintura fue muy apreciada por el famoso historiador de arte Roberto Longhi y el importante coleccionista, crítico y empresario Lamberto Vitali (1896-1992), con quien Giorgio Morandi mantuvo posteriormente una larga amistad. Durante la Segunda Guerra Mundial, Longhi ayudó a liberarlo de la prisión de Bolonia y más tarde lo apoyó organizando una exposición personal en la Galleria Il Fiore de Florencia, que se inauguró el 25 de abril de 1945, el día en que los aliados liberaron Bolonia. Vitali se convirtió no sólo en uno de los mayores coleccionistas de obras de Morandi (las más valiosas las dejó a la Pinacoteca de Brera, en Milán), sino también en el autor de un catálogo vitalicio de sus dibujos (1957) y de un catálogo póstumo del artista (1977).

A pesar de la fama que le llegó a Morandi en los años de posguerra, no cambió su modesto estilo de vida. Soltero, vivía con sus hermanas solteras en el anticuado piso de sus padres en Bolonia, y una de las habitaciones le servía de estudio y dormitorio. No fue hasta 1959 cuando construyó una casa en la comuna rural de Grizzana, a 30 km de Bolonia, donde había pasado muchos años durante la guerra; aquí Morandi pasó los meses de verano con sus hermanas y en los últimos años de su vida. En 1985 se añadió el nombre del artista al nombre de este municipio: Grizzana-Morandi.

En una rara entrevista de finales de los años 50, Giordo Morandi se refirió así al género principal de su obra:

«Esencialmente, soy un artista cuya mayor parte de la obra es una naturaleza muerta, capaz de transmitir al espectador una sensación de paz e intimidad, cualidades que yo mismo valoro más que cualquier otra cosa. <…>

Los catálogos consolidados de Vitali muestran alrededor de 1.340 óleos de Giorgio Morandi (sin incluir acuarelas y dibujos). Los paisajes representan algo menos de una quinta parte de su legado, Morandi no dejó casi ningún retrato (el resto de sus obras son naturalezas muertas, entre las que se encuentra un gran grupo de sus «Flores» (las llamaba «naturalezas muertas florales» y solía regalarlas a los conocedores, a los amigos y a sus hermanas), así como una serie de pinturas y grabados que representan conchas, «imágenes del mundo petrificado».

Los historiadores del arte que han visitado el estudio de Giorgio Morandi han señalado el particular enfoque del artista sobre la naturaleza de la que nacen sus bodegones. Según Roberto Longhi eran «objetos inútiles», es decir, objetos sacados de la realidad. Victoria Markova recordaba: «…Casi todos estos objetos -botellas de formas diversas, jarras, jarrones- estaban pintados con gouache de un color determinado <…> o cubiertos con una capa de yeso deliberadamente descuidada, con lo que perdían no sólo su conexión utilitaria con la vida cotidiana, sino también su textura natural y sus propiedades materiales: el vidrio dejaba de ser vidrio, y el metal dejaba de ser metal. James Troll Sobie, comisario de la exposición neoyorquina Italian Art of the 20th Century (1949), señaló que al preparar los objetos para sus bodegones (cajas, paralelepípedos) Morandi solía «…pintar sus superficies con formas geométricas sencillas -cuadrados, círculos, rectángulos- en colores invariablemente suaves». Maria Christiane Bandera, directora de investigación de la Fundación Robert Longy, describió un objeto «hecho de estaño especialmente a petición de Morandi y que se encuentra a menudo en sus obras, en forma de embudo volcado colocado sobre un cilindro. Ha realizado un estudio exhaustivo de las técnicas de trabajo del artista, y subraya que Morandi se desprende de la funcionalidad de sus objetos escenificados y dedica mucho tiempo a ordenarlos y adaptarlos entre sí.

Resulta significativo que, al comparar las composiciones temáticas de los distintos bodegones de Morandi de la misma época, a finales de los años 40 por ejemplo, Bandera los trate en términos de música y arquitectura:

«Luego los unía como un todo, luego los hacía girar, orquestando su melodía con colores llenos de luz, refinados, sofisticados. Seleccionó objetos con formas alargadas: jarras, jarrones, lámparas, botellas. Lo más frecuente son las botellas, sus propias botellas: botellas oscuras y tradicionales de Borgoña; botellas de cuello alargado que se asemejan a las agujas de las catedrales góticas, que se extienden hacia arriba, con puntos de luz que acentúan su estructura; botellas en espiral y estriadas; botellas en forma de pirámide con base triangular; botellas «persas», planas, con cuello corto. Seleccionó vasijas como formas elementales de diferentes alturas y proporciones para ayudar a construir una composición…».

Giorgio Morandi es un fenómeno completamente independiente en el arte del siglo XX. La influencia «metafísica» que experimentó en la primera etapa de su obra no habría tenido ningún interés (esa disposición estereotipada de figuras «tipo maniquí» en el espíritu de G. Chirico en una tridimensionalidad geométrica simplificada, y no diría nada del artista al que se asocia su nombre, si incluso sus primeras obras no mostraran al refinado colorista que fue en el periodo más expresivo de su pintura. Por ello, la gama del artista, aunque aparentemente sencilla, es extremadamente compleja y está construida sobre los matices más sutiles; Y las formas presentes en sus obras son sencillas, pero suficientemente variadas, dotadas de carácter, y a veces intrincadamente caprichosas, más que primitivas, en el sentido que implica este estilo.

La clave para entender su arte está en las pinturas del primer Renacimiento italiano, en los frescos de Giotto, en los bodegones de F. La clave para entender su arte está en los frescos de Giotto y los bodegones de F. Surbaran o los sencillos estudios de J.-B. S. Chardin. El modo de vida del artista, que se alejó de los problemas del mundo agitado (prácticamente nunca salió de Bolonia), habla de su deseo de ver y mostrar la belleza de las formas sencillas, la capacidad de encontrarla constantemente en esta vida tranquila, de cámara, que aparece tras la monotonía imaginaria en la variedad, la «intimidad» de los estados de ánimo de sus cuadros.

También es interesante la experiencia de Morandi en la gráfica de caballete. Sus grabados se caracterizan por una gama tonal suave cercana a la de sus pinturas; de hecho, aquí resuelve los mismos problemas que en la pintura al óleo, pero lo consigue utilizando medios técnicos completamente diferentes, siendo el resultado la unidad de la imaginería. Los temas de las naturalezas muertas de G. Morandi se entremezclan con objetos domésticos prosaicos, como cafeteras, tarros, botellas… El pintor ha encontrado su propio enfoque para resolver sus problemas compositivos, artísticos y plásticos más interesantes. Logra la transmisión de las relaciones espaciales, de la luz y de la sombra con la ayuda de trazos que se cruzan entre sí o que pasan de un objeto a otro sin contornos. Los sujetos pasan suavemente al fondo, no hay contorno, ni límites claros. El pintor consigue una gran armonía y una gran integridad en la impresión.

Sus obras fueron galardonadas con el premio de pintura en la Bienal de Venecia (1948), el gran premio de una serie de grabados en la Bienal de São Paulo (1953) y el gran premio de pintura en la Bienal de São Paulo (1957). En 1962, tras una exposición individual en Siegen, el artista fue galardonado con el Premio Rubens y en 1963 recibió la medalla Arquiginasio de Oro en nombre de la ciudad de Bolonia.

Las naturalezas muertas de Morandi aparecen en «La Dolce Vita» (1960) de Federico Fellini y en «La noche» (1961) de Michelangelo Antonioni.

La primera exposición monográfica de Giorgio Morandi en la Unión Soviética se celebró del 18 de mayo al 10 de julio de 1973 en Moscú, en el Museo Pushkin de Bellas Artes. Incluía 24 cuadros (dos de ellos procedentes de la Colección Estatal del Hermitage), 13 acuarelas y dibujos, y 50 grabados.

En 1989, Leningrado y Moscú acogieron una gran exposición retrospectiva sobre el centenario de Morandi en el marco de una gran gira internacional titulada Progetto Morandi Europa. Sette mostre in sette musei» («siete exposiciones en siete museos»). El proyecto se inició en noviembre de 1988 en Tampere (Finlandia) y luego la exposición se presentó en Leningrado del 21 de enero al 19 de febrero de 1989 en las salas de la Galería Nadvornaya del Palacio de Invierno, donde se expusieron 58 pinturas, 25 acuarelas, 25 dibujos a lápiz y 22 grabados. En Moscú, la exposición fue acogida por la Unión de Artistas de la URSS y, como consecuencia de las dificultades de organización, la exposición, que se celebró en marzo en las salas de la Casa Central de Artistas, se redujo a la mitad. La exposición viajó después a Londres, Locarno y Tubinga; según la organizadora de esta gira, Marilena Pasquali, terminó en Düsseldorf en marzo de 1990.

La tercera exposición nacional de Morandi tuvo lugar en Moscú, en las salas del Museo Pushkin de Bellas Artes, del 25 de abril al 10 de septiembre de 2017. La exposición incluía 46 pinturas, 7 acuarelas, 23 grabados y 8 tablas de grabado. Un catálogo detallado, publicado en ruso e italiano en una traducción paralela, fue un complemento esencial para las obras expuestas.

Fuentes

  1. Моранди, Джорджо
  2. Giorgio Morandi