Franz Kline

Resumen

Franz Kline (23 de mayo de 1910 – 13 de mayo de 1962) fue un pintor estadounidense. Se le asocia con el movimiento expresionista abstracto de las décadas de 1940 y 1950. Kline, junto con otros pintores de acción como Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren y Lee Krasner, así como poetas, bailarines y músicos locales, llegó a ser conocido como el grupo informal de la Escuela de Nueva York. Aunque exploró las mismas innovaciones en la pintura que los demás artistas de este grupo, la obra de Kline es distinta en sí misma y ha sido venerada desde la década de 1950.

Kline nació en Wilkes-Barre, una pequeña comunidad minera del este de Pensilvania. Cuando tenía siete años, el padre de Kline se suicidó. Durante su juventud se trasladó a Lehighton (Pensilvania) y se graduó en el instituto de Lehighton. Más tarde, su madre se volvió a casar y le envió al Girard College, una academia de Filadelfia para chicos sin padre. Tras graduarse en el instituto, Kline estudió arte en la Universidad de Boston de 1931 a 1935, y luego pasó un año en Inglaterra asistiendo a la Heatherley School of Fine Art de Londres. Durante este tiempo, conoció a su futura esposa, Elizabeth V. Parsons, una bailarina de ballet británica. Regresó a Estados Unidos con Kline en 1938.

A su regreso al país, Kline trabajó como diseñador para unos grandes almacenes en el estado de Nueva York. A continuación, se trasladó a Nueva York en 1939 y trabajó para un diseñador escénico. Fue durante esta época en Nueva York cuando Kline desarrolló sus técnicas artísticas y obtuvo el reconocimiento como artista importante.

Más tarde enseñó en varias instituciones, como el Black Mountain College de Carolina del Norte y el Pratt Institute de Brooklyn. Pasó los veranos de 1956 a 1962 pintando en Provincetown, Massachusetts, y murió en 1962 en Nueva York de una enfermedad cardíaca reumática, diez días antes de cumplir los 52 años.

Primeros trabajos

La formación artística de Kline se centró en la ilustración y el dibujo tradicionales. A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, Kline trabajó de forma figurativa, pintando paisajes y paisajes urbanos, además de retratos y murales por encargo. Su estilo individual puede verse por primera vez en la serie de murales Hot Jazz, que pintó para la Bleecker Street Tavern de Greenwich Village en 1940.

La serie reveló su interés por descomponer las formas representativas en pinceladas rápidas y rudimentarias.

El estilo personal que desarrolló durante esta época, utilizando formas simplificadas, se hizo cada vez más abstracto. Muchas de las figuras que representó se basan en las locomotoras, los paisajes austeros y las grandes formas mecánicas de su comunidad minera nativa de Pensilvania. A veces, esto sólo resulta evidente para el espectador porque las obras llevan el nombre de esos lugares y objetos, y no porque se parezcan realmente al tema. Con la influencia de la escena artística contemporánea de Nueva York, Kline se adentró en la abstracción y acabó abandonando el representacionismo. A partir de finales de la década de 1940, Kline empezó a generalizar sus temas figurativos en líneas y planos que encajan de forma muy parecida a las obras del cubismo de la época.

En 1946, el puesto de la Legión Americana de Lehighton (Pensilvania) encargó a Kline un gran lienzo que representara la ciudad en la que había cursado sus estudios secundarios. El mural Lehighton fue adquirido al puesto de la Legión Americana en 2016 por el Museo de Arte de Allentown (Pensilvania) y actualmente se encuentra allí en exposición permanente.

Trabajo posterior

Se cree que el estilo más reconocible de Kline procede de una sugerencia que le hizo su amigo e influencia creativa, Willem de Kooning. La esposa de De Kooning, Elaine, hizo un relato romántico del suceso, afirmando que, en 1948, de Kooning aconsejó a un Kline artísticamente frustrado que proyectara un boceto en la pared de su estudio, utilizando un proyector Bell-Opticon. Kline describió así la proyección:

«Un dibujo negro de cuatro por cinco pulgadas de una mecedora… se asomaba en gigantescos trazos negros que erradicaban cualquier imagen, los trazos se expandían como entidades en sí mismas, sin relación con ninguna entidad más que la de su propia existencia».

Como sugiere Elaine de Kooning, fue entonces cuando Kline se dedicó a las obras abstractas a gran escala. Sin embargo, aunque Willem de Kooning recuerda que Kline se adentró en la abstracción «de repente, se zambulló en ella», también reconoce que le llevó bastante tiempo, afirmando que «Franz tenía una visión de algo y a veces se tarda bastante en elaborarla». Durante los dos años siguientes, las pinceladas de Kline se volvieron completamente no representativas, fluidas y dinámicas. Fue también en esta época cuando Kline empezó a pintar sólo en blanco y negro. Explicó cómo su paleta monocromática pretendía representar el espacio negativo y positivo diciendo: «Pinto el blanco tanto como el negro, y el blanco es igual de importante». Su uso del blanco y negro es muy similar a las pinturas realizadas por de Kooning y Pollock durante la década de 1940. También parece haber referencias a la caligrafía japonesa en las pinturas en blanco y negro de Kline, a través de su intercambio con el grupo de caligrafía de vanguardia japonés Bokujinkai y su líder Morita Shiryu, aunque Kline negó posteriormente esa conexión.

La primera exposición individual de Kline tuvo lugar entre el 16 de octubre y el 4 de noviembre de 1950, en la Egan Gallery, 63 East 57th Street. La muestra constaba de once cuadros abstractos. El color era un elemento poco frecuente en los cuadros: una pintura de fondo marrón cerca del fondo de Nijinsky y fugaces toques de verde en Leda. Los cuadros mostraban una variedad de composiciones y estados de ánimo, pero todos tenían un rasgo definitorio: El estilo característico de Kline, negro sobre blanco. Trece años antes, en Londres, Kline se había autodenominado «hombre de blanco y negro», pero no fue hasta esta exposición cuando se hizo evidente la exactitud de esta fase. Debido al impacto de Kline y a su estilo concreto, Kline fue apodado el «artista del blanco y negro», una etiqueta que se le quedó al artista y por la que en ocasiones se sentiría limitado. La primera exposición individual de Kline fue un acontecimiento fundamental en su carrera, ya que marcó el comienzo y el final, prácticamente simultáneos, de la gran invención de Kline como artista abstracto. A los cuarenta años, Kline se había asegurado un estilo personal que ya dominaba. No había formas reales de que Kline siguiera investigando; sólo tenía la posibilidad de reproducir el estilo que ya dominaba. Para seguir adelante, sólo había una dirección lógica para Kline: volver al color, la dirección a la que se dirigía en el momento de su prematura muerte por insuficiencia cardíaca.

A finales de la década de 1950, en cuadros como Réquiem (1958), Kline comenzó a experimentar con claroscuros más complejos en lugar de centrarse en una estricta paleta monocromática. Luego, en 1958, reintrodujo el uso del color en su obra mediante acentos de color en sus cuadros en blanco y negro. Esta exploración de vuelta al uso del color estaba aún en desarrollo cuando Kline murió en 1962.

Kline está reconocido como uno de los artistas más importantes, aunque problemáticos, del movimiento expresionista abstracto de Nueva York. Su estilo es difícil de interpretar para los críticos en relación con sus contemporáneos. Al igual que Jackson Pollock, Willem de Kooning y otros expresionistas abstractos, se decía que Kline era un pintor de acción por su estilo aparentemente espontáneo e intenso, que no se centraba en absoluto en las figuras o las imágenes, sino en la expresión de sus pinceladas y el uso del lienzo. Sin embargo, los cuadros de Kline son engañosamente sutiles. Aunque generalmente sus cuadros tienen un impacto espontáneo y dramático, Kline se refería a menudo a sus dibujos de composición. Kline realizó cuidadosamente muchos de sus cuadros más complejos a partir de extensos estudios, creados normalmente en páginas de guías telefónicas de desecho. A diferencia de sus compañeros del Expresionismo Abstracto, las obras de Kline sólo pretendían parecer hechas en un momento de inspiración; sin embargo, cada cuadro era ampliamente explorado antes de que su pincel de pintor de interiores tocara el lienzo.

Kline también era conocido por evitar dar significado a sus cuadros, a diferencia de sus colegas, que daban descripciones místicas a sus obras. En un catálogo de las obras de Kline, la historiadora del arte Carolyn Christov-Bakargiev escribe que «su arte sugiere y niega a la vez el significado y el sentido». Los historiadores del arte han considerado muchas de sus obras como indicios de una progresión hacia la pintura minimalista. Creen que sus obras tienen una opacidad y una franqueza objetivas que difieren de la subjetividad que implica el estilo de la Escuela de Nueva York. Esto haría que su obra se asemejara más a las plataformas vanguardistas como el minimalismo que sustituyó al movimiento expresionista abstracto en la década de 1960.

El historiador del arte David Anfam señala que artistas que trabajaron durante la vida de Kline y después -como Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero y Brice Marden- han llamado a Kline una inspiración.

En 2012, el financiero de San Francisco George R. Roberts vendió en Christie»s de Nueva York una obra en blanco y negro de casi tres metros de ancho y sin título de 1957. El cuadro llegó a manos de un postor telefónico por 36 millones de dólares, o 40,4 millones de dólares con honorarios (Christie»s garantizó al vendedor Robert Mnuchin un mínimo no revelado), un precio récord para el artista en subasta y más de seis veces el récord anterior, que se estableció en 2005 cuando Christie»s vendió Crow Dancer (1958) por 6,4 millones de dólares.

Una obra temprana, UNTITLED, de 1940 (de una habitación interior) fue adquirida en Sotheby»s en 1995 por un coleccionista privado por 21.850 dólares. Esta obra temprana ayuda a definir su fase inicial, antes de su transformación de pintor realista en un innovador expresionista abstracto. Las audaces pinceladas del cuadro prefiguran la épica abstracción negra de su estilo rompedor.

En 2018, el Instituto Hauser & Wirth, en colaboración con el patrimonio de Franz Kline, comenzó a preparar el catálogo razonado Franz Kline Paintings, 1950-1962. El proyecto, que presentará por primera vez un compendio en línea de las obras al óleo sobre lienzo de Kline realizadas entre 1950 y la muerte del artista en 1962, se espera que esté terminado en 2022.

Kline tuvo su primera exposición en la galería Charles Egan en 1950, y participó en la 9th Street Art Exhibition al año siguiente. En 1958 fue incluido en la gran exposición del Museo de Arte Moderno, «The New American Painting», que recorrió ocho ciudades europeas. En la década anterior a su muerte, su obra se incluyó en numerosas exposiciones internacionales, como la Bienal de Venecia (y los Anuales y Bienales del Whitney (1952, 1953, 1955, 1961). La Galería de Arte Moderno de Washington, D.C., organizó una exposición conmemorativa (1962). También se han celebrado importantes exposiciones monográficas en el Whitney Museum of American Art, Nueva York (Cincinnati Art Museum, que viajó al San Francisco Museum of Modern Art y a la Pennsylvania Academy of Fine Arts (y Castello di Rivoli, Museo d»arte contemporanea, Italia (2004).

Fuentes

  1. Franz Kline
  2. Franz Kline
  3. ^ «Hot Jazz». Chrysler.emuseum.com. Chrysler Museum of Art. Retrieved 16 January 2019.
  4. ^ Christov-Bakargiev, Carolyn; Anfam, David; Ashton, Dore (2004). Franz Kline, 1910-1962. Italy: Skira Editore. p. 356. ISBN 88-8491-866-9.
  5. a b c d e f g h i j k l m FranzF. Kline FranzF., Franz Kline, Guggenheim [dostęp 2020-10-13]  (ang.).
  6. a b c Altmann 2012 ↓, s. 280.
  7. a b c d e f Franz Kline (1910–1962), The Phillips Collection. American Art [dostęp 2020-10-13] [zarchiwizowane z adresu 2020-11-27]  (ang.).
  8. LUCIE-SMITH, Edward (2006). Os Movimentos Artísticos a Partir de 1945. São Paulo: Martins Fontes. pp. 23, 25