Ellsworth Kelly

Resumen

Ellsworth Kelly (31 de mayo de 1923 – 27 de diciembre de 2015) fue un pintor, escultor y grabador estadounidense asociado a la pintura de borde duro, la pintura de campo de color y el minimalismo. Sus obras muestran técnicas discretas que hacen hincapié en la línea, el color y la forma, similares a la obra de John McLaughlin y Kenneth Noland. Kelly solía emplear colores brillantes. Vivió y trabajó en Spencertown, Nueva York.

Kelly nació como el segundo hijo de tres de Allan Howe Kelly y Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly en Newburgh, Nueva York, a unos 100 kilómetros al norte de la ciudad de Nueva York. Su padre era un ejecutivo de una compañía de seguros de ascendencia escocesa-irlandesa y alemana. Su madre era una antigua maestra de escuela de origen galés y alemán de Pensilvania. Su familia se trasladó de Newburgh a Oradell, Nueva Jersey, una ciudad de casi 7.500 habitantes. Su familia vivía cerca del embalse de Oradell, donde su abuela paterna le inició en la ornitología cuando tenía ocho o nueve años.

Allí desarrolló su pasión por la forma y el color. John James Audubon tuvo una influencia especialmente fuerte en la obra de Kelly a lo largo de su carrera. El autor Eugene Goossen especuló con que los cuadros de dos y tres colores (como Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) por los que Kelly es tan conocido pueden deberse a su observación de aves y a su estudio de los pájaros de dos y tres colores que veía con tanta frecuencia a una edad temprana. Kelly ha dicho que de joven estaba a menudo solo y se convirtió en una especie de «solitario». Tenía un ligero tartamudeo que persistió hasta su adolescencia.

Kelly asistió a la escuela pública, donde las clases de arte hacían hincapié en los materiales y trataban de desarrollar la «imaginación artística». Este plan de estudios era típico de la tendencia escolar más amplia que había surgido de las teorías educativas progresistas promulgadas por la Escuela de Magisterio de la Universidad de Columbia, en la que había enseñado el pintor modernista estadounidense Arthur Wesley Dow. Aunque sus padres eran reacios a apoyar la formación artística de Kelly, su maestra de escuela, Dorothy Lange Opsut, le animó a ir más allá. Como sus padres sólo pagaban la formación técnica, Kelly estudió primero en el Instituto Pratt de Brooklyn, al que asistió desde 1941 hasta que se alistó en el ejército el día de Año Nuevo de 1943.

Al entrar en el servicio militar estadounidense en 1943, Kelly solicitó ser asignado al 603º Batallón de Ingenieros de Camuflaje, lo que llevó a muchos artistas. Fue reclutado en Fort Dix, Nueva Jersey, y enviado a Camp Hale, Colorado, donde se entrenó con las tropas de esquí de montaña. Nunca había esquiado. Entre seis y ocho semanas después, fue trasladado a Fort Meade, Maryland. Durante la Segunda Guerra Mundial, sirvió con otros artistas y diseñadores en una unidad de engaño conocida como el Ejército Fantasma. Los soldados fantasma utilizaban tanques hinchables, camiones y otros elementos de subterfugio para engañar a las fuerzas del Eje sobre la dirección y disposición de las fuerzas aliadas. Su exposición al camuflaje militar durante el tiempo que sirvió formó parte de su formación artística básica. Kelly sirvió en la unidad desde 1943 hasta el final de la fase europea de la guerra.

Kelly utilizó la G.I. Bill para estudiar entre 1946 y 1947 en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde aprovechó las colecciones del museo, y después en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París. Durante su estancia en Boston, expuso en su primera exposición colectiva en la Galería Boris Mirski e impartió clases de arte en el Norfolk House Center de Roxbury. Durante su estancia en París, Kelly estableció su estética. Asistió a clases con poca frecuencia, pero se sumergió en los ricos recursos artísticos de la capital francesa. En 1948 escuchó una conferencia de Max Beckmann sobre el artista francés Paul Cézanne y ese año se trasladó a París. Allí conoció a sus compatriotas John Cage y Merce Cunningham, que experimentaban con la música y la danza, respectivamente; al artista surrealista francés Jean Arp; y al escultor abstracto Constantin Brâncuși, cuya simplificación de las formas naturales tuvo un efecto duradero en él. La experiencia de visitar a artistas como Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti y Georges Vantongerloo en sus estudios fue transformadora.

Tras seis años en el extranjero, el francés de Kelly seguía siendo pobre y sólo había vendido un cuadro. En 1953 fue desalojado de su estudio y regresó a Estados Unidos al año siguiente. Se había interesado tras leer una reseña de una exposición de Ad Reinhardt, un artista con cuya obra se sentía relacionado. A su regreso a Nueva York, encontró el mundo del arte «muy duro». Aunque ahora se considera a Kelly un innovador esencial y un contribuyente al movimiento artístico estadounidense, a muchos les resultaba difícil encontrar la conexión entre el arte de Kelly y las tendencias estilísticas dominantes. En mayo de 1956, Kelly realizó su primera exposición en Nueva York en la galería de Betty Parsons. Su arte se consideraba más europeo de lo que era popular en Nueva York en aquella época. Volvió a exponer en su galería en otoño de 1957. Tres de sus obras: Atlantic, Bar y Painting in Three Panels, fueron seleccionadas para la exposición «Young America 1957» del Whitney Museum of American Art y expuestas en ella. Sus obras se consideraron radicalmente diferentes de las de los otros veintinueve artistas. Painting in Three Panels, por ejemplo, fue especialmente destacada; en su momento los críticos cuestionaron que creara una obra a partir de tres lienzos. Por ejemplo, Michael Plante ha dicho que, en la mayoría de los casos, las piezas de Kelly de varios paneles eran estrechas debido a las restricciones de la instalación, lo que reducía la interacción entre las piezas y la arquitectura de la sala.

Kelly acabó por mudarse de Coenties Slip, donde a veces compartía estudio con su colega y amiga Agnes Martin, al noveno piso del rascacielos

Kelly abandonó la ciudad de Nueva York para trasladarse a Spencertown en 1970 y allí se le unió su socio, el fotógrafo Jack Shear, en 1984. Desde 2001 hasta su muerte, Kelly trabajó en un estudio de 20.000 pies cuadrados en Spencertown reconfigurado y ampliado por el arquitecto Richard Gluckman. Kelly y Shear se trasladaron en 2005 a la residencia que compartieron hasta la muerte del pintor, una casa colonial revestida de madera construida hacia 1815. Shear es la directora de la Fundación Ellsworth Kelly. En 2015, Kelly regaló su concepto de diseño de edificio para un lugar de contemplación al Museo de Arte Blanton de la Universidad de Texas en Austin. Titulado Austin, el edificio de piedra de 2.715 pies cuadrados -que cuenta con ventanas de vidrio de colores, una escultura totémica de madera y paneles de mármol blanco y negro- es el único edificio que Kelly diseñó y es su obra más monumental. Austin, que Kelly diseñó treinta años antes, se inauguró en febrero de 2018.

Kelly murió en Spencertown, Nueva York, el 27 de diciembre de 2015, a los 92 años.

Pintar

Durante su estancia en París, Kelly siguió pintando la figura, pero en mayo de 1949 realizó sus primeros cuadros abstractos. Observando cómo se dispersaba la luz en la superficie del agua, pintó Sena (1950), hecha de rectángulos blancos y negros dispuestos por azar. En 1951 inició una serie de ocho collages titulada Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII. La creó utilizando tiras de papel numeradas; cada una se refería a un color, uno de los dieciocho tonos diferentes que se colocaban en una cuadrícula de 40 pulgadas por 40 pulgadas. Cada uno de los ocho collages empleaba un proceso diferente.

El descubrimiento por parte de Kelly en 1952 de la obra tardía de Monet le infundió una nueva libertad de expresión pictórica: comenzó a trabajar en formatos extremadamente grandes y exploró los conceptos de serialidad y pinturas monocromas. Como pintor, trabajó a partir de entonces de forma exclusivamente abstracta. A finales de la década de 1950, su pintura hacía hincapié en la forma y las masas planas (asumiendo a menudo formatos no rectilíneos). Su obra de este periodo también sirvió de puente entre la abstracción geométrica americana de vanguardia de los años 30 y principios de los 40 y el minimalismo y el arte reductor de mediados de los 60 y los 70. La pintura en relieve Blue Tablet (1962) de Kelly, por ejemplo, se incluyó en la exposición seminal de 1963, Toward a New Abstraction, en el Jewish Museum.

En la década de 1960 comenzó a trabajar con lienzos de ángulos irregulares. Yellow Piece (1966), el primer lienzo con forma del artista, representa la ruptura fundamental de Kelly con el soporte rectangular y su redefinición de la figura de la pintura

En la década de 1970 añadió formas curvas a su repertorio. Green White (1968) marca la primera aparición del triángulo en la obra de Kelly, una forma que se repite a lo largo de su carrera; el cuadro se compone de dos lienzos monocromáticos con formas distintas, que se instalan uno encima del otro: un trapecio verde invertido a gran escala se coloca verticalmente sobre un triángulo blanco más pequeño, formando una nueva composición geométrica.

Tras dejar la ciudad de Nueva York para ir a Spencertown en 1970, alquiló un antiguo teatro en la cercana ciudad de Chatham, lo que le permitió trabajar en un estudio más espacioso que cualquiera que hubiera ocupado anteriormente. Tras trabajar allí durante un año, Kelly se embarcó en una serie de 14 cuadros que se convertirían en la Serie Chatham. Cada obra adopta la forma de un elipse invertido y se compone de dos lienzos unidos, cada uno de ellos monocromo de un color diferente. Las obras varían en proporción y paleta de una a otra; se prestó cuidadosa atención al tamaño de cada panel y al color seleccionado para lograr el equilibrio y el contraste entre ambos.

Gray, una serie más amplia de doce obras que Kelly comenzó en 1972 y no completó hasta 1983, fue concebida originalmente como una declaración antibélica y está vaciada de color. En 1979 utilizó las curvas en cuadros bicolores realizados con paneles separados.

En cuadros posteriores, Kelly destiló su paleta e introdujo nuevas formas. En cada obra, partía de un lienzo rectangular que pintaba cuidadosamente con muchas capas de pintura blanca; encima se coloca un lienzo con forma, pintado en su mayoría de negro.

En referencia a su propia obra, Kelly dijo en una entrevista en 1996: «Creo que lo que todos queremos del arte es una sensación de fijeza, una sensación de oposición al caos de la vida cotidiana. Esto es una ilusión, por supuesto. El lienzo se pudre. La pintura cambia de color. Pero uno sigue intentando congelar el mundo como si pudiera hacerlo durar para siempre. En cierto sentido, lo que he intentado captar es la realidad del flujo, mantener el arte como una situación abierta, incompleta, para llegar al embeleso de ver».

Kelly comentó: «Me di cuenta de que no quería componer imágenes… quería encontrarlas. Sentía que mi visión consistía en elegir las cosas que había en el mundo y presentarlas. Para mí, la investigación de la percepción era lo más interesante. Había tanto que ver, y todo me parecía fantástico».

Litografías y dibujos

Kelly realizó dibujos de plantas y flores a partir de finales de la década de 1940. Ailanthus (1948) es el primer dibujo de una planta que realizó en Boston, Hyacinth (1949) fue el primero que hizo cuando estaba en París. A partir de 1949, mientras vivía en París (e influenciado en esta elección de temas por Henri Matisse y Jean Arp), comenzó a dibujar formas simples de plantas y algas. Los estudios de plantas son, en su mayoría, dibujos de contorno de hojas, tallos y flores realizados con trazos limpios de lápiz o pluma y centrados en la página.

A mediados de la década de 1960 se dedicó al grabado de forma concertada, cuando realizó su Suite de veintisiete litografías (1964-66) con Maeght Éditeur en París. Fue entonces cuando creó su primer grupo de litografías sobre plantas. A partir de 1970 colaboró principalmente con Gemini G.E.L. Su serie inicial de 28 litografías de transferencia, titulada Suite de litografías de plantas, marcó el inicio de un corpus que crecería hasta 72 grabados e innumerables dibujos de follaje. En 1971, completó cuatro ediciones de grabados y una edición del múltiple Mirrored Concorde en Gemini G.E.L. Su Purple

Escultura

Aunque Kelly sea más conocido por sus pinturas, también trabajó en la escultura a lo largo de su carrera. En 1958, Kelly concibió una de sus primeras esculturas de madera, Concorde Relief I (1958), un relieve mural de modesta escala realizado en olmo, que explora el juego visual y el equilibrio entre dos formas rectangulares superpuestas, la superior con las esquinas superior derecha e inferior izquierda eliminadas. A lo largo de su carrera realizó 30 esculturas en madera. A partir de 1959, creó esculturas plegadas independientes. La serie Rocker comenzó en 1959 tras una conversación casual de Kelly con Agnes Martin, que vivía debajo de él en Coenties Slip, en el Bajo Manhattan. Jugando con la tapa de papel de un vaso de café para llevar, Kelly cortó y dobló una sección del objeto redondo, que luego puso sobre la mesa y meció hacia adelante y hacia atrás. Poco después, construyó su primera escultura redonda, Pony. El título hace referencia a un caballo de juguete infantil con soportes de balancín curvados.

En 1973, Kelly comenzó a realizar con regularidad esculturas a gran escala para exteriores. Kelly renunció a las superficies pintadas y optó por el acero, el aluminio o el bronce sin barnizar, a menudo en configuraciones tipo tótem, como Curva XXIII (1981). Mientras que las formas totémicas de sus esculturas independientes pueden medir hasta 4,5 metros de altura, sus relieves murales pueden abarcar más de 4 metros de ancho. La escultura de Kelly «se basa en su adhesión a la simplicidad absoluta y a la claridad de las formas». En sus esculturas de la década de 1980, durante este periodo de su estancia en Spencertown, el artista dedicó por primera vez tanta energía a sus esculturas como a su pintura, y en el proceso produjo más del sesenta por ciento de sus 140 esculturas totales.

Kelly creaba sus piezas a partir de una sucesión de ideas sobre diversas formas. Podía empezar con un dibujo, mejorar el dibujo para crear una impresión, tomar la impresión y crear una pieza independiente, que luego se convertía en una escultura. Sus esculturas pretenden ser totalmente sencillas y pueden verse rápidamente, a menudo de un solo vistazo. El espectador observa superficies lisas y planas que se apartan del espacio que las rodea. Esta sensación de planitud y minimalismo hace difícil distinguir el primer plano del fondo. El disco azul de Kelly se incluyó en la exposición seminal de 1966 en el Museo Judío de Nueva York titulada Estructuras primarias, junto a muchos artistas mucho más jóvenes que empezaban a trabajar con formas mínimas.

Estilo

William Rubin observó que «el desarrollo de Kelly había sido decididamente interno: ni una reacción al expresionismo abstracto ni el resultado de un diálogo con sus contemporáneos». Muchos de sus cuadros constan de un solo color (normalmente brillante), y algunos lienzos tienen forma irregular, a veces llamados «lienzos con forma». La calidad de la línea que se aprecia en sus cuadros y en la forma de sus lienzos con forma es muy sutil, e implica perfección. Así lo demuestra su obra Block Island Study (1959).

Influencias

Se ha sugerido que los antecedentes de Kelly en el ejército son una fuente de la seriedad de sus obras. Mientras prestaba servicio en el ejército, Kelly estuvo expuesto e influenciado por el camuflaje con el que trabajaba su batallón específico. Esto le enseñó el uso de la forma y la sombra, así como la construcción y deconstrucción de lo visible. Fue fundamental para su temprana formación como artista. Ralph Coburn, un amigo de Kelly de Boston, le introdujo en la técnica del dibujo automático durante una visita a París. Kelly adoptó esta técnica de hacer una imagen sin mirar la hoja de papel. Estas técnicas ayudaron a Kelly a aflojar su estilo de dibujo y ampliaron su aceptación de lo que creía que era arte. Durante su último año en París, Kelly estuvo enfermo y también sufrió una depresión; Sims cree que eso influyó en su uso predominante del blanco y negro durante ese periodo.

La admiración de Kelly por Henri Matisse y Pablo Picasso es evidente en su obra. Se entrenó para ver las cosas de varias maneras y trabajar en diferentes medios gracias a su inspiración. Piet Mondrian influyó en las formas no objetivas que utilizó tanto en sus pinturas como en sus esculturas. Kelly recibió la primera influencia del arte y la arquitectura de las épocas románica y bizantina mientras estudiaba en París. Su introducción al surrealismo y al neoplasticismo influyó en su obra y le llevó a probar la abstracción de las formas geométricas.

Comisariado

En 2014 Kelly organizó una muestra de dibujos de Matisse en el Mount Holyoke College Art Museum de South Hadley, Massachusetts. En 2015, comisarió «Monet

En 1990 Kelly comisarió la exposición «Artist»s Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form», en el Museo de Arte Moderno.

En 1956 conoció a Robert Indiana, que se instaló en el mismo edificio, y se hicieron socios. Kelly se convirtió en su mentor. Rompieron hacia 1964. Una de las razones fue el uso que Indiana hacía de las palabras en sus cuadros y Kelly consideraba que esa técnica no era digna del alto arte.

Desde 1984 hasta su muerte, Kelly vivió con su marido, el fotógrafo Jack Shear, que es el director de la Fundación Ellsworth Kelly.

La primera exposición individual de Kelly tuvo lugar en la Galerie Arnaud de París en 1951. Su primera exposición individual en Nueva York tuvo lugar en la Betty Parsons Gallery en 1956. En 1957, presentó obras en una exposición colectiva en la Ferus Gallery de Los Ángeles. En 1959 fue incluido en la innovadora exposición del Museo de Arte Moderno, Sixteen Americans. Kelly fue invitado a exponer en la Bienal de São Paulo en 1961. Su obra se incluyó posteriormente en la documenta de 1964, 1968, 1977 y 1992. Una sala de sus pinturas se incluyó en la Bienal de Venecia de 2007.

La primera retrospectiva de Kelly se celebró en el Museo de Arte Moderno en 1973. Desde entonces, su obra ha sido reconocida en numerosas exposiciones retrospectivas, entre las que se incluyen una exposición de esculturas en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 1982; una exposición de obras sobre papel y una muestra de sus obras impresas que viajaron ampliamente por Estados Unidos y Canadá entre 1987 y 1988; y una retrospectiva de su carrera en 1996 organizada por el Museo Solomon R. Guggenheim, que viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la Tate Gallery de Londres y la Haus der Kunst de Múnich. Desde entonces, se han organizado exposiciones individuales de la obra de Kelly en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York (1998), el Fogg Art Museum de Cambridge (1999), el San Francisco Museum of Modern Art (1988

En 1993, la Galerie nationale du Jeu de Paume de París organizó la exposición «Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54», basada en la relación del artista con la ciudad, que viajó a la National Gallery of Art de Washington D.C.; en 2008, el Museo de Orsay rindió homenaje a Kelly con la exposición «Correspondencias: Paul Cézanne Ellsworth Kelly». La Haus der Kunst expuso la primera retrospectiva completa de las obras en blanco y negro de Kelly en 2012.

Con motivo del 90º cumpleaños del artista en 2013, la National Gallery of Art de Washington montó una exposición de sus grabados; la Barnes Foundation de Filadelfia reunió cinco esculturas en una muestra; la Phillips Collection de Washington expuso sus pinturas sobre tabla; y el Museo de Arte Moderno inauguró una muestra de la «Serie Chatham».

Exposiciones individuales seleccionadas

En 1957, Kelly recibió el encargo de realizar una escultura mural de 15 metros de largo para el edificio de transportes del Penn Center de Filadelfia, su mayor obra hasta la fecha. En gran parte olvidada, la escultura titulada Sculpture for a Large Wall (1957) fue finalmente desmantelada. Desde entonces, Kelly ha realizado numerosos encargos públicos, entre los que se incluyen la Curva Wright (1966), una escultura de acero diseñada para su instalación permanente en el Teatro Peter B. Lewis del Guggenheim; un mural para la sede de la UNESCO en París en 1969; la Curva XXII (un encargo de I. M. Pei para el edificio Raffles City de Singapur; el Tríptico de Houston, planos verticales de bronce montados en un alto de hormigón en el Museo de Bellas Artes de Houston, en 1986; Tótem (los Paneles de Dallas (una escultura de 1989 para la sede de Nestlé en Vevey, Suiza; Galia (un monumento conmemorativo en dos partes para el Museo Conmemorativo del Holocausto de Estados Unidos, en Washington, D.C, en 1993; y paneles berlineses a gran escala para el Deutscher Bundestag, Berlín, en 1998. Para el John Joseph Moakley United States Courthouse (diseñado por Henry N. Cobb) de Boston diseñó The Boston Panels, 21 paneles de aluminio de colores brillantes instalados en la rotonda central como una obra única en todo el edificio.

La obra de Kelly Blue Black (2001), de dos paneles y 28 pies de altura, hecha de aluminio pintado en forma de panal, fue encargada por la Pulitzer Arts Foundation de San Luis, y el bronce a gran escala Untitled (2005) fue encargado específicamente para el patio de la Phillips Collection. En 2005, Kelly recibió el encargo de realizar la única obra específica para el ala moderna del Instituto de Arte de Chicago de Renzo Piano. Creó White Curve, la mayor escultura mural que ha realizado, que se expone desde 2009. Kelly instaló Berlin Totem, una escultura de acero inoxidable de 12 metros, en el patio de la Embajada de Estados Unidos en Berlín en 2008. Más tarde realizó una cortina, Spectrum VIII (2014), formada por 12 tiras de colores, para el auditorio de la Fundación Louis Vuitton de París.

En 1986 Kelly concibió su primer edificio independiente para un coleccionista privado, pero nunca se realizó. Solo en 2015, el Museo de Arte Blanton adquirió su diseño para un edificio de piedra de 2.715 pies cuadrados, que incluía 14 paneles de mármol blanco y negro y ventanas de vidrio de colores, y planeaba construirlo en los terrenos del museo en la Universidad de Texas, en Austin. El edificio se abrió al público el 18 de febrero de 2018. Una obra de arte y arquitectura, Austin, se considera la culminación de la carrera de Kelly.

Kelly recibió el encargo de crear una gran escultura al aire libre en 1968 para la Colección de Arte Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, Nueva York. La escultura, titulada Yellow Blue, se inspiró en el entorno del Empire State Plaza, y es la mayor escultura en pie de Kelly, con nueve pies de altura y casi dieciséis de ancho. Yellow Blue fue su primera escultura de acero y sigue siendo la única hasta la fecha en acero pintado.

En 1957, el Whitney Museum of American Art compró un cuadro, Atlantic, que representaba dos arcos blancos en forma de ola sobre un negro sólido; fue la primera compra de Kelly para un museo. En la actualidad, su obra se encuentra en muchas colecciones públicas, como las del Centro Pompidou de París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection de Albany (Nueva York) y la Tate Modern de Londres. En 1999, el Museo de Arte Moderno de San Francisco anunció que había comprado 22 obras, pinturas, relieves murales y esculturas, de Ellsworth Kelly. Se han valorado en más de 20 millones de dólares. En 2003, la Menil Collection recibió la Tabla de Kelly, 188 obras enmarcadas sobre papel, entre las que se incluyen bocetos, dibujos de trabajo y collages. Entre los coleccionistas privados más destacados se encuentran, entre otros, Eli Broad y Gwyneth Paltrow.

Kelly también ha recibido numerosos títulos honoríficos, entre otros del Bard College (Universidad de Harvard, Cambridge) y del Williams College (2005).

Sellos de correos de Kelly

El Servicio Postal de Estados Unidos anunció en enero de 2019 que en 2019 se emitiría una serie de sellos en honor a la obra de arte de Kelly. El comunicado de prensa del USPS reconoce que Kelly fue pionero de un «estilo distintivo de abstracción basado en elementos reales reducidos a sus formas esenciales.» Se representan diez obras, entre ellas Amarillo blanco, Colores para una gran pared, Azul rojo roquero, Espectro I, Ferry del sur, Azul verde, Naranja rojo relieve (para Delphine Seyrig), Meschers, Rojo azul y Gaza. La serie de sellos se emitirá el 31 de mayo de 2019.

La marchante Betty Parsons le ofreció por primera vez una exposición individual en 1956. En 1965, tras casi una década con Parsons, empezó a exponer con la Sidney Janis Gallery. En los años setenta y ochenta, su obra fue tratada conjuntamente por Leo Castelli y Blum Helman en Nueva York. En 1992, se unió a la Matthew Marks Gallery, de Nueva York y Los Ángeles, y a la Anthony d»Offay Gallery de Londres. La fachada de la galería de Marks en Los Ángeles se inspiró en Study for Black and White Panels, un collage que realizó mientras vivía en París en 1954, y en un cuadro, Black Over White. A partir de 1964 produjo grabados y editó esculturas en Gemini G.E.L., en Los Ángeles, y en Tyler Graphics Ltd, cerca de Nueva York.

En 2014 el cuadro de Kelly Red Curve (1982) se vendió en subasta por 4,5 millones de dólares en Christie»s Nueva York. Ese récord de subasta para una obra de Ellsworth Kelly fue establecido por la pintura de 13 partes Spectrum VI (1969), que se vendió por 5,2 millones de dólares en la venta de Sotheby»s New York, Contemporary Art Evening, el 14 de noviembre de 2007.

En noviembre de 2019, Christie»s estableció un récord de subasta para el artista con la obra Red Curve VII, vendida por 9,8 millones de dólares.

Fuentes

  1. Ellsworth Kelly
  2. Ellsworth Kelly