Edgar Degas

Resumen

Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – 27 de septiembre de 1917) fue un pintor y escultor francés.

Edgar Degas (de nombre completo y original Edgar-Germain-Hilaire de Gas), pintor que alcanzó fama mundial en su carrera, nació en el seno de una familia noble francesa.

Su abuelo, Hilaire-René de Gas, huyó a Nápoles para escapar de la amenaza que suponía la Gran Revolución Francesa para la nobleza. Se convirtió en banquero y más tarde dejó la dirección de su sucursal en París a su hijo, el padre de Edgar Degas. Auguste de Gas, originario de la antigua colonia francesa de Luisiana, en Norteamérica, se casó ricamente. Su hijo, que se convertiría en pintor, no sólo fue criado en circunstancias favorables y económicamente seguras, sino que sus padres pudieron soportar la carga de costosos viajes durante años en su juventud.

Tras graduarse en el instituto, comenzó a estudiar Derecho, pero pronto le dio la espalda y dedicó todo su tiempo y energía a convertirse en artista. Su inclinación por el arte ya era evidente desde una edad temprana. Durante sus años de instituto dibujaba bien y con gran entusiasmo. Su padre, un hombre amante del arte, veía los experimentos de su hijo con buena voluntad y placer. Le permitió amueblar una habitación de su gran apartamento como estudio; le llevó a museos, exposiciones, representaciones de ópera, y probablemente con su conocimiento el joven estudiante de derecho también estudió dibujo con el hermano del eminente escultor Félix Barrias, un pintor menor. No sabemos si se dejó llevar por su propio instinto o por el estímulo de su maestro, y comenzó a copiar cuadros de Durero, Mantegna y Rembrandt en el Louvre. Parece que fue su propia inclinación la que le llevó a este trabajo, ya que abandonó Barrias, pero siguió siendo fiel a su práctica de la copia en años posteriores.

En 1854, eligió como maestro a Lamothe, un alumno de mediana capacidad, pero sólo por poco tiempo, ya que ese mismo año se fue a Nápoles a visitar a unos parientes.

En 1857 viajó de nuevo a Italia. Visitó varias ciudades pequeñas, como Perugia, Asís y Viterbo. Se quedó más tiempo en Orvieto, donde copió detalles de las admiradas pinturas de Luca Signorelli, pero la verdadera atracción e influencia fueron los recuerdos de Nápoles, Florencia y Roma. Sus obras de estos años, consideradas como las primeras obras independientes de Degas (Autorretrato, Retrato de su abuelo) (a partir de esta época escribe su nombre de forma civilizada), muestran que el joven artista se inspiró en el estilo lineal y las líneas claras de Ingres, junto a los antiguos maestros. La línea firmemente guiada, la estructura pictórica pensada y preconcebida y el dibujo claro de las formas de detalle siguieron siendo sus ideales en todo momento. Ingres, a quien tenía en muy alta estima, sólo le dijo que dibujara más líneas que él, pero él mismo aconsejó más tarde a todos los jóvenes que acudían a él que «dibujaran, dibujaran y dibujaran, porque esa es la forma de crear».

«Creo que acabaré en el manicomio», escribió Laure Bellelli a su sobrino. Hermana del padre de Edgar Degas, se casó con Gennaro Bellelli, al que consideraba «aburrido» y desagradable. Vivían en Florencia con sus dos hijas, Giulia (centro) y Giovanna (izquierda) Degas preparó este cuadro durante su estancia en Florencia en 1858, realizando una serie de bocetos, pero lo pintó en París. El artista representa el ambiente sombrío de la casa de una pareja que no se ama. Además, la familia Bellelli está de luto por la muerte del padre de Laure, Hilaire de Gas.

El delantal blanco de las niñas, el pálido estampado floral de la tela y el marco de fotos dorado no pueden aportar un poco de luz al modesto pero desesperadamente triste hogar de la familia Bellelli.

De pie frente al retrato de su padre fallecido, Laure no oculta su sufrimiento, su mirada fija en el vacío donde acecha la muerte.

Degas expuso por primera vez este cuadro como retrato de familia en el Salón de 1867. Al no haber atraído la atención de la crítica, el decepcionado artista guardó el lienzo en su estudio debido a la indiferencia. El Retrato de familia no se volvió a exponer hasta 1918, después de la muerte del artista, y actualmente se considera una de las obras maestras de su juventud.

Por tanto, uno de los elementos importantes de su arte, el dibujo, ya era evidente en los primeros años de su carrera, y a partir de entonces se desarrolló de obra en obra. En 1858, Degas vuelve a pasar una temporada en Italia. En Florencia, se alojó en casa de su tío paterno y, primero como pasatiempo y más tarde con la idea de editar un retrato de grupo, realizó dibujos y estudios de los miembros de la familia. El cuadro no se completó en Florencia, pero a su regreso a París, aprovechando su capacidad de edición, su memoria y sus bocetos, pintó una gran composición (La familia Bellelli) durante los dos años siguientes.

En esta obra temprana, pues, vemos otro elemento muy característico del método creativo de Degas: el hecho de que el cuadro propiamente dicho, por muy realista que sea, por muy inmediato y momentáneo que sea, no se hace nunca antes de ver el motivo, en el calor del momento, en el fragor de la mirada y de la inspiración pictórica, sino siempre sobre la base de estudios y apuntes, más tarde en el estudio, en la serena reflexión del recuerdo.

Un tercer rasgo se aprecia en el retrato de grupo de la familia Bellelli. Es que la edición cuidadosa se esconde detrás de la máscara del azar, de la contingencia, y que Degas siempre evitó la pose, la solemnidad del escenario en la disposición de las figuras. Las figuras, ya sean dibujadas o pintadas, nunca traicionan el hecho de que están sentadas como modelos a través de su postura o de su posición. Su postura es siempre inagotable, «pictórica», accidental. Por esta razón, la pintura se vuelve siempre inaudita, casi alarmantemente realista.

En 1866, un cuadro de una carrera de caballos fue incluido en una exposición del Salón de París, pero el público y la crítica no se fijaron en la obra de Degas. Su novedad no conmocionó al público, ya que sólo suponía una modesta desviación de lo habitual.

Hasta entonces, Degas había sido un explorador solitario en las guaridas del arte. Todavía no ha encontrado ningún pintor con ambiciones similares. Parte de la razón puede haber sido su naturaleza reclusa y el aislamiento de su familia de la compañía de los artistas. Los muros impenetrables que separaban a las distintas clases de la sociedad francesa en el siglo pasado están vívidamente ilustrados por las novelas y narraciones de Balzac, los diarios de Delacroix, la rusa María Baskirchev y el diario del húngaro Zsigmond Justh.

La Orquesta de la Ópera es uno de los cuadros más famosos de Degas, aunque rara vez se expuso en vida del artista. Ilustra una ruptura con los inicios clásicos y apunta hacia el realismo y la pintura moderna. Degas, hasta ahora un pintor histórico en busca de inspiración antigua, entra decididamente en los tiempos modernos. Representa la vida y los pasatiempos de la élite parisina. Carreras de caballos, conciertos y espectáculos de ballet en la ópera. Entre bastidores, observa, dibuja y se hace amigo de los músicos. Désiré, el fagotista Dihau, se hace amigo de él y le sirve de modelo. Rodeado de otros músicos, es la figura central de la orquesta de la ópera. Sin embargo, todos los rostros son igualmente expresivos. Degas se esfuerza por expresar la característica de cada uno. Incluso las piernas y las faldas de las bailarinas que danzan por encima de los músicos dan a la escena un carácter improbable y evocador. A la izquierda, en el recuadro, el rostro del amigo del pintor, el compositor Emmanuel Chabrier (1841-1894).

No se sabe si Degas regaló este cuadro a Dishau o se lo vendió, pero es seguro que lo conservó hasta la muerte del músico. En 1909, el lienzo fue heredado por su hermana, la pianista Marie Dihau, que le concedió gran importancia, al igual que a su propio retrato de Degas. Sólo la falta de medios para vivir le obligó a renunciar al cuadro, y en 1935 lo donó al Museo de Luxemburgo de París a cambio de una renta vitalicia. Tras su muerte, las dos obras de Degas pasaron a ser propiedad del Estado francés.

El cuadro de los músicos de la orquesta es de la misma época, pintado de forma similar a la orquesta de la ópera. Degas rompe con las reglas de la representación circular de las escenas teatrales. Elige deliberadamente un punto de vista innovador, que crea contrastes y altera las proporciones, dando a toda la composición un carácter claramente moderno. Ambos cuadros se basan en el contraste entre el mundo de los hombres maduros, representados en colores oscuros, y la rampa bañada en luz brillante, efecto de la juventud y la feminidad representada por las bailarinas de ballet. No se trata de retratos, sino de cuadros de género. Anticipan la posterior fascinación pictórica de Degas por las bailarinas de ballet. Al fin y al cabo, es bien sabido que a Edgar Degas le gustaba pintar este tema.

Sin embargo, en 1870 estalló la guerra franco-prusiana, tan trágica para la nación francesa. La Sociedad de la Mesa se disolvió porque sus miembros se alistaron en el ejército o huyeron al extranjero. Degas también fue soldado, y aunque no estuvo en la línea de fuego, los acontecimientos de París tras la guerra y el desastre le quitaron el pincel durante varios años.

Tampoco esta vez pintó el cuadro in situ, pero sí hizo varios bocetos detallados de los miembros de la familia. El gran óleo fue pintado en París en 1873.

Ya en el retrato de grupo de la familia Bellelli, el estilo compositivo de Degas mostraba la característica de una estructura estricta en la que las figuras individuales se caracterizan por una postura y una articulación aleatoria y aparentemente accidental. Este efecto no sólo se intensificó en el Mercader de algodón, sino que se convirtió en francamente magistral.

Tras su regreso a París, Degas presenta el cuadro en la segunda exposición impresionista. El público lo encontró demasiado superficial y aburrido, y le prestó poca atención. Mientras tanto, la atención de Degas se dirigió al realismo. Durante su estancia en América, decidió que «la corriente naturalista (…) debe elevarse al rango de los más grandes movimientos pictóricos…» Cuando, en 1878, el Museo de la Ciudad de Pau se dirigió a Degas para que comprara el Comercio del Algodón en Nueva Orleans, aceptó inmediatamente, aunque el precio era inferior al solicitado. Está encantado con la perspectiva de que su cuadro forme parte de una colección de museo, halagado por su vanidad.

Probablemente también pintó la Pedicura basándose en bocetos de Luisiana. El artista utilizó el sutil juego de la luz para conseguir el efecto que quería en su obra sobre papel en el lienzo (como en su cuadro de los deportistas). Gracias a la pintura diluida con trementina, Degas consigue efectos especiales, sobre todo en las partes del material en que está envuelto el niño, los pliegues de sus persianas. La niña es hija de René, hermano del artista, de su esposa Estelle de Gas, su primera mujer.

Su cuadro Los jockeys frente a la tribuna se basó en bocetos que había realizado en directo. Degas también se vio influenciado por la obra de Ernest Meissonier (1815-1891) Napoleón III en la batalla de Solferino. Consideraba a Meissonier «un gigante entre los enanos», el mejor de los pintores académicos que despreciaba, y admiraba sus métodos para representar a los caballos. Su cuadro The Jocks desprende una sensación de calma, a pesar del caballo revoltoso del fondo. El cuadro se aleja del ambiente febril de las carreras de caballos, donde el galope de los caballos va acompañado de los gritos de los espectadores, tal y como lo describe Émile Zola (1840-1902) en su famosa novela «Nana». Degas elige momentos de pausa para captar la postura natural y sin tensión de los animales. Antes de pintar, Degas cubre el lienzo con papel y pinta en los lugares donde se encuentran las partes más oscuras del cuadro. Hace un boceto a lápiz y dibuja los contornos a pluma y tinta. Sólo entonces aplica la pintura mezclada con petróleo para obtener colores más apagados y menos brillantes, como resultado del aceite mezclado con aguarrás.

El cuadro, que se mostró en la primera exposición impresionista, fue comprado por el cantante de ópera Jean Baptiste Faure (1830-1914). Faure era un coleccionista de obras impresionistas y encargó cinco cuadros a Degas en 1874. Sin embargo, el pintor retrasó la finalización de uno de los cuadros encargados (Carrera del caballo). Degas es un perfeccionista y suele tener una capacidad de mejora infinita. La obra tarda trece años en completarse.

La imagen capta el ambiente agitado y lleno de emoción de las carreras de caballos. El grupo de jinetes de la derecha tiene su contrapartida en la izquierda, en forma de jinete a caballo, con la espalda arqueada y galopando a la velocidad de un tren que escupe vapor blanco.

Carreras de caballos, jinetes aficionados

Su capacidad para captar el movimiento, para analizar el valor del color y la experimentación técnica que le ayudó a hacerlo, también marcó el fin del reinado de Degas como pintor de otros temas. Las escenas de teatro y ballet nunca abandonaron los lienzos del pintor, y formaron la gran mayoría de sus estudios.

A Degas no le gustaba el término impresionista. (Por esta razón, el grupo utilizó más tarde el nombre de Indépendants – Independientes.) A pesar de ello, se mantuvo con sus amigos durante todo el tiempo, y hasta 1886, cuando el grupo celebró su última exposición colectiva, pidió formar parte de sus luchas. Era, y seguía siendo, un hombre de riqueza, ingresos seguros y sentimientos aristocráticos. La única vez que su fortuna entró en crisis fue cuando acudió en ayuda de su hermano, que tenía problemas en la bolsa. No gastó sus ingresos en la redención de los placeres y deleites externos de la vida. Caminaba con sencillez, vivía con sencillez, comía con sencillez. Nunca se casó, y no sabemos nada de sus amores ni de sus tiernas aventuras. Su único amor era su arte, y se entregó de lleno a su pasión por el coleccionismo. A menudo se apresuraba a ayudar a sus amigos pintores comprando sus obras, con lo que no sólo les proporcionaba dinero, sino que les daba una satisfacción moral al apreciar sus obras.

Hay muchos personajes, aunque sólo hay dos figuras humanas, dos pequeños bailarines. Pero la barandilla en la que las muchachas que descansan apoyan sus piernas extendidas, las piedras de tablón que recorren el suelo de forma similar y, finalmente, la regadera en la esquina izquierda, casi olvidada, están perfectamente a la altura de estas dos figuras. Este último, además de su valor visual, proporciona el equilibrio de la estructura, que podría volcarse sin él, y añade una sensación de libertad al ambiente de la imagen. Pero esta aparente quietud de los elementos del cuadro se interrumpe y se convierte en un movimiento vivo en el encadenamiento, el encadenamiento, el encadenamiento que va y viene de los contornos de las partes individuales. A partir de este momento, el movimiento se convierte en otro rasgo característico de la obra de Degas y, de forma implícita o explícita, se convierte en uno de los principales factores del efecto artístico global de los años siguientes.

El misterio, sin embargo, sigue siendo sólo un componente de algunas de las escenas de pubs y cabarets, en las que los parpadeantes y desvaídos rayos de luz artificial suavizan y dulcifican las formas y los colores, a menudo alarmantemente crudos, de las noches suburbanas. En otras ocasiones, sin embargo, capta los rasgos sorprendentes de la realidad con la observación más precisa, y los registra en sus cuadros con implacable objetividad y sin piedad.

Uno de los ejemplos más desgarradores y maravillosos de estas imágenes sin relieve de la realidad es Absinthe (In the Coffee House). Aparte de que este cuadro destaca en la obra de Degas por sus delicadas tonalidades de color y su delicada pincelada, es un gran testimonio de la conciencia psicológica de su maestro y de su poder de creación de personajes. Frente a una pared de espejos en un café (probablemente el Nouvelle Athénes), una mujer y un hombre se sientan detrás de mesas lúgubres. La mujer, vestida con ropa barata, asiente con la cabeza hacia delante, con los ojos ahora ebrios y vacíos. Su postura es floja, despreocupada. Frente a ella, un gran vaso de bebida opalescente y destructiva. El hombre se ha alejado de ella, con el sombrero echado hacia atrás en la cabeza, los dientes apretados alrededor de su pipa, y mira de reojo su aspecto descuidado, casi con orgullo, incluso desafiante. Sus dos bolsas de licor rotas son ahora la presa irremediable de la decadencia material y moral que ya se ha producido. Ya no luchan contra ella, pero su postura y su expresión demuestran que, aunque lo hicieran, sus esfuerzos serían cortos, débiles e inútiles.

La mujer se rinde, el hombre casi pone en evidencia su destrucción. Casi se jacta de ello. El contenido interior de las dos figuras, y la tipología de su contenido, es enteramente creación de Degas, ya que sus rasgos exteriores están modelados por dos artistas venerables, el artista gráfico Desboutin y la actriz Ellen Andrée. Ninguno de los dos estaba obsesionado con la bebida. Fue el talento particular de Degas -y esto es lo que más le distingue de sus compañeros impresionistas- añadir a su magnífica representación del paisaje natural, su virtuosa representación de su realidad óptica, las cualidades agudas y convincentes de la caracterización psicológica.

En la primera exposición impresionista, en 1874, Degas presenta su obra Ensayo de ballet en escena. Los críticos describieron este cuadro monótono como un dibujo, no como una pintura. Única en la obra de Degas, esta obra maestra se caracteriza por la exactitud de su dibujo y la precisión de toda la gama de tonos grises, lo que sugiere que el artista realizó esta obra como precursora de un grabado posterior. Dos lienzos similares, aunque más ricos en color, se conservan en colecciones americanas.

En 1862 o 1863, Degas conoce a Édouard Manet (1832-1883) en el Louvre, donde practica la copia. Los dos pintores tenían edades similares y ambos procedían de familias adineradas. Sin embargo, sus puntos de vista sobre el arte les alejaban del academicismo tan popular entre los ciudadanos franceses del Segundo Imperio. Los métodos y estilos pictóricos de Degas y Manet se acercan a los modales de los «nuevos pintores» con los que se codean en el café Guerbois, al pie de Montmartre. Este lugar está considerado como una de las cunas del movimiento impresionista. Degas desempeña el papel de teórico del arte. A partir de 1866, aproximadamente, visitó a Manet. El pintor y su esposa sirvieron a menudo de modelos para Degas.

Retrato de Manet y su esposa (1868)

Cuando Manet cortó un cuadro pintado por su amigo porque consideraba que no representaba bien a su mujer, su amistad pendió de un hilo. Tras un breve enfriamiento de su relación, los dos artistas se reconciliaron rápidamente. Gracias a Manet, Degas pudo conocer a Berthe Morisot, casada desde 1874 con el hermano de Édouard, Eugéne. Los colores brillantes y el estilo desenfadado de este joven y talentoso pintor tenían similitudes con los métodos de los impresionistas. Morisot y Degas pertenecían al «grupo de los ininterrumpidos» y participaron en la primera exposición impresionista de 1874. Por desgracia, los amigos se fueron muy pronto: Édouard en 1883, Eugéne en 1892 y Berthe Morisot tres años después. En 1896, Degas (con la ayuda de Monet y Renoir) organizó una exposición póstuma de sus obras en el marchante Durand-Ruel como muestra de su agradecimiento a Morisot. Colgó los dibujos de su novia muerta en la pared con sus propias manos. Junto con Mallarmé y Renoir, Degas cuidó de Julie, la hija prematuramente huérfana de Berthe Morisot y Eugéne Manet, que nació en 1879.

Tras el cambio de siglo, la reputación de Degas se extendió por todo el mundo, y sus cuadros fueron buscados, apreciados y comprados. Hasta tal punto que resultaba casi incómodo para el propio artista, un artista más bien retraído y retirado. También le molestaba que los artículos y las reseñas de su obra le describieran como un artista revolucionario e innovador, aunque él se consideraba un continuador de la pintura francesa del siglo XVIII. Cada vez que podía, protestaba por ser llamado revolucionario y expresaba su admiración por la pintura de los siglos anteriores y por Ingres. Pero apenas pintó durante estos años. Sus ojos se hacían grandes. Lloraba constantemente y sólo podía ver de cerca, a una distancia de un centímetro. Buscó en sus recuerdos y repitió algunos de sus temas de ballet. Y en la última década de su vida, como los fantasmas que regresan, su memoria se vio acosada por temas aún más antiguos. Así, los jinetes, los hipódromos y los paisajes, que ahora pintaba de forma unificada. Detrás de los jinetes en formación, ha editado un rico paisaje montañoso de belleza principesca, con las cumbres resplandecientes de color violeta, como los paisajes imaginarios sin figuras humanas que llenaron un breve periodo de su carrera.

Pero su última foto fue de nuevo un desnudo. El título y el motivo eran Arrodillados, y resultó ser una obra maestra según su propio corazón, por lo que su amigo Vollard, marchante de arte, no la vendió, sino que la conservó en su colección privada.

Pero los rasgos artísticos de Degas no se limitan a la pintura y el dibujo.

Pequeña bailarina antes de una actuación (1880-1881)

Conocía una veintena de poemas de Paul Valéry, y en sus memorias señaló de forma convincente los paralelismos y similitudes entre las imágenes y los poemas.

Degas fue también un apasionado coleccionista de obras de arte. Y no sólo de lo antiguo, sino también de obras contemporáneas. Algunas de sus compras las hizo para ayudar a sus compañeros de armas necesitados, sin ofenderlos ni humillarlos. Pero también era un visitante casi constante de las subastas. Fue un paciente observador de sus procedimientos, y su oferta cautelosa y juiciosa, pero sacrificada, amasó una valiosa colección de numerosos artículos. Su colección incluía dos cuadros de Greco, veinte obras de Ingres (óleos, bocetos, dibujos), trece cuadros de Delacroix, seis paisajes de Corot y un retrato de medio cuerpo de una mujer italiana. Cézanne estaba representado por cuatro cuadros, Gauguin por diez, Manet por ocho, Van Gogh por tres, Pissarro por tres y Renoir por uno. También hay un gran número de dibujos, bocetos, pasteles y acuarelas de los mismos artistas, de los cuales los más valiosos son las hojas de Manet. Esta colección se completa con unas 400 reproducciones de obras gráficas, entre ellas grabados japoneses, y las más bellas obras de Haronobu, Hiroshige, Hokusai y Utamaro.

Para completar sus cualidades humanas, cabe mencionar que, aunque era un hombre muy bueno y paciente, sólo practicaba estas virtudes fuera del mundo del arte. Criticaba duramente a sus colegas artistas, era mordaz, franco y sin pelos en la lengua. No pocas veces fue caprichoso, y a veces incluso injusto. Criticó a Monet y Renoir por su colorido. Con Manet, criticó su excesivo apego al modelo, y con todos ellos, el hecho de que pintaran al aire libre, delante del sujeto. Aunque siempre fue recto, su actitud le llevó a distanciarse de sus compañeros artistas, que también se distanciaron de él. Su círculo de amigos se limitó más tarde a unos pocos ciudadanos no artistas y a algunos escritores. Con el tiempo, sólo le gustaba relacionarse con sus parientes cercanos y con su amigo marchante Vollard.

Sin embargo, no cabe duda de que su impacto humano y artístico fue grande, tanto durante su vida como después de su muerte. Su obra y su ejemplo humano han sido fuente de inspiración para artistas tan notables como Forain, Mary Cassatt, Toulouse-Lautrec, Valadon, Vuillard y Bonnard. Pero el pleno reconocimiento fue algún tiempo después de su muerte. Aunque algunas de sus obras se expusieron en la Galería de Luxemburgo y más tarde en el Louvre, está claro que Manet,

Las celebraciones de Cézanne y Renoir fueron anteriores a las suyas. Degas quedó un poco eclipsado porque, en medio del impresionismo y del plein air, y del postimpresionismo que invadió con grandes hazañas, su arte se consideró demasiado cosificador y psicologizante. Pero todo cambió de un plumazo cuando, en 1924, la Orangerie acogió una exposición a la que coleccionistas y museos de Europa y del extranjero enviaron sus piezas más preciadas, y por primera vez se expuso toda la obra de Degas en conjunto.

Entonces el mundo (especialmente la literatura artística francesa) se apresuró a recuperar el tiempo perdido.

Aparecieron libros y artículos uno tras otro, todos ellos tratando de analizar y alabar su persona y su arte. Publicaron su correspondencia, que revelaba que Degas era un excelente escritor de cartas, lo que era una gran palabra entre los franceses, que habían ennoblecido la carta como género literario. También publicaron los apuntes en los que plasmaba sus pensamientos sobre la vida, la gente y el arte de forma suelta, intercalando dibujos explicativos. Estas publicaciones pretendían demostrar que su reticencia y su actitud hosca eran más una defensa que otra cosa, y que sus conflictos de intereses y sus prejuicios estaban muy reivindicados por el tiempo.

Pero sea cual sea la forma en que aborden el arte de Degas, cada uno de ellos tratará de hacer un planteamiento diferente. Celebraron como un gran maestro del dibujo al hombre que fue acusado por Albert Wolf, el feroz crítico que persiguió a los impresionistas, de no tener ni idea de lo que era el dibujo. Nuevos e imparciales análisis han demostrado de una vez por todas que Degas es alabado con razón como maestro del dibujo, ya que cada una de sus pinturas, pasteles y dibujos es casi sorprendente por la certeza de sus líneas. Registró los escorzos más atrevidos, las curvas más agitadas y las fracturas del movimiento con una sola línea dibujada, sin correcciones repetitivas. Los magníficos contornos de sus figuras, de los objetos inanimados del cuadro, son caracterizaciones casi psicológicas, pero están lejos de ser decorativas en su fluidez y repetición ornamental. El dibujo de Degas no es caligrafía, sino vivir la vida.

Muchos han analizado el carácter impresionista o no de su pintura. No cabe duda de que la pintura de sus cuadros estuvo precedida por impresiones muy arraigadas, y que su imaginación se vio cautivada a partir de 1870 por motivos cambiantes, conmovedores y sólo momentáneos. En este sentido, es un impresionista. Pero sus motivos, sus impresiones, siguieron madurando en su memoria, para ser revueltos, ponderados, reducidos a sus elementos esenciales. Sus bocetos y estudios para sus cuadros muestran claramente cómo progresaba, cómo elevaba una impresión que otros podrían ver como irrelevante, tal vez inadvertida, hasta convertirla en la expresión más poderosa, y cómo tamizaba todos los elementos superfluos de sus impresiones, por muy fuertes que fueran al principio.

Su pintura terminada siempre comunica al espectador este estado puro, realzado y escarchado, por lo que las últimas soluciones de Degas siempre parecen las más perfectas, las más eficaces. Pero es esta cualidad la que separó su arte del de los impresionistas. El análisis de su estructura pictórica y su composición es sumamente interesante e instructivo. Su método de creación de imágenes le llevaba a una edición y clasificación conscientes y preliminares, pero su composición estaba muy alejada de las enseñanzas, principios y prescripciones del editor académico. Sólo muy raramente situaba el centro de gravedad formal de sus cuadros en el eje central del espacio pictórico, y menos aún en el campo pictórico. La mayoría de las veces compuso la figura o escena más importante en un lateral o en una de las esquinas superiores del campo pictórico, y no pocas veces en la parte inferior. Le gustaba especialmente utilizar este deslizamiento alejado del centro cuando pintaba el modelo con vista, es decir, desde arriba. En su cuadro mundialmente famoso, La estrella de la danza, deslizó la figura de la bailarina, iluminada por focos brillantes y mirando desde arriba como una flor de rocío, hasta la esquina inferior derecha del plano del cuadro, haciendo una reverencia a su público. El efecto es elevado, elevado, especial. Supera con creces las posibilidades del habitual montaje central-frontal y opuesto, que también tuvo éxito en el cuadro de Renoir sobre el mismo tema.

Un análisis especial fue dirigido a su tema, porque no hay duda de que el mundo al que dirigió su atención era inusualmente nuevo para su tiempo. El escenario, el bullicio de los hipódromos, la aparición de los cafés, los alcohólicos, las trabajadoras, los camerinos y las mujeres corrientes que se desnudan, ampliaron el mundo del tema de la pintura casi hasta el infinito. Todo lo que dijiste al respecto fue que buscabas color y movimiento. No añadió, aunque la verdadera importancia de sus esfuerzos residía en el hecho de que aceptaba el color de cualquier cosa y el movimiento de cualquier cosa, si despertaba su interés artístico.

Su búsqueda del color y el movimiento se complementaba, incluso se completaba, con la forma en que utilizaba la luz para acentuar y resaltar sus colores y elementos de movimiento. Por eso el plein air, la luz del espacio abierto, no era su pan de cada día. Al principio experimentó con ella, pero en su vejez la condenó enérgicamente. También pintaba sus cuadros al aire libre en su estudio y tenía un poder ilimitado sobre los efectos de luz que podía evocar en el interior. En esta actitud, ya había tenido un predecesor, Daumier, que modeló sus composiciones con gran éxito en el uso soberano de la luz interior. Pero Degas fue más allá. Utilizó de forma aún más rica y variada sus posibilidades, añadiendo incluso elementos arbitrarios e imaginativos. Llevó la audacia de su autoindulgencia casi al extremo en los paisajes a pequeña escala, pintados a modo de visiones en color sin figuras humanas, que pintó en la década de 1890, cuando sus ojos se estaban deteriorando rápidamente. Por qué los pintó en esta época, cuando los paisajes eran, en el mejor de los casos, un complemento insignificante de sus cuadros figurativos, es una pregunta fascinante que aún no ha sido respondida. Estas pinturas de brillo oscuro son casi un derroche de luz y color. Se pelean entre ellos. No tienen nada que ver con los elementos materiales, con la realidad (El lago, la cordillera, el camino a través del campo). Irradian una especie de anhelo asombroso. Es como si fueran un mensaje de otro mundo. Un mundo en el que no hay males físicos y en el que reinan el espíritu y la imaginación.

Esta fue la única vez que Degas abstrajo su obra del mundo que veía. Por lo demás, siempre se situó en el terreno de la realidad no imaginada, y por ello se le acusó a menudo de que sólo le estimulaban los fenómenos feos y ordinarios, y de que era un amargo pesimista que escribía sátiras cáusticas sobre el género humano. Sin embargo, un examen imparcial de sus obras revela que éstas revelan la vida con un profundo sentimiento humano, y que es precisamente con este propósito que su creador ha abrazado los elementos no desnudos de la vida en el mundo libre, verdadero y, por tanto, bello de la creación artística.

Era difícil elegir si celebrar en Degas al maestro del pincel brillante, del colorido ceniciento, del manejo soberano de la luz o de la representación convincente de la ligereza del movimiento. Al fin y al cabo, cada uno de ellos desempeñó un papel importante en su obra. El análisis objetivo tiende a mostrar que hay grandes competidores en el ámbito de la pintura, el color y la luz, pero Degas triunfa sobre todos en la representación del movimiento de la luz.

Degas está considerado en todo el mundo como uno de los mejores artistas del siglo XIX. El brillo particular de su obra no se deriva de la fama mundial de sus compañeros impresionistas, los camaradas de armas de su juventud, como se creía generalmente en el pasado. Independientemente de su filiación, sus obras brillan con claridad y triunfo como los brillantes logros de un artista excepcional. Incluso si uno ha visto una sola vez una de sus principales obras, se enriquece con una visión de algo infinitamente sutil, vívido en cada parte, poco convencional, analizado y resumido, que le acompañará durante toda la vida.

El 19 de diciembre de 1912, en una sala abarrotada de la famosa sala de subastas de París, los cuadros del millonario coleccionista Henri Rouart fueron subastados. La puja fue muy animada, ya que la mayoría de los cuadros eran de artistas impresionistas franceses, y los precios de estos cuadros subían día a día. En medio del público, rodeado de admiradores y vestido con ropas anticuadas, estaba sentado un anciano sombrío, con la mano izquierda sobre los ojos, observando la subasta. Compradores que competían entre sí, superando con entusiasmo las pujas, pagaron precios por obras de Daumier, Manet, Monet, Renoir, que fueron tocados por la abundancia de dinero antes de la Primera Guerra Mundial. Pero la sensación del día fue una obra de Degas. Cuando su cuadro, Bailarina en la barandilla, salió a subasta, un frenesí de excitación se apoderó de las casas de subastas. Las ofertas se sucedieron, una tras otra, y al poco tiempo la puja superaba los cien mil francos. Uno de los competidores prometió tranquilamente cinco mil francos más por cada oferta, hasta que finalmente los competidores se desangraron y él se adjudicó el excelente pastel por cuatrocientos treinta y cinco mil francos.

Tras este acontecimiento, el sombrío anciano, que era el propio Edgar Degas, se levantó de su asiento con lágrimas en los ojos y, apoyándose en uno de sus asistentes, abandonó la sala. Los que le conocían le miraban con consternación. Al día siguiente, los periodistas se dirigieron a él para pedirle una declaración. Como Degas había sido reacio a la publicidad de la prensa durante toda su vida, se limitó a decir que el pintor del cuadro no había sido un simplón cuando lo vendió por primera vez, sino que el hombre que ahora había pagado tanto por él era evidentemente un débil mental. De hecho, el precio de compra era inaudito. Ningún pintor francés vivo había cobrado tanto por una obra.

Se rumorea que el comprador es un fideicomisario de un multimillonario estadounidense, que se presentó en la subasta con autoridad ilimitada. Lo que significaban las lágrimas en los ojos del pintor cuando experimentó tal apreciación sin precedentes de una de sus obras, ciertamente no lo sabemos. Quizás recordó que el genio del genio nunca es recompensado por el creador. Tal vez recordaba su juventud, la época en que se pintó el cuadro, o tal vez se sintió conmovido por la prueba tangible de la fama mundial que se había ganado justamente como parte de su clase.

Pero el autor de esta modesta semblanza nunca olvidará la escena que presenció personalmente.

A partir de entonces, buscó constantemente crear una relación más cercana, cálida y humana con las obras de Degas. ¿Qué tan bien lo logró…? Que las líneas anteriores lo atestigüen.

Fuentes

  1. Edgar Degas
  2. Edgar Degas
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