Diego Rivera

Resumen

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez († 24 de noviembre de 1957 en Ciudad de México) fue un pintor mexicano. Junto con David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, está considerado el pintor modernista más importante de México. Juntos eran conocidos como Los Tres Grandes.

Diego Rivera trabajó en Europa de 1907 a 1921, y en Estados Unidos a principios y finales de la década de 1930. En sus pinturas sobre tabla, Rivera adaptó muchos estilos diferentes en rápida sucesión y estuvo involucrado con el cubismo durante mucho tiempo. Durante su estancia en Europa, estuvo en contacto con los principales exponentes del arte moderno, como Picasso, Braque y Gris. Tras su regreso a México, Diego Rivera trabajó principalmente en sus grandes proyectos murales, que pintó en el Palacio Nacional, el Palacio de Bellas Artes, la Secretaría de Educación Pública y en diversas instituciones de Estados Unidos, por ejemplo. Estos murales, que él consideraba una contribución a la educación popular, contribuyeron en gran medida a la fama y el éxito de Rivera. Las otras facetas de su obra pasaron a un segundo plano.

No se conoce el número exacto de sus cuadros sobre tabla; todavía se encuentran óleos de Rivera que hasta ahora eran desconocidos. Muchos de ellos eran retratos y autorretratos, un gran número también mostraba motivos mexicanos. Estos últimos, en particular, así como las variaciones de sus motivos murales, eran populares entre los turistas estadounidenses. Además, Rivera también realizó dibujos e ilustraciones y diseñó el vestuario y los decorados para una producción teatral. Estos aspectos de su obra aún no han sido tratados en detalle en la literatura sobre Rivera.

Rivera se afilió al Partido Comunista Mexicano en 1922 y fue miembro de su comité ejecutivo durante un tiempo. Viajó a la Unión Soviética en 1927 con motivo del aniversario de la Revolución de Octubre y quiso contribuir al desarrollo artístico de ese país; sin embargo, debido a sus críticas a la política estalinista, se le aconsejó que regresara a México. Debido a su posición crítica con Josef Stalin y a las órdenes de gobierno que aceptó Rivera, el Partido Comunista Mexicano lo expulsó en 1929, pero aceptó una de sus solicitudes de readmisión en 1954.

En la década de 1930, Rivera se volcó en las ideas del trotskismo. Hizo campaña para que se concediera el exilio a León Trotsky en México y lo acogió brevemente en su casa. Tras disputas políticas y personales con Trotsky, el artista mexicano rompió su relación en 1939. Las convicciones políticas de Diego Rivera también se reflejaron en sus obras, en las que propagó las ideas comunistas e inmortalizó repetidamente a figuras destacadas del socialismo y el comunismo. En relación con sus actividades políticas, Rivera también publicó artículos y participó en la publicación de revistas de izquierdas. Rivera se casó en 1929 con la artista Frida Kahlo, que compartía sus convicciones políticas.

Infancia y educación

Diego Rivera y su hermano gemelo José Carlos María nacieron en Guanajuato el 8 o el 13 de diciembre de 1886 como primeros hijos del matrimonio de maestros María del Pilar Barrientos y Diego Rivera. El origen de la familia de Diego Rivera sigue siendo incierto, ya que en gran medida fue informado por él mismo. Su abuelo paterno, Don Anastasio de Rivera, nació allí como hijo de su bisabuelo de origen italiano, que estaba en el servicio diplomático español en Rusia, y su desconocida madre rusa murió al dar a luz. Don Anastasio emigró más tarde a México, adquirió una mina de plata y se casó con Ynez Acosta. Supuestamente luchó por Benito Juárez contra la intervención francesa. Se dice que su abuela materna, Némesis Rodríguez Valpuesta, era de ascendencia medio india. Con sus declaraciones no verificables, Rivera contribuyó a la creación de leyendas en torno a su persona y se situó en la historia de México, lo que constituye un aspecto central de su obra.

El hermano gemelo de Diego Rivera murió en 1888; su madre tuvo una hija llamada María en 1891. Los artículos de izquierdas de su padre, autor y coeditor de la revista liberal El Demócrata, indignaron tanto a sus colegas y a la parte conservadora de los lectores que incluso su familia se mostró hostil. Después de haber especulado también en el negocio de la minería, se trasladaron a la Ciudad de México en 1892, donde Diego padre consiguió un trabajo en la administración pública. Sin embargo, su padre se ocupó de la educación de su hijo desde el principio: Diego junior ya había aprendido a leer a los cuatro años. A partir de 1894 asistió al Colegio Católico Carpantier. Su talento para el dibujo se vio reforzado a partir del tercer grado con clases nocturnas adicionales en la Academia de San Carlos. En 1898 se matriculó allí como alumno regular tras obtener una beca.

Diego Rivera entró así en contacto con visiones muy diferentes del arte. Nombra a Félix Parra, José María Velasco y Santiago Rebull (en este orden) como sus maestros esenciales en la academia. Rebull, que reconoció el talento del muchacho y probablemente le favoreció, para disgusto de sus compañeros, era alumno de Jean-Auguste-Dominique Ingres y seguidor de los nazarenos, mientras que Parra era un naturalista interesado en el México prehispánico. Sus estudios siguieron el modelo europeo con formación técnica, investigación racional e ideales positivistas.

Rivera trabajó tanto en el estudio como en el paisaje, orientándose fuertemente en Velasco, de cuya enseñanza de la perspectiva se benefició. Siguió a su maestro sobre todo en la representación del especial colorido de un paisaje típico mexicano. En la academia Rivera también conoció al paisajista Gerardo Murillo, que había estado en Europa poco antes. Murillo influyó en el estudiante de arte a través de su apreciación del arte indígena y de la cultura mexicana, que se plasmó en la obra posterior de Rivera. Murillo también enseñó a Rivera sobre el arte contemporáneo en Europa, lo que hizo que este último quisiera viajar él mismo a Europa.

Primera estancia en Europa

En enero de 1907, Diego Rivera pudo viajar a España gracias a una beca de Teodoro A. Dehesa, el gobernador del estado de Veracruz, y sus reservas de las ventas, pudo viajar a España. Por recomendación de Murillo, entró en el taller de Eduardo Chicharro y Agüeras, uno de los principales realistas españoles. El pintor también aconsejó a Rivera que viajara por España en 1907 y 1908 para conocer diversas influencias y corrientes. En los años siguientes, Rivera probó diferentes estilos en sus obras. En el Museo del Prado copió y estudió cuadros de El Greco, Francisco de Goya, Diego Velázquez y pintores flamencos. Rivera fue introducido en los círculos de la vanguardia española en Madrid por el escritor y crítico dadaísta Ramón Gómez de la Serna. En 1908, Rivera también expuso en la segunda exposición de alumnos de Chicharro.

Inspirado por sus amigos vanguardistas, Rivera viajó a Francia en 1909 y visitó museos y exposiciones, además de dar conferencias. También trabajó en las escuelas de Montparnasse y en las orillas del Sena. En el verano de 1909, viajó a Bruselas. Aquí conoció a la pintora rusa Angelina Beloff, seis años mayor que él. Se convirtió en su primera compañera y le acompañó a Londres. Allí estudió las obras de William Hogarth, William Blake y William Turner. A finales de año, Rivera regresó a París acompañado por Beloff y presentó obras por primera vez en una exposición de la Société des Artistes Indépendants en 1910. Al expirar su beca, Rivera regresó a México vía Madrid a mediados de año, llegando allí en agosto de 1910.

En noviembre, expuso algunas de sus obras en la Academia de San Carlos en el marco de una exposición de arte con motivo del centenario de la independencia de México. Durante su estancia, estalló la Revolución Mexicana. No se han encontrado pruebas de la afirmación del propio Rivera de que luchó junto a Emiliano Zapata al principio de la revolución, por lo que es muy probable que se trate de una leyenda surgida posteriormente. A pesar de la agitación política, la exposición fue un éxito artístico y financiero para Rivera; siete de los cuadros fueron adquiridos por el gobierno mexicano. Con lo recaudado, pudo emprender su viaje de regreso a Europa en junio de 1911.

Segunda estancia en Europa

En junio de 1911, Diego Rivera regresa a París, donde se instala en un piso con Angelina Beloff. En la primavera de 1912, los dos fueron a Castilla. Durante una estancia en Toledo, Rivera conoció a varios artistas latinoamericanos que vivían en Europa. Tuvo un contacto especialmente estrecho con su compatriota Ángel Zárraga. En España, Rivera experimentó con el puntillismo. A su regreso a París, en otoño de 1912, se instala con Angelina Beloff en la rue du Départ. En el barrio vivían los artistas Piet Mondrian, Lodewijk Schelfhout y el pintor Conrad Kickert, entonces corresponsal del semanario neerlandés De Groene Amsterdammer, cuya obra había sido influenciada por Paul Cézanne. En esta época, las primeras influencias cubistas se hacen notar en la pintura de Rivera. Llegó a su propia comprensión del cubismo, más colorida que la de otros cubistas. Tras entablar amistad con Juan Gris en 1914, sus obras también mostraron influencias de la obra del español.

En 1913 expuso sus primeros cuadros cubistas en el Salón de Otoño. Además, participó en exposiciones colectivas en Múnich y Viena ese año, y en Praga, Ámsterdam y Bruselas en 1914. En esta época, Diego Rivera participó muy activamente en las discusiones teóricas de los cubistas. Uno de sus interlocutores más importantes fue Pablo Picasso. En abril de 1914, la Galería Berthe Weill organizó la primera exposición individual de Rivera, en la que se presentaron 25 de sus obras cubistas. Pudo vender algunas de las obras, con lo que su tensa situación financiera mejoró. Así, Rivera y Beloff pudieron viajar a Mallorca en julio junto con otros artistas, donde Rivera se enteró del estallido de la Primera Guerra Mundial. Debido a la guerra, su estancia en la isla se prolongó más de lo previsto. Viajaron a Madrid vía Barcelona, donde Rivera conoció a varios intelectuales españoles y latinoamericanos. Allí, en 1915, participó en la exposición Los pintores íntegros, organizada por Gómez de la Serna, en la que se expusieron por primera vez en España obras cubistas y que desencadenó acaloradas discusiones.

En el verano de 1915, Rivera regresó a París, donde su madre le visitó. De ella y de los intelectuales mexicanos en España recibió información sobre la situación política y social de su país. Rivera siguió con simpatía el desarrollo de la revolución en su país natal y también lo abordó en su obra. En 1915 Rivera inició un romance con la artista rusa Marevna Vorobev-Stebelska, que duró hasta su regreso a México. Logró un éxito cada vez mayor con su pintura. En 1916, Diego Rivera participó en dos exposiciones colectivas de arte postimpresionista y cubista en la Modern Gallery de Marius de Zayas en Nueva York. En octubre de ese año, realizó allí la exposición individual de Pinturas de Diego M. Rivera y Arte Mexicano de la Preconquista. Además, este año ha nacido su primer hijo, Diego, fruto de su relación con Angelina Beloff.

En 1917, el director de la Galerie L»Effort moderne, Léonce Rosenberg, contrató a Diego Rivera por dos años. Angelina Beloff le introdujo en un grupo de discusión de artistas y emigrantes rusos organizado por Henri Matisse y participó en las discusiones metafísicas que allí se celebraban. Estos tuvieron un impacto en la obra de Rivera a través de un estilo más sin adornos y composiciones simplificadas. En la primavera, Rivera entró en conflicto con el crítico de arte Pierre Reverdy, que se había convertido en uno de los principales teóricos del cubismo y que había criticado muy mal las obras de Diego Rivera. Los dos se enzarzaron en una discusión a puñetazos. Como resultado, Diego Rivera se alejó del cubismo y volvió a la pintura figurativa. También rompió con Rosenberg y Picasso, lo que hizo que Braque, Gris, Léger y sus amigos Jacques Lipchitz y Gino Severini le dieran la espalda. En el invierno de 1917, su primer hijo murió a consecuencia de la gripe.

Junto con Angelina Beloff, Rivera se instaló en un piso cerca del Campo de Marte en 1918. La influencia de Cézanne se nota en sus cuadros, así como la de Ingres en algunos bodegones y retratos. Rivera retomó los elementos fauvistas, así como el estilo y la paleta de colores de Renoir. Este regreso a la pintura figurativa fue apoyado por el escritor de arte Élie Faure, en cuya exposición Les Constructeurs el pintor mexicano ya había participado en 1917. Faure tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior de Rivera porque le interesó el arte del Renacimiento italiano y discutió con él el valor social del arte. Por ello, Diego Rivera consideró la pintura mural como una forma de representación.

Diego Rivera conoció a David Alfaro Siqueiros en 1919. Juntos discutieron los cambios necesarios en el arte mexicano. Compartieron puntos de vista comunes sobre la tarea de un arte mexicano y el lugar que debe ocupar en la sociedad. El 13 de noviembre, la amante de Rivera, Vorobev-Stebelska, dio a luz a su hija Marika. Rivera pintó dos retratos del embajador mexicano en París y de su esposa. El embajador intercedió por Diego Rivera ante José Vasconcelos, el nuevo director de la universidad en Ciudad de México, y pidió que el pintor recibiera financiación para estudiar en Italia. Esta beca permitió a Diego Rivera viajar a Italia en febrero de 1920. Durante los 17 meses siguientes, estudió allí obras de arte etruscas, bizantinas y renacentistas. Hizo bocetos del paisaje y la arquitectura italianos, así como de las obras maestras del arte italiano. La mayoría se ha perdido.

Rivera estudió los frescos de Giotto y las pinturas murales y de techo de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina. De este modo, Rivera se familiarizó con la técnica del fresco y las posibilidades expresivas de la pintura monumental. Atraído por la evolución social y política de su país, Rivera viajó solo a México vía París en marzo de 1921.

Rivera como artista político en México

Mientras Diego Rivera estaba en Italia, José Vasconcelos fue nombrado ministro de Educación por el presidente Álvaro Obregón en 1920. Vasconcelos introdujo un amplio programa de educación popular, que incluía murales educativos e instructivos en los edificios públicos. Con ello, quiso hacer realidad los ideales de un movimiento de reforma cultural integral tras la revolución, que preveía la igualdad étnica y social de la población indígena y el establecimiento de una cultura nacional mexicana diferenciada.

Poco después de la llegada de Rivera a París, en marzo de 1921, regresó a México porque la evolución política y social del país le parecía atractiva. Se distanció de su época en Europa desarrollando su propio estilo en lugar de seguir la evolución estilística del modernismo, dejando atrás a su pareja, su amante y su hija. Sólo su hija Marika recibió la pensión alimenticia a través de amigos, aunque Rivera nunca reconoció oficialmente la paternidad. Poco después de su regreso, en junio de 1921, el Ministro de Educación incluyó a Rivera en el programa cultural del gobierno. En 1921, Vasconcelos invitó a Diego Rivera y a otros artistas e intelectuales que habían regresado de Europa en un viaje a Yucatán. Debían familiarizarse con el patrimonio cultural y nacional de México para incorporarlo a sus futuros trabajos. Rivera vio los sitios arqueológicos de Uxmal y Chichén Itzá en este viaje. Inspirado por las impresiones que recogió allí, Rivera desarrolló sus ideas de un arte que sirviera al pueblo y transmitiera la historia a través de los murales.

Diego Rivera comenzó a pintar su primer mural en la Escuela Nacional Preparatoria en enero de 1922. Este proyecto fue el preludio y la prueba de fuego del programa de murales del gobierno. Mientras varios pintores trabajaban en el patio, Rivera completó el cuadro La Creación en el auditorio. La obra, en la que siguió en gran medida los métodos tradicionales de la técnica del fresco, duró un año. Su primer mural seguía retomando un motivo tradicionalmente cristiano y europeo, aunque lo contrastara con un colorido típicamente mexicano y con ese tipo de figuras. En cambio, en las pinturas sobre tabla posteriores a su regreso, la atención se centró en la vida cotidiana mexicana. Rivera se casó en junio de 1922 con Guadelupe Marín, que fue su modelo para una de las figuras del mural, cuando ya había tenido relaciones con varias modelos antes. Los dos se mudaron a una casa en la calle Mixcalco.

En otoño de 1922, Diego Rivera participó en la fundación del Sindicato Revolucionario de Trabajadores Técnicos, Pintores y Escultores, el sindicato revolucionario de trabajadores técnicos, pintores y escultores, donde se familiarizó con las ideas comunistas. En el sindicato, Rivera se asoció con David Alfaro Siqueiros, Carlos Mérida, Xavier Guerrero, Amado de la Cueva, Fernando Leal, Ramón Alva Guadarrama, Fermín Revueltas, Germán Cueto y José Clemente Orozco. A finales de 1922, Diego Rivera se afilia al Partido Comunista Mexicano. Junto con Siqueiros y Xavier Guerrero, formó su comité ejecutivo.

En marzo de 1922, Rivera recibió el encargo de decorar la Secretaría de Educación Pública con frescos. Desde septiembre de 1922, trabajó en este proyecto, que dirigió al mismo tiempo. Fue el mayor encargo de la primera década del muralismo. El trabajo en el Ministerio de Educación se prolongó durante años. Ganando sólo dos dólares al día con estas obras, Diego Rivera vendía pinturas, dibujos y acuarelas a coleccionistas, sobre todo norteamericanos. La hija de Rivera, Guadalupe, nació en 1924. Ese año, el proyecto de murales suscitó un gran conflicto en el Ministerio de Educación. Los grupos conservadores se opusieron al mural, el Ministro de Educación Vasconcelos dimitió y las obras del proyecto se interrumpieron. Tras el despido de la mayoría de los pintores, Rivera logró convencer al nuevo ministro de Educación, José María Puig Casaurac, de la importancia de los murales y, posteriormente, conservó su trabajo para completar las pinturas. A finales de 1924, además de su trabajo en el Ministerio de Educación, se le encargó pintar murales en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo. Allí realizó murales decorativos para el vestíbulo, la escalera y la sala de recepción del primer piso, y en 1926 las paredes del salón de actos. Tanto su esposa embarazada como Tina Modotti modelaron para Rivera en este proyecto. Tuvo un romance con Modotti, que le llevó a separarse temporalmente de Guadalupe Marín. Tras el nacimiento de su hija Ruth, Diego Rivera dejó a su mujer en 1927.

Viaje a la Unión Soviética y éxitos en México

En otoño de 1927, una vez terminada la obra de Chapingo, Diego Rivera viajó a la Unión Soviética como miembro de la delegación oficial del Partido Comunista Mexicano con motivo del décimo aniversario de la Revolución de Octubre. Rivera ya había querido visitar la URSS durante sus años en París; ahora esperaba beneficiarse del desarrollo del arte allí y quería contribuir al arte soviético con un mural propio. El viaje le llevó, pasando por Berlín, donde conoció a intelectuales y artistas, a Moscú, donde permaneció nueve meses. Allí dio conferencias y enseñó pintura monumental en la Escuela de Bellas Artes. Rivera estuvo en contacto con el grupo de artistas Octubre, que abogaba por un arte público que siguiera las tradiciones populares. Durante las celebraciones del Primero de Mayo de 1928, realizó bocetos para un mural previsto en el Club del Ejército Rojo, pero no se ejecutó debido a intrigas y desacuerdos. Debido a sus diferentes opiniones políticas y artísticas, el gobierno estalinista aconsejó a Diego Rivera que regresara a México.

En 1928 regresó de la Unión Soviética y se separó definitivamente de Guadalupe Marín. Ese año terminó los murales del Ministerio de Educación y de Chapingo. Mientras terminaba su trabajo en el Ministerio de Educación, recibió la visita de Frida Kahlo, que le mostró sus primeros intentos de pintar y le pidió su opinión. Debido a la reacción positiva de Rivera, decidió dedicarse por completo a la pintura. El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera se casó con la pintora, que era casi 21 años más joven. Poco antes, Rivera había sido elegido director de la escuela de arte de la Academia de San Carlos por los alumnos. Sin embargo, sus conceptos fueron muy criticados por los medios de comunicación y las fuerzas conservadoras. Desarrolló un nuevo horario y dio a los alumnos una gran participación en la elección de los profesores, el personal y los métodos. Las reformas de Rivera fueron criticadas, sobre todo, por los profesores y alumnos de la escuela de arquitectura alojada en el mismo edificio, a los que se sumaron artistas conservadores y también miembros del Partido Comunista, del que Diego Rivera fue expulsado en septiembre de 1929. Finalmente, la administración de la academia cedió a las protestas y despidió a Diego Rivera a mediados de 1930. La expulsión del Partido Comunista fue consecuencia de la posición crítica de Rivera hacia Josef Stalin y su política, así como de su aceptación de comisiones del gobierno del presidente Plutarco Elías Calles.

En 1929, Rivera recibió el encargo de pintar la escalera del Palacio Nacional de Ciudad de México, y también pintó un mural para la Secretaría de Salud. Cuando aún trabajaba en la sede del gobierno, que ocuparía a Rivera durante varios años, el embajador de Estados Unidos en México, Dwight W. Morrow, encargó a Diego Rivera la realización de un mural en el Palacio de Cortés de Cuernavaca. Por este encargo recibió 12.000 dólares, su tarifa más alta hasta la fecha. Tras completar este encargo en el otoño de 1930, Rivera aceptó una oferta para realizar murales en Estados Unidos. Esta decisión fue duramente criticada por la prensa comunista de México.

Permanecer en Estados Unidos

En otoño de 1930, Diego Rivera viajó a San Francisco junto con Frida Kahlo. En Estados Unidos, el arte de los muralistas mexicanos ya se conocía desde la década de 1920 a través de artículos periodísticos y reportajes de viajes. Los viajeros ya habían llevado las pinturas sobre tabla de Rivera a EE.UU., y ahora también iba a ejecutar murales allí. El escultor californiano Ralph Stackpole conocía a Rivera desde su época en París y coleccionaba sus cuadros, uno de los cuales regaló a William Gerstle, presidente de la Comisión de Arte de San Francisco. Gerstle quería que Rivera pintara un muro en la Escuela de Bellas Artes de California, y éste aceptó el encargo. Cuando Stackpole, junto con otros artistas, recibió el encargo de decorar el nuevo edificio de la Bolsa del Pacífico de San Francisco en 1929, también consiguió reservar una pared para Diego Rivera. Inicialmente, a Rivera se le negó la entrada a Estados Unidos por sus opiniones comunistas. Sólo tras la intercesión de Albert M. Bender, un influyente agente de seguros y coleccionista de arte, se le concedió un visado. Esto fue criticado tanto por los medios de comunicación anticomunistas como por los artistas de San Francisco, que se sentían en desventaja a la hora de conceder encargos. También fue criticado el hecho de que 120 obras de Rivera se expusieran en el Palacio de la Legión de Honor de California a finales de 1930. Tras la finalización de los proyectos de murales y como resultado de la aparición personal de la pareja, el ambiente cambió para mejor.

En San Francisco, Diego Rivera pintó el mural Alegoría de California en el Luncheon Club de la Bolsa del Pacífico de San Francisco desde diciembre de 1930 hasta febrero de 1931. Junto con el edificio de la Bolsa, el mural fue dedicado oficialmente en marzo de 1931. De abril a junio de 1931, Diego Rivera completó el mural La realización de un fresco en la Escuela de Bellas Artes de California. Inmediatamente después de terminar el proyecto, regresó a México para terminar el mural que quedó inconcluso en el Palacio Nacional a petición del Presidente. Poco después, Diego Rivera recibió una invitación para exponer en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Fue la segunda gran exposición individual del museo, inaugurado en 1929, tras una retrospectiva de Henri Matisse, y siguió siendo la más importante de la obra de Rivera en Estados Unidos hasta 1986. Debido a esta invitación, Rivera volvió a abandonar las obras en el Palacio Nacional tras la finalización del muro principal. Viajó en barco a Nueva York con su esposa y la marchante de arte Frances Flynn Paine, que le había propuesto la retrospectiva. Llegó en noviembre de 1931 y trabajó en ocho frescos transportables hasta la inauguración de la exposición el 23 de diciembre. La retrospectiva mostró un total de 150 obras de Rivera y fue visitada por 57.000 personas. La exposición también fue bien recibida por la crítica.

A través de la campeona mundial de tenis Helen Wills Moody, Diego Rivera conoció a William R. Valentiner y Edgar P. Richardson, los dos directores del Instituto de Arte de Detroit. Le invitaron a exponer en Detroit en febrero y marzo de 1931 e hicieron una propuesta a la comisión de arte de la ciudad para contratar a Diego Rivera para un mural en el Garden Court del museo. Con el apoyo de Edsel B. Ford, presidente del comité de arte de la ciudad, Diego Rivera pudo empezar a preparar su obra para Detroit tras su exposición en Nueva York a principios de 1932. Ford aportó 10.000 dólares para la ejecución de los frescos, por lo que se previó una tarifa de 100 dólares por metro cuadrado pintado. Sin embargo, cuando Rivera visitó el lugar, decidió pintar todo el patio por el mismo precio en lugar de los dos cuadros previstos. En los frescos, Rivera representó la industria de Detroit. Su pintura industrial fue criticada por mostrar contenidos pornográficos, profanos y comunistas, y la seguridad de las obras pareció estar en peligro en ocasiones. Sin embargo, Edsel B. Ford respaldó al artista y su obra y así calmó la situación.

Todavía trabajando en Detroit, Rivera recibió el encargo de pintar un mural en el vestíbulo del Rockefeller Center, que todavía estaba en construcción. En el transcurso de 1933, trabajó en este cuadro, cuyo tema, Hombre en la encrucijada, mirando hacia un futuro mejor, había sido prescrito por un encargo. En este cuadro, Rivera plasmó su visión negativa del capitalismo y mostró a Lenin, que aún no aparecía en el dibujo preliminar aprobado, como representante de la nueva sociedad. Esto provocó fuertes críticas de la prensa conservadora, mientras que los grupos progresistas se solidarizaron con el artista. Los Rockefeller, como mecenas, no apoyaron al artista como había hecho Ford, sino que pidieron a Rivera que pintara sobre Lenin. Cuando el artista se negó, el cuadro fue tapado a principios de mayo y Rivera fue pagado y despedido. Como resultado, Diego Rivera regresó a México. En febrero de 1934, el mural del Rockefeller Center fue finalmente destruido.

Regreso a México

Diego Rivera regresó a México en 1933 decepcionado por no poder realizar libremente sus obras políticas en Estados Unidos. Se había convertido en uno de los artistas más conocidos de Estados Unidos, venerado por otros artistas e intelectuales de izquierdas, enemistado con industriales y conservadores. Tras la destrucción del fresco del Rockefeller Center en febrero de 1934, Diego Rivera tuvo la oportunidad de realizar su obra en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México ese mismo año. Posteriormente, el Estado volvió a conceder más encargos públicos a los grandes representantes del muralismo.

Tras su regreso, Rivera y Frida Kahlo se instalaron en el estudio-residencia de San Ángel que él había encargado a Juan O»Gorman en 1931. Kahlo vivía en el cubo azul, más pequeño, del edificio de estilo Bauhaus, y Rivera en el cubo rosa, más grande. En noviembre de 1934, Diego Rivera retomó las obras del Palacio Nacional, que terminó en 1935. Completó el conjunto formado por los cuadros El México prehispánico – El mundo indígena antiguo de 1929 e Historia de México desde la conquista hasta 1930 de 1929 a 1931 con el cuadro México hoy y mañana. Rivera terminó este proyecto en noviembre de 1935. Como no había más proyectos de murales de gran envergadura, en el periodo siguiente se dedicó cada vez más a la pintura sobre tabla, cuyos motivos solían ser niños y madres indios. La ejecución técnica de estos cuadros en la segunda mitad de la década de 1930 no solía ser especialmente buena, ya que Rivera los producía en serie y los vendía a los turistas para financiar su colección de arte precolombino con los ingresos.

Una crisis matrimonial temporal, que Rivera tuvo en 1935, fue causada por un romance con la hermana menor de Frida Kahlo, Cristina. Pero los intereses políticos comunes volvieron a unir a la pareja. Rivera continuó enemistado con el Partido Comunista Mexicano, que le acusó de apoyar las posiciones conservadoras del gobierno. Rivera entró repetidamente en conflicto con Siqueiros en particular, y ambos llegaron a enfrentarse armados en un mitin político. Diego Rivera también se acercó a los trotskistas como resultado de sus contactos con la Liga Comunista de América en Nueva York en 1933 y se hizo miembro de la Liga Internacional Trotskista-Comunista en 1936. Junto con Frida Kahlo, Diego Rivera presionó al presidente Lázaro Cárdenas del Río para que concediera asilo político a León Trotsky en México. Con la condición de que el ruso no se dedicara a la actividad política, el presidente aceptó la petición de asilo. En enero de 1937, Diego Rivera y Frida Kahlo recibieron a León Trotsky y a su esposa Natalya Sedova en la casa azul de Kahlo en Coyoacán. En 1938, Rivera también recibió al maestro surrealista André Breton y a su esposa Jacqueline. Los dos artistas firmaron un manifiesto por el arte revolucionario escrito por Trotsky. La pareja de amigos viajó junta por las provincias mexicanas y, bajo la influencia de Breton, Diego Rivera realizó algunos cuadros surrealistas.

Tras disputas personales y políticas, Rivera rompió con Trotsky en 1939. En otoño de ese mismo año, Frida Kahlo se divorcia de Rivera. En 1940, expuso en la Exposición Internacional de Surrealismo organizada por André Breton, Wolfgang Paalen y César Moro en la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor. Ese año, Rivera también regresó a San Francisco, donde volvió a recibir un encargo mural después de mucho tiempo. Después de que la Unión Soviética pactara con el Reich alemán, el artista suavizó su actitud negativa hacia Estados Unidos y aceptó la invitación. Posteriormente, abogó por la solidaridad entre los países americanos contra el fascismo. Bajo el título de Unidad Panamericana, pintó diez paneles murales para la Exposición Internacional Golden Gate de San Francisco. Allí, él y Frida Kahlo se volvieron a casar el 8 de diciembre de 1940, habiendo sufrido ambos la separación.

Tras regresar a México, Diego Rivera se instaló con Kahlo en la casa azul en febrero de 1941. Posteriormente, utilizó la casa de la posada de San Ángel sólo como refugio y estudio. En 1941 y 1942, Diego Rivera pintó principalmente en el caballete. También se le encargó la ejecución de los frescos del piso superior del patio del Palacio Nacional. Además, en 1942 inició la construcción del Anahuacalli, en el que quería presentar su colección de objetos precoloniales. El edificio fue concebido inicialmente también como residencia, pero al final sólo albergó la colección de 60.000 objetos a la que Rivera se dedicó hasta el final de su vida.

Desde principios de la década de 1940, Rivera recibió un creciente reconocimiento nacional. El Colegio Nacional se fundó en 1943 y Rivera estuvo entre los primeros 15 miembros nombrados por el presidente Manuel Ávila Camacho. Ese mismo año, la Academia de Arte La Esmeralda, fundada el año anterior, le nombró profesor con el objetivo de reformar la enseñanza del arte. Envió a sus alumnos al campo y a las calles para que pintaran según la realidad mexicana. En este contexto, Rivera también realizó dibujos, acuarelas y pinturas. Tras recuperarse de una neumonía, Rivera pintó un gran mural en el recién construido Hotel del Prado en el Parque de la Almeda en 1947. Sueño de una tarde de domingo en el Parque Almeda es una representación de la historia de México a través de una alineación de personajes históricos. En 1943 fue elegido miembro honorario de la Academia Americana de las Artes y las Letras.

Últimos años de vida y muerte

Junto con David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, Diego Rivera formó la Comisión de Pintura Mural del Instituto de Bellas Artes desde 1947. En 1949, el Instituto organizó una gran exposición con motivo del 50º aniversario de la obra de Rivera en el Palacio de Bellas Artes.

En 1950, cuando Frida Kahlo tuvo que permanecer en el hospital durante nueve meses debido a varias operaciones en la columna vertebral, Rivera también ocupó una habitación en el hospital para estar con su mujer. Ese año, Diego Rivera ilustró la edición limitada del Canto General de Pablo Neruda junto con David Alfaro Siqueiros y también diseñó la portada del libro. También diseñó el decorado de El cuadrante de la soledad, de José Revueltas, y siguió trabajando en el Palacio Nacional. Diego Rivera, junto con Orozco, Siqueiros y Tamayo, tuvo el honor de representar a México en la Bienal de Venecia de 1950. También recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1951, Rivera realizó un mural subacuático en el pozo de agua del Cárcamo del río Lerma, en el Parque de Chapultepec de Ciudad de México, y diseñó una fuente en la entrada del edificio. Para las pinturas en la cuenca en la que se bombea el agua, experimentó con poliestireno en una solución de goma para hacer posible la pintura bajo la superficie del agua. En 1951 y 1952, Rivera también trabajó en el estadio de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde debía representar la historia del deporte en México en un mosaico. Sin embargo, de esta obra, sólo completó la pieza central de la imagen frontal, ya que no había fondos suficientes.

Rivera pintó un panel mural transportable en 1952 para la exposición Veinte siglos de arte mexicano, prevista para Europa. Sus retratos de Stalin y Mao en esta obra llevaron a la exclusión de su trabajo. En general, Rivera se opuso a las políticas cada vez más orientadas al capitalismo occidental que habían comenzado bajo la presidencia de Alemán. A partir de 1946, Rivera solicitó repetidamente la readmisión en el Partido Comunista sin éxito, mientras que Frida Kahlo fue readmitida en 1949. En 1954, ambos participaron en una manifestación de apoyo al gobierno de Jacobo Arbenz en Guatemala. Fue la última aparición pública de Frida Kahlo, que murió el 13 de julio de 1954. Rivera aceptó que se colocara la bandera comunista sobre su ataúd en su velatorio en el Palacio de Bellas Artes, y a cambio el Partido Comunista Mexicano lo readmitió como miembro. Rivera pintó entonces la Victoria Gloriosa, que muestra la caída de Arbenz. El cuadro fue enviado por varios países comunistas y luego se consideró perdido durante mucho tiempo. En el año 2000, se ubicó en el sótano del Museo Pushkin y, desde entonces, se ha vuelto a exhibir en exposiciones.

La edad y el estado de salud de Rivera dificultaron el trabajo en murales monumentales, por lo que en los últimos años de su vida la pintura sobre tabla se convirtió en su medio preferido. El 29 de julio de 1955 se casó con la editora Emma Hurtado, que ya era su galerista desde 1946. Legó al pueblo mexicano la casa azul de Frida Kahlo y el Anahuacalli con su colección de arte precolombino. Aquejado de cáncer, Rivera fue a la Unión Soviética para recibir tratamiento médico en 1955. Su viaje de vuelta le llevó a través de Checoslovaquia y Polonia a la RDA, donde se convirtió en miembro correspondiente de la Academia de las Artes de Berlín Oriental. De vuelta a México, se instaló en la casa de su amiga Dolores Olmedo en Acapulco, donde se recuperó y produjo una serie de paisajes marinos.

El 24 de noviembre de 1957, Diego Rivera murió de un ataque al corazón en su estudio de San Ángel Inn. Cientos de mexicanos presentaron sus últimos respetos. En lugar de unir sus cenizas con las de Frida Kahlo en su casa azul, fue enterrado en la Rotonda de los Hombres Ilustres del Panteón Civil de Dolores.

La obra completa de Diego Rivera incluye paneles, murales, mosaicos y dibujos. Los murales, en particular, son clave para entender su obra y han configurado su recepción como el artista mexicano contemporáneo más importante e influyente. Las obras de Rivera se asocian a menudo con el realismo socialista, ya que con frecuencia expresan su punto de vista político. Sin embargo, apenas había puntos de contacto estilísticos. El estilo y la estética de Rivera, expresados principalmente en los grandes murales, se basaban en los frescos del Renacimiento italiano, la noción cubista del espacio, las proporciones clásicas, la representación del movimiento del futurismo y el arte precolombino. Sus temas no se limitaron a la observación de realidades sociales; también se dedicó a complejas narraciones históricas y alegóricas. Al hacerlo, desarrolló sus propios modos de expresión.

Fotos de la pizarra

No se conoce el número exacto de pinturas sobre tabla de Diego Rivera. Siguen apareciendo obras nuevas y desconocidas hasta ahora. A menudo pasan a un segundo plano respecto a los murales, pero son de gran importancia para trazar el desarrollo artístico de Rivera y como punto de referencia para sus obras posteriores. En las obras de su periodo de formación en México, de 1897 a 1907, y de su estancia en Europa, de 1907 a 1921, se puede rastrear la evolución de un artista que, en poco tiempo, adaptó y desarrolló en sus obras las más diversas corrientes y escuelas artísticas. Rivera continuó este proceso de aprendizaje durante toda su vida.

En sus primeros cuadros, Diego Rivera se esforzó por satisfacer el gusto de la burguesía mexicana de principios del siglo XX y convertirse así en el pintor más exitoso de México. Por ello, pintó principalmente temas sociales, inspirándose en el estilo de su maestro madrileño Eduardo Chicharro y de Ignacio Zulaogas. También utilizó un simbolismo expansivo con motivos decadentistas de los paisajes de Flandes que había recorrido.

En París, durante su primera estancia en Europa, Rivera había entrado en contacto con el postimpresionismo, que se había convertido en un referente de la pintura moderna, por lo que regresó a esta ciudad en 1911 tras una breve estancia en México. Durante su segunda estancia en París, creó unas 200 obras cubistas y perteneció al grupo cubista durante un tiempo, hasta que rompió con este estilo en una disputa. Diego Rivera llegó al cubismo estudiando la pintura manierista y los paisajes de El Greco. Además, Ángel Zárraga le mostró las distorsiones compositivas y ópticas del modernismo. Posteriormente, Rivera creó algunas obras precubistas antes de pintar realmente el cubismo de 1913 a 1918, no sólo adaptando la forma geométrica de la apariencia, sino también siendo consciente del contenido revolucionario del cubismo para el diseño del tiempo y el espacio. Rivera no se limitó a seguir las teorías de Georges Braque y Pablo Picasso, sino que desarrolló su propio punto de vista. Una de las obras cubistas típicas de Rivera es Marineros desayunando, de 1914, un cuadro en el que Diego Rivera utilizó una especie de cuadrícula compositiva en un intento de crear simultaneidad. El cuadro muestra a un hombre cuya camisa a rayas azules y blancas y su gorra con pompón con la palabra patrie lo identifican como marinero francés. Se sienta detrás de una mesa y se incluye en la cuadrícula de la composición. Al utilizar este método compositivo, Diego Rivera siguió a Juan Gris, que diseñó un objeto diferente en cada campo en una perspectiva mantenida de forma constante, como hizo Rivera aquí con el vaso y el pez.

Otra obra destacada de la etapa cubista de Rivera es Paisaje zapatista – El guerrillero, en la que el artista expresó su simpatía por los acontecimientos revolucionarios en su tierra natal y su admiración por Emiliano Zapata. Este retrato iconográfico del líder revolucionario con sus símbolos referentes a la Revolución Mexicana, como el sombrero zapatista, el sarape, el rifle y el cinturón de cartuchos, fueron considerados demasiado permisivos por algunos representantes ortodoxos del cubismo. La disputa resultante llevó a Rivera a abandonar el cubismo. Se dedicó a la pintura de paisaje inspirada por Paul Cézanne y en 1918 realizó los cuadros El matemático y Naturaleza muerta con flores, que se hacen eco de la pintura académica.

La gran mayoría de las pinturas sobre tabla de Rivera son retratos. En ellas, fue más allá de la simple representación de la persona y amplió este género clásico añadiendo referencias psicológicas y simbólicas a la persona representada. Una de las obras que ejemplifica este género en la obra de Rivera es el retrato de Lupe Marín, de 1938, que muestra a Guadalupe Marín, a quien Rivera había inmortalizado en pinturas y murales anteriormente. El cuadro muestra a la modelo sentada en una silla en el centro de la composición. Su espalda se refleja en un espejo. Los colores están dominados por los tonos marrones y el blanco de su vestido. Rivera hace referencia a varios modelos artísticos en su representación. Las proporciones exageradas y la pose están tomadas de El Greco, el reflejo remite a Velázquez, Manet e Ingres. Por otra parte, la compleja estructura de la composición, con sus planos y ejes superpuestos e interconectados, presenta paralelismos con Paul Cézanne. En este retrato, sin embargo, Diego Rivera también hizo referencia directa a su fresco en la Escuela Nacional Preparatoria, donde representó a la modelo como Tlazolteotl, la diosa de la purificación. En su retrato de Marín, Rivera hace referencia a la representación más conocida de esta diosa, que se encuentra en Washington D.C. en la colección Dumbarton Oaks y la muestra dando a luz a un ser humano. La expresión facial de Marín está claramente tomada de esta estatua.

Rivera también utilizó el motivo del espejo en el retrato Ruth Rivera de 1949, que muestra a su hija en una vista posterior con la cara vuelta hacia el espectador. Sostiene un espejo que muestra su rostro de perfil, enmarcado en un amarillo soleado, y lleva sandalias de tiras y una túnica blanca, que recuerda a una figura de la antigüedad clásica. Esta representación de los miembros de la familia y de los cuidadores, como en el caso de su hija Ruth o de Lupe Marín, fue sin embargo la excepción en la obra de Diego Rivera. La mayoría de los retratos eran obras de encargo, como el retrato Natasha Zakólkowa Gelman, de 1946, que muestra a la esposa del productor cinematográfico Jacques Gelman con un vestido de noche blanco en un sofá. Las calas blancas se colocan detrás de la parte superior del cuerpo y de la cabeza y en paralelo a la parte inferior del cuerpo. La posición del cuerpo de la sentada se refiere a la forma de la flor, mientras que la flor, a la inversa, pretende referirse a la esencia de la mujer distinguida. En otros retratos, Rivera utilizó ropa que aludía a México en su colorido. Además de estas obras de encargo, también realizó numerosos retratos de niños indios, como Los hijos de mi padre (Retrato de Modesto y Jesús Sánchez), de 1930, que fueron especialmente populares entre los turistas como souvenirs.

A lo largo de su obra, Diego Rivera pintó numerosos autorretratos. Estas suelen mostrarlo como una pieza de pecho, una pieza de hombro o una imagen de cabeza. Su principal interés era su rostro, mientras que el fondo solía ser de simple ejecución. A diferencia de los retratos de encargo, en los que idealizaba a los retratados, Rivera se representó a sí mismo con gran realismo en sus autorretratos. Era consciente de que no se ajustaba al ideal de belleza, sobre todo a medida que envejecía. En el cuadro El diente del tiempo, de 1949, Rivera se presenta como un hombre de pelo gris con el rostro surcado de arrugas. En el fondo del cuadro mostraba varias escenas de su vida. En las caricaturas, Diego Rivera se representó a sí mismo varias veces como una rana o un sapo. También los utilizó como atributos en algunos de sus retratos.

México fue otro de los temas centrales de los cuadros de Rivera. Inspirado por su maestro José María Velasco, Diego Rivera pintó en 1904 el paisaje El granero, que muestra en el primer plano central a un agricultor y un arado tirado por caballos. En el borde derecho de la imagen se encuentra un granero, a la izquierda y al fondo la imagen se abre a través de una puerta hacia el paisaje, que termina en el fondo en el volcán Popocatépetl. Siguiendo a Velasco, Rivera se esforzó por plasmar en el cuadro el colorido típico del paisaje mexicano. El uso de la luz también se remonta al profesor.

Un motivo que apareció varias veces en la obra de Rivera fueron los vendedores de flores, que pintó a partir de 1925 y que tuvieron éxito entre el público. Las flores no eran elementos decorativos, sino que tenían un significado emblemático. Diego Rivera conocía el simbolismo de las flores desde antes de las conquistas españolas. Con un cuadro que representa a vendedores de calas, Rivera consiguió un premio de adquisición en una exposición panamericana en Los Ángeles en 1925; el cuadro fue adquirido por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Representa una celebración religiosa en el Canal de Santa Anita, que formaba parte de la desaparecida red de canales de la Ciudad de México y sus alrededores. Además, Rivera representó costumbres en sus paneles como en la serie Costumbres navideñas de 1953 y 1954. El segundo panel se titula Los niños pidiendo posada. Muestra a niños indios y a sus padres con velas en una procesión nocturna. Al fondo hay una extensión de agua en la que se refleja la luna y al frente se ve a María y José con el burro en su viaje a Belén. Diego Rivera se dedicó así al tema de la piedad popular.

En 1956, Diego Rivera realizó una serie de paisajes marinos de pequeño formato titulada Atardecer en Acapulco durante una estancia de recreo en la costa. Rivera pintó los atardeceres con colores brillantes y cargados de emoción. Estos experimentos de color fueron una excepción en la obra de Rivera. El mar en estos paisajes marinos es pacífico. Los cuadros representan la necesidad de armonía y paz de Diego Rivera al final de su vida.

Murales

El muralismo mexicano entre 1921 y 1974 fue la primera contribución americana independiente al arte del siglo XX. Diego Rivera no fue el primer pintor de murales, ni la figura principal indiscutible ni el teórico más importante de los muralistas, pero fue indiscutiblemente uno de los representantes más importantes de este grupo, junto con David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco. Sus murales también ocupan un lugar destacado en la obra de Diego Rivera y atraen más atención que sus pinturas sobre tabla, dibujos e ilustraciones. A su regreso de Francia, en 1921, Diego Rivera, todavía bajo la impresión de los frescos que había visto anteriormente en Italia, se dedicó a la pintura mural, que fue entendida por el Ministro de Educación José Vasconcelos como un medio para difundir los ideales de la Revolución y educar al pueblo. Realizó su primer mural en enero de 1922 en el Anfiteatro Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria; fue la piedra de toque y el preludio de su carrera como muralista y del muralismo en general. Siguieron grandes y prestigiosos encargos para Rivera en la Secretaría de Educación Pública, el Palacio Nacional y el Palacio de Bellas Artes. También realizó varios murales en Estados Unidos.

Uno de los principales motivos que recorre los proyectos murales a lo largo de la carrera de Rivera es la creación. Además, a menudo tematizó su punto de vista político, inmortalizó ideas y personalidades comunistas y, en algunos casos, expresó la idea del panamericanismo. En un gran número de representaciones, tematizó la historia de México, especialmente en lo que respecta a su periodo precolombino. Al principio de su trabajo como muralista, Diego Rivera seguía estando fuertemente influenciado por el arte europeo. Sin embargo, con el paso del tiempo, fue desarrollando su propio estilo en el que incorporaba elementos mexicanos.

Diego Rivera realizó su primer mural en la Escuela Nacional Preparatoria. Allí, en el Auditorio Simón Bolívar, se encuentra el cuadro La Creación. Desde el punto de vista del artista, la obra quedó inacabada. En lugar de pintar la pared individual, Rivera había planeado originalmente decorar todo el auditorio con la obra La historia fundamental de la humanidad. Las primeras ideas para esta obra de arte surgieron muy pronto. Tras la inauguración del nuevo salón de baile, en septiembre de 1910, surgió la idea de realizar un mural, que también se planteó ejecutar Rivera, pero cuyos planes no siguieron adelante debido al curso de la Revolución Mexicana. Rivera probablemente visitó la sala a finales de 1910; durante su segunda estancia en Europa, poseía planos del salón de actos.

El primer boceto para este proyecto mural se realizó durante la estancia de Rivera en Italia. En ella hay una referencia a Perugia. Allí pudo ver un fresco en dos partes en la iglesia de San Severo, cuya parte superior había sido pintada por Rafael y la inferior por Perugino. Las pinturas, divididas verticalmente en tres partes, influyeron en los murales de Rivera en cuanto a forma y composición. En el primer segmento, Rafael mostró al Espíritu Santo como la energía de la creación, mientras que Rivera representó una fuerza cósmica. En el segmento central, Rafael mostró a Cristo como Ecce homo, Rivera el primer hombre. En el último segmento, el artista mexicano hace referencia a Perugino en el diseño de las figuras. Tanto el fresco de Perugino como el mural de Rivera tienen una abertura en el centro. En el primero se colocaba la figura de un santo, mientras que en el salón de actos se colocaba un órgano. El diseño de Rivera se basaba en formas geométricas básicas y seguía la sección áurea.

En noviembre de 1921, Diego Rivera comenzó los bocetos del mural de 109,64 metros cuadrados, que terminó en 1923. En él, combinó elementos mexicanos y europeos de acuerdo con su pretensión de trasladar la tradición mexicana al arte moderno del siglo XX. Por ejemplo, representó un bosque típico mexicano con una garza y un ocelote, dando a las figuras el físico y el color de la piel de los mestizos. El nicho está dominado por una gran figura masculina con los brazos extendidos. En el eje de la imagen sobre él hay un semicírculo azul rodeado por un arco iris y tres pares de manos que crean al hombre y distribuyen la energía primordial. En las figuras, aparte de las dos figuras de la pareja primordial en la parte inferior izquierda y derecha del cuadro, se representan las virtudes y habilidades humanas. El semicírculo del centro superior del cuadro está dividido en cuatro triángulos equiláteros en los que los números están indicados con estrellas: En el primer triángulo son tres, en el segundo cuatro, en el tercero diez y en el cuarto dos. Esto se refiere al simbolismo numérico de los pitagóricos, cuyo significado especial del número diez destaca el tercer triángulo en su significado. El primer y el cuarto triángulo se refieren a la pareja primordial, encarnada por la mujer desnuda de la izquierda y el hombre desnudo de la derecha. El número de estrellas de ambos triángulos corresponde a cinco, que también formaba parte de la mística numérica pitagórica. Las cuatro estrellas del segundo triángulo hacen referencia a las cuatro matemáticas, geometría, aritmética, astronomía y musicología. El cuatro también se repite en los pares de manos, tres de los cuales rodean el círculo y uno de ellos pertenece a la gran figura que representa a la humanidad en su conjunto. Este simbolismo, utilizado por Rivera, hace referencia a la educación y a la búsqueda de la virtud, que debían propagarse en este cuadro.

Para su fresco, Rivera utilizó la técnica de la encáustica. Dibujaba sobre el yeso seco y aplicaba los pigmentos de color disueltos en cera. A continuación, se quemaron con un soplete.

En marzo de 1922, Diego Rivera recibió el encargo de José Vasconcelos, junto con un grupo de jóvenes pintores, de pintar los tres pisos porticados de los dos patios de la Secretaría de Educación Pública, mientras que otros artistas debían decorar los interiores del ministerio. Los dos patios se denominan Patio del Trabajo y Patio de las Fiestas por la decoración temática de los ciclos murales de Rivera, y juntos forman la obra Imagen del sueño político del pueblo mexicano. La obra de Rivera duró de 1923 a 1928, el proyecto se estancó temporalmente cuando Vasconcelos renunció al cargo de Ministro de Educación como resultado de disputas políticas. La obra era una obra de arte política. Durante los años en que se crearon las pinturas, tanto la política de México como la posición política del artista cambiaron mucho. Al principio de la obra, Rivera era un miembro destacado del Partido Comunista Mexicano; al final de la obra, criticaba a José Stalin y se encontraba con crecientes críticas incluso dentro del partido. Un año después de su finalización, Rivera fue incluso expulsado del partido. Desde el punto de vista político, las victoriosas fuerzas revolucionarias de principios de los años veinte sólo pudieron mantenerse en el poder con dificultad y fueron atacadas por las fuerzas conservadoras; el gobierno se alió con el Partido Comunista. Con el tiempo, el gobierno consiguió estabilizarse, y a finales de la década de 1920 los comunistas casi habían pasado a la clandestinidad. Los murales son una obra de arte en la que se expresa esta evolución. Combinan una gran variedad de elementos que pueden describirse como realistas, revolucionarios, clásicos, socialistas y nacionalistas. Rivera recurrió a México como tema y desarrolló un estilo propio en el que incorporó elementos mexicanos.

Diego Rivera creó más de 100 murales para decorar los patios del Ministerio de Educación. En ellas, plasmó muchas ideas, algunas de ellas contradictorias. No pueden resumirse bajo ningún tema metafísico global; Rivera negoció incompatibilidades, resistencias y diferencias en ellos. Se dedicó a la obra en sí, abstrayendo en lugar de inmortalizarse en las imágenes y recurriendo eclécticamente a la pintura, el cine, la política y la antropología europeas. Para ello, utilizó una forma muy directa de representar sus temas, mostrando a las personas en sus lugares reales, con los emblemas correspondientes al significado de los símbolos mostrados. En el Patio del Trabajo, Diego Rivera desarrolló una alegoría sobre el entendimiento de las élites, en el Patio de las Fiestas mostró a las multitudes.

Los murales del patio de la obra forman un ciclo coherente. El cuadro central de este ciclo se encuentra en el panel de la pared central del primer piso. Se trata del fresco La fraternidad, de 3,93 metros de altura y 6,48 metros de ancho, que muestra la alianza de campesinos y trabajadores bajo el cuidado de un dios del sol. La deidad, que es Apolo, extiende sus brazos en forma de cruz sobre los dos hombres en una cueva. Estos dos representan a los obreros y campesinos como portadores de la revolución. Esta unión es el ideal bolchevique, aunque en México fue bajo otros auspicios, ya que los principales portadores de la revolución no fueron los obreros, sino los campesinos. Pero también simboliza la unión del hombre y la mujer, que también se expresa en los atributos martillo y hoz, que hacen referencia a Deméter y Hefistos. Junto a Apolo, a la derecha, están las tres apoteosis El preservador, El heraldo y El distribuidor, que se repiten en la pared opuesta. Es una representación alegórica de la Eucaristía. Rivera integró así la simbología religiosa en el canon simbólico de un Estado laico. También se hace eco de la Alegoría de la Caverna de Platón. El idealismo de Rivera se expresa en la figura de Apolo, pues en lugar del martirio o la pasión, la redención está en la figura masculina racional, pura y radiante. Otros motivos de la Corte del Trabajo son La liberación del péon y La maestra rural, coronados por el Paisaje supraportado, o diversas representaciones de actividades como La fundición, La minería, Alfareros, Entrada a la mina y La zafara. Además, hay algunas grisallas, realizadas principalmente en el entresuelo, que tienen significados esotéricos.

El Patio de los Festivales tematiza el proyecto de creación de un nuevo calendario. En la planta baja, en las paredes sur, norte y oeste, se encuentran los murales centrales La asignación de los pastos comunes, El mercado callejero y Asamblea, que muestran celebraciones seculares. Se trata de grandes composiciones de puertas, mientras que los paneles de las paredes laterales muestran celebraciones religiosas. Los cuadros muestran la masa de gente y se refieren a la realidad, mientras que El patio del trabajo tiene también una referencia metafísica. La concesión de pastos comunales hace referencia a una de las reivindicaciones centrales de la Revolución Mexicana. Rivera imaginó la entrega de las tierras expropiadas a la comunidad como un nuevo contrato social. En el centro del mural, un funcionario dirige la asamblea con un gesto expansivo. Mientras los hombres están en las calles, las mujeres están en los tejados de las casas. Además, también aparecen personas fallecidas, como Emiliano Zapata, que está sentado en un caballo en el borde derecho de la imagen. Los murales de Diego Rivera recuerdan, por su representación, a los coros de ángeles del Renacimiento, como los de Fra Angelico. Esta composición estrictamente ordenada refleja la fuerte ritualización de la política del pueblo. Con la Asamblea, Rivera produjo un fresco doctrinario en el que trabajó deliberadamente con la izquierda y la derecha como principios de orden. A la izquierda, en el bolchevismo el lado de la clase progresista y revolucionaria, el pintor mostró a los trabajadores en forma de dos figuras heridas que enseñan a los niños. El líder obrero con el puño en alto se dirige a los trabajadores de la mitad izquierda del muro. En el lado derecho, las personas aparecen en sombra, mientras que en el lado izquierdo están en la luz. A través de esta iluminación, Rivera demostró la diferencia entre la izquierda y la derecha. En el borde derecho del cuadro, en primer plano, están Zapta y Felipe Carillo Puerto, gobernador de Yucatán, dos de los héroes asesinados de la revolución. El mercado callejero representa el intento del gobierno de fortalecer la agricultura y revivir el comercio popular de la época precapitalista. Rivera no se esforzó tanto por el orden compositivo en este mural, sino que permitió que la multitud de personas apareciera en oleadas, mostrando deliberadamente la confusión en el mercado. Este gran mural, a diferencia de los dos primeros, retoma viejas tradiciones en lugar de romper con ellas. Además, en el patio se representaban otras fiestas y acontecimientos relacionados con el transcurso del año, como el Día de los Muertos, la Fiesta del Maíz y la Vendimia. En el primer piso, Rivera pintó los escudos de los estados, y en el primero, la Balada de la Revolución Campesina. En uno de los frescos centrales de este ciclo, En el arsenal, Rivera representó a la joven Frida Kahlo, a la que había conocido poco antes, repartiendo rifles a los trabajadores sublevados.

Los murales del Ministerio de Educación pretendían representar la nueva realidad tras la revolución. Como resultado de los disturbios, se elaboró un extenso estudio interdisciplinario bajo la dirección de Manuel Gamio y se publicó en 1921 como La población del Valle de Teotihuacán. Retomó las antiguas teorías raciales sobre los mestizos y entendió la evolución como un desarrollo hacia lo complejo, mientras que los mestizos se propagaban como el ideal. Diego Rivera se basó en las fotografías de la publicación y representó a campesinos y obreros de piel oscura y fornidos, con narices puntiagudas y romas, vestidos de blanco. De esta manera, dio legitimidad social a las investigaciones y teorías difundidas en La gente del Valle de Teotihuacán.

Las principales obras de muralismo de Diego Rivera son los murales del Palacio Nacional, edificio del parlamento y sede del gobierno de México. Entre 1929 y 1935 pintó la Epopeya del Pueblo Mexicano en la escalera principal, seguida de México Precolonial y Colonial en un pasillo del primer piso entre 1941 y 1952.

La epopeya del pueblo mexicano cubre un total de 277 metros cuadrados de espacio en las paredes de la escalera central. La pared norte muestra el mural El viejo México, en la pared oeste Rivera pintó el fresco De la conquista a 1930 y en la pared sur completó el ciclo con México hoy y mañana. Forman un conjunto circular homogéneo. La primera fase de la obra en el Palacio Nacional fue iniciada por Diego Rivera en mayo de 1929 y duró 18 meses hasta que se completó el 15 de octubre de 1930 con la pintura de la firma en el fresco El viejo México. Mientras esta obra estaba en curso, Rivera esbozó los otros murales. En noviembre de ese año viajó a Estados Unidos, dejando el mural inacabado. En junio de 1931, Diego Rivera regresó a Ciudad de México para pintar el muro principal. Trabajó en ella durante los cinco meses que van del 9 de junio al 10 de noviembre de 1931, antes de volver a viajar para pintar en Estados Unidos. Rivera completó su ciclo de frescos en la escalera del Palacio Nacional con México hoy y mañana, pintado entre noviembre de 1934 y el 20 de noviembre de 1935. La firma de este fresco celebró el 25 aniversario de la Revolución Mexicana.

En el centro de la composición del fresco El México Antiguo está Quetzalcóatl frente a la Pirámide del Sol y la Luna de Teotihuacán, integrando así en el cuadro al señor de las culturas mesoamericanas y a la mayor metrópoli precolombina. Los volcanes se refieren al Valle de Anáhuac, desde donde los toltecas establecieron su dominio. Del volcán de la esquina superior izquierda de la imagen surge la serpiente emplumada como encarnación animal de Quetzalcóatl. Se repite en la mitad superior derecha del cuadro, donde lleva su contrapartida humana. En la mitad derecha del cuadro Diego Rivera representó actividades artesanales y agrícolas, en la mitad izquierda mostró a un guerrero sobre una pirámide al que se le rinde tributo. En la esquina inferior izquierda hay un enfrentamiento bélico entre guerreros aztecas y los pueblos que gobernaban.

De la Conquista a 1930 recorre la historia posterior a la conquista en episodios que se funden entre sí. El fresco está dividido en tres zonas horizontales. La inferior muestra la Conquista española de México, los episodios centrales de la colonización, y la superior, en los paneles arqueados, las intervenciones del siglo XIX y diversos actores de la política e historia mexicana de finales del siglo XIX y la Revolución Mexicana. En el centro inferior del fresco, Rivera pintó una escena de batalla entre españoles y aztecas, con la figura central de Hernán Cortés sentado en un caballo. Desde el lado derecho, los soldados españoles disparan con mosquetes y un cañón, con lo que Rivera subraya su superioridad tecnológica. En la zona central del cuadro se representa el periodo colonial, de modo que, por ejemplo, la destrucción de la cultura india y la cristianización se muestran a través de la representación de los clérigos y de Cortés con su esposa india Malinche. En el centro de esta zona, se encuentra la independencia de México. En la zona superior, la intervención estadounidense de 1846 a 1848 y la intervención francesa en México de 1861 a 1867 se muestran a la derecha. En los tres arcos centrales están representados numerosos personajes históricos del reinado de Porfirio Díaz y de la Revolución Mexicana. En el centro del fresco, el animal heráldico de México, el águila, está representado sobre la opuntia, sosteniendo aquí los signos del campo indio en sus garras en lugar del cactus.

El ciclo en la escalera de la sede del gobierno fue completado por Diego Rivera con el fresco México hoy y mañana. En él, se dedicó a la situación posrevolucionaria y dio una visión utópica. En el borde derecho del cuadro se representa la lucha de los obreros con las fuerzas conservadoras, por lo que Rivera también mostró a un obrero y un campesino ahorcados. En la esquina superior derecha de la imagen, un trabajador se agita y llama a la lucha. En el centro del fresco hay estructuras espaciales en forma de caja que muestran, por ejemplo, a los capitalistas en torno a un teletipo de bolsa, al presidente Plutarco Elías Calles con malvados consejeros y a la iglesia en estado de libertinaje. En el primer plano, Rivera pintó a su esposa Frida Kahlo y a su hermana Cristina como maestras de pueblo y hacia el borde izquierdo del cuadro a trabajadores. La figura central en el borde superior central del cuadro es Karl Marx, que sostiene una hoja con un extracto del Manifiesto Comunista y señala con su brazo derecho la esquina superior izquierda del cuadro, donde Rivera pintó la utopía de un futuro socialista.

Entre 1941 y 1952, Diego Rivera pintó el ciclo México Precolonial y Colonial en un pasillo del primer piso del Palacio de Gobierno. Los frescos ocupan un total de 198,92 metros cuadrados. En un principio, estaba previsto colocar 31 frescos transportables en los cuatro lados del patio. Al final, Rivera sólo realizó once frescos e interrumpió el proyecto varias veces. Su tema es una representación sintética de la historia de México desde la época precolombina hasta la Constitución de 1917. La referencia a las culturas indígenas de México, sus costumbres, actividades, arte y productos pretendía consolidar la identidad nacional. Rivera eligió los frescos de colores y grisallas como forma de representación. El gran fresco La gran Tenochtitlan (Vista desde el mercado de Tlatelolco) muestra la visión de Diego Rivera de la antigua capital de los aztecas, Tenochtitlan. Ante el panorama de la arquitectura urbana en torno al Templo Mayor, se representan las actividades del mercado, como el comercio de animales, de alimentos y de productos artesanales, así como representantes de las diferentes clases sociales, como comerciantes, funcionarios, curanderos, guerreros y cortesanos. En otros paneles murales, por ejemplo, se representa la agricultura con cultivos desconocidos para los europeos y actividades artesanales individuales. Otro gran fresco muestra fiestas y ceremonias de los totonaks y de la cultura de El Tajín, como el culto a la diosa Chicomecoatl. En primer plano, se puede ver a los visitantes ofreciendo sacrificios al lugar. En el último fresco de este ciclo, Rivera se dedicó a la conquista española de México y al periodo colonial. Quería sobre todo mostrar el sometimiento y la explotación de los indios y representó a Hernán Cortés de forma grotesca. En este último fresco del proyecto, que finalmente quedó inacabado, queda claro que Diego Rivera quería contrastar el esplendor idealizado de la época precolombina con su juicio negativo sobre la conquista y los conquistadores.

La obra más destacada de Diego Rivera durante su estancia en Estados Unidos son sus murales en el Detroit Institute of Arts. Están consideradas las mejores obras de los muralistas mexicanos en Estados Unidos. El tema de estos frescos era la industria de Detroit. Los frescos ocupan 433,68 metros cuadrados y han recibido diversos títulos, como Industria de Detroit, Detroit dinámico y Hombre y máquina. Rivera visitó el complejo Ford River Rouge en Dearborn, una instalación fabril donde se realizaba toda la fabricación de automóviles. Llegó a Detroit cuando la industria automovilística de Michigan estaba en crisis, pero no la representó en sus obras, sino que narró una evolución de la industria y glorificó el progreso tecnológico. Durante sus exploraciones en la fábrica de Ford, que duraron aproximadamente un mes, realizó numerosos bocetos. Además, él y Frida Kahlo estuvieron acompañados por William J. Stettler, que tomó fotografías que Rivera utilizó en su obra, así como material cinematográfico. Además de estas impresiones del trabajo industrial, Rivera también se basó en obras anteriores de su obra. Además, la industria ejerció tal fascinación sobre él que quiso pintar todo el patio en lugar de las dos superficies de pared que había encargado. Para ello, recibió la aprobación de la comisión responsable el 10 de junio de 1932. El 25 de julio de ese año, Rivera comenzó los trabajos de pintura.

En el patio del Instituto de Artes de Detroit, Rivera realizó un ciclo cerrado en el que representó todo el proceso de producción de automóviles. Mostró los distintos pasos de la transformación de las materias primas y las diferentes actividades de los trabajadores a lo largo del día. El ciclo comienza en la pared este del patio con la representación del origen de la vida. Esto se simboliza con un feto humano. A la izquierda y a la derecha, debajo de él, hay rejas de arado como símbolo de la actividad industrial humana. El muro también representa a mujeres con grano y fruta. En la pared oeste, el aire, el agua y la energía están simbolizados por la industria de la aviación, la navegación y la producción de electricidad. Rivera pintó la aviación civil en contraste con su uso militar. Esta yuxtaposición se retomó en los símbolos de la paloma y el águila para la paz y la guerra. Además, el pintor también se refirió a una rama del negocio de Ford con esta representación. La pared norte y la pared sur están coronadas por dos figuras de guardianes que representan las cuatro razas representadas en la mano de obra americana y que tienen en sus manos carbón, hierro, cal y arena como recursos minerales. Estos elementos eran los materiales básicos de la producción de automóviles. En los dos paneles principales de las paredes norte y sur, Rivera pintó la producción del Ford V-8. Algunos de los trabajadores son retratos de empleados de Ford y asistentes de Rivera.

Los murales que Diego Rivera pintó para el Instituto de Arte de Detroit fueron objeto de críticas por diversos motivos. Por un lado, los pintores estadounidenses, que no recibían encargos en los tiempos de la Gran Depresión, criticaron el hecho de que Rivera fuera un mexicano que recibía un lucrativo encargo; por otro lado, se criticó el contenido de los frescos por estar destinados a hacer publicidad de Ford. Fue principalmente en relación con esta última acusación que Diego Rivera fue defendido por el director del museo. Edsel B. Ford sabía lo que pintaría Rivera cuando prometió su apoyo al proyecto. Su apoyo y las visitas de Rivera a la fábrica de Ford se basaban también en el hecho de que Ford era el único industrial del automóvil interesado en el arte moderno. Otro de los críticos fue Paul Cret, arquitecto del Instituto de Artes de Detroit, que veía la pintura de los muros como una afrenta a su arquitectura. Además, algunos de los motivos de Rivera recibieron críticas de los círculos eclesiásticos y religiosos y fueron calificados de pornográficos, por ejemplo. La prensa criticó los murales, mientras que otros artistas y expertos en arte, como los directores de museos, a los que el director había recurrido, defendieron las pinturas. Al final, Ford respaldó al artista y la obra, la recepción de los frescos por parte de los trabajadores fue positiva y el tenor de la información nacional también cambió para mejor.

Los murales de Diego Rivera El hombre en el cruce de caminosEl hombre controlador del universo para el Rockefeller Center, donde se destruyó el cuadro, y el Palacio de Bellas Artes, donde finalmente se ejecutó, abordan los problemas sociales, políticos y económicos de mediados de la década de 1930. La composición del mural es muy densa y también muy estructurada visualmente. La figura central es un trabajador cuya cabeza, hombros, brazos y manos enguantadas se sitúan en la intersección de dos grandes elipses. En una elipse hay una imagen telescópica del sol, la luna y una nebulosa estelar, en la otra una imagen de una célula al microscopio. El trabajador utiliza un joystick y un panel de control para manejar una gran máquina que controla el sistema de riego de las plantas situadas en la parte inferior de la imagen, aumentando así su rendimiento. En general, representa el dominio del hombre sobre la ciencia, la medicina, la industria y la agricultura con la tecnología moderna. El trabajador tiene una expresión sombría en su rostro, lo que indica que está a punto de tomarse una decisión fundamental. A su derecha y a su izquierda, las dos opciones están representadas por elementos que Rivera considera típicos de los sistemas sociales soviético y estadounidense. En la mitad izquierda de la imagen, a la derecha del trabajador, se pueden ver escenas de guerra con aviones de combate, tanques y soldados con máscaras antigás con rifles y un lanzallamas. Abajo, Rivera mostró a la policía montada golpeando a los desempleados que se manifestaban en la esquina de Wall Street y la Segunda Avenida. Al lado, representó al magnate de las finanzas John D. Rockefeller, Jr. junto a personas que apostaban, coqueteaban y bebían. A la izquierda del obrero, en el lado derecho del fresco, se puede ver a un obrero y a un soldado dándose la mano delante de Lenin. Frente al Kremlin y el mausoleo de Lenin, trabajadores y trabajadoras se reúnen pacíficamente en la Plaza Roja. Además, se pueden ver atletas femeninas corriendo. La decisión del trabajador en medio de la composición por una de las dos opciones aún no está tomada. Diego Rivera lo dejó claro dando a ambos el mismo espacio.

Originalmente, este fresco iba a ser pintado en el recién construido Rockefeller Center, donde iba a titularse El hombre en la encrucijada, con una mirada incierta pero esperanzada, con una gran visión de un futuro nuevo y mejor. Rivera había sido invitado a competir junto a Henri Matisse y Pablo Picasso, pero lo rechazó. Al final, recibió el encargo de todos modos, porque Picasso no respondió a la invitación en absoluto y Matisse no vio un lugar apropiado para su arte en el concurrido vestíbulo. El asesor de Rockefeller, Hartley Burr Alexander, sugirió un motivo explícitamente político para el mural previsto. Rockefeller siguió una línea sociopolítica que incluía comités de empresa y un equilibrio entre industriales y trabajadores, pero el nombramiento de un artista famosamente comunista como Rivera fue una sorpresa. Una de las razones puede ser el apoyo de Abby Aldrich Rockefeller, que ya había coleccionado obras de Diego Rivera. A ello se sumó su gran reputación internacional y su notoriedad por los murales realizados en México y Estados Unidos.

Diego Rivera llegó a Nueva York a finales de marzo de 1933 para comenzar el fresco. En ese momento, la situación política se había agravado por la política de Franklin D. Las políticas del New Deal de Roosevelt y el nombramiento de Hitler como Canciller del Reich. Esto llevó a Rivera a cambiar su diseño. Ahora situaba al trabajador individual en el centro de su composición y elegía imágenes drásticas para contrastar la situación en Estados Unidos y la Unión Soviética. También añadió el retrato de Lenin. Los Rockefeller se sintieron cada vez más provocados por esta evolución ideológica del cuadro. En diciembre de 1933, John D. Rockefeller, Jr. consideró la posibilidad de transferir el fresco aún inacabado al Museo de Arte Moderno. Sin embargo, esta idea fue rechazada. Finalmente fue destruida el 9 de febrero de 1934. Tras la destrucción del fresco en Nueva York, Rivera solicitó al gobierno mexicano un espacio donde poder volver a pintarlo. Finalmente se le encargó hacerlo en el Palacio de Bellas Artes. Rivera completó el fresco en 1934.

Junto con David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, Diego Rivera está considerado el pintor modernista más importante de México. Juntos eran conocidos como Los Tres Grandes. Rivera contribuyó al desarrollo de un arte mexicano independiente tras la revolución y al establecimiento del muralismo, la primera contribución no europea al arte moderno. Los murales de Rivera ocupan un lugar destacado en el arte mexicano. Atrajeron más atención que sus pinturas sobre tabla, sus dibujos y sus ilustraciones, y hasta cierto punto han eclipsado y eclipsan la apreciación de su otra obra polifacética. Fuera de México, Rivera fue controvertido, pero sin embargo se convirtió en el artista hispanoamericano más citado.

La obra de Rivera en su conjunto desafía la clasificación en un estilo uniforme. Rivera recibió en México una educación clásica según el modelo europeo, por lo que ya fue sensibilizado por algunos de sus profesores con elementos típicamente mexicanos. En Europa, su pintura sobre tabla pasó por varios estilos en poco tiempo. En ocasiones perteneció al grupo de los cubistas, en el que no sólo fue un seguidor sino que desarrolló sus propias posiciones teóricas y las defendió sin rehuir el conflicto. También en épocas posteriores, Diego Rivera se anticipó a varios estilos en su pintura sobre tabla; por ejemplo, retomó el surrealismo en dos cuadros a mediados de la década de 1930. En sus murales, Rivera acabó por desarrollar un estilo propio, que también retomó en sus pinturas. Combinó la técnica del fresco que había estudiado en Italia con elementos indios, declaraciones comunistas y socialistas y la representación de la historia. De este modo, tuvo un efecto formativo y alcanzó fama y notoriedad. El Premio Nobel de Literatura mexicano Octavio Paz describió a Rivera como un materialista. Afirmó: «Rivera adora y pinta la materia por encima de todo. Y lo concibe como una madre: como un gran vientre, una gran boca y una gran tumba. Como madre, como magna mater, devoradora y paridora de todo, la materia es una figura femenina siempre latente, somnolienta y secretamente activa, que da vida constantemente como todas las grandes diosas de la fertilidad». La imagen de la diosa de la fertilidad y la creación fue retomada directamente por Diego Rivera en muchas de sus obras. Paz describió a continuación la riqueza del imaginario de Rivera y su «dinámica de opuestos y reconciliaciones de una concepción dialéctica de la historia». Por eso, Rivera se desliza hacia la ilustración cuando trata de asumir la historia». Según Paz, esta representación de la historia corresponde a una alegoría influida por el marxismo, que en todas las obras muestra las fuerzas del progreso o de la reacción, o ambas en oposición.

Incluso en vida, se formaron numerosos mitos en torno a Rivera, basados en su activa participación en los acontecimientos contemporáneos, sus amistades y enfrentamientos con destacadas personalidades de la cultura y la política y, no menos importante, sus relaciones con las mujeres y, sobre todo, su matrimonio con Frida Kahlo. El propio Diego Rivera participó activamente en la creación de este mito. En sus memorias, se presenta como precoz, de origen exótico, rebelde y visionario. Esta imagen de sí mismo se difundió además a través de diversas biografías. Al propio Rivera le resultaba difícil distinguir entre la fantasía y la realidad, pero su realidad era mucho menos espectacular. Su biógrafa Gladys March escribió: «Rivera, cuya obra iba a convertir más tarde la historia de México en uno de los grandes mitos de nuestro siglo, era incapaz de contener su prodigiosa imaginación mientras me describía su propia vida. Ciertos acontecimientos, especialmente de sus primeros años, los había convertido en leyendas». Rivera siempre fue consciente de su éxito y de su talento y estaba seguro de ocupar un lugar importante en la historia del arte.

Exposiciones

Durante la primera fase de su carrera en Europa, Diego Rivera expuso varias veces en exposiciones colectivas junto a otros importantes y famosos artistas como Pablo Picasso, Paul Cézanne y Juan Gris, por ejemplo en Madrid en 1915 y en Nueva York en 1916. Del 2 de septiembre al 21 de octubre de 1916, Rivera realizó también su primera exposición individual, Exposición de Pinturas de Diego Rivera y Arte Mexicano de la Preconquista. En 1923, las obras de Rivera formaron parte de la exposición anual de la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. En 1928 se publicó en Berlín la primera monografía sobre los murales de Diego Rivera. El 18 de enero de ese año, la galería Arts Center de Nueva York, organizada por Francis Flynn Paine, presentó una exposición colectiva de pinturas de Diego Rivera. El patrocinio de esta exposición fue asumido por la familia Rockefeller y el Estado mexicano.

En 1929 se publicó la primera monografía sobre los frescos de Rivera en Estados Unidos. El libro, titulado Los frescos de Diego Rivera, fue escrito por Ernestine Evans. Además, a instancias de William Spratling, recibió la Medalla de Bellas Artes del Instituto Americano de Arquitectos por su contribución artística a la arquitectura. Al año siguiente, un mural transportable de Rivera formó parte de la exposición Mexican Arts, comisariada por René d»Harnoncourt, que se presentó en el Metropolitan Museum of Art en octubre y, posteriormente, en otros 13 lugares de Estados Unidos. Fue el primer fresco de Rivera que se expuso en Estados Unidos. El 13 de noviembre de 1930, el artista viajó por primera vez a Estados Unidos, donde el 15 de noviembre se inauguró una retrospectiva en San Francisco, en el California Palace of the Legion of Honor. A finales de ese año, la segunda exposición del nuevo Museo de Arte Moderno fue la gran retrospectiva diseñada por el propio Rivera, para la que había creado especialmente ocho frescos transportables. En Estados Unidos, Rivera también realizó frescos en varios edificios, como la Bolsa de San Francisco y el Instituto de Artes de Detroit, y para clientes privados. A diferencia de los encargos públicos que Rivera ejecutó para el gobierno en México, muchas de estas obras sólo fueron accesibles para círculos selectos en Estados Unidos y fueron apoyadas por personas como Ford y Rockefeller, que en realidad se oponían a su ideología comunista. Rivera se convirtió en objeto de una fuerte controversia en Estados Unidos, combatida por la prensa y la crítica de arte. Los conservadores criticaron y condenaron su arte, mientras que los izquierdistas y los artistas lo defendieron y alabaron. En su proyecto de Detroit, fue defendido por Ford frente a estas críticas; en Nueva York, el propio Rockefeller adoptó una postura crítica y al final hizo destruir la obra inacabada por la actitud comunista expresada en ella.

Los dibujos y acuarelas de Rivera se expusieron en una muestra en el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 1939. También participó en la exposición Mexique, organizada por André Breton en la galería Renou et Colle de París, con el cuadro al gouache Vasos comunicantes. Además, algunas de las obras de Rivera fueron expuestas por Inés Amor en una muestra colectiva de arte mexicano en la Exposición Internacional del Golden Gate. Al año siguiente, se incluyeron más obras suyas en la muestra de pintura y artes gráficas mexicanas contemporáneas en el Museo de las Islas del Tesoro, como parte de esta exposición. Además, en 1940 el Museo de Arte Moderno organizó la exposición Veinte Siglos de Arte Mexicano, en la que se mostraron los cuadros de Rivera. En 1941, MacKinley Helm seleccionó las obras de Rivera para su exposición Modern Mexican Painters en el Institute of Modern Arts de Boston. Posteriormente también se expuso en la Phillips Collection de Washington D.C., el Museo de Arte de Cleveland, el Museo de Arte de Portland, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Museo de Arte de Santa Bárbara. En 1943, el Museo de Arte de Filadelfia mostró dos de los frescos transportables que Rivera había pintado para el Museo de Arte Moderno en la exposición Mexican Art Today.

El 1 de agosto de 1949, el presidente Miguel Alemán Valdés inauguró en el Palacio de Bellas Artes la gran retrospectiva 50 años de la obra pictórica de Diego Rivera. El propio Rivera había seleccionado 1196 obras para la exposición. También se elaboró una amplia monografía para la ocasión, que se publicó el 25 de agosto de 1951. Otra importante retrospectiva de la obra de Rivera se celebró en el Museo de Bellas Artes de Houston, del 11 de febrero al 11 de marzo de 1951. Para la exposición Art mexicain. Du précolombien à nous jours en 1952 en París, el gobierno mexicano encargó un fresco transportable a Diego Rivera, que primero fue censurado y luego confiscado por su representación de Mao y Stalin como pacificadores. Aunque fue devuelta a Rivera, no formó parte de la exposición, que sin embargo contó con 24 importantes obras suyas. Además, en la portada del catálogo aparecía un Rivera propiedad del presidente mexicano. El pintor mostró el fresco rechazado en la reunión del Frente de Pintores Revolucionarios el 30 de marzo de 1952 y luego lo envió en una exposición itinerante a la República Popular China. Allí, en el transcurso de la Revolución Cultural, se perdió el rastro del cuadro. En Europa, al año siguiente, la exposición Arte mexicano desde la época precolombina hasta nuestros días se presentó también en el Liljevalchs Konsthall de Estocolmo y en la Tate Gallery de Londres, donde Diego Rivera fue el pintor mejor y más ampliamente presentado.

Incluso después de la muerte de Rivera, la actividad expositiva en torno a su obra apenas disminuyó, ya que al ser uno de los artistas latinoamericanos más conocidos, su nombre era atractivo. Se le puso en relación con los otros grandes nombres del modernismo mexicano, Orozco y Siquerios, o se situó su obra en un contexto más amplio, como en la exposición Muro – Imagen – México de 1982 en la Galería Nacional de Berlín, o se le consideró individualmente, como en Diego Rivera: Una retrospectiva en el Museo de Arte de Filadelfia en 1985. La exposición de Filadelfia fue la mayor y más importante de las obras de Rivera en EE.UU. desde su exposición en el Museo de Arte Moderno en 1931. En los últimos años, la pintura sobre tabla de Rivera, en particular, se ha puesto cada vez más de relieve, como en la exposición Diego Rivera: The Cubist Portraits, 1913-1917, que se presentó en el Meadows Museum de Dallas en 2009. Este aspecto de su trabajo también fue objeto de un número creciente de publicaciones.

Museos

En Ciudad de México hay varios museos especialmente dedicados a la obra de Diego Rivera. El Museo Diego Rivera Anahuacalli fue proyectado originalmente por Diego Rivera como residencia y lugar para albergar su colección precolombina. En 1942, adquirió un terreno en San Pablo Tepetla, que entonces todavía estaba fuera de la ciudad. Allí hizo construir primero los cimientos de la casa sin permiso de construcción, y luego, el 30 de marzo de 1944, recibió el permiso para construir el Museo Anahuacalli. El edificio se basa en la arquitectura piramidal precolombina. El museo no se terminó hasta 1963 y se inauguró en 1964. Comprende la colección de 50.000 objetos que Rivera había acumulado a lo largo de su vida. En agosto de 1955, Diego Rivera confió al Banco Nacional de México el fideicomiso de su obra y la de Frida Kahlo; el fiduciario también asumió la administración del Museo Anahuacalli y del Museo Frida Kahlo.

El Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo fue fundado el 21 de abril de 1981 e inaugurado el 16 de diciembre de 1986 en la casa doble de la pareja de artistas en San Ángel, Ciudad de México. Sólo se presenta un número relativamente pequeño de sus obras de arte, pero muchos objetos cotidianos, así como el estudio de Rivera, se han conservado en su estado original. El Museo Mural Diego Rivera se fundó en 1985 tras el fuerte terremoto de Michoacán, que también causó grandes destrozos en Ciudad de México. Rivera había pintado un mural en el Hotel del Prado en 1948 que contenía la controvertida frase Dios no existe, por lo que fue discutido y finalmente tapado durante años. Después de que el hotel sufriera graves daños, la obra de arte, de 4,75 metros de altura, 15,67 de ancho y 35 toneladas de peso, fue trasladada al museo, que también expone otros cuadros de Rivera.

El Museo Dolores Olmedo alberga la mayor colección privada del mundo de obras de Diego Rivera y Frida Kahlo. Además, también se exponen obras de Angelina Beloff, compañera de Rivera en París.

Fuentes

  1. Diego Rivera
  2. Diego Rivera
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