Cy Twombly

Resumen

Cy Twombly, nacido Edwin Parker Twombly Jr. el 25 de abril de 1928 en Lexington, Virginia, y fallecido el 5 de julio de 2011 en Roma, fue un pintor, dibujante, escultor y fotógrafo estadounidense.

Cy Twombly pertenece a la generación de Robert Rauschenberg, Jasper Johns o Brice Marden, renovando el arte estadounidense tras la generación de expresionistas abstractos como Jackson Pollock, Mark Rothko o Barnett Newman.

Su obra se cruza con algunas de las principales cuestiones del arte del siglo XX, como el dilema de la abstracción

Origen familiar

Edwin Parker Twombly Jr, conocido como «Cy», nació en 1928 en Lexington, Virginia. Su padre, Edwin Parker Twombly, conocido como «Cy» (1894-1974), fue jugador de béisbol de los Chicago White Sox. Tomó el apodo del famoso lanzador Denton True Young (1867-1955), conocido como «Cy Young» (Cy por «Ciclón»).

Así, el pintor Cy Twombly adoptará no sólo el nombre y los apellidos de su padre, sino también su apodo. Cy Twombly Sr. es profesor de deportes en la Universidad Washington and Lee de Lexington.

Formación y primeras exposiciones en Estados Unidos

Desde muy joven, Cy Twombly se interesó por el dibujo y la pintura. Entre 1942 y 1946, tomó clases en su ciudad natal con el pintor español Pierre Daura (antiguo alumno del padre de Picasso), que había estado refugiado en Francia durante mucho tiempo y había llegado a Estados Unidos tras casarse con una mujer de Virginia en 1938.

En 1946, Twombly ingresó en la Darlington School de Rome, Georgia. Pasó el verano de 1947 en una colonia de artistas en Ogunquit y Groveland. Luego, de 1947 a 1949, asistió a la Escuela del Museo de Boston. Al volver a su ciudad natal para estudiar en la Universidad de Washington y Lee (Lexington), le animaron a unirse a la Art Students League de Nueva York (1950-1951). Allí conoció a los pintores Knox Martin y Robert Rauschenberg. Siguiendo el consejo de este último, pasó una temporada en 1951 y 1952 en el Black Mountain College, cerca de Asheville, en Carolina del Norte, un lugar de intercambio y encuentros intelectuales donde se reunía la vanguardia neoyorquina. Allí se codeó con Franz Kline, Robert Motherwell, Ben Shahn, el poeta Charles Olson, el músico John Cage y el bailarín y coreógrafo Merce Cunningham.

Su primera exposición tuvo lugar en noviembre de 1951 en la Seven Stairs Gallery de Chicago gracias a Aaron Siskind; al mismo tiempo expuso en la Kootz Gallery de Nueva York a través de Robert Motherwell. Una beca del Museo de Bellas Artes de Virginia en 1952 le permitió viajar con Robert Rauschenberg a Europa, España, Italia, Francia y el norte de África desde septiembre de 1952 hasta mayo de 1953. Durante este viaje, los dos pintores descubrieron Roma, Venecia, Florencia, Asís, así como Casablanca, Marrakech y Tánger. Cy Twombly participó en excavaciones arqueológicas en las termas romanas.

A su regreso a Estados Unidos en 1953, Twombly y Rauschenberg expusieron en la Stable Gallery de Eleanord Ward, con críticas negativas. Entre el otoño de 1953 y la primavera de 1954, Twombly cumplió sus obligaciones militares en los servicios criptográficos de Washington D.C. De vuelta a Nueva York, compartió el estudio que Robert Rauschenberg alquiló en Fulton Street durante un tiempo. Su vida en Nueva York estuvo marcada por nuevas amistades, especialmente con Jasper Johns y Jackson Pollock, y por nuevas exposiciones en la Stable Gallery en 1956 y 1957. A partir de 1959 fue expuesto por Leo Castelli, un famoso galerista neoyorquino de origen italiano. En la última parte de su carrera, estuvo vinculado a la Galería Gagosian.

Entre Europa y Estados Unidos – El Viajero

En 1957, durante una segunda estancia en Italia que iba a ser temporal, decidió instalarse definitivamente en Roma. Ese mismo año conoció a Tatiana Franchetti, pintora y descendiente de una familia de mecenas. Se casaron en Nueva York el 20 de abril de 1959 y tuvieron un hijo, Cyrus Alessandro, nacido el 18 de diciembre del mismo año. A partir de entonces, Cy Twombly vivió entre Europa y Estados Unidos, teniendo sucesiva o a veces simultáneamente residencias y estudios en Roma, Nueva York, Lexington, Sperlonga, Bolsena, Bassano in Teverina, Gaeta, y visitando regularmente a Robert Rauschenberg en Captiva Island (Florida).

La vida del pintor estuvo marcada por numerosos viajes, especialmente a Francia, donde vivió en París en el Hotel La Louisiane, a Alemania, Suiza, Egipto (1962), Yemen (1983) e India (1973). En el verano de 1991, Cy Twomby siguió el itinerario del poeta romántico inglés Lord Byron hasta Grecia.

Reconocimiento internacional

Twombly fue invitado a la Bienal de Venecia de 1964. En 1968, el Milwaukee Art Center organizó su primera retrospectiva en Estados Unidos. Este reconocimiento se acentuó en 1979 con una retrospectiva en el Whitney Museum of American Art. Posteriormente, expuso en todo el mundo: La Kunsthaus de Zúrich en 1987, el Musée national d»art moderne de París en 1988, el MoMA de Nueva York en 1994, así como en Houston Texas (donde la Menil Collection abrió una sección especialmente dedicada a su obra en 1995 en un edificio diseñado por Renzo Piano en estrecha colaboración con el pintor), en Los Ángeles, en Berlín… El Museo Brandhorst de Múnich también presenta un gran número de sus obras (un nivel entero está dedicado al pintor con, como punto culminante, el ciclo de Lepanto de 2001).

En 1996, recibió el premio Praemium Imperiale en la categoría de Pintura y en 2001, el León de Oro en la Bienal de Arte Contemporáneo de Venecia.

Cy Twombly murió el 5 de julio de 2011 en Roma.

Breve cronología de la obra pintada

La obra de Cy Twombly puede dividirse a grandes rasgos en siete períodos sucesivos.

El catálogo razonado sitúa los inicios en 1948, aunque hay una fotografía del joven a los 16 años pintando sobre un paisaje natural en Ogunquit, Maine (fotografía titulada Cy Twombly con caja de pinturas + Paraguas de Charles Woodburry . Estos primeros cuadros están poco publicados y no son bien conocidos.

Entre 1951 y 1953, el artista utilizó un material grueso y áspero en sus lienzos, pintando grandes formas primitivas, a menudo fálicas. Esta fase, dominada por un cromatismo limitado al blanco y negro, se nutrió en particular del viaje a Roma y al Magreb con Robert Rauschenberg.

1955 fue el año de una serie de pinturas, todas ellas perdidas excepto Panorama. El conjunto, destruido por el artista, se conoce gracias a una fotografía tomada por Robert Rauschenberg en el estudio que compartían en la calle Fulton de Nueva York. En estos lienzos, una línea blanca ligera, dentada y abstracta atraviesa un fondo negro uniforme. Esta serie se compara a menudo con los esfuerzos de Cy Twombly durante su servicio militar (1953) por desaprender la técnica clásica del dibujo practicando en la oscuridad.

Los años 1955-1959, marcados por el traslado a Roma en 1957, muestran una cierta unidad en la blancura de los fondos sobre los que se esparcen finos signos de diversa índole. Este periodo incluye grandes series y obras como Academy, Criticism, Free Wheeler, etc. pintadas en 1955 en Nueva York, tituladas aleatoriamente con la complicidad de Jasper Johns y Robert Rauschenberg y a veces interpretadas como una respuesta a las feroces críticas que Twombly sufrió tras sus primeras exposiciones (leemos «Fuck» varias veces en Academy). Esta serie continuó con Arcadia en 1958, que era formalmente muy similar pero utilizaba un tema muy diferente, una referencia a la Arcadia pintada por Nicolas Poussin en particular. 1959 vio múltiples variaciones de estas superficies blancas atravesadas por discretos signos con : la serie Sin título, conocida como Pinturas de Lexington, en la que los signos se fragmentan en entidades minúsculas; los 24 dibujos de la serie Poemas al mar, que es un homenaje a Stéphane Mallarmé (descubierto por Twombly en 1957) y evoca la fecundidad de la esposa del pintor, que estaba embarazada en ese momento; y, por último, concluyendo el año, ya que fue pintado durante la noche de Nochevieja de 1959-1960, La edad de Alexander, que inaugura la reciente paternidad del artista (su hijo nació el 18 de diciembre de 1959).

Los cinco años siguientes, de 1960 a 1964, están dominados por una energía irracional que se expresa tanto en la factura (colores exagerados, composiciones anárquicas, pintura aplicada a menudo directamente con las manos) como en los temas (sexualidad, escatología, violencia de ciertos mitos, etc.). La serie Ferragosto, llamada así por la fiesta italiana de la Asunción, que Twombly vivió en 1961 con mucho calor, es la cumbre de este arrebato barroco. Estas formas y temas coinciden con la nueva vida italiana de Twombly, pero también con la primera infancia de su hijo. Se nutrió de las confrontaciones con la gran historia del arte: Escuela de Fontainebleau (1960, en referencia a la Escuela de Fontainebleau), Imperio de la Flora (1961, en relación con Nicolas Poussin), Interior holandés (1961), las dos versiones de Escuela de Atenas (1961 y 1964, en referencia al fresco de Rafael de los Alojamientos Vaticanos, Aquiles llorando la muerte de Patroclo (1962), etc. El punto de inflexión de este periodo fue la exposición en la galería de Leo Castelli, en 1964, del ciclo Nueve discursos sobre Cómodo (pintado en 1963 y que relata la trágica vida y muerte del emperador romano Cómodo), duramente criticado en particular por el líder del arte minimalista Donald Judd.

Este nuevo enfrentamiento con la crítica estadounidense frenó la producción de Twombly durante varios meses antes de que iniciara el periodo conocido como las «Pinturas de la pizarra» (1966-1970), llamadas así por su parecido con la pizarra escolar. Realizadas con pintura industrial (fondo) y crayón de cera (formas), estas numerosas obras recuerdan claramente a Panorama y a sus homólogas destruidas de 1955. Sin embargo, los motivos son a menudo más rigurosos y austeros, lo que propició un vínculo con el arte minimalista entonces en boga en Estados Unidos. Las referencias al arte e incluso a la música se mantienen: el título Vigilancia nocturna recuerda a Rembrandt y Tratado sobre el velo (1970) debe tanto a los dibujos de paños de Leonardo da Vinci como a la composición concreta del músico Pierre Henry. Este período árido y riguroso continuó con series de forma diferente pero de espíritu similar: Bolsena (1969, llamada así por la ciudad italiana donde se realizaron los cuadros) y los famosos cuadros de Nini (1970), llamados así por Nini Pirandello, esposa de un galerista y amigo de Twombly que había fallecido recientemente. La primera serie multiplica las figuras geométricas anotadas, mientras que la segunda se compone de entrelazamientos que sugieren lo indecible ante la muerte.

Los cuarenta años que siguen, de 1971 a 2011, pueden reunirse, a pesar de la constante renovación que emprende Cy Twombly. A partir de entonces, predomina el color, la materia pictórica fluye a menudo, la escritura (poemas) está particularmente presente y los grandes ciclos se vuelven más regulares (Cincuenta días en Iliam, Cuadros verdes, Cuatro estaciones, Coronación de Sesostris, Lepanto, Baco, Peonía, Rosas, etc.). La ejecución particularmente larga del cuadro más grande del artista abarca parte de este periodo: iniciado en 1972, Sin título (Di adiós, Catulo, a las costas de Asia menor) se terminó en 1994 para ser expuesto en la Galería Gagosian de Nueva York, en paralelo a la gran retrospectiva del MoMA. El pintor alterna los temas elegíacos (especialmente el amor y el exilio) con los épicos (guerras de la época antigua y moderna). Esta dualidad se expresa idealmente en dos grandes obras gráficas que forman colgantes: Apolo y el artista y Marte y el artista (1975). Los últimos años, alimentados en particular por varias colaboraciones con clientes franceses (Yvon Lambert) y alemanes (el matrimonio Brandhorst), dieron lugar a grandes formatos de color (Bacchus, Peony, Roses).

Una obra propia que combina gestualidad, mitología y poesía

La obra de Cy Twombly se desarrolló al margen de las corrientes dominantes en el arte estadounidense y se organizó en amplias series y ciclos. Nunca ilustrativa, nunca puramente abstracta, se mantiene al margen de los debates sobre la figuración, lo que constituye una aparente paradoja formal. Esto le confiere un carácter múltiple y único, que se refleja en la amplitud y diversidad de sus obras sobre papel.

Al presentar su primera exposición en París en 1961, Pierre Restany, crítico de arte contemporáneo, escribió

«Su grafismo es poesía, reportaje, gesto furtivo, liberación sexual, escritura automática, autoafirmación, y también rechazo… no hay ni sintaxis ni lógica, sino un temblor del ser, un susurro que va al fondo de las cosas.

La obra pintada muestra una gran diversidad en sus técnicas y temas. Muchos de sus lienzos son superficies blancas en las que se pintan todo tipo de trazos: números, cruces, motivos geométricos, garabatos con los dedos, garabatos en forma de tramas o bucles, derrames sangrientos o escatológicos y, por último, algunas palabras (nombres de dioses o héroes antiguos, versos de poetas famosos, etc.). La pintura al óleo retoma los colores de los estados de ánimo del cuerpo (del blanco cremoso al marrón, pasando por todas las gradaciones de rosa y rojo) y se mezcla con el papel y los lápices de colores de la infancia. La escritura está desordenada, las mayúsculas se mezclan con las minúsculas, las palabras más sencillas están tachadas. Al terminar la obra, la mayor parte de la superficie del lienzo queda en blanco. Aquí se encuentran, pues, una forma de primitivismo infantil, las profundidades del psicoanálisis y la cultura clásica (que, por las formas en que se inmiscuye en el lienzo y la elección de los títulos, parece ser siempre el horizonte absoluto del universo del pintor).

«Twombly ha construido un corpus de inscripciones que regenera toda una cultura letrada, antigua e inactual. Su arte es una lucha contra el borrado del verdadero conocimiento, el de la génesis de los dioses y del mundo, y de su sustrato mítico. Así, Twombly nos ha dejado Tablas. Una tabla de la materia, de la materia prima.

En sus últimos años, y a pesar de su avanzada edad, el artista se ha renovado considerablemente. Desde el motivo pintado de forma tosca, fluyen vetas de pintura de colores hasta el borde inferior del lienzo. Cada motivo aporta sus propios colores, de modo que el fondo de algunos cuadros es una yuxtaposición de gotas cuyos tonos se alternan aleatoriamente. El enérgico garabato ha dado paso así a un gesto más amplio con pintura líquida sobre la que actúa la gravedad. Además, la paleta es más rica y los colores (especialmente los amarillos y rojos) alcanzan una intensidad poco frecuente en la historia de la pintura. Aquí Twombly demuestra sus cualidades como colorista. Un nuevo tema acompañó esta entrada en el color: las flores. En lienzos o tablas de varios metros de largo, Twombly pintaba rosas o peonías fuera de escala en grandes movimientos sinuosos. Versos de Rainer Maria Rilke, Emily Dickinson, Patricia Waters, T.S. Eliott o Ingeborg Bachmann acompañan estos motivos. Una constante permanece: el rechazo al dominio. La escritura se tacha, se tacha, a veces se borra sumariamente; los motivos fingen torpeza; la gravedad, asociada a la textura del soporte y a la viscosidad de la pintura, desestructura las formas y genera vetas aleatorias. Los ciclos Lepanto, Blossoms y Roses son los mejores ejemplos de estas recientes innovaciones.

En 2001, Harald Szeemann, director de la Bienal de Venecia, le pidió a Cy Twombly que propusiera una exposición sobre el tema «El fundamento del ser humano». Para este acontecimiento en particular, creó un gran ciclo narrativo dedicado a la Batalla de Lepanto, la famosa batalla naval que tuvo lugar el 7 de octubre de 1571 en Grecia, en el Golfo de Lepanto. Esta exposición se llama «Lepanto». El interés de Twombly por el tema comenzó con las representaciones de la batalla en tapices realizados a partir de un conjunto de pinturas de Luca Cambiaso para el rey Felipe II de España. El artista dispuso «Lepanto» de forma sinfónica y cinematográfica con cuatro imágenes de llamas, hojas que caen y un relato muy abstracto de la batalla. La suite «Lepanto» se instaló entonces de forma permanente en el Museo Brandhorst de Múnich.

Obras sobre papel

Con Cy Twombly no hay jerarquía entre la pintura y el dibujo. Varias de sus obras sobre papel están consideradas como lo más destacado de su obra, como Poemas al mar (1959) o las homólogas Apolo y el artista y Marte y el artista de 1975.

Hacia el final de los años 50, aparecen grafitis y arañazos en el papel, yuxtapuestos a letras, palabras y números. Las citas reales aparecen a veces junto a los grafitis dispersos, que a menudo están tachados o incluso borrados.

Los dibujos de la década de 1960 presentan una explosión de material, que se manifiesta en el uso intensivo de lápices de colores y pasteles y en una superficie saturada de grafitis y números.

En la década de los 70, dio prioridad al collage, en el que realizó una serie de cuadros con el mismo motivo. A continuación, realizó formatos muy grandes, dedicados a la mitología grecolatina, que fue la fuente de su trabajo desde finales de los años cincuenta.

El uso de la pintura, así como del lápiz y el pastel, se intensificó a principios de la década de 1990 y alcanzó su punto álgido en una serie de dibujos fechados en 2001. Estas obras, en las que el artista rompe la división tradicional entre pintura y dibujo, constituyen una cima sin precedentes en su arte.

Escultura

Cy Twombly también hacía esculturas, ensamblajes de objetos modestos que cubría con pintura blanca. Una fotografía de 1946 muestra la precocidad de esta investigación. Estableció su estética ya en 1948 con una obra sin título compuesta en particular por pomos de puertas de porcelana (conservada en el Instituto de Arte de Chicago). Continuó en esta línea durante los meses que pasó en el estudio de Robert Rauschenberg en la calle Fulton de Nueva York después de 1952 y la prolongó a lo largo de su carrera. Las flores, los barcos, los monumentos y las mitologías forman parte de los temas comunes de la obra pintada. La unificación de las formas ensambladas por la pintura blanca recuerda la importancia del blanco en toda la obra de Twombly (el blanco del papel, del lienzo, etc.) pero es asociado por el propio artista, en el caso de las esculturas, con el mármol antiguo.

Fotografía

Twombly también es fotógrafo, actividad en la que encontramos la modestia y la dulzura poética que impregna toda su obra.

1980s

1990s

2000s

Año 2010

Three Studies for the Bold (1998-1999) de Twombly fue adquirida en 2004 por la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur por 4,5 millones de dólares australianos.

En 2015, una pintura de 1968 de Cy Twombly, estimada en 60 millones de dólares y que representa seis líneas de lo que parecen garabatos circulares blancos sobre un tablero gris, se vendió por 70,5 millones de dólares en una subasta en Nueva York.

En 2017, en una venta de Christie»s, el gran cuadro de 1962 de Twombly, Leda y el cisne, se vendió por 52,8 millones de dólares (47 millones de euros).

El caso del «beso»

En 2007, se dedicó a Cy Twombly una exposición titulada «Blooming, a scattering of Blossoms and other Things» en el Hôtel de Caumont, que alberga la Colección Lambert de Aviñón.

Durante esta exposición, una artista camboyana, Rindy Sam, puso una huella de sus labios embadurnados de carmín en un lienzo totalmente blanco del Tríptico dedicado al Fedro de Platón, degradando gravemente este conjunto estimado en 2 millones de euros. El joven compareció ante el tribunal de Avignon el 9 de octubre de 2007. La sentencia se dictó en noviembre. Se solicitó una multa de 4.500 euros.

Sentencia del 16 de noviembre: se condena a Rindy Sam a pagar 1.500 euros por daños y perjuicios (500 a la Fundación) y 1 euro por daños y perjuicios a Cy Twombly, tal y como solicitó el artista. También se impone una pena de 100 horas de servicios comunitarios. La decisión sobre los costes de restauración de la obra fue aplazada por el tribunal al 28 de febrero de 2008. Sus abogados, Patrick Gontard y Jean-Michel Ambrosino, propusieron sustituir la obra por un nuevo lienzo idéntico.

El 2 de junio de 2009, el Tribunal de Apelación de Nîmes la condenó a pagar 18.840 euros a la colección Lambert por los gastos de restauración del cuadro. La decisión está en consonancia con la pronunciada en primera instancia por el tribunal penal de Aviñón en agosto de 2008. Además, deberá pagar 500 euros al pintor, pero también a Yvon Lambert, propietario del cuadro, y a la colección que lo alberga, por los gastos relacionados con su defensa.

El techo del Louvre

El Museo del Louvre de París ha encargado a Twombly la creación de un techo permanente para una de sus salas principales (la Sala del Bronce Griego) desde 2010. Se trata del segundo encargo del Estado francés, tras el telón de la Ópera de la Bastilla en 1989. El 23 de marzo de 2010, Cy Twombly asistió a la inauguración de su techo de 400 m2, titulado The Cieling, para el Salon des Bronzes en la primera planta del ala Sully. Este techo «azul Giotto» tiene unos cuarenta círculos de otros colores en el borde del rectángulo que forma, que representan escudos antiguos y siete cartelas con los nombres de siete famosos escultores de la antigüedad griega: Cefisódoto, Lisipo, Mirón, Fidias, Policleto, Praxíteles y Scopas.

En esta ocasión, Cy Twombly fue nombrado Caballero de la Legión de Honor por el Ministro de Cultura, Frédéric Mitterrand.

En febrero de 2021, la Fundación Cy Twombly denunció «una afrenta odiosa» por parte del Louvre tras la reordenación de la sala, «un cambio completo en la calidad de la luz del día, que es absorbida por las paredes rojas, en lugar de ser reflejada por el blanco e iluminar así los colores elegidos para el techo». El resultado es que el techo ha perdido la atmósfera delicada y aireada del proyecto del artista y ahora está lastrado por este nuevo y artificial dispositivo cromático. En su opinión, se trata de un «grave daño a la obra de Twombly, que viola los derechos morales del artista» y la Fundación solicita la intervención del Ministerio de Cultura.

Charles Olson

El poeta Charles Olson apoyó a Cy Twombly cuando éste residió en el Black Mountain College en 1951 y 1952. En 1951 escribió un poema en prosa titulado Cy Twombly que decía

»  Llegó un hombre que se ocupó de la blancura. Y con el espacio. Era un americano. Y tal vez su genio residía más en la inocencia que en la franqueza que ahora es necesaria. En cualquier caso, no fue comprendido.  «

Roland Barthes

Roland Barthes, cuyo análisis de la obra de Cy Twombly es uno de los más perspicaces, escribe en un importante texto dedicado «a Yvon, Renaud y William»:

«¿Cómo nombrar lo que hace? Las palabras surgen espontáneamente («dibujo», «grafismo», «garabato», «izquierda», «infantil»). E inmediatamente surge un problema lingüístico: estas palabras, al mismo tiempo (lo cual es muy extraño), no son ni falsas ni satisfactorias: pues por un lado, la obra de TW coincide bien con su apariencia, y debemos atrevernos a decir que es plana; pero por otro lado -este es el enigma- esta apariencia no coincide bien con el lenguaje que tanta sencillez e inocencia debería suscitar en quienes la miramos… El material mostrará su esencia, nos mostrará la certeza de su nombre: es lápiz.  «

«Se cuenta un recuerdo, se celebra un placer. El nombre, la imagen alusiva, la dedicatoria, la fecha. Todo sin aristas, en movimiento, como si se lanzara al deleite plano. Uno puede reconocer a un dios en él si quiere. No cualquier dios. En ningún momento, ni bajo ninguna máscara. «Entonces reconoció al dios». Una situación homérica clásica, la teofanía detrás de la epifanía a veces más trivial. La invitación de Twombly es explícitamente de este orden. Su héroe tranquilo y decidido -él mismo- registra estas revelaciones».

– Philippe Sollers, «Les épiphanies de Twombly», en: Éloge de l»infini

«Hay pocas áreas o inspiraciones en la obra de Twombly que me gusten menos, y muy pocas que no me gusten en absoluto. Pero hay un campo que me gusta más que nada, es cierto, y es el gran campo lírico, el de los homenajes, a menudo en polípticos, a Goethe, Sapho, Virgilio, Teócrito o Valéry. La poesía plástica no deja de ser un escalofrío porque, por muy literaria que sea su inspiración, y cargada de la más fina y amorosa cultura, es aliento, aire, viaje, paisaje y susurro de follaje, aroma de una montaña a la vista del mar.

– en Renaud Camus, Aguets – Diario 1988

«Los gráficos de Cy Twombly son emotivos e implícitamente eróticos. El gráfico

– en Écriture poétique et langage plastique (Au même titre éditions)

«La obra de Cy Twombly es una obra de juicio, su presencia es evidente y convincente. Ya está en el ojo del espectador, lo requiere, va más allá de la convicción. Si estás en esta relación inmediata o se pierde, no será para ti, no esta vez. Estás comprometido en su gesto, eres parte de su collage. Eso es, entiende a la persona que se acerca a ella, es parte de su puesta en escena, está dentro de ella, es parte de su comentario.

– en Marcelin Pleynet «Dessein des lettres des chiffres et des mots. Pintar de oído» (1974)

Enlaces externos

Fuentes

  1. Cy Twombly
  2. Cy Twombly
  3. a b c et d (en) Nicholas Serota, Cy Twombly, Cycles and Seasons, Londres, Tate, 2008, 272 p. (ISBN 978-1-85437-769-2), p. 234-238.
  4. a b et c Paris Match, « Cy Twombly au Centre Pompidou : l»art en fusion », sur parismatch.com (consulté le 15 septembre 2021)
  5. À Paris et à Saint-Cirq-Lapopie (Lot).
  6. a b et c Jonas Storsve, Cy Twombly : [exposition, Paris, Centre Pompidou, Galerie 1, 30 novembre 2016-24 avril 2017], Paris, Centre Pompidou, 2016, 320 p. (ISBN 978-2-84426-758-0).
  7. Walter Hopps, Robert Rauschenberg : The Early 1950»s (ISBN 0940619075).
  8. ^ The Sunday Times Magazine, The Sunday Times, December 18, 2011, page 64
  9. ^ Matt Schudel (July 6, 2011), Cy Twombly, influential Va.-born abstract artist, dies at 83 The Washington Post.
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  11. The Sunday Times Magazine, The Sunday Times, 18 de diciembre de 2011, pag. 64
  12. Cy Twombly Gallery Menil Collection.
  13. «US artist Cy Twombly dies in Rome: French gallery». Agence France-Presse. Archivado desde el original el 8 de julio de 2011. Consultado el 5 de julio de 2011.
  14. Cy Twombly Biography «Copia archivada». Archivado desde el original el 28 de octubre de 2010. Consultado el 27 de enero de 2014.
  15. Graig G. Staff, «A Poetics of Becoming: The Mythography of Cy Twombly». In: Hirsh, Jennie, and Wallace, Isabelle D., eds. Contemporary Art and Classical Myth. Farnham: Ashgate, 2011.
  16. a b c d e Heiner Bastian (Hrsg.): Cy Twombly, Band IV, S. 178.
  17. a b Heiner Bastian (Hrsg.): Cy Twombly, Band IV, S. 179.
  18. Silke Hohmann: Der Mann, der Twombly nach München holte. In: Frankfurter Allgemeine Zeitung, 20. März 2008.
  19. Wolfgang Kremp, Wulf Herzogenrath und Lothar Schirmer (Hrsg.): Von Beuys bis Cindy Sherman – Die Sammlung Lothar Schirmer. München 1999, ISBN 3-88814-870-7, S. 19 ff.
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