Paul Klee

Zusammenfassung

Paul Klee (18. Dezember 1879 – 29. Juni 1940) war ein in der Schweiz geborener deutscher Künstler. Sein höchst individueller Stil wurde von Kunstströmungen wie dem Expressionismus, Kubismus und Surrealismus beeinflusst. Klee war ein begnadeter Zeichner, der mit der Farbtheorie experimentierte und sie schließlich eingehend erforschte. Seine Vorlesungen Schriften zur Form und Gestaltungslehre, die auf Englisch als Paul Klee Notebooks veröffentlicht wurden, gelten als ebenso wichtig für die moderne Kunst wie Leonardo da Vincis Abhandlung über die Malerei in der Renaissance. Er und sein Kollege, der russische Maler Wassily Kandinsky, lehrten beide an der Bauhaus-Schule für Kunst, Design und Architektur in Deutschland. Seine Werke spiegeln seinen trockenen Humor und seine manchmal kindliche Sichtweise, seine persönlichen Stimmungen und Überzeugungen sowie seine Musikalität wider.

Zunächst die Lebenskunst, dann als Idealberuf die Poesie und die Philosophie, als wirklicher Beruf die bildende Kunst und schließlich, mangels Einkommen, die Illustrationen.

Paul Klee wurde in Münchenbuchsee, Schweiz, als zweites Kind des deutschen Musiklehrers Hans Wilhelm Klee (1849-1940) und der Schweizer Sängerin Ida Marie Klee, geborene Frick (1855-1921), geboren. Seine Schwester Mathilde (gestorben am 6. Dezember 1953) wurde am 28. Januar 1876 in Walzenhausen geboren. Der Vater stammte aus Tann und studierte Gesang, Klavier, Orgel und Violine am Stuttgarter Konservatorium, wo er seine spätere Frau Ida Frick kennenlernte. Hans Wilhelm Klee war bis 1931 als Musiklehrer am Berner Staatseminar in Hofwil bei Bern tätig. Klee konnte seine musikalischen Fähigkeiten entwickeln, da seine Eltern ihn zeitlebens förderten und inspirierten. 1880 zog die Familie nach Bern, wo sie schliesslich 1897 nach mehreren Wohnungswechseln ein eigenes Haus im Kirchenfeldquartier bezog. 1886 bis 1890 besuchte Klee die Primarschule und erhielt im Alter von 7 Jahren Geigenunterricht an der Städtischen Musikschule. Er war auf der Geige so begabt, dass er im Alter von 11 Jahren eine Einladung erhielt, als ausserordentliches Mitglied des Berner Musikvereins zu spielen.

In seinen frühen Jahren wollte Klee, dem Wunsch seiner Eltern folgend, Musiker werden, entschied sich aber in seinen Jugendjahren für die bildende Kunst, teils aus Rebellion, teils weil die moderne Musik für ihn keine Bedeutung hatte. Er erklärte: „Ich fand den Gedanken, mich schöpferisch mit Musik zu beschäftigen, angesichts des Niedergangs in der Geschichte der musikalischen Leistung nicht besonders reizvoll.“ Als Musiker spielte er und fühlte sich emotional an die traditionellen Werke des 18. und 19. Jahrhunderts gebunden, aber als Künstler sehnte er sich nach der Freiheit, radikale Ideen und Stile zu erkunden. Mit sechzehn Jahren zeigten Klees Landschaftszeichnungen bereits beachtliches Können.

Um 1897 begann Klee mit seinem Tagebuch, das er bis 1918 führte und das der Forschung wertvolle Einblicke in sein Leben und Denken gewährt. Während seiner Schulzeit zeichnete er eifrig in seinen Schulbüchern, vor allem Karikaturen, und bewies bereits Geschicklichkeit im Umgang mit Linie und Volumen. Die Matura am Berner Gymnasium, wo er sich für die Geisteswissenschaften qualifizierte, bestand er knapp. Mit dem für ihn typischen trockenen Humor schrieb er: „Es ist ja ziemlich schwierig, das genaue Minimum zu erreichen, und es birgt Risiken.“ Zu seiner eigenen Zeit war Klee, neben seinem tiefen Interesse an Musik und Kunst, ein großer Leser von Literatur und später ein Schriftsteller über Kunsttheorie und Ästhetik.

Mit der widerstrebenden Erlaubnis seiner Eltern begann Klee 1898 ein Kunststudium an der Akademie der Bildenden Künste in München bei Heinrich Knirr und Franz von Stuck. Er zeichnete hervorragend, schien aber keinen natürlichen Farbsinn zu haben. Später erinnerte er sich: „Im dritten Winter wurde mir sogar klar, dass ich wahrscheinlich nie malen lernen würde.“ In dieser Zeit der jugendlichen Abenteuer verbrachte Klee viel Zeit in Kneipen und hatte Affären mit Frauen aus der Unterschicht und Künstlermodellen. Im Jahr 1900 bekam er einen unehelichen Sohn, der einige Wochen nach der Geburt starb.

Nach dem Abschluss seines Studiums der Bildenden Künste reiste Klee von Oktober 1901 bis Mai 1902 mit seinem Freund Hermann Haller nach Italien. Sie besuchten Rom, Florenz, Neapel und die Amalfiküste und studierten die Meister der Malerei vergangener Jahrhunderte. Er rief aus: „Das Forum und der Vatikan haben zu mir gesprochen. Der Humanismus will mich ersticken.“ Er reagierte auf die Farben Italiens, stellte aber traurig fest, „dass mir auf diesem Gebiet der Farbe ein langer Kampf bevorsteht.“ Für Klee repräsentierte die Farbe den Optimismus und die Noblesse in der Kunst und eine Hoffnung auf Abwechslung von der pessimistischen Natur, die er in seinen schwarz-weissen Grotesken und Satiren zum Ausdruck brachte. Er kehrte nach Bern zurück, lebte einige Jahre bei seinen Eltern und nahm gelegentlich Kunstunterricht. Bis 1905 entwickelte er einige experimentelle Techniken, darunter das Zeichnen mit einer Nadel auf einer geschwärzten Glasscheibe, was zu siebenundfünfzig Werken führte, darunter das Porträt meines Vaters (1906). In den Jahren 1903-05 vollendete er auch einen Zyklus von elf Zinkplatten-Radierungen mit dem Titel Inventions, seine ersten ausgestellten Werke, in denen er mehrere groteske Figuren illustrierte. Er kommentierte: „Obwohl ich mit meinen Radierungen recht zufrieden bin, kann ich so nicht weitermachen. Ich bin kein Spezialist.“ Klee teilte seine Zeit weiterhin mit der Musik, spielte Geige in einem Orchester und schrieb Konzert- und Theaterkritiken.

Heirat

Klee heiratete 1906 die bayerische Pianistin Lily Stumpf. Im folgenden Jahr bekamen sie einen Sohn namens Felix Paul. Sie lebten in einem Vorort von München, und während sie Klavierunterricht gab und gelegentlich auftrat, kümmerte er sich um den Haushalt und seine künstlerische Arbeit. Sein Versuch, Zeitschriftenillustrator zu werden, scheiterte. Klees künstlerische Arbeit entwickelte sich in den nächsten fünf Jahren nur langsam, was zum einen daran lag, dass er seine Zeit mit häuslichen Angelegenheiten aufteilen musste, und zum anderen daran, dass er versuchte, einen neuen Ansatz für seine Kunst zu finden. Im Jahr 1910 hatte er seine erste Einzelausstellung in Bern, die dann in drei Schweizer Städten gezeigt wurde.

Beitritt zum „Blauen Reiter“, 1911

Im Januar 1911 traf Alfred Kubin Klee in München und ermutigte ihn, Voltaires Candide zu illustrieren. Seine Zeichnungen wurden später in einer von Kurt Wolff herausgegebenen Version des Buches von 1920 veröffentlicht. Um diese Zeit nimmt Klees grafisches Werk zu. Seine frühe Neigung zum Absurden und Sarkastischen kommt bei Kubin gut an, der sich mit Klee anfreundet und zu einem seiner ersten bedeutenden Sammler wird. Über Kubin lernte Klee 1911 den Kunstkritiker Wilhelm Hausenstein kennen. In jenem Sommer war Klee Gründungsmitglied und Geschäftsführer der Münchner Künstlervereinigung Sema. Im Herbst machte er die Bekanntschaft von August Macke und Wassily Kandinsky, und im Winter trat er in die Redaktion des von Franz Marc und Kandinsky gegründeten Almanachs Der Blaue Reiter ein. Über die Begegnung mit Kandinsky notierte Klee: „Ich habe ein tiefes Vertrauen zu ihm gefasst. Er ist jemand und hat einen außergewöhnlich schönen und klaren Verstand“. Weitere Mitglieder waren Macke, Gabriele Münter und Marianne von Werefkin. Klee wurde in wenigen Monaten zu einem der wichtigsten und unabhängigsten Mitglieder des Blauen Reiters, aber er war noch nicht voll integriert.

Die Veröffentlichung des Almanachs wurde zugunsten einer Ausstellung verschoben. Die erste Ausstellung des Blauen Reiters fand vom 18. Dezember 1911 bis 1. Januar 1912 in der Modernen Galerie Heinrich Thannhauser in München statt. Klee nahm daran nicht teil, aber in der zweiten Ausstellung, die vom 12. Februar bis 18. März 1912 in der Galerie Goltz stattfand, wurden 17 seiner grafischen Werke gezeigt. Der Name dieser Kunstausstellung lautete Schwarz-Weiß, da es sich ausschließlich um grafische Malerei handelte. Der ursprünglich für 1911 geplante Erscheinungstermin des Almanachs Der Blaue Reiter von Kandinsky und Marc wurde im Mai 1912 verschoben, darunter auch die reproduzierte Tuschezeichnung Steinhauer von Klee. Zur gleichen Zeit veröffentlichte Kandinsky seine kunsthistorische Schrift Über das Geistige in der Kunst.

Teilnahme an Kunstausstellungen, 1912-1913

Diese Verbindung öffnete Klee den Blick für moderne Farbtheorien. Auf seiner Reise nach Paris im Jahr 1912 lernte er auch den aufkeimenden Kubismus und die ersten Beispiele der „reinen Malerei“ kennen, ein früher Begriff für abstrakte Kunst. Die Verwendung kräftiger Farben durch Robert Delaunay und Maurice de Vlaminck inspirierte ihn ebenfalls. Anstatt diese Künstler zu kopieren, begann Klee, seine eigenen Farbexperimente in blassen Aquarellen auszuarbeiten, und schuf einige primitive Landschaften, darunter In the Quarry (1913) und Houses near the Gravel Pit (1913), in denen er Farbblöcke mit begrenzter Überlappung verwendete. Klee räumte ein, dass „auf diesem Gebiet der Farbe ein langer Kampf vor mir liegt“, um sein „fernes hehres Ziel“ zu erreichen. Bald entdeckte er „den Stil, der die Zeichnung und das Reich der Farbe miteinander verbindet“.

Reise nach Tunis, 1914

Der künstlerische Durchbruch gelang Klee 1914, als er mit August Macke und Louis Moilliet kurzzeitig Tunesien besuchte und von der Qualität des dortigen Lichts beeindruckt war. Er schrieb: „Die Farbe hat von mir Besitz ergriffen; ich brauche ihr nicht mehr hinterherzujagen, ich weiß, dass sie mich für immer in der Hand hat… Die Farbe und ich sind eins. Ich bin ein Maler.“ Mit dieser Erkenntnis verlor die Treue zur Natur an Bedeutung. Stattdessen begann Klee, sich in die „kühle Romantik der Abstraktion“ zu vertiefen. Indem er sich ein zweites künstlerisches Vokabular aneignete, fügte Klee seinen zeichnerischen Fähigkeiten die Farbe hinzu und kombinierte sie in vielen Werken erfolgreich, wie in einer Serie, die er „Opernbilder“ nannte. Eines der wörtlichsten Beispiele für diese neue Synthese ist Der bayerische Don Giovanni (1919).

Nach seiner Rückkehr nach Hause malte Klee sein erstes rein abstraktes Gemälde Im Stil von Kairouan (1914), das aus farbigen Rechtecken und einigen Kreisen besteht. Das farbige Rechteck wurde zu seinem Grundbaustein, den einige Gelehrte mit einer Musiknote in Verbindung bringen, die Klee mit anderen farbigen Blöcken kombinierte, um eine Farbharmonie zu schaffen, die einer musikalischen Komposition entspricht. Seine Auswahl einer bestimmten Farbpalette ist einer musikalischen Tonart nachempfunden. Manchmal verwendet er komplementäre Farbpaare, ein anderes Mal „dissonante“ Farben, was wiederum seine Verbindung zur Musikalität widerspiegelt.

Während des gesamten Krieges malte er weiter und stellte in mehreren Ausstellungen aus. Bis 1917 verkauften sich Klees Werke gut, und die Kunstkritik würdigte ihn als den besten der neuen deutschen Künstler. Sein Ab ovo (1917) ist besonders bemerkenswert wegen seiner ausgefeilten Technik. Es besteht aus Aquarellfarben auf Gaze und Papier mit Kreidegrund, die eine reiche Textur aus Dreiecks-, Kreis- und Halbmondmustern ergeben. Seine Warnung vor den Schiffen (1918) ist eine kolorierte Zeichnung voller symbolischer Bilder auf einem Feld aus unterdrückter Farbe, die seine ganze Bandbreite an Erkundungen demonstriert, indem er Farbe und Linie mischt.

Im Jahr 1919 bewarb sich Klee um einen Lehrauftrag an der Kunstakademie in Stuttgart. Dieser Versuch scheiterte, aber er hatte einen großen Erfolg, indem er einen Dreijahresvertrag (mit einem jährlichen Mindesteinkommen) mit dem Händler Hans Goltz abschloss, dessen einflussreiche Galerie Klee eine große Bekanntheit und einen gewissen kommerziellen Erfolg bescherte. Bemerkenswert war auch eine Retrospektive von über 300 Werken im Jahr 1920.

Klee lehrte von Januar 1921 bis April 1931 am Bauhaus. Er war „Form“-Meister in den Werkstätten für Buchbinderei, Glasmalerei und Wandmalerei und erhielt zwei Ateliers. Im Jahr 1922 trat Kandinsky in den Lehrkörper ein und nahm seine Freundschaft mit Klee wieder auf. Im selben Jahr fand die erste Bauhaus-Ausstellung und das erste Bauhaus-Festival statt, für das Klee mehrere Werbematerialien entwarf. Klee begrüßte die vielen gegensätzlichen Theorien und Meinungen innerhalb des Bauhauses: „Ich finde es auch gut, wenn diese Kräfte miteinander konkurrieren, wenn das Ergebnis ein Erfolg ist.“

Klee war auch Mitglied der 1923 gegründeten Gruppe Die Blauen Vier, die 1925 in den USA Vorträge hielt und gemeinsam ausstellte. Im selben Jahr hatte Klee seine ersten Ausstellungen in Paris, wo er bei den französischen Surrealisten großen Anklang fand. 1928 besuchte Klee Ägypten, das ihn weniger beeindruckte als Tunesien. Im Jahr 1929 erschien die erste große Monografie über Klees Werk, verfasst von Will Grohmann.

Klee lehrte von 1931 bis 1933 auch an der Düsseldorfer Akademie und wurde von einer nationalsozialistischen Zeitung hervorgehoben: „Da kommt dieser tolle Kerl Klee auf den Plan, der schon als Bauhauslehrer in Dessau berühmt war. Er sagt allen, er sei ein Vollblutaraber, aber er ist ein typischer galizischer Jude.“ Seine Wohnung wird von der Gestapo durchsucht und er wird aus seinem Beruf entlassen. Sein Selbstporträt Gestrichen von der Liste (1933) erinnert an diesen traurigen Anlass. In den Jahren 1933-34 hatte Klee Ausstellungen in London und Paris und lernte schließlich Pablo Picasso kennen, den er sehr bewunderte. Ende 1933 emigrierte die Familie Klee in die Schweiz.

Klee war auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Sein Ad Parnassum (es ist auch eines seiner größten und feinsten Gemälde. Im Jahr 1933, seinem letzten Jahr in Deutschland, schuf er fast 500 Werke. Im Jahr 1933 begannen bei Klee jedoch die Symptome einer Krankheit, die nach seinem Tod als Sklerodermie diagnostiziert wurde. Das Fortschreiten seiner tödlichen Krankheit, die ihm das Schlucken erschwerte, lässt sich an seinem künstlerischen Schaffen in den letzten Jahren nachvollziehen. Im Jahr 1936 schuf er nur 25 Bilder. In den späten 1930er Jahren erholte sich seine Gesundheit etwas und er wurde durch den Besuch von Kandinsky und Picasso ermutigt. Klees einfachere und größere Entwürfe ermöglichten es ihm, seine Produktion in den letzten Jahren aufrechtzuerhalten, und 1939 schuf er über 1.200 Werke, was für ein Jahr einen Karrierehöchststand darstellt. Er verwendete strengere Linien und hauptsächlich geometrische Formen mit weniger, aber größeren Farbblöcken. Seine unterschiedlichen Farbpaletten, von denen einige leuchtende und andere düstere Farben enthielten, spiegelten vielleicht seine abwechselnden Stimmungen von Optimismus und Pessimismus wider. Zurück in Deutschland wurden 1937 siebzehn von Klees Bildern in eine Ausstellung über „Entartete Kunst“ aufgenommen, und 102 seiner Werke in öffentlichen Sammlungen wurden von den Nazis beschlagnahmt.

1935, zwei Jahre nach seiner Übersiedlung in die Schweiz und seiner Arbeit auf engstem Raum, erkrankte Klee an Sklerodermie, einer Autoimmunerkrankung, die zu einer Verhärtung des Bindegewebes führt.

Er ertrug Schmerzen, die sich in seinen letzten Kunstwerken widerzuspiegeln scheinen. In seinen letzten Monaten schuf er 50 Zeichnungen von Engeln. Eines seiner letzten Gemälde, Tod und Feuer, zeigt in der Mitte einen Totenkopf, in dessen Gesicht das deutsche Wort für Tod erscheint. Er starb am 29. Juni 1940 in Muralto, Locarno, Schweiz, ohne die Schweizer Staatsbürgerschaft erhalten zu haben, obwohl er in diesem Land geboren wurde. Sein künstlerisches Werk wurde von den Schweizer Behörden als zu revolutionär, ja sogar als entartet angesehen, aber schließlich gaben sie seinem Antrag sechs Tage nach seinem Tod statt. Sein Nachlass umfasst etwa 9.000 Kunstwerke. Die Worte auf seinem Grabstein, Klees Credo, das sein Sohn Felix dort anbrachte, lauten: „Ich bin im Hier und Jetzt nicht zu fassen, denn ich wohne sowohl bei den Toten als auch bei den noch Ungeborenen. Etwas näher am Herzen der Schöpfung als sonst, aber immer noch nicht nah genug.“ Er wurde auf dem Schosshaldenfriedhof in Bern, Schweiz, beigesetzt.

Klee wird mit Expressionismus, Kubismus, Futurismus, Surrealismus und Abstraktion in Verbindung gebracht, aber seine Bilder lassen sich nur schwer einordnen. Er arbeitete im Allgemeinen isoliert von seinen Kollegen und interpretierte neue Kunstströmungen auf seine eigene Weise. Er war erfinderisch in seinen Methoden und Techniken. Klee arbeitete in vielen verschiedenen Medien – Ölfarbe, Aquarell, Tusche, Pastell, Radierung und andere. Oft kombinierte er sie in einem Werk. Er verwendete Leinwand, Sackleinen, Musselin, Leinen, Gaze, Karton, Metallfolien, Stoff, Tapete und Zeitungspapier. Klee verwendete Sprühfarbe, Rakel, Stempel, Lasur und Impasto sowie Mischtechniken wie Öl mit Aquarell, Aquarell mit Feder und Tusche und Öl mit Tempera.

Er war ein geborener Zeichner und entwickelte durch langes Experimentieren eine meisterhafte Beherrschung von Farbe und Tonalität. Viele seiner Werke vereinen diese Fähigkeiten. Er verwendet eine große Vielfalt an Farbpaletten, die von nahezu monochromen bis hin zu stark polychromen Farben reichen. Seine Werke haben oft etwas Zerbrechliches, Kindliches an sich und sind meist kleinformatig. Er verwendete oft geometrische Formen und gitterartige Kompositionen sowie Buchstaben und Zahlen, häufig in Kombination mit verspielten Tier- und Menschenfiguren. Einige Werke waren völlig abstrakt. Viele seiner Werke und ihre Titel spiegeln seinen trockenen Humor und seine wechselnden Stimmungen wider; einige drücken politische Überzeugungen aus. Sie spielen häufig auf Poesie, Musik und Träume an und enthalten manchmal Worte oder musikalische Noten. Die späteren Werke zeichnen sich durch krakelige, hieroglyphenartige Symbole aus. Rainer Maria Rilke schrieb 1921 über Klee: „Selbst wenn Sie mir nicht gesagt hätten, dass er Geige spielt, hätte ich vermutet, dass seine Zeichnungen bei vielen Gelegenheiten Transkriptionen von Musik sind.“

Pamela Kort beobachtet: „Klees Zeichnungen von 1933 bieten dem Betrachter die einmalige Gelegenheit, einen zentralen Aspekt seiner Ästhetik zu erkennen, der weitgehend unbeachtet geblieben ist: seine lebenslange Beschäftigung mit den Möglichkeiten der Parodie und des Witzes. Darin liegt ihre eigentliche Bedeutung, vor allem für ein Publikum, das nicht weiß, dass Klees Kunst eine politische Dimension hat.“

Zu den wenigen plastischen Arbeiten gehören Handpuppen, die zwischen 1916 und 1925 für seinen Sohn Felix entstanden. Der Künstler zählte sie weder zu seinem Oeuvre noch listete er sie in seinem Werkverzeichnis auf. Dreißig der erhaltenen Puppen werden im Zentrum Paul Klee, Bern, aufbewahrt.

Frühe Werke

Einige der frühen erhaltenen Kinderzeichnungen, die Klee auf Anregung seiner Grossmutter anfertigte, wurden in sein Werkverzeichnis aufgenommen. Insgesamt entstanden in den Berner Jahren 19 Radierungen, zehn davon zwischen 1903 und 1905 im Zyklus „Inventionen“, die im Juni 1906 auf der „Internationalen Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens “Secession““, seinem ersten Auftritt als Maler in der Öffentlichkeit, präsentiert wurden. Die dritte Invention, die Pessimistische Allegorie des Gebirges, hatte Klee im Februar 1906 aus seinem Zyklus entfernt. Die satirischen Radierungen, zum Beispiel Jungfrau im BaumJungfrau (träumend) von 1903 und Greiser Phönix von 1905, wurden von Klee als „surrealistische Vorposten“ eingestuft. Jungfrau im Baum knüpft an das Motiv Le cattive madri (1894) von Giovanni Segantini an. Das Bild wurde von der grotesken Lyrik von Alfred Jarry, Max Jacob und Christian Morgenstern beeinflusst. Es zeichnet sich durch einen Kulturpessimismus aus, der um die Wende zum 20. Jahrhundert in den Werken der Symbolisten zu finden ist. Die Erfindung Nr. 6, die Radierung Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend von 1903, zeigt zwei nackte Männer, vermutlich Kaiser Wilhelm II. und Franz Joseph I. von Österreich, erkennbar an ihrer Frisur und ihren Bärten. Da sie ihrer Kleidung und Insignien beraubt wurden, „haben beide keine Ahnung, ob ihr konventioneller Gruß in Ordnung ist oder nicht. Da sie davon ausgehen, dass ihr Gegenüber einen höheren Rang hätte haben können“, verbeugen sie sich und kratzen sich.

1905 begann Klee, eine neue Technik einzuführen: das Kratzen mit einer Nadel auf eine geschwärzte Glasplatte. Auf diese Weise schuf er etwa 57 Verre églomisé-Bilder, darunter die Gartenszene von 1905 und das Porträt des Vaters von 1906, mit denen er Malerei und Ritzung zu verbinden versuchte. Klees einsames Frühwerk endete 1911, dem Jahr, in dem er den Grafiker Alfred Kubin kennenlernte, sich von ihm inspirieren ließ und sich den Künstlern des Blauen Reiters anschloss.

Mystisch-abstrakte Periode, 1914-1919

Während seiner zwölftägigen Bildungsreise nach Tunis im April 1914 entstanden mit Macke und Moilliet Aquarelle, die den starken Licht- und Farbreiz der nordafrikanischen Landschaft in Anlehnung an die kubistischen Formkonzepte Paul Cézannes und Robert Delaunays umsetzen. Ziel war nicht die Nachahmung der Natur, sondern die Schaffung von Kompositionen, die dem Formprinzip der Natur entsprechen, wie in den Werken In den Häusern von Saint-Germain und Straßencafé. Klee stellte die Szenerie in einem Raster dar, so dass sie sich in farbiger Harmonie auflöst. In dieser Zeit schuf er auch abstrakte Werke wie Abstrakt und Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden (eine dauerhafte Trennung fand nie statt. Es dauerte über zehn Jahre, dass Klee an Experimenten und Analysen der Farbe arbeitete, die zu einem eigenständigen Kunstwerk führten, wobei seine Gestaltungsideen auf der bunten orientalischen Welt basierten.

Föhn im Marc“schen Garten“ entstand nach der Turinreise. Es zeigt die Beziehungen zwischen Farbe und den Anregungen von Macke und Delaunay. Obwohl Elemente des Gartens deutlich sichtbar sind, ist eine weitere Hinwendung zur Abstraktion erkennbar. In sein Tagebuch schrieb Klee damals die folgende Notiz:

In der großen Gussgrube liegen Ruinen, an denen man teilweise hängt. Sie liefern das Material für die Abstraktion. Je schrecklicher die Welt, desto abstrakter die Kunst, während eine glückliche Welt säkularistische Kunst hervorbringt.

Unter dem Eindruck seines Militärdienstes entsteht 1917 das Gemälde Trauerblumen, das mit seinen grafischen Zeichen, vegetabilen und phantastischen Formen ein Vorläufer seiner späteren Werke ist, die Grafik, Farbe und Gegenstand harmonisch verbinden. Zum ersten Mal tauchen Vögel in den Bildern auf, wie in Blumenmythos von 1918, das die fliegenden und abstürzenden Flugzeuge, die er in Gersthofen gesehen hat, und die fotografierten Flugzeugabstürze widerspiegelt.

In das 1918 entstandene Aquarell Einst dem Grau der Nacht enttaucht, ein kompositorisch umgesetztes Gedicht, das möglicherweise von Klee stammt, hat er Buchstaben in kleine, farblich abgesetzte Quadrate eingearbeitet, wobei er die erste Strophe von der zweiten mit Silberpapier abtrennt. Oben auf dem Karton, der das Bild trägt, sind die Verse handschriftlich eingeschrieben. Klee lehnt sich hier nicht an die Farben Delaunays, sondern an die von Marc an, obwohl die Bildinhalte beider Maler nicht miteinander korrespondieren. Herwarth Walden, Klees Kunsthändler, sah in ihnen eine „Wachablösung“ seiner Kunst. Seit 1919 verwendete er häufig Ölfarben, mit denen er Aquarelle und Buntstifte kombinierte. Die Villa R (Kunstmuseum Basel) von 1919 vereint sichtbare Realitäten wie Sonne, Mond, Berge, Bäume und Architekturen sowie surreale Versprechungen und Gefühlsdeutungen.

Arbeiten in der Bauhauszeit und in Düsseldorf

Zu seinen Werken aus dieser Zeit gehören Kamel (in rhythmischer Landschaft mit Bäumen) sowie andere Gemälde mit abstrakten grafischen Elementen wie Betroffener Ort (1922). Aus dieser Zeit stammt auch das Gemälde Die Zwitscher-Maschine, das später aus der Nationalgalerie entfernt wurde. Nachdem das Gemälde in der Münchner Ausstellung „Entartete Kunst“ als diffamierend bezeichnet worden war, wurde es später von der Buchholz Gallery, New York, angekauft und 1939 an das Museum of Modern Art übertragen. Das „Zwitschern“ im Titel bezieht sich auf die Vögel mit offenen Schnäbeln, während die „Maschine“ durch die Kurbel dargestellt wird.

Die Aquarellmalerei wirkt auf den ersten Blick kindlich, lässt aber mehrere Interpretationen zu. Das Bild kann als Kritik Klees gedeutet werden, der durch die Vergällung der Vögel zeigt, dass die Technisierung der Welt den Lebewesen ihre Selbstbestimmung raubt.

Weitere Beispiele aus dieser Zeit sind „Der Goldfisch“ von 1925, „Katze und Vogel“ von 1928 und „Hauptweg und Nebenwege“ von 1929. Durch Variationen des Leinwandgrundes und seine kombinierten Maltechniken schuf Klee neue Farbwirkungen und Bildeindrücke.

Von 1916 bis 1925 schuf Klee 50 Handpuppen für seinen Sohn Felix. Die Puppen sind im Werkverzeichnis des Bauhauses nicht erwähnt, da sie von Anfang an als privates Spielzeug gedacht waren. Dennoch sind sie ein eindrucksvolles Beispiel für Klees Bildsprache. Er beschäftigte sich nicht nur privat mit Puppenspielen, sondern auch in seiner künstlerischen Arbeit am Bauhaus.

1931 wechselte Klee nach Düsseldorf, um an der Akademie zu lehren; bald darauf schlossen die Nazis das Bauhaus. In dieser Zeit illustrierte Klee eine Serie von Schutzengeln. Zu diesen Figurationen gehört auch „In Engelshut“. Die Überlagerungstechnik verdeutlicht den vielstimmigen Charakter seiner Zeichenmethode zwischen 1920 und 1932.

Das 1932 entstandene Gemälde Ad Parnassum stammt ebenfalls aus der Düsseldorfer Zeit. 100 cm × 126 cm (39 in × 50 in) Dies ist eines seiner größten Gemälde, da er normalerweise mit kleinen Formaten arbeitete. In diesem mosaikartigen Werk im Stil des Pointillismus kombiniert er verschiedene Techniken und Kompositionsprinzipien. Beeinflusst durch seine Ägyptenreise von 1928 bis 1929, baute Klee ein Farbfeld aus einzeln gestempelten Punkten auf, das von ähnlich gestempelten Linien umgeben ist und eine Pyramide ergibt. Über dem Dach des „Parnass“ befindet sich eine Sonne. Der Titel weist das Bild als Heimat von Apollo und den Musen aus. Während seiner Reisen durch Ägypten 1929 entwickelte Klee eine Verbundenheit mit dem Land, die der Kunsthistoriker Olivier Berggruen als mystisches Gefühl beschreibt: „In der Wüste schienen die intensiven Strahlen der Sonne alles Lebendige zu umhüllen, und in der Nacht war die Bewegung der Sterne noch spürbarer. In der Architektur der antiken Grabmäler entdeckte Klee einen Sinn für Proportion und Maß, in dem der Mensch eine überzeugende Beziehung zur Unermesslichkeit der Landschaft herzustellen schien; außerdem fühlte er sich von der esoterischen Numerologie angezogen, die die Bauweise dieser Monumente bestimmte.“ Im Jahr 1933, seinem letzten Jahr in Deutschland, schuf er eine Reihe von Gemälden und Zeichnungen; das Werkverzeichnis umfasst 482 Arbeiten. Das Selbstbildnis aus demselben Jahr – mit dem programmatischen Titel von der Liste gestrichen – gibt Aufschluss über seine Gefühlslage nach dem Verlust seiner Professur. Das abstrakte Porträt ist in dunklen Farben gemalt und zeigt geschlossene Augen und zusammengepresste Lippen, während auf seinem Hinterkopf ein großes „X“ zu sehen ist, das symbolisiert, dass seine Kunst in Deutschland nicht mehr geschätzt wurde.

Klee schuf 1940 ein Bild, das sich stark von den vorangegangenen Werken unterscheidet, und ließ es unsigniert auf dem Schafott zurück. Das vergleichsweise realistische Stillleben Ohne Titel, später Der Todesengel genannt, zeigt Blumen, einen grünen Topf, eine Skulptur und einen Engel. Der Mond auf schwarzem Grund ist von diesen Gruppen getrennt. An seinem 60. Geburtstag wurde Klee vor diesem Bild fotografiert.

Die Kunst bildet das Sichtbare nicht ab, sondern macht es sichtbar.

„Klees Akt ist sehr prestigeträchtig. In einem Minimum von einer Zeile kann er seine Weisheit offenbaren. Er ist alles; tiefgründig, sanft und noch viel mehr von den guten Dingen, und das, weil er innovativ ist“, schrieb Oskar Schlemmer, Klees zukünftiger Künstlerkollege am Bauhaus, im September 1916 in sein Tagebuch.

Der Schriftsteller und Klee-Freund Wilhelm Hausenstein schrieb in seinem Werk „Über Expressionismus in der Malerei“: „Vielleicht ist Klees Haltung für musikalische Menschen überhaupt verständlich – Klee ist einer der entzückendsten Bach und Händel spielenden Geiger, die je auf Erden wandelten. Für Klee, den deutschen klassischen Maler des Kubismus, wurde die Weltmusik zu seinem Begleiter, vielleicht sogar zu einem Teil seiner Kunst; die in Noten geschriebene Komposition scheint ihm nicht unähnlich zu sein.“

Die Kunst der Geisteskranken inspirierte Klee ebenso wie Kandinsky und Max Ernst, nachdem 1922 Hans Prinzhorns Buch Bildnerei der Geisteskranken erschienen war. 1937 wurden einige Beiträge aus Prinzhorns Sammelband auf der nationalsozialistischen Propagandaausstellung „Entartete Kunst“ in München präsentiert, um die Werke von Kirchner, Klee, Nolde und anderen Künstlern zu diffamieren, indem man sie mit den Werken von Geisteskranken verglich.

1949 äußerte sich Marcel Duchamp über Paul Klee: „Die erste Reaktion vor einem Klee-Gemälde ist die sehr angenehme Entdeckung, was jeder von uns hätte tun können, nämlich versuchen, so zu zeichnen wie in unserer Kindheit. Die meisten seiner Kompositionen zeigen auf den ersten Blick einen schlichten, naiven Ausdruck, wie man ihn in Kinderzeichnungen findet. Bei einer zweiten Analyse kann man eine Technik entdecken, die eine große Reife im Denken zur Grundlage hat. Ein tiefes Verständnis für den Umgang mit Aquarellfarben, um eine persönliche Methode in Öl zu malen, strukturiert in dekorativen Formen, lassen Klee in der zeitgenössischen Kunst herausragen und machen ihn unvergleichlich. Auf der anderen Seite wurde sein Experiment in den letzten 30 Jahren von vielen anderen Künstlern als Grundlage für neuere Schöpfungen in den unterschiedlichsten Bereichen der Malerei übernommen. Seine extreme Produktivität zeigt nie Anzeichen von Wiederholungen, wie es sonst üblich ist. Er hatte so viel zu sagen, dass aus einem Klee nie ein anderer Klee wurde.

Eines von Klees Gemälden, Angelus Novus, war Gegenstand eines interpretierenden Textes des deutschen Philosophen und Literaturkritikers Walter Benjamin, der das Bild 1921 erwarb. In seinen „Thesen zur Geschichtsphilosophie“ schlägt Benjamin vor, den auf dem Gemälde dargestellten Engel als den Engel der Geschichte zu betrachten.

Ein weiterer Aspekt seines Vermächtnisses, der seine facettenreiche Präsenz in der modernen künstlerischen Vorstellungskraft zeigt, ist seine Anziehungskraft auf diejenigen, die sich für die Geschichte des Algorithmus interessieren, wie die Hommage an Paul Klee des Computerkunstpioniers Frieder Nake zeigt.

Musikalische Interpretationen

Im Gegensatz zu seiner Vorliebe für abenteuerliche moderne Experimente in der Malerei fühlte sich der musikalisch begabte Klee zu älteren Musiktraditionen hingezogen; er schätzte weder die Komponisten des späten 19. Jahrhunderts wie Wagner, Bruckner und Mahler noch die zeitgenössische Musik. Bach und Mozart waren für ihn die größten Komponisten, deren Werke er am liebsten spielte.

Architektonische Auszeichnungen

Seit 1995 beherbergt das „Paul Klee-Archiv“ der Universität Jena eine umfangreiche Sammlung von Werken Klees. Es befindet sich innerhalb des von Franz-Joachim Verspohl gegründeten Kunstgeschichtlichen Seminars. Es umfasst die Privatbibliothek des Büchersammlers Rolf Sauerwein, die fast 700 Werke aus 30 Jahren enthält, darunter Monographien über Klee, Ausstellungskataloge, umfangreiche Sekundärliteratur sowie original illustrierte Ausgaben, eine Postkarte und ein signiertes Fotoporträt von Klee.

Der Architekt Renzo Piano hat im Juni 2005 das Zentrum Paul Klee gebaut. Das in Bern gelegene Museum zeigt im sechsmonatigen Turnus rund 150 (von insgesamt 4000 Klee-Werken), da es unmöglich ist, alle Werke auf einmal zu zeigen. Zudem benötigen seine Bilder Ruhezeiten; sie enthalten relativ lichtempfindliche Farben, Tinten und Papiere, die ausbleichen, sich verändern, braun werden und brüchig werden können, wenn sie zu lange dem Licht ausgesetzt sind. Das San Francisco Museum of Modern Art besitzt eine umfangreiche Klee-Sammlung, die von Carl Djerassi gestiftet wurde. Weitere Ausstellungen befinden sich in der Sammlung Rosengart in Luzern, in der Albertina in Wien und im Berggruen Museum in Berlin. Schulen in Gersthofen, Lübeck; Klein-Winternheim, Overath; sein Geburtsort Münchenbuchsee und Düsseldorf tragen seinen Namen.

Tribut

Im Jahr 2018 wurde zu seinem 139. Geburtstag ein Google Doodle erstellt.

Bücher, Aufsätze und Vorträge von Paul Klee

Referenzen

Quellen

  1. Paul Klee
  2. Paul Klee
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.