Louise Bourgeois

Zusammenfassung

Louise Joséphine Bourgeois (25. Dezember 1911 – 31. Mai 2010) war eine französisch-amerikanische Künstlerin. Obwohl sie vor allem für ihre großformatigen Skulpturen und Installationen bekannt ist, war Bourgeois auch eine produktive Malerin und Grafikerin. Im Laufe ihrer langen Karriere beschäftigte sie sich mit einer Vielzahl von Themen, darunter Häuslichkeit und Familie, Sexualität und Körper sowie Tod und das Unbewusste. Diese Themen knüpfen an Ereignisse aus ihrer Kindheit an, die sie als einen therapeutischen Prozess betrachtete. Obwohl Bourgeois mit den Abstrakten Expressionisten ausstellte und ihr Werk viele Gemeinsamkeiten mit dem Surrealismus und der feministischen Kunst aufweist, war sie formal keiner bestimmten künstlerischen Bewegung zuzuordnen.

Frühes Leben

Bourgeois wurde am 25. Dezember 1911 in Paris, Frankreich, geboren. Sie war das mittlere Kind von drei Kindern der Eltern Joséphine Fauriaux und Louis Bourgeois. Ihre Eltern besaßen eine Galerie, die hauptsächlich mit antiken Wandteppichen handelte. Einige Jahre nach ihrer Geburt zog ihre Familie aus Paris aus und richtete unter ihrer Wohnung in Choisy-le-Roi eine Werkstatt für die Restaurierung von Wandteppichen ein, für die Bourgeois die abgenutzten Muster ausfüllte. Der untere Teil der Wandteppiche war immer beschädigt, was meist auf die Füße der Figuren und die Pfoten der Tiere zurückzuführen war.

1930 trat Bourgeois in die Sorbonne ein, um Mathematik und Geometrie zu studieren, Fächer, die sie wegen ihrer Stabilität schätzte: „Ich bekam meinen Seelenfrieden nur durch das Studium von Regeln, die niemand ändern konnte.“

Ihre Mutter starb 1932, während Bourgeois Mathematik studierte. Der Tod ihrer Mutter veranlasste sie, die Mathematik aufzugeben und ein Kunststudium aufzunehmen. Sie setzte ihr Kunststudium fort, indem sie sich an Klassen beteiligte, in denen Übersetzer für englischsprachige Studenten benötigt wurden, zumal für Übersetzer keine Gebühren erhoben wurden. In einer solchen Klasse sah Fernand Léger ihre Arbeiten und sagte ihr, sie sei eine Bildhauerin und keine Malerin. Bourgeois nahm eine Stelle als Dozentin an und leitete Führungen im Musée du Louvre.

Bourgeois schloss 1935 ihr Studium an der Sorbonne ab. Sie beginnt ein Kunststudium in Paris, zunächst an der École des Beaux-Arts und der École du Louvre, ab 1932 an den unabhängigen Akademien von Montparnasse und Montmartre wie der Académie Colarossi, der Académie Ranson, der Académie Julian, der Académie de la Grande Chaumière und bei André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin und Cassandre. Bourgeois wollte Erfahrungen aus erster Hand sammeln und besuchte häufig Ateliers in Paris, um von den Künstlern Techniken zu lernen und bei Ausstellungen mitzuwirken.

1938 eröffnete sie ihre eigene Galerie in einem Raum neben der Tapisserie-Galerie ihres Vaters, wo sie Werke von Künstlern wie Eugène Delacroix, Henri Matisse und Suzanne Valadon ausstellte und wo sie den amerikanischen Kunstprofessor Robert Goldwater als Kunden kennenlernte. Sie heirateten und zogen in die Vereinigten Staaten (wo er an der New York University lehrte). Sie bekamen drei Söhne, von denen einer adoptiert wurde. Die Ehe dauerte bis zu Goldwaters Tod im Jahr 1973.

Bourgeois verarbeitete diese autobiografischen Bezüge in ihrer Skulptur Quarantania I, die im Cullen Sculpture Garden des Museum of Fine Arts, Houston, ausgestellt ist.

Mittlere Jahre

Die frühen 1940er Jahre stehen für Bourgeois für die Schwierigkeiten des Übergangs in ein neues Land und den Kampf um den Eintritt in die Ausstellungswelt von New York City. Ihre Arbeiten aus dieser Zeit bestehen aus Schrott und Treibholz, aus denen sie aufrechte Holzskulpturen schnitzt. Die Unreinheiten des Holzes wurden dann mit Farbe getarnt, und anschließend wurden Nägel verwendet, um Löcher und Kratzer zu erfinden, in dem Bemühen, eine Emotion darzustellen. Die schlafende Figur ist ein solches Beispiel, das eine Kriegsfigur darstellt, die aufgrund ihrer Verletzlichkeit nicht in der Lage ist, sich der realen Welt zu stellen. Zeit ihres Lebens entstand Bourgeois“ Werk aus der Auseinandersetzung mit ihrer eigenen bewegten Vergangenheit, als sie Inspiration und vorübergehende Katharsis aus ihrer Kindheit und dem Missbrauch durch ihren Vater fand. Langsam entwickelte sie mehr künstlerisches Selbstvertrauen, obwohl ihre mittleren Jahre undurchsichtiger sind, was darauf zurückzuführen sein könnte, dass sie trotz ihrer ersten Einzelausstellung im Jahr 1945 nur wenig Aufmerksamkeit von der Kunstwelt erhielt. Im Jahr 1951 starb ihr Vater und sie wurde amerikanische Staatsbürgerin.

1954 schloss sich Bourgeois der American Abstract Artists Group an, der mehrere Zeitgenossen angehörten, darunter Barnett Newman und Ad Reinhardt. In dieser Zeit freundete sie sich auch mit den Künstlern Willem de Kooning, Mark Rothko und Jackson Pollock an. Als Teil der American Abstract Artists Group ging Bourgeois von Holz und aufrechten Strukturen zu Marmor, Gips und Bronze über, während sie sich mit Themen wie Angst, Verletzlichkeit und Kontrollverlust auseinandersetzte. Dieser Übergang war ein Wendepunkt. Sie bezeichnete ihre Kunst als eine Reihe oder Sequenz, die eng mit Tagen und Umständen zusammenhängt, und beschrieb ihr Frühwerk als die Angst vor dem Fallen, die sich später in die Kunst des Fallens und die letzte Entwicklung als die Kunst des Durchhaltens verwandelte. Ihre Konflikte im wirklichen Leben ermächtigten sie, ihre Erfahrungen und Kämpfe durch eine einzigartige Kunstform zu authentifizieren. 1958 zogen Bourgeois und ihr Mann in ein Reihenhaus in der West 20th Street in Chelsea, Manhattan, wo sie für den Rest ihres Lebens lebte und arbeitete.

Obwohl sie es ablehnte, ihre Kunst als feministisch zu bezeichnen, war das Thema von Bourgeois das Weibliche. Werke wie Femme Maison (1946-1947), Torso self-portrait (1963-1964), Arch of Hysteria (1993) zeigen alle den weiblichen Körper. In den späten 1960er Jahren wurde ihre Bildsprache explizit sexueller, als sie die Beziehung zwischen Männern und Frauen und die emotionalen Auswirkungen ihrer schwierigen Kindheit erforschte. Sexuell explizite Skulpturen wie Janus Fleuri (1968) zeigen, dass sie sich nicht scheute, die weibliche Form auf neue Weise zu nutzen. Sie wurde mit den Worten zitiert: „Meine Arbeit befasst sich mit Problemen, die vor der Geschlechterfrage liegen“, schrieb sie. „Zum Beispiel ist Eifersucht weder männlich noch weiblich“. Mit dem Aufkommen des Feminismus fand ihr Werk ein größeres Publikum. Trotz dieser Behauptung wurde Femme Maison 1976 auf dem Cover von Lucy Lippards Buch From the Center: Feminist Essays on Women“s Art abgebildet und wurde zu einer Ikone der feministischen Kunstbewegung.

Späteres Leben

Ab 1973 lehrte Bourgeois am Pratt Institute, an der Cooper Union, am Brooklyn College und an der New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Von 1974 bis 1977 arbeitete Bourgeois an der School of Visual Arts in New York, wo sie Druckgrafik und Bildhauerei unterrichtete. Außerdem unterrichtete sie viele Jahre lang an den öffentlichen Schulen in Great Neck, Long Island.

In den frühen 1970er Jahren veranstaltete Bourgeois in ihrem Haus in Chelsea Versammlungen unter dem Titel „Sunday, bloody Sundays“. Diese Salons waren mit jungen Künstlern und Studenten gefüllt, deren Arbeiten von Bourgeois kritisiert wurden. Bourgeois“ Schonungslosigkeit in der Kritik und ihr trockener Sinn für Humor führten zur Namensgebung dieser Treffen. Bourgeois inspirierte viele junge Studenten zu einer feministisch geprägten Kunst. Louises langjähriger Freund und Assistent, Jerry Gorovoy, erklärte jedoch, dass Louise ihr eigenes Werk als „prä-gender“ betrachtete.

Bourgeois schloss sich mit Aktivisten zusammen und wurde Mitglied der Fight Censorship Group, einem feministischen Anti-Zensur-Kollektiv, das von ihrer Künstlerkollegin Anita Steckel gegründet wurde. In den 1970er Jahren verteidigte die Gruppe die Verwendung sexueller Bilder in Kunstwerken. Steckel argumentierte: „Wenn der erigierte Penis nicht gesund genug ist, um in Museen gezeigt zu werden, sollte er auch nicht als gesund genug angesehen werden, um in Frauen gezeigt zu werden.“

1978 erhielt Bourgeois von der General Services Administration den Auftrag, Facets of the Sun, ihre erste öffentliche Skulptur, zu schaffen. Das Werk wurde vor einem Bundesgebäude in Manchester, New Hampshire, aufgestellt. 1982 erhielt Bourgeois ihre erste Retrospektive im Museum of Modern Art in New York City. Bis dahin war sie in der Kunst eher eine Randfigur, deren Werk mehr bewundert als gefeiert wurde. In einem Interview mit Artforum, das zeitlich mit der Eröffnung ihrer Retrospektive zusammenfiel, verriet sie, dass die Bilder in ihren Skulpturen völlig autobiografisch seien. Sie teilte der Welt mit, dass sie das Trauma, das sie als Kind erlitt, als sie erfuhr, dass ihre englische Gouvernante auch die Geliebte ihres Vaters war, in ihrer Kunst obsessiv durchlebte.

1989 fertigte Bourgeois eine Kaltnadelradierung mit dem Titel Mud Lane von ihrem Haus in Stapleton, Staten Island, an, das sie eher als skulpturale Umgebung denn als Wohnraum betrachtete.

Eine weitere Retrospektive hatte Bourgeois 1989 auf der Documenta 9 in Kassel, Deutschland. Als die Royal Academy of Arts 1993 eine umfassende Übersicht über die amerikanische Kunst des 20. Jahrhunderts veranstaltete, hielten die Organisatoren das Werk von Bourgeois nicht für wichtig genug, um es in die Übersicht aufzunehmen. Ein Kritiker schrieb, dass „ganze Abschnitte der besten amerikanischen Kunst ausgelöscht“ worden seien, und wies darauf hin, dass nur sehr wenige Frauen berücksichtigt worden seien. Im Jahr 2000 wurden ihre Werke ausgewählt, um bei der Eröffnung der Tate Modern in London gezeigt zu werden. 2001 stellte sie in der Eremitage aus.

Im Jahr 2010, im letzten Jahr ihres Lebens, nutzte Bourgeois ihre Kunst, um sich für die Gleichstellung von Lesben, Schwulen, Bisexuellen und Transgender (LGBT) einzusetzen. Sie schuf das Werk I Do, das zwei Blumen zeigt, die aus einem Stiel wachsen, zugunsten der gemeinnützigen Organisation Freedom to Marry. Bourgeois sagte: „Jeder sollte das Recht haben, zu heiraten. Sich zu verpflichten, jemanden für immer zu lieben, ist eine wunderschöne Sache“. Bourgeois hat sich bereits in der Vergangenheit für die Gleichstellung von LGBT eingesetzt und 1993 Kunstwerke für die AIDS-Aktivistenorganisation ACT UP geschaffen.

Tod

Bourgeois starb am 31. Mai 2010 im Beth Israel Medical Center in Manhattan an Herzversagen. Wendy Williams, die Geschäftsführerin des Louise Bourgeois Studio, gab ihren Tod bekannt. Bis zu ihrem Tod hatte sie weiter gearbeitet, ihre letzten Werke wurden in der Woche zuvor fertiggestellt.

Die New York Times schrieb, dass ihr Werk „eine Reihe sich wiederholender Themen aufweist, die sich um den menschlichen Körper und sein Bedürfnis nach Pflege und Schutz in einer beängstigenden Welt drehen“.

Ihr Ehemann, Robert Goldwater, starb 1973. Sie hinterlässt zwei Söhne, Alain Bourgeois und Jean-Louis Bourgeois. Ihr erster Sohn, Michel, starb 1990.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) ist eine Serie von Gemälden, in denen Bourgeois die Beziehung zwischen der Frau und dem Haus untersucht. In den Werken sind die Köpfe der Frauen durch Häuser ersetzt worden, die ihre Körper von der Außenwelt isolieren und ihre Gedanken häuslich halten. Dieses Thema geht einher mit der Entmenschlichung der modernen Kunst.

Zerstörung des Vaters

Destruction of the Father (1974) ist eine biografische und psychologische Erkundung der Machtdominanz des Vaters und seines Nachwuchses. Die Arbeit ist eine fleischfarbene Installation in einem weichen, schoßartigen Raum. Die aus Gips, Latex, Holz, Stoff und rotem Licht gefertigte Arbeit Destruction of the Father war die erste Arbeit, in der sie weiche Materialien in großem Maßstab verwendete. Beim Betreten der Installation befindet sich der Betrachter in den Nachwehen eines Verbrechens. In einem stilisierten Esszimmer (mit der doppelten Wirkung eines Schlafzimmers) haben die abstrakten, klecksartigen Kinder eines übermächtigen Vaters rebelliert, ihn ermordet und aufgegessen.

… und erzählt dem gefangenen Publikum, wie großartig er ist, was er alles getan hat und welche bösen Menschen er heute zur Strecke gebracht hat. Aber so geht es Tag für Tag weiter. Es liegt eine Tragödie in der Luft. Einmal zu oft hat er seine Meinung gesagt. Er ist unerträglich dominierend, obwohl er es wahrscheinlich selbst nicht merkt. Eine Art Unmut wächst, und eines Tages beschlossen mein Bruder und ich: „Jetzt ist es so weit! Wir packten ihn, legten ihn auf den Tisch und sezierten ihn mit unseren Messern. Wir nahmen ihn auseinander und zerstückelten ihn, wir schnitten seinen Penis ab. Und er wurde zum Essen. Wir haben ihn aufgegessen … er wurde liquidiert, wie er die Kinder liquidiert hat.

Exorzismus in der Kunst

Im Jahr 1982 stellte das Museum of Modern Art in New York City das Werk der unbekannten Künstlerin Louise Bourgeois aus. Sie war 70 Jahre alt und arbeitete mit verschiedenen Medien wie Papier, Metall, Marmor und Tierskelettknochen. Familiäre Kindheitstraumata führten zu einem „Exorzismus in der Kunst“, und sie versuchte verzweifelt, ihre Unruhe durch ihre Arbeit zu lindern. Sie hatte das Gefühl, dass sie mit Fragen der weiblichen Identität, des Körpers und der zerrütteten Familie in Berührung kommen konnte, lange bevor die Kunstwelt und die Gesellschaft diese Themen in der Kunst zum Ausdruck brachten. Auf diese Weise konnte Bourgeous ihre Mitte finden und ihre emotionale Unruhe stabilisieren. Die New York Times schrieb damals: „Ihr Werk ist aufgeladen mit Zärtlichkeit und Gewalt, Akzeptanz und Trotz, Ambivalenz und Überzeugung.“

Zellen

In den Achtzigern schuf Bourgeois zwei Serien von geschlossenen Installationen, die sie als Cells bezeichnete. Bei vielen handelt es sich um kleine Gehäuse, in denen der Betrachter aufgefordert wird, einen Blick auf Anordnungen symbolischer Objekte zu werfen; andere sind kleine Räume, in die der Betrachter eingeladen wird, einzutreten. In den Cells verwendet Bourgeois frühere skulpturale Formen, gefundene Objekte sowie persönliche Gegenstände, die für die Künstlerin eine starke emotionale Ladung darstellen.

Die Zellen umschließen psychologische und intellektuelle Zustände, vor allem Gefühle von Angst und Schmerz. Bourgeois erklärte, dass die Zellen „verschiedene Arten von Schmerz darstellen: körperliche, emotionale und psychologische, mentale und intellektuelle … Jede Zelle befasst sich mit einer Angst. Furcht ist Schmerz … Jede Zelle befasst sich mit dem Vergnügen des Voyeurs, dem Nervenkitzel des Schauens und Angeschautwerdens.“

Maman

In den späten 1990er Jahren begann Bourgeois, die Spinne als zentrales Bild in ihrer Kunst zu verwenden. Die über neun Meter hohe Maman ist eine Stahl- und Marmorskulptur, von der in der Folge eine Auflage von sechs Bronzen gegossen wurde. Sie wurde erstmals im Rahmen von Bourgeois“ Auftragsarbeit The Unilever Series für die Turbinenhalle der Tate Modern im Jahr 2000 gezeigt, und kürzlich wurde die Skulptur im Qatar National Convention Centre in Doha, Katar, aufgestellt. Ihre größte Spinnenskulptur mit dem Titel Maman ist über 9,1 m hoch und wurde an zahlreichen Orten auf der ganzen Welt aufgestellt. Maman ist die größte Spinnenskulptur, die Bourgeois je geschaffen hat und spielt auf die Kraft ihrer Mutter an, mit Metaphern des Spinnens, Webens, Nährens und Beschützens. Die Häufigkeit des Spinnenmotivs in ihrem Werk hat ihr den Spitznamen „Spiderwoman“ eingebracht.

Die Spinne ist eine Ode an meine Mutter. Sie war meine beste Freundin. Wie eine Spinne war auch meine Mutter eine Weberin. Meine Familie war in der Restaurierung von Wandteppichen tätig, und meine Mutter war für die Werkstatt zuständig. Wie Spinnen war meine Mutter sehr klug. Spinnen sind freundliche Wesen, die Stechmücken fressen. Wir wissen, dass Stechmücken Krankheiten übertragen und daher unerwünscht sind. Spinnen sind also hilfreich und beschützend, genau wie meine Mutter.

Maisons fragiles Leere Häuser

Die Skulpturen Maisons fragiles Empty Houses von Bourgeois sind parallele, hohe Metallstrukturen, die ein einfaches Tablett tragen. Man muss sie in natura sehen, um ihre Wirkung zu spüren. Sie sind weder bedrohlich noch schützend, sondern bringen die Tiefen der Angst in uns zum Vorschein. Bachelards Erkenntnisse aus psychologischen Tests zeigen, dass ein ängstliches Kind ein hohes, schmales Haus ohne Sockel zeichnen wird. Bourgeois hatte eine steinige, traumatische Kindheit, und das könnte der Grund sein, warum diese Werke entstanden sind.

Druckgrafik

Die Druckgrafik von Bourgeois erlebte ihre Blütezeit in den frühen und späten Phasen ihrer Karriere: in den 1930er und 1940er Jahren, als sie zum ersten Mal von Paris nach New York kam, und dann wieder ab den 1980er Jahren, als ihr Werk eine breite Anerkennung fand. Anfangs druckte sie zu Hause auf einer kleinen Presse oder in der renommierten Werkstatt Atelier 17. Danach folgte eine lange Pause, in der sich Bourgeois ganz der Bildhauerei widmete. Erst im Alter von siebzig Jahren begann sie wieder mit der Herstellung von Druckgrafiken, zunächst auf Anregung von Verlegern. Sie stellt ihre alte Presse wieder auf und baut eine zweite hinzu, arbeitet aber auch eng mit Druckern zusammen, die zu ihr nach Hause kommen, um mit ihr zusammenzuarbeiten. Es folgt eine sehr aktive Phase der Druckgrafik, die bis zum Tod der Künstlerin andauert. Im Laufe ihres Lebens schuf Bourgeois etwa 1.500 gedruckte Werke.

1990 beschloss Bourgeois, das gesamte Archiv ihrer gedruckten Werke dem Museum of Modern Art zu schenken. 2013 veröffentlichte das Museum den Online-Raisonné-Katalog „Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books“. Die Website konzentriert sich auf den kreativen Prozess der Künstlerin und stellt die Drucke und illustrierten Bücher von Bourgeois in den Kontext ihres Gesamtschaffens, indem sie verwandte Werke in anderen Medien aufführt, die sich mit denselben Themen und Bildern befassen.

Themen

Ein Thema in Bourgeois“ Werk sind Kindheitstraumata und versteckte Gefühle. Nachdem Louises Mutter an einer Grippe erkrankt war, begann ihr Vater, Affären mit anderen Frauen zu haben, vor allem mit Sadie, Louises Englischlehrerin. Er brachte Geliebte mit nach Hause und wurde vor der ganzen Familie untreu. Louise war sehr wachsam und sich der Situation bewusst. Dies war der Beginn der Auseinandersetzung der Künstlerin mit der Doppelmoral in Bezug auf Geschlecht und Sexualität, die in vielen ihrer Werke zum Ausdruck kam. Sie erinnert sich daran, dass ihr Vater trotz Untreue immer wieder „Ich liebe dich“ zu ihrer Mutter sagte. „Er war der Wolf, und sie war der vernünftige Hase, der ihm vergab und ihn so akzeptierte, wie er war“. Ihr 1993 entstandenes Werk Cell: You Better Grow Up, das zu ihrer Cell-Serie gehört, spricht Louises Kindheitstrauma und die Unsicherheit, die sie umgab, direkt an. Give or Take von 2002 ist von versteckten Emotionen geprägt und stellt das intensive Dilemma dar, mit dem Menschen im Laufe ihres Lebens konfrontiert sind, wenn sie versuchen, das Gleichgewicht zwischen Geben und Nehmen zu finden. Dieses Dilemma wird nicht nur durch die Form der Skulptur dargestellt, sondern auch durch die Schwere des Materials, aus dem das Werk gefertigt ist.

Die Mutterschaft ist ein weiteres wiederkehrendes Thema in Bourgeois“ Werk. Es war ihre Mutter, die Bourgeois zum Zeichnen anregte und sie in das Tapisseriegeschäft einbezog. Bourgeois schätzte ihre Mutter als intellektuell und methodisch; das durchgängige Motiv der Spinne in ihrem Werk steht oft für ihre Mutter. Die Vorstellung von einer Spinne, die ihr Netz spinnt und webt, ist ein direkter Verweis auf das elterliche Tapisseriegeschäft und kann auch als Metapher für ihre Mutter gesehen werden, die Dinge repariert.

Bourgeois hat das Konzept der Weiblichkeit erforscht, indem sie die patriarchalischen Normen in Frage stellte und Kunstwerke über Mutterschaft schuf, anstatt Frauen als Musen oder Ideale darzustellen. Sie wurde als „widerstrebende Heldin der feministischen Kunst“ bezeichnet. Louise Bourgeois verfolgte in ihrem Werk einen ähnlichen feministischen Ansatz wie Künstlerinnen wie Agnes Martin und Eva Hesse, die sich weniger vom Politischen leiten ließen, sondern vielmehr Werke schufen, die sich auf ihre Erfahrungen mit Geschlecht und Sexualität stützten und sich auf natürliche Weise mit Frauenthemen befassten.

Architektur und Erinnerung sind wichtige Bestandteile von Bourgeois“ Werk. Bourgeois“ Arbeiten wirken sehr organisch, biologisch und reproduktiv; sie lenken die Aufmerksamkeit auf das Werk selbst. Louise Bourgeois beschreibt Architektur als visuellen Ausdruck von Erinnerung oder Erinnerung als eine Art von Architektur. Die Erinnerung, die in vielen ihrer Arbeiten auftaucht, ist eine erfundene Erinnerung – an den Tod oder den Exorzismus ihres Vaters. Die imaginierte Erinnerung ist mit ihren realen Erinnerungen verwoben, darunter das Leben gegenüber einem Schlachthof und die Affäre ihres Vaters. Für Louise stand ihr Vater für Verletzung und Krieg, für die Vergrößerung seiner selbst und die Verkleinerung anderer und vor allem für einen Mann, der für Verrat stand. Ihr 1993 entstandenes Werk Cell (Three White Marble Spheres) spricht von Angst und Gefangenschaft. Die Spiegel in der Zelle zeigen eine veränderte und verzerrte Realität.

Sexualität ist zweifelsohne eines der wichtigsten Themen im Werk von Louise Bourgeois. Auch die Verbindung zwischen Sexualität und Zerbrechlichkeit oder Unsicherheit ist stark. Es wird behauptet, dass dies auf ihre Kindheitserinnerungen und die Affären ihres Vaters zurückzuführen ist. Die Spiralfrau von 1952 kombiniert Louises Fokus auf weibliche Sexualität und Folter. Die sich bewegenden Bein- und Armmuskeln deuten darauf hin, dass die Spiralfrau noch oben ist, obwohl sie erstickt und aufgehängt wird. In In and Out von 1995 werden kalte Metallmaterialien verwendet, um Sexualität mit Wut und vielleicht sogar Gefangenschaft zu verbinden.

Die Spirale in ihrem Werk zeigt die gefährliche Suche nach einem prekären Gleichgewicht, einer unfallfreien permanenten Veränderung, einem Durcheinander, einem Schwindel, einem Wirbelwind. Darin liegt das Positive und Negative zugleich, Zukunft und Vergangenheit, Aufbruch und Rückkehr, Hoffnung und Eitelkeit, Plan und Erinnerung.

Das Werk von Louise Bourgeois ist geprägt von Bekenntnissen, Selbstporträts, Erinnerungen und Fantasien eines ruhelosen Wesens, das in seiner Skulptur den Frieden und die Ordnung sucht, die es in seiner Kindheit vermisst hat.

Zusammenarbeit

Diese Zusammenarbeit fand über einen Zeitraum von zwei Jahren mit der britischen Künstlerin Tracey Emin statt. Das Werk wurde einige Monate nach dem Tod von Bourgeois im Jahr 2010 in London ausgestellt. Das Sujet besteht aus männlichen und weiblichen Bildern. Obwohl sie sexuell anmuten, handelt es sich um eine winzige weibliche Figur, die einer riesigen männlichen Figur, wie einem Gott, huldigt. Louise Bourgeois hat die Aquarelle gemalt und Tracey Emin hat die Zeichnung darüber angefertigt. Emin brauchte zwei Jahre, um herauszufinden, was sie zu dieser Zusammenarbeit beitragen würde. Als sie wusste, was sie tun sollte, stellte sie alle Zeichnungen an einem Tag fertig und ist überzeugt, dass jede einzelne perfekt gelungen ist. In I Lost You geht es um den Verlust von Kindern, den Verlust des Lebens. Bourgeois musste ihren Sohn als Elternteil begraben. Das Verlassenwerden bedeutet für sie nicht nur den Verlust ihrer Mutter, sondern auch den ihres Sohnes. Trotz des Altersunterschieds zwischen den beiden Künstlern und der Unterschiede in ihrer Arbeit funktionierte die Zusammenarbeit sanft und problemlos.

Zu den wichtigsten Beständen ihrer Werke gehören die National Gallery of Art in Washington, D.C., das Museum of Modern Art in New York und das Nasher Sculpture Center, das San Francisco Museum of Modern Art, die National Gallery of Canada, die Tate in London und das Centre Pompidou in Paris. Im Laufe ihrer Karriere kannte Bourgeois viele ihrer wichtigsten Sammler, wie Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles und Ursula Hauser. Zu den weiteren Privatsammlungen mit bemerkenswerten Werken von Bourgeois gehört die Sammlung Goetz in München.

Bourgeois arbeitet seit 1987 mit der Galeristin Paule Anglim in San Francisco, seit 1990 mit Karsten Greve in Paris und seit 1997 mit Hauser & Wirth zusammen. Hauser & Wirth ist die wichtigste Galerie für ihren Nachlass. Andere Galerien wie die Kukje Gallery in Seoul und Xavier Hufkens in Brüssel handeln weiterhin mit ihren Werken.

Im Jahr 2011 wurde eines von Bourgeois“ Werken mit dem Titel „Spider“ für 10,7 Millionen Dollar verkauft, ein neuer Rekordpreis für die Künstlerin bei einer Auktion und der höchste Preis, der damals für ein Werk einer Frau bezahlt wurde. Ende 2015 wurde das Werk bei einer weiteren Christie“s-Auktion für 28,2 Millionen Dollar verkauft.

Louise Bourgeois im Museum of Fine Arts, Houston: https:www.mfah.orgblogsinside-mfaha-confessional-sculpture-by-louise-bourgeois

Quellen

  1. Louise Bourgeois
  2. Louise Bourgeois
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