Andy Warhol

Zusammenfassung

Andy Warhol (6. August 1928 – 22. Februar 1987) war ein amerikanischer Künstler, Filmregisseur und Produzent, der zu den führenden Vertretern der als Pop Art bekannten visuellen Kunstbewegung gehörte. Seine Werke erforschen die Beziehung zwischen künstlerischem Ausdruck, Werbung und Promi-Kultur, die in den 1960er Jahren aufblühte, und umfassen eine Vielzahl von Medien, darunter Malerei, Siebdruck, Fotografie, Film und Skulptur. Zu seinen bekanntesten Werken zählen die Siebdrucke Campbell“s Soup Cans (1962) und Marilyn Diptych (1962), die Experimentalfilme Empire (1964) und Chelsea Girls (1966) sowie die als Exploding Plastic Inevitable (1966-67) bekannten Multimedia-Events.

Der in Pittsburgh geborene und aufgewachsene Warhol verfolgte zunächst eine erfolgreiche Karriere als Werbezeichner. Nachdem er in den späten 1950er Jahren seine Werke in mehreren Galerien ausgestellt hatte, begann er, als einflussreicher und kontroverser Künstler anerkannt zu werden. Sein New Yorker Atelier, The Factory, wurde zu einem bekannten Treffpunkt, an dem sich angesehene Intellektuelle, Drag Queens, Dramatiker, Bohemiens, Hollywood-Prominente und reiche Mäzene trafen. Er förderte eine Reihe von Persönlichkeiten, die als Warhol-Superstars bekannt wurden, und gilt als Erfinder des weit verbreiteten Ausdrucks „15 Minuten Ruhm“. In den späten 1960er Jahren leitete und produzierte er die experimentelle Rockband The Velvet Underground und gründete die Zeitschrift Interview. Er ist Autor zahlreicher Bücher, darunter The Philosophy of Andy Warhol und Popism: The Warhol Sixties. Er lebte offen als schwuler Mann, noch vor der Schwulenbefreiungsbewegung. Im Juni 1968 wurde er beinahe von der radikalen Feministin Valerie Solanas ermordet, die ihn in seinem Studio erschoss. Nach einer Gallenblasenoperation starb Warhol im Februar 1987 im Alter von 58 Jahren in New York an Herzrhythmusstörungen.

Warhol war Gegenstand zahlreicher retrospektiver Ausstellungen, Bücher, Spiel- und Dokumentarfilme. Das Andy Warhol Museum in seiner Geburtsstadt Pittsburgh, das eine umfangreiche ständige Sammlung von Kunstwerken und Archiven beherbergt, ist das größte Museum in den Vereinigten Staaten, das einem einzelnen Künstler gewidmet ist. In einem Artikel aus dem Jahr 2009 in The Economist wurde Warhol als „Leitstern des Kunstmarktes“ bezeichnet. Viele seiner Werke sind sehr begehrt und sehr wertvoll. Der höchste Preis, der je für ein Warhol-Gemälde gezahlt wurde, liegt bei 105 Millionen Dollar für eine Serigrafie von 1963 mit dem Titel Silver Car Crash (Double Disaster). Zu seinen Werken gehören einige der teuersten jemals verkauften Gemälde.

Frühes Leben und Anfänge (1928-1949)

Warhol wurde am 6. August 1928 in Pittsburgh, Pennsylvania, geboren. Er war das vierte Kind von Ondrej Warhola (amerikanisiert als Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) und Julia (geb. Zavacká, 1892-1972), deren erstes Kind in ihrer Heimat Österreich-Ungarn geboren wurde und vor ihrem Umzug in die USA starb.

Seine Eltern stammten aus der Arbeiterklasse der Lemko-Emigranten aus Mikó, Österreich-Ungarn (heute Miková, in der heutigen Nordostslowakei gelegen). Warhols Vater wanderte 1914 in die Vereinigten Staaten aus, und seine Mutter folgte ihm 1921 nach dem Tod von Warhols Großeltern. Warhols Vater arbeitete in einem Kohlebergwerk. Die Familie wohnte in der Beelen Street 55 und später in der Dawson Street 3252 im Stadtteil Oakland von Pittsburgh. Die Familie war ruthenisch-katholisch und besuchte die byzantinisch-katholische Kirche St. John Chrysostomus. Andy Warhol hatte zwei ältere Brüder – Pavol (Ján wurde in Pittsburgh geboren. Der Sohn von Pavol, James Warhola, wurde ein erfolgreicher Kinderbuchillustrator.

In der dritten Klasse erkrankte Warhol an Chorea Sydenham (auch bekannt als Veitstanz), einer Nervenkrankheit, die unwillkürliche Bewegungen der Extremitäten hervorruft und von der man annimmt, dass sie eine Komplikation des Scharlachfiebers ist, das zu Pigmentflecken auf der Haut führt. In den Zeiten, in denen er ans Bett gefesselt war, zeichnete er, hörte Radio und sammelte Bilder von Filmstars rund um sein Bett. Warhol beschrieb diese Zeit später als sehr wichtig für die Entwicklung seiner Persönlichkeit, seiner Fähigkeiten und Vorlieben. Als Warhol 13 Jahre alt war, starb sein Vater bei einem Unfall.

Als Teenager machte Warhol 1945 seinen Abschluss an der Schenley High School, und als Teenager gewann er auch einen Scholastic Art and Writing Award. Nach seinem Highschool-Abschluss wollte er Kunsterziehung an der Universität von Pittsburgh studieren, in der Hoffnung, Kunstlehrer zu werden. Doch seine Pläne änderten sich und er schrieb sich am Carnegie Institute of Technology, der heutigen Carnegie Mellon University in Pittsburgh, ein, wo er Gebrauchsgrafik studierte. Während seiner Zeit dort trat Warhol dem Modern Dance Club und der Beaux Arts Society der Universität bei. Er fungierte auch als künstlerischer Leiter der studentischen Kunstzeitschrift Cano und illustrierte 1948 eine Titelseite und 1949 eine ganzseitige Innenillustration. Es wird angenommen, dass dies seine ersten beiden veröffentlichten Kunstwerke waren. Warhol erwarb 1949 einen Bachelor of Fine Arts in Bildgestaltung. Noch im selben Jahr zog er nach New York City und begann eine Karriere in der Zeitschriftenillustration und Werbung.

1950s

Warhols frühe Karriere war der Werbegrafik gewidmet. Sein erster Auftrag war das Zeichnen von Schuhen für die Zeitschrift Glamour in den späten 1940er Jahren. In den 1950er Jahren arbeitete Warhol als Designer für den Schuhhersteller Israel Miller. Während seiner Arbeit in der Schuhindustrie entwickelte Warhol seine „Blotted Line“-Technik, bei der er Tinte auf Papier auftrug und die noch feuchte Tinte anschließend verwischte, was einem Druckverfahren auf rudimentärster Ebene ähnelte. Die Verwendung von Transparentpapier und Tinte ermöglichte es ihm, das Grundbild zu wiederholen und auch endlose Variationen des Themas zu schaffen. Der amerikanische Fotograf John Coplans erinnerte sich an Folgendes

Niemand hat Schuhe so gezeichnet wie Andy. Irgendwie verlieh er jedem Schuh ein eigenes Temperament, eine Art verschlagene Toulouse-Lautrec“sche Raffinesse, aber die Form und der Stil kamen akkurat rüber und die Schnalle war immer an der richtigen Stelle. Die Kinder in der Wohnung [die Andy in New York teilte – Anm. von Coplans] bemerkten, dass die Vamps auf Andys Schuhzeichnungen immer länger wurden, aber Miller machte das nichts aus. Miller liebte sie.

1952 hatte Warhol seine erste Einzelausstellung in der Hugo Gallery in New York, und obwohl diese Ausstellung nicht gut aufgenommen wurde, war er 1956 in seiner ersten Gruppenausstellung im Museum of Modern Art in New York vertreten. Warhols „skurrile“ Tuschezeichnungen von Schuhwerbung wurden 1957 in einigen seiner ersten Ausstellungen in der Bodley Gallery in New York gezeigt.

Warhol nutzte die Möglichkeit, mit einem Epidiaskop projizierte Fotografien abzutasten. Unter Verwendung von Abzügen von Edward Wallowitch, seinem „ersten Freund“, erfuhren die Fotografien während Warhols oft flüchtigem Nachzeichnen von Konturen und Schraffieren von Schatten eine subtile Transformation. Warhol verwendete Wallowitch“s Foto Young Man Smoking a Cigarette (ca. 1956) für einen Entwurf eines Buchumschlags, den er 1958 bei Simon and Schuster für den Walter Ross-Pulp-Roman The Immortal einreichte, und verwendete später weitere für seine Gemäldeserie.

Mit der raschen Expansion der Plattenindustrie beauftragte RCA Records Warhol zusammen mit einem anderen freischaffenden Künstler, Sid Maurer, mit der Gestaltung von Plattencovern und Werbematerialien.

1960s

Warhol war ein früher Anwender des Siebdruckverfahrens als Technik zur Herstellung von Gemälden. Im Jahr 1962 wurde Warhol von Max Arthur Cohn in seinem Grafikgeschäft in Manhattan in der Siebdrucktechnik unterrichtet. In seinem Buch Popism: The Warhol Sixties schreibt Warhol: „Wenn man etwas genau falsch macht, kommt immer etwas dabei heraus.“

Im Mai 1962 wurde Warhol in einem Artikel des Time Magazine mit seinem Gemälde Big Campbell“s Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962) vorgestellt, das sein beständigstes Motiv, die Campbell“s-Suppendose, einführte. Dieses Gemälde war das erste, das Warhol in einem Museum zeigte, als es im Juli 1962 im Wadsworth Atheneum in Hartford ausgestellt wurde. Am 9. Juli 1962 wurde Warhols Ausstellung in der Ferus Gallery in Los Angeles mit Campbell“s Soup Cans eröffnet, womit er sein Debüt an der Westküste mit Pop Art gab.

Im November 1962 hatte Warhol eine Ausstellung in der Eleanor Ward“s Stable Gallery in New York. Die Ausstellung umfasste die Werke Gold Marilyn, acht der klassischen „Marilyn“-Serie, auch „Flavor Marilyns“ genannt, Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles und 100 Dollar Bills. Die „Flavor Marilyns“ wurden aus einer Gruppe von vierzehn Leinwänden der Unterserie ausgewählt, die jeweils 20″ x 16″ messen. Einige der Leinwände wurden nach verschiedenen Geschmacksrichtungen von Life Savers benannt, darunter Cherry Marilyn, Lemon Marilyn, Mint, Lavender, Grape oder Licorice Marilyn. Die anderen sind durch ihre Hintergrundfarben gekennzeichnet. Gold Marilyn“ wurde von dem Architekten Philip Johnson gekauft und dem Museum of Modern Art geschenkt. Auf der Ausstellung lernte Warhol den Dichter John Giorno kennen, der 1964 die Hauptrolle in Warhols erstem Film Sleep spielen sollte.

In den 1960er Jahren begann Warhol, Gemälde von ikonischen amerikanischen Objekten wie Dollarscheinen, Atompilzen, elektrischen Stühlen, Campbell“s-Suppendosen, Coca-Cola-Flaschen, Berühmtheiten wie Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando, Troy Donahue, Muhammad Ali und Elizabeth Taylor sowie Zeitungsschlagzeilen oder Fotos von Polizeihunden, die afroamerikanische Demonstranten während der Birmingham-Kampagne der Bürgerrechtsbewegung angriffen, zu malen. In diesen Jahren gründete er sein Studio „The Factory“ und versammelte eine Vielzahl von Künstlern, Schriftstellern, Musikern und Underground-Prominenten um sich. Seine Arbeit wurde populär und umstritten. Warhol sagte dies über Coca-Cola:

Das Tolle an diesem Land ist, dass Amerika die Tradition begründet hat, dass die reichsten Verbraucher im Wesentlichen die gleichen Dinge kaufen wie die ärmsten. Sie können im Fernsehen Coca-Cola sehen, und Sie wissen, dass der Präsident Coca-Cola trinkt, Liz Taylor trinkt Coca-Cola, und denken Sie nur, Sie können auch Coca-Cola trinken. Eine Cola ist eine Cola, und für kein Geld der Welt kann man eine bessere Cola bekommen als die, die der Penner an der Ecke trinkt. Alle Colas sind gleich und alle Colas sind gut. Liz Taylor weiß es, die Präsidentin weiß es, der Penner weiß es, und Sie wissen es.

Im Dezember 1962 veranstaltete das Museum of Modern Art in New York City ein Symposium über Pop Art, bei dem Künstler wie Warhol wegen ihrer „Kapitulation“ vor dem Konsumismus angegriffen wurden. Die Kritiker waren entsetzt über Warhols offene Akzeptanz der Marktkultur, die den Ton für seine Rezeption angab.

Im Frühjahr 1964 hatte Warhol seine zweite Ausstellung in der Stable Gallery, in der er Skulpturen aus handelsüblichen Kisten zeigte, die gestapelt und im Raum verstreut waren, um einem Lagerhaus zu ähneln. Für die Ausstellung bestellte Warhol eigens Holzkisten und bedruckte sie mit Siebdruckgrafiken. Die Skulpturen – die Brillo Box, die Del Monte Peach Box, die Heinz Tomato Ketchup Box, die Kellog“s Cornflakes Box, die Campbell“s Tomato Juice Box und die Mott“s Apple Juice Box – wurden je nach Größe der Box für 200 bis 400 Dollar verkauft.

Ein zentrales Ereignis war die Ausstellung The American Supermarket in der Galerie von Paul Bianchini in der Upper East Side im Herbst 1964. Die Ausstellung präsentierte sich wie ein typischer kleiner Supermarkt, nur dass alles, was sich darin befand – die Produkte, die Konserven, das Fleisch, die Plakate an den Wänden usw. -, von prominenten Pop-Künstlern der damaligen Zeit gestaltet wurde, darunter die Bildhauer Claes Oldenburg, Mary Inman und Bob Watts. Warhol entwarf eine 12-Dollar-Einkaufstüte aus Papier – schlicht weiß mit einer roten Campbell“s-Suppendose. Sein Gemälde einer Campbell“s-Suppendose kostete 1.500 Dollar, während jede signierte Dose für 3 Stück für 18 Dollar, also 6,50 Dollar, verkauft wurde. Die Ausstellung war eine der ersten Massenveranstaltungen, die die breite Öffentlichkeit direkt mit der Pop Art und der immerwährenden Frage konfrontierte, was Kunst ist.

Als Werbezeichner in den 1950er Jahren setzte Warhol Assistenten ein, um seine Produktivität zu steigern. Die Zusammenarbeit mit Assistenten sollte ein bestimmendes Element bleiben (dies gilt insbesondere für die 1960er Jahre). Einer der wichtigsten Mitarbeiter in dieser Zeit war Gerard Malanga. Malanga unterstützte den Künstler bei der Herstellung von Siebdrucken, Filmen, Skulpturen und anderen Werken in „The Factory“, Warhols mit Aluminiumfolie und Silberfarbe ausgekleidetem Atelier in der 47th Street (das später an den Broadway verlegt wurde). Zu Warhols Factory-Kollegen gehörten auch Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name und Brigid Berlin (von der er offenbar die Idee hatte, seine Telefongespräche auf Band aufzunehmen).

In den 1960er Jahren pflegte Warhol auch ein Gefolge von Bohemiens und Exzentrikern der Gegenkultur, denen er die Bezeichnung „Superstars“ verlieh, darunter Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis und Candy Darling. Sie alle wirkten in den Factory-Filmen mit, und einige – wie Berlin – blieben bis zu seinem Tod mit Warhol befreundet. Wichtige Persönlichkeiten des New Yorker Underground-Kunstkinos, wie der Schriftsteller John Giorno und der Filmemacher Jack Smith, tauchen ebenfalls in Warhol-Filmen der 1960er Jahre auf (von denen viele im New Andy Warhol Garrick Theatre und im 55th Street Playhouse uraufgeführt wurden), was Warhols Verbindungen zu einer Vielzahl von Kunstszenen in dieser Zeit verdeutlicht. Weniger bekannt ist, dass er in dieser Zeit mehrere Teenager unterstützte und mit ihnen zusammenarbeitete, die später berühmt werden sollten, darunter der Schriftsteller David Dalton und die Künstlerin Bibbe Hansen (Mutter des Popmusikers Beck).

Am 3. Juni 1968 erschoss die radikalfeministische Schriftstellerin Valerie Solanas Warhol und Mario Amaya, Kunstkritiker und Kurator, in Warhols Studio The Factory. Vor der Schießerei war Solanas eine Randfigur in der Factory-Szene gewesen. Sie hatte 1967 das SCUM-Manifest verfasst, ein separatistisches feministisches Traktat, das die Beseitigung der Männer befürwortete, und war 1968 in dem Warhol-Film I, a Man zu sehen. Am Tag des Anschlags war Solanas aus der Factory verwiesen worden, nachdem sie um die Rückgabe eines Drehbuchs gebeten hatte, das sie Warhol gegeben hatte. Das Drehbuch war offenbar verlegt worden.

Amaya erlitt nur leichte Verletzungen und wurde noch am selben Tag aus dem Krankenhaus entlassen. Warhol wurde bei dem Angriff schwer verwundet und überlebte nur knapp. Er litt für den Rest seines Lebens unter den körperlichen Folgen, unter anderem musste er ein chirurgisches Korsett tragen. Die Schießerei hatte tiefgreifende Auswirkungen auf Warhols Leben und seine Kunst.

Solanas wurde am Tag nach dem Überfall verhaftet, nachdem sie sich der Polizei gestellt hatte. Als Erklärung gab sie an, dass Warhol „zu viel Kontrolle über mein Leben hatte“. In der Folge wurde bei ihr eine paranoide Schizophrenie diagnostiziert, und sie wurde schließlich zu drei Jahren Haft unter Aufsicht des Department of Corrections verurteilt. Nach der Schießerei wurden die Sicherheitsvorkehrungen in der Factory-Szene stark erhöht, und für viele endeten die „Factory 60s“ („Die Superstars aus den alten Factory-Tagen kamen nicht oft in die neue Factory“).

Warhol äußerte sich wie folgt zu dem Angriff:

Bevor ich angeschossen wurde, dachte ich immer, dass ich mehr halb da als ganz da bin – ich hatte immer den Verdacht, dass ich fernsehe, anstatt das Leben zu leben. Die Leute sagen manchmal, dass die Art und Weise, wie die Dinge im Film passieren, unwirklich ist, aber eigentlich ist es die Art und Weise, wie die Dinge im Leben passieren, die unwirklich ist. Im Film sehen die Gefühle so stark und real aus, aber wenn einem wirklich etwas passiert, ist es wie im Fernsehen – man fühlt nichts. Als ich angeschossen wurde, und seitdem, wusste ich, dass ich fernsehe. Die Kanäle wechseln, aber es ist alles Fernsehen.

1969 gründeten Warhol und der britische Journalist John Wilcock die Zeitschrift Interview.

1970s

Warhol hatte 1971 eine retrospektive Ausstellung im Whitney Museum of American Art. Sein berühmtes Porträt des chinesischen kommunistischen Führers Mao Zedong entstand 1973. Im Jahr 1975 veröffentlichte er The Philosophy of Andy Warhol (1975). Ein Gedanke, der in diesem Buch zum Ausdruck kommt: „Geldverdienen ist Kunst, und Arbeiten ist Kunst, und ein gutes Geschäft ist die beste Kunst.“

Verglichen mit dem Erfolg und den Skandalen, die Warhol in den 1960er Jahren erlebte, waren die 1970er Jahre ein viel ruhigeres Jahrzehnt, in dem er mehr unternehmerisch tätig war. Er verkehrte in verschiedenen Nachtlokalen in New York City, unter anderem im Max“s Kansas City und später in den 1970er Jahren im Studio 54. Er galt allgemein als ruhig, schüchtern und als akribischer Beobachter. Der Kunstkritiker Robert Hughes nannte ihn „den weißen Maulwurf vom Union Square“.

Im Jahr 1977 erhielt Warhol von dem Kunstsammler Richard Weisman den Auftrag, zehn Porträts von führenden Sportlern seiner Zeit zu schaffen.

Laut Bob Colacello verbrachte Warhol einen Großteil seiner Zeit damit, neue, reiche Auftraggeber für Porträtaufträge zu gewinnen, darunter den Schah von Iran Mohammad Reza Pahlavi, seine Frau Kaiserin Farah Pahlavi, seine Schwester Prinzessin Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross und Brigitte Bardot. 1979 kritisierten Kritiker seine Porträts von Persönlichkeiten und Berühmtheiten der 1970er Jahre, die oberflächlich, oberflächlich und kommerziell seien und keine Tiefe oder Hinweise auf die Bedeutung der Themen enthielten.

1979 gründeten Warhol und sein langjähriger Freund Stuart Pivar die New York Academy of Art.

1980s

Warhol hatte in den 1980er Jahren einen erneuten kritischen und finanziellen Erfolg, der zum Teil auf seine Verbindung und Freundschaft mit einer Reihe produktiver jüngerer Künstler zurückzuführen war, die den „Bullenmarkt“ der New Yorker Kunst der 1980er Jahre dominierten: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle und andere sogenannte Neo-Expressionisten sowie Mitglieder der Transavantgarde-Bewegung in Europa, darunter Francesco Clemente und Enzo Cucchi. Warhol erlangte auch auf der Straße Glaubwürdigkeit, und der Graffitikünstler Fab Five Freddy huldigte ihm, indem er einen ganzen Zug mit Campbell-Suppendosen bemalte.

Warhol wurde auch kritisiert, weil er nur noch ein „Geschäftskünstler“ war. Seine 1980 im Jüdischen Museum in Manhattan gezeigte Ausstellung Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century (Zehn Porträts von Juden des zwanzigsten Jahrhunderts), die Warhol – der sich nicht für das Judentum und die Juden interessierte – in seinem Tagebuch mit den Worten „Sie werden sich verkaufen“ beschrieben hatte, wurde von den Kritikern kritisiert. Im Nachhinein betrachten jedoch einige Kritiker Warhols Oberflächlichkeit und Kommerzialität als „den brillantesten Spiegel unserer Zeit“ und behaupten, dass „Warhol etwas Unwiderstehliches über den Zeitgeist der amerikanischen Kultur in den 1970er Jahren eingefangen hatte.“

Warhol hatte auch eine Vorliebe für intensiven Hollywood-Glamour. Er sagte einmal: „Ich liebe Los Angeles. Ich liebe Hollywood. Sie sind so schön. Alles ist aus Plastik, aber ich liebe Plastik. Ich will Plastik sein.“ Warhol lief gelegentlich über die Laufstege und machte Produktwerbung, vertreten durch die Zoli Agency und später Ford Models.

Vor den Olympischen Winterspielen 1984 in Sarajewo tat er sich mit 15 anderen Künstlern zusammen, darunter David Hockney und Cy Twombly, und steuerte einen Speed Skater-Druck für die Sammlung Kunst und Sport bei. Der Eisschnellläufer wurde für das offizielle Plakat der Olympischen Winterspiele in Sarajewo verwendet.

1984 beauftragte Vanity Fair Warhol, ein Porträt von Prince anzufertigen, um einen Artikel zu begleiten, der den Erfolg von Purple Rain und dem dazugehörigen Film feierte. In Anlehnung an die vielen Prominentenporträts, die Warhol im Laufe seiner Karriere anfertigte, wurde Orange Prince (1984) in einer ähnlichen Komposition wie die Marilyn-Serie „Flavors“ aus dem Jahr 1962 geschaffen, die zu Warhols ersten Prominentenporträts gehört. Prince ist in einer für Warhol typischen Pop-Farbpalette dargestellt, in leuchtendem Orange mit hellgrünen und blauen Akzenten. Die Gesichtszüge und Haare sind im Siebdruckverfahren in Schwarz auf den orangefarbenen Hintergrund gedruckt.

Im September 1985 wurde Warhols gemeinsame Ausstellung mit Basquiat, Paintings, in der Tony Shafrazi Gallery mit negativen Kritiken eröffnet. Im selben Monat wurde trotz Warhols Bedenken seine Siebdruckserie Reigning Queens in der Leo Castelli Gallery gezeigt. In den Andy-Warhol-Tagebüchern schrieb Warhol: „Sie sollten nur für Europa bestimmt sein – hier interessiert sich niemand für Königinnen, und es wird eine weitere schlechte Kritik geben.“

Im Januar 1987 reiste Warhol nach Mailand zur Eröffnung seiner letzten Ausstellung, Last Supper, im Palazzo delle Stelline. Im darauffolgenden Monat modelten Warhol und der Jazzmusiker Miles Davis für die Modenschau von Koshin Satoh im Tunnel in New York City am 17. Februar 1987.

Tod

Warhol starb am 22. Februar 1987 um 6:32 Uhr im Alter von 58 Jahren in Manhattan. Nachrichtenberichten zufolge erholte er sich gut von einer Gallenblasenoperation im New Yorker Krankenhaus, bevor er im Schlaf an einem plötzlichen, unregelmäßigen Herzschlag nach der Operation starb. Vor der Diagnose und der Operation hatte Warhol seine wiederkehrenden Gallenblasenprobleme nicht untersuchen lassen, da er Angst hatte, Krankenhäuser zu betreten und Ärzte aufzusuchen. Seine Familie verklagte das Krankenhaus wegen unzureichender Pflege und behauptete, die Herzrhythmusstörungen seien durch unsachgemäße Pflege und Wasserintoxikation verursacht worden. Der Fall wurde schnell außergerichtlich beigelegt; Warhols Familie erhielt eine ungenannte Summe.

Kurz vor Warhols Tod gingen die Ärzte davon aus, dass Warhol die Operation überleben würde. Eine Neubewertung des Falles etwa dreißig Jahre nach seinem Tod ergab jedoch viele Hinweise darauf, dass Warhols Operation tatsächlich riskanter war als ursprünglich angenommen. Damals wurde weithin berichtet, dass Warhol an einem „Routineeingriff“ gestorben sei. Berücksichtigt man jedoch Faktoren wie sein Alter, eine familiäre Vorgeschichte mit Gallenblasenproblemen, seine frühere Schussverletzung und seinen Gesundheitszustand in den Wochen vor dem Eingriff, so schien das potenzielle Todesrisiko nach der Operation erheblich gewesen zu sein.

Warhols Brüder brachten seinen Leichnam zurück nach Pittsburgh, wo im Thomas P. Kunsak Funeral Home eine Totenwache in offenem Sarg abgehalten wurde. Der massive Bronzesarg war mit vergoldeten Schienen und weißen Polstern versehen. Warhol trug einen schwarzen Kaschmiranzug, eine Paisley-Krawatte, eine Platinperücke und eine Sonnenbrille. Er wurde mit einem kleinen Gebetbuch und einer roten Rose in der Hand aufgebahrt. Die Beerdigungsliturgie fand in der Holy Ghost Byzantine Catholic Church in der North Side von Pittsburgh statt. Die Trauerrede wurde von Monsignore Peter Tay gehalten. Yoko Ono und John Richardson waren Redner. Der Sarg war mit weißen Rosen und Spargelfarnen bedeckt. Nach der Liturgie wurde der Sarg zum byzantinisch-katholischen Friedhof St. John the Baptist in Bethel Park, einem südlichen Vorort von Pittsburgh, gefahren.

Am Grab sprach der Priester ein kurzes Gebet und besprengte den Sarg mit Weihwasser. Bevor der Sarg herabgelassen wurde, legte Warhols Freundin und Werbedirektorin von Interview, Paige Powell, ein Exemplar der Zeitschrift, ein Interview-T-Shirt und eine Flasche des Estée-Lauder-Parfüms „Beautiful“ ins Grab. Warhol wurde neben seiner Mutter und seinem Vater beigesetzt. Am 1. April 1987 fand in der St. Patrick“s Cathedral in Manhattan ein Gedenkgottesdienst für Warhol statt.

Gemälde

Anfang der 1960er Jahre war die Pop Art eine experimentelle Form, die sich mehrere Künstler unabhängig voneinander zu eigen machten; einige dieser Pioniere, wie Roy Lichtenstein, wurden später zum Synonym für diese Bewegung. Warhol, der als „Papst des Pop“ berühmt werden sollte, wandte sich diesem neuen Stil zu, bei dem populäre Motive Teil der Palette des Künstlers sein konnten. Seine frühen Gemälde zeigen Bilder aus Cartoons und Werbung, die er mit Farbklecksen von Hand bemalt. Marilyn Monroe war ein Pop-Art-Gemälde, das Warhol gemalt hatte und das sehr populär war. Diese Farbkleckse ahmten den Stil erfolgreicher abstrakter Expressionisten (wie Willem de Kooning) nach. Warhols erste Pop-Art-Gemälde wurden im April 1961 ausgestellt und dienten als Hintergrund für die Schaufensterauslage des New Yorker Kaufhauses Bonwit Teller. Dies war die gleiche Bühne, auf der auch seine Pop Art-Zeitgenossen Jasper Johns, James Rosenquist und Robert Rauschenberg einst gestanden hatten.

Es war die Galeristin Muriel Latow, die sowohl die Idee für die Suppendosen als auch für Warhols Dollar-Bilder hatte. Am 23. November 1961 stellte Warhol Latow einen Scheck über 50 Dollar aus, der laut der 2009 erschienenen Warhol-Biografie Pop, The Genius of Warhol als Bezahlung für die Idee mit den Suppendosen als Motiv diente. Für seine erste große Ausstellung malte Warhol seine berühmten Dosen mit Campbell“s Suppe, die er nach eigenen Angaben fast sein ganzes Leben lang zum Mittagessen gegessen hatte.

Aus diesen Anfängen entwickelte er seinen späteren Stil und seine Themen. Statt an einem charakteristischen Thema zu arbeiten, wie er es anfangs tat, arbeitete er mehr und mehr an einem charakteristischen Stil, wobei er allmählich das Handgemachte aus dem künstlerischen Prozess entfernte. Warhol arbeitete häufig mit Siebdrucken; seine späteren Zeichnungen wurden von Diaprojektionen abgepaust. Auf dem Höhepunkt seines Ruhmes als Maler hatte Warhol mehrere Assistenten, die seine Siebdruck-Multiples herstellten, wobei sie seinen Anweisungen folgten und verschiedene Versionen und Variationen anfertigten.

Warhol schuf sowohl komische als auch ernste Werke; sein Thema konnte eine Suppendose oder ein elektrischer Stuhl sein. Warhol verwendete dieselben Techniken – Siebdrucke, die seriell vervielfältigt und oft mit leuchtenden Farben gemalt wurden – ob er nun Berühmtheiten, Alltagsgegenstände oder Bilder von Selbstmord, Autounfällen und Katastrophen malte, wie in der Serie Death and Disaster von 1962-63.

1979 erhielt Warhol von BMW den Auftrag, eine Gruppe-4-Rennversion des damaligen „Elite-Supersportwagens“ BMW M1 für den vierten Teil des BMW Art Car Project zu malen. Damals wurde berichtet, dass Warhol sich im Gegensatz zu den drei Künstlern vor ihm dafür entschied, direkt auf das Auto zu malen, anstatt sein maßstabsgetreues Design von Technikern auf das Auto übertragen zu lassen. Es wurde angegeben, dass Warhol insgesamt nur 23 Minuten für die Bemalung des gesamten Fahrzeugs benötigte.

Einige von Warhols Arbeiten sowie seine eigene Persönlichkeit wurden als Keatonesque beschrieben. Warhol wurde beschrieben, dass er sich gegenüber den Medien dumm stellte. Manchmal weigerte er sich, seine Arbeit zu erklären. Er hat behauptet, dass alles, was man über seine Arbeit wissen muss, bereits „an der Oberfläche“ vorhanden ist.

Seine Rorschach-Tintenkleckse sind als poppige Kommentare zur Kunst und zu dem, was Kunst sein könnte, gedacht. In diesem Zusammenhang sind auch seine Kuh-Tapete (wörtlich: Tapete mit Kuh-Motiv) und seine Oxidationsbilder (Leinwände, die mit Kupferfarbe präpariert und dann mit Urin oxidiert wurden) bemerkenswert. Ebenso bemerkenswert ist die Art und Weise, wie diese Werke – und ihre Produktionsmittel – die Atmosphäre in Andys New Yorker „Factory“ widerspiegelten. Der Biograf Bob Colacello liefert einige Details über Andys „Pissbilder“:

Victor … war Andys Geisterpinkler bei den Oxidationsarbeiten. Er kam in die Fabrik, um auf Leinwände zu urinieren, die bereits von Andy oder Ronnie Cutrone mit Kupferfarbe grundiert worden waren. Ronnie Cutrone war ein zweiter Geisterpinkler, den Andy sehr schätzte, denn er sagte, dass das Vitamin B, das Ronnie einnahm, eine schönere Farbe ergab, wenn die Säure im Urin das Kupfer grün färbte. Hat Andy jemals seinen eigenen Urin verwendet? Mein Tagebuch zeigt, dass er das tat, als er im Dezember 1977 mit der Serie begann, und es gab viele andere: Jungs, die zum Mittagessen kamen und zu viel Wein tranken und es lustig oder sogar schmeichelhaft fanden, wenn man sie bat, Andy beim „Malen“ zu helfen. Andy hatte immer ein wenig mehr Schwung in seinem Gang, wenn er sie in sein Atelier führte.

Warhols 1982 entstandenes Porträt von Basquiat, Jean-Michel Basquiat, ist ein Siebdruck über einem oxidierten Kupfer-„Pissbild“. Nach vielen Jahren des Siebdrucks, der Oxidation, der Fotografie usw. kehrte Warhol mit dem Pinsel in der Hand zur Malerei zurück. Im Jahr 1983 begann Warhol mit Basquiat und Clemente zusammenzuarbeiten. Zwischen 1984 und 1985 schufen Warhol und Basquiat eine Serie von mehr als 50 großen gemeinsamen Werken. Trotz der Kritik bei ihrer ersten Ausstellung bezeichnete Warhol einige von ihnen als „Meisterwerke“, und sie waren für sein späteres Werk von großer Bedeutung.

1984 erhielt Warhol von dem Sammler und Galeristen Alexander Iolas den Auftrag, für eine Ausstellung im alten Refektorium des Palazzo delle Stelline in Mailand, gegenüber der Kirche Santa Maria delle Grazie, in der das Wandgemälde von Leonardo da Vinci zu sehen ist, Arbeiten zum Thema „Das letzte Abendmahl“ von Leonardo da Vinci zu schaffen. Warhol übertraf die Anforderungen des Auftrags und schuf fast 100 Variationen des Themas, vor allem Siebdrucke und Gemälde, darunter eine gemeinsame Skulptur mit Basquiat, die Ten Punching Bags (Last Supper). Die Mailänder Ausstellung, die im Januar 1987 mit einer Reihe von 22 Siebdrucken eröffnet wurde, war die letzte Ausstellung sowohl für den Künstler als auch für den Galeristen. Die Serie Das letzte Abendmahl wurde von einigen als „wohl sein größtes Werk“, von anderen jedoch als „wischiwaschi, religiös“ und „geistlos“ bezeichnet. Es handelt sich um die größte Serie religiöser Werke eines US-Künstlers.

Der Künstler Maurizio Cattelan beschreibt, dass es schwierig ist, alltägliche Begegnungen von der Kunst Andy Warhols zu trennen: „Das ist wahrscheinlich das Großartigste an Warhol: die Art und Weise, wie er unsere Welt durchdrungen und zusammengefasst hat, bis zu dem Punkt, an dem eine Unterscheidung zwischen ihm und unserem Alltag im Grunde unmöglich und auf jeden Fall nutzlos ist.“ Warhol war eine Inspiration für Cattelans Magazin- und Fotokompilationen, wie Permanent Food, Charley und Toilet Paper.

In der Zeit kurz vor seinem Tod arbeitete Warhol an Cars, einer Gemäldeserie für Mercedes-Benz.

Kunstmarkt

Der Wert der Werke von Andy Warhol ist seit seinem Tod im Jahr 1987 unaufhörlich gestiegen. Im Jahr 2014 erzielten seine Werke bei Auktionen einen Wert von 569 Millionen Dollar, was mehr als ein Sechstel des weltweiten Kunstmarktes ausmacht. Allerdings gab es auch einige Einbrüche. Der Kunsthändlerin Dominique Lévy zufolge „bewegt sich der Warhol-Handel wie eine Wippe, die bergauf gezogen wird: Er steigt und fällt, aber jedes neue Hoch und Tief liegt über dem letzten. Sie führt dies auf den ständigen Zustrom neuer Sammler zurück, die von Warhol fasziniert sind. „Zu verschiedenen Zeitpunkten sind verschiedene Sammlergruppen in den Warhol-Markt eingetreten, was zu Nachfragespitzen, Zufriedenheit und einem Abschwung geführt hat“, bevor sich der Prozess mit einer anderen Bevölkerungsgruppe oder der nächsten Generation wiederholt.

Im Jahr 1998 wurde Orange Marilyn (1964), eine Darstellung von Marilyn Monroe, für 17,3 Millionen Dollar verkauft, was damals einen neuen Rekord für den höchsten Preis für ein Warhol-Kunstwerk darstellte. Im Jahr 2007 wurde eines von Warhols Gemälden von Elizabeth Taylor aus dem Jahr 1963, Liz (Colored Liz), das sich im Besitz des Schauspielers Hugh Grant befand, bei Christie“s für 23,7 Millionen Dollar verkauft.

Im Jahr 2007 verkauften Stefan Edlis und Gael Neeson Warhols Turquoise Marilyn (1964) für 80 Millionen Dollar an den Finanzier Steven A. Cohen. Im Mai 2007 wurden Green Car Crash (1963) für 71,1 Millionen Dollar und Lemon Marilyn (1962) für 28 Millionen Dollar bei Christie“s Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst verkauft. Im Jahr 2007 wurde Large Campbell“s Soup Can (1964) bei einer Sotheby“s-Auktion für 7,4 Millionen an einen südamerikanischen Sammler verkauft. Im November 2009 wurden 200 One Dollar Bills (1962) bei Sotheby“s für 43,8 Millionen Dollar versteigert.

Im Jahr 2008 wurde Eight Elvises (1963) von Annibale Berlingieri für 100 Millionen Dollar an einen privaten Käufer verkauft. Das Werk zeigt Elvis Presley in der Pose eines Revolverhelden. Es wurde erstmals 1963 in der Ferus Gallery in Los Angeles ausgestellt. Warhol fertigte 22 Versionen von Double Elvis an, von denen sich neun in Museen befinden. Im Mai 2012 wurde Double Elvis (Ferus Type) bei Sotheby“s für 37 Millionen Dollar versteigert. Im November 2014 wurde Triple Elvis (Ferus Type) für 81,9 Millionen Dollar bei Christie“s verkauft.

Im Mai 2010 wurde ein violettes Selbstporträt Warhols aus dem Jahr 1986, das sich im Besitz des Modedesigners Tom Ford befand, bei Sotheby“s für 32,6 Millionen Dollar verkauft. Im November 2010 wurden Men in Her Life (1962), das auf Elizabeth Taylor basiert, für 63,4 Millionen Dollar bei Phillips de Pury und Coca-Cola (4) (1962) für 35,3 Millionen Dollar bei Sotheby“s verkauft. Im Mai 2011 wurde Warhols erstes Selbstporträt aus den Jahren 1963-64 für 38,4 Millionen Dollar und ein rotes Selbstporträt aus dem Jahr 1986 für 27,5 Millionen Dollar bei Christie“s versteigert. Im Mai 2011 wurde Liz

Im November 2013 wurde Warhols selten zu sehendes Diptychon Silver Car Crash (Double Disaster) aus dem Jahr 1963 bei Sotheby“s für 105,4 Millionen Dollar verkauft – ein neuer Rekord für den Künstler. Im November 2013 wurde Coca-Cola (3) (1962) für 57,3 Millionen Dollar bei Christie“s verkauft. Im Mai 2014 wurde White Marilyn (1962) für 41 Millionen Dollar bei Christie“s verkauft. Im November 2014 wurde Four Marlons (1964), das Marlon Brando abbildet, für 69,6 Millionen Dollar bei Christie“s verkauft. Im Mai 2015 wurden Silver Liz (Diptychon), gemalt 1963-65, für 28 Millionen Dollar und Colored Mona Lisa (1963) für 56,2 Millionen Dollar bei Christie“s verkauft. Im Mai 2017 wurde Warhols 1962 entstandenes Gemälde Big Campbell“s Soup Can With Can Opener (Vegetable) bei Christie“s für 27,5 Millionen Dollar verkauft.

Sammler

Zu Warhols frühen Sammlern und einflussreichen Unterstützern gehörten Emily und Burton Tremaine. Unter den mehr als 15 erworbenen Kunstwerken befinden sich das Marilyn Diptychon (heute in der Tate Modern, London) und A boy for Meg (heute in der National Gallery of Art in Washington, DC), die 1962 direkt aus Warhols Atelier gekauft wurden. An einem Weihnachtsfest legte Warhol einen kleinen Kopf von Marilyn Monroe vor die Tür der Tremaines in ihrer New Yorker Wohnung, um sich für ihre Unterstützung und Ermutigung zu bedanken.

Filmografie

Warhol besuchte 1962 die Uraufführung der statischen Komposition Trio for Strings von La Monte Young und schuf anschließend seine berühmte Serie statischer Filme. Der Filmemacher Jonas Mekas, der Warhol zur Trio-Premiere begleitete, behauptet, Warhols statische Filme seien direkt von der Aufführung inspiriert. Zwischen 1963 und 1968 drehte er mehr als 60 Filme sowie etwa 500 kurze Schwarzweiß-Porträts von Factory-Besuchern, die er auf der Leinwand testete. Einer seiner berühmtesten Filme, Sleep, zeigt den Dichter John Giorno sechs Stunden lang beim Schlafen. Der 35-minütige Film Blow Job besteht aus einer einzigen Einstellung des Gesichts von DeVeren Bookwalter, der angeblich Oralsex von Filmemacher Willard Maas erhält, obwohl die Kamera nie nach unten schwenkt, um dies zu sehen. Ein weiterer Film, Empire (1964), besteht aus acht Stunden Filmmaterial vom Empire State Building in New York City in der Abenddämmerung. Der Film Eat zeigt einen Mann, der 45 Minuten lang einen Pilz isst.

Batman Dracula ist ein Film aus dem Jahr 1964, der von Warhol ohne die Erlaubnis von DC Comics produziert und inszeniert wurde. Er wurde nur bei seinen Kunstausstellungen vorgeführt. Als Fan der Batman-Serie war Warhols Film eine „Hommage“ an die Serie und gilt als der erste Auftritt eines unverhohlenen Batman. Der Film galt bis vor kurzem als verschollen, bis 2006 in dem Dokumentarfilm Jack Smith and the Destruction of Atlantis Szenen aus dem Film in aller Ausführlichkeit gezeigt wurden.

Warhols Film Vinyl von 1965 ist eine Verfilmung von Anthony Burgess“ populärem dystopischen Roman A Clockwork Orange. Andere Filme zeichnen improvisierte Begegnungen zwischen Factory-Stammgästen wie Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico und Jackie Curtis auf. Der legendäre Underground-Künstler Jack Smith tritt in dem Film Camp auf.

Sein beliebtester und von der Kritik erfolgreichster Film war Chelsea Girls (1966). Der Film war insofern höchst innovativ, als er aus zwei 16-mm-Filmen bestand, die gleichzeitig projiziert wurden, wobei zwei verschiedene Geschichten parallel gezeigt wurden. Aus der Projektionskabine wurde der Ton für den einen Film angehoben, um die „Geschichte“ zu verdeutlichen, während er für den anderen Film abgesenkt wurde. Die Vervielfältigung der Bilder erinnerte an Warhols bahnbrechende Siebdruckarbeiten aus den frühen 1960er Jahren.

Warhol war ein Fan des Filmemachers Radley Metzger und bezeichnete Metzgers Film The Lickerish Quartet als „ein unverschämt perverses Meisterwerk“. Blue Movie – ein Film, in dem Warhol-Superstar Viva im Bett mit Louis Waldon, einem anderen Warhol-Superstar, Liebe macht – war Warhols letzter Film als Regisseur. Der Film, der für das Goldene Zeitalter des Pornos bahnbrechend war, war damals wegen seiner offenen Darstellung einer sexuellen Begegnung umstritten. Blue Movie wurde 2005 in New York City zum ersten Mal seit mehr als 30 Jahren wieder öffentlich gezeigt.

Nach den Schießereien von 1968 zog sich der zurückgezogen lebende Warhol aus dem Filmgeschäft zurück. Sein Gefolgsmann und Regieassistent Paul Morrissey übernahm die Filmarbeit für das Factory-Kollektiv und lenkte das Warhol-Kino mit Flesh, Trash und Heat in Richtung Mainstream, Erzählung und B-Movie-Exploitation. Alle diese Filme, einschließlich der späteren Andy Warhol“s Dracula und Andy Warhol“s Frankenstein, waren weitaus mainstreamiger als alles, was Warhol als Regisseur versucht hatte. In den letztgenannten „Warhol“-Filmen spielte Joe Dallesandro die Hauptrolle – eher ein Morrissey-Star als ein echter Warhol-Superstar.

In den frühen 1970er Jahren wurden die meisten der von Warhol gedrehten Filme von Warhol und seinen Geschäftspartnern aus dem Verkehr gezogen. Nach Warhols Tod wurden die Filme vom Whitney Museum langsam restauriert und werden gelegentlich in Museen und auf Filmfestivals vorgeführt. Nur wenige der von Warhol inszenierten Filme sind auf Video oder DVD erhältlich.

Musik

Mitte der 1960er Jahre übernahm Warhol die Band Velvet Underground und machte sie zu einem wichtigen Bestandteil der Multimedia-Performance-Show Exploding Plastic Inevitable. Warhol fungierte zusammen mit Paul Morrissey als Manager der Band und machte sie mit Nico bekannt (die auf Warhols Wunsch mit der Band auftrat). Während seines Managements von The Velvet Underground ließ Andy sie ganz in Schwarz gekleidet vor Filmen auftreten, die er ebenfalls präsentierte. 1966 „produzierte“ er ihr erstes Album The Velvet Underground & Nico und lieferte auch das Albumcover. Seine tatsächliche Beteiligung an der Produktion des Albums beschränkte sich auf die Bezahlung der Studiozeit. Nach dem ersten Album der Band begannen Warhol und Bandleader Lou Reed, sich über die Richtung, die die Band einschlagen sollte, nicht mehr einig zu sein, und ihre künstlerische Freundschaft endete. 1989, nach Warhols Tod, kamen Reed und John Cale zum ersten Mal seit 1972 wieder zusammen, um das Konzeptalbum Songs for Drella, eine Hommage an Warhol, zu schreiben, aufzuführen, aufzunehmen und zu veröffentlichen. Im Oktober 2019 soll in einem Archiv des Andy-Warhol-Museums in Pittsburgh ein Tonband mit öffentlich unbekannter Musik von Reed entdeckt worden sein, die auf Warhols Buch „The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again“ von 1975 basiert.

Warhol entwarf zahlreiche Plattencover für verschiedene Künstler, angefangen mit dem fotografischen Cover von John Wallowitchs Debütalbum This Is John Wallowitch!!! (1964). Er entwarf die Cover für die Alben Sticky Fingers (1971) und Love You Live (1977) der Rolling Stones sowie für die Alben The Academy in Peril (1972) und Honi Soit (1981) von John Cale. Eines von Warhols letzten Werken war ein Porträt von Aretha Franklin für das Cover ihres 1986 mit Gold ausgezeichneten Albums Aretha.

Warhol hatte großen Einfluss auf die New-Wavepunk-Rockband Devo und auf David Bowie. Bowie nahm einen Song namens „Andy Warhol“ für sein Album Hunky Dory von 1971 auf. Lou Reed schrieb 1968 den Song „Andy“s Chest“ über Valerie Solanas, die Frau, die Warhol erschoss. Er nahm ihn mit Velvet Underground auf, und diese Version wurde 1985 auf dem VU-Album veröffentlicht. Bowie spielte Warhol später in dem Film Basquiat von 1996. Bowie erinnerte sich daran, wie die Begegnung mit Warhol im wirklichen Leben ihm bei der Rolle geholfen hat, und erzählte von seinen ersten Treffen mit ihm:

Ich habe ihn ein paar Mal getroffen, aber wir haben selten mehr als Plattitüden ausgetauscht. Als wir uns das erste Mal sahen, herrschte peinliches Schweigen, bis er meine leuchtend gelben Schuhe bemerkte und begeistert zu reden begann. Er wollte sehr oberflächlich sein. Und scheinbar emotionslos, gleichgültig, wie ein toter Fisch. Lou Reed hat ihn am treffendsten beschrieben, als er mir einmal sagte, sie sollten eine Puppe von Andy auf den Markt bringen: eine Puppe, die man aufzieht und die nichts tut. Aber es gelang mir, ihn gut zu beobachten, und das war eine Hilfe für den Film Wir liehen uns seine Kleidung aus dem Museum in Pittsburgh, und sie war intakt, ungewaschen. Selbst die Taschen waren nicht geleert: Sie enthielten Pfannkuchen, weißen, tödlich blassen Fond de Teint, den Andy sich immer ins Gesicht schmierte, einen zerrissenen Scheck, die Adresse von jemandem, viele homöopathische Pillen und eine Perücke. Andy trug immer diese silbernen Perücken, aber er gab nie zu, dass es Perücken waren. Einer seiner Friseure hat mir neulich erzählt, dass er seine Perücken regelmäßig schneiden ließ, als wären es echte Haare. Wenn die Perücke abgeschnitten wurde, setzte er im nächsten Monat eine neue auf, als ob sein Haar gewachsen wäre.

Die Band Triumph schrieb auch einen Song über Andy Warhol, „Stranger In A Strange Land“ von ihrem 1984er Album Thunder Seven.

Bücher und Druckerzeugnisse

Seit den frühen 1950er Jahren produzierte Warhol mehrere ungebundene Mappen mit seinen Werken.

Das erste von mehreren gebundenen Büchern, die Warhol im Selbstverlag herausgab, war 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy, das 1954 von Seymour Berlin auf Arches-Papier mit Wasserzeichen gedruckt wurde, wobei er für die Lithografien seine Technik der gepunkteten Linien verwendete. Die Originalausgabe war auf 190 nummerierte, handkolorierte Exemplare limitiert, für die Dr. Martins Tuschewaschungen verwendet wurden. Die meisten dieser Exemplare wurden von Warhol als Geschenke an Kunden und Freunde verschenkt. Das Exemplar Nr. 4, das auf dem vorderen Einband mit „Jerry“ beschriftet ist und Geraldine Stutz geschenkt wurde, wurde 1987 für einen Faksimile-Druck verwendet, und das Original wurde im Mai 2006 von Doyle New York für 35.000 US-Dollar versteigert.

Weitere im Selbstverlag erschienene Bücher von Warhol sind:

Warhols Buch A La Recherche du Shoe Perdu (1955) markierte seinen „Übergang vom Werbe- zum Galeriekünstler“. (Der Titel ist ein Wortspiel Warhols mit dem Titel des französischen Schriftstellers Marcel Prousts À la recherche du temps perdu).

Nachdem er berühmt geworden war, „schrieb“ Warhol mehrere Bücher, die kommerziell veröffentlicht wurden:

Warhol schuf das Modemagazin Interview, das noch heute erscheint. Man nimmt an, dass die verschlungene Titelschrift auf dem Cover entweder seine eigene Handschrift oder die seiner Mutter Julia Warhola ist, die oft die Texte für seine frühen Werbespots schrieb.

Andere Medien

Obwohl Andy Warhol vor allem für seine Gemälde und Filme bekannt ist, hat er Werke in vielen verschiedenen Medien geschaffen.

Sexualität

Warhol war homosexuell. Im Jahr 1980 sagte er einem Interviewer, er sei noch Jungfrau. Der Biograf Bob Colacello, der bei dem Interview anwesend war, war der Meinung, dass dies wahrscheinlich stimmt und dass der wenige Sex, den er hatte, wahrscheinlich „eine Mischung aus Voyeurismus und Masturbation“ war – Warhols Behauptung der Jungfräulichkeit scheint durch seine Krankenhausbehandlung im Jahr 1960 wegen Kondylomata, einer sexuell übertragbaren Krankheit, widerlegt zu sein. Auch seine Geliebten, darunter die Warhol-Muse BillyBoy, die behauptet, sie hätten Sex bis zum Orgasmus gehabt, haben dem widersprochen: „Wenn er nicht gerade Andy Warhol war und wenn man mit ihm allein war, war er ein unglaublich großzügiger und sehr freundlicher Mensch. Was mich verführt hat, war der Andy Warhol, den ich allein gesehen habe. Wenn ich in der Öffentlichkeit mit ihm zusammen war, ging er mir auf die Nerven…. Ich sagte: “Du bist einfach unausstehlich, ich kann dich nicht ertragen.““ Billy Name bestritt auch, dass Warhol nur ein Voyeur war und sagte: „Er war die Essenz der Sexualität. Sie durchdrang alles. Andy strahlte sie aus, zusammen mit seiner großen künstlerischen Kreativität…. Er brachte der gesamten Kunstwelt in New York eine Freude.“ „Aber seine Persönlichkeit war so verletzlich, dass es zu einer Art Verteidigung wurde, die leere Fassade aufrechtzuerhalten.“ Zu Warhols Liebhabern gehörten John Giorno, Charles Lisanby und Jon Gould. Sein 12-jähriger Freund war Jed Johnson, den er 1968 kennenlernte und der später als Innenarchitekt berühmt wurde.

Die Tatsache, dass Warhols Homosexualität sein Werk beeinflusste und sein Verhältnis zur Kunstwelt prägte, ist ein wichtiges Thema in der Forschung über den Künstler und ein Thema, das Warhol selbst in Interviews, in Gesprächen mit seinen Zeitgenossen und in seinen Publikationen (z. B. Popism: The Warhol 1960s) ansprach. Während seiner gesamten Karriere fertigte Warhol erotische Fotografien und Zeichnungen von männlichen Akten an. Viele seiner berühmtesten Werke (Porträts von Liza Minnelli, Judy Garland und Elizabeth Taylor sowie Filme wie Blow Job, My Hustler und Lonesome Cowboys) stammen aus der schwulen Underground-Kultur oder setzen sich offen mit der Komplexität von Sexualität und Begehren auseinander. Viele seiner Filme wurden in den späten 1960er Jahren in schwulen Pornokinos uraufgeführt, darunter das New Andy Warhol Garrick Theatre und das 55th Street Playhouse.

Die ersten Werke, die Warhol bei einer Kunstgalerie einreichte, homoerotische Zeichnungen von männlichen Akten, wurden abgelehnt, weil sie zu offen schwul waren. In Popism erinnert sich der Künstler außerdem an ein Gespräch mit dem Filmemacher Emile de Antonio über die Schwierigkeiten Warhols, von den damals berühmteren (aber verschlossenen) schwulen Künstlern Jasper Johns und Robert Rauschenberg gesellschaftlich akzeptiert zu werden. De Antonio erklärte, Warhol sei „zu schick, und das verärgert sie“. Als Antwort darauf schreibt Warhol: „Darauf konnte ich nichts erwidern. Es war alles zu wahr. Also beschloss ich, mich einfach nicht darum zu kümmern, denn das waren all die Dinge, die ich sowieso nicht ändern wollte, von denen ich dachte, dass ich sie nicht ändern “sollte“ … Andere Leute konnten ihre Einstellung ändern, aber ich nicht“. Bei der Erforschung von Warhols Biografie wird diese Zeit – die späten 1950er und frühen 1960er Jahre – von vielen als Schlüsselmoment für die Entwicklung seiner Persönlichkeit angesehen. Einige haben behauptet, dass seine häufige Weigerung, seine Arbeit zu kommentieren, über sich selbst zu sprechen (er beschränkte sich in Interviews auf Antworten wie „Ähm, nein“ und „Ähm, ja“ und ließ oft andere für sich sprechen) – und sogar die Entwicklung seines Pop-Stils – auf die Jahre zurückgeführt werden können, in denen Warhol von den inneren Kreisen der New Yorker Kunstwelt zum ersten Mal abgewiesen wurde.

Religiöse Überzeugungen

Warhol war ein praktizierender ruthenischer Katholik. Er arbeitete regelmäßig ehrenamtlich in Obdachlosenheimen in New York City, vor allem in den arbeitsreicheren Zeiten des Jahres, und bezeichnete sich selbst als religiösen Menschen. Viele von Warhols späteren Werken stellen religiöse Themen dar, darunter zwei Serien, Details von Renaissancegemälden (1984) und Das letzte Abendmahl (1986). Darüber hinaus wurde in seinem Nachlass posthum eine Reihe von Werken mit religiösen Themen gefunden.

Während seines Lebens besuchte Warhol regelmäßig die Liturgie, und der Priester von Warhols Kirche, St. Vincent Ferrer, sagte, dass der Künstler fast täglich dorthin ging, obwohl er nicht dabei beobachtet wurde, wie er die Kommunion nahm oder zur Beichte ging, sondern in den hinteren Bänken saß oder kniete. Der Priester glaubte, er habe Angst, erkannt zu werden; Warhol sagte, er sei verlegen, weil er in einer Kirche des römischen Ritus gesehen wurde, wie er sich „auf orthodoxe Weise“ bekreuzigte (von rechts nach links statt umgekehrt).

Seine Kunst ist spürbar von der ostchristlichen Tradition beeinflusst, die in seinen Gotteshäusern so offensichtlich war.

Warhols Bruder beschrieb den Künstler als „sehr religiös, aber er wollte nicht, dass die Leute das wissen, weil es privat war“. Trotz des privaten Charakters seines Glaubens beschrieb John Richardson in Warhols Grabrede seinen Glauben als fromm: „Soweit ich weiß, war er für mindestens eine Bekehrung verantwortlich. Er war sehr stolz darauf, seinem Neffen das Studium zum Priester zu finanzieren“.

Sammlungen

Warhol war ein eifriger Sammler. Seine Freunde bezeichneten seine zahlreichen Sammlungen, die nicht nur sein vierstöckiges Stadthaus, sondern auch ein nahe gelegenes Lagerhaus füllten, als „Andy“s Stuff“. Das wahre Ausmaß seiner Sammlungen wurde erst nach seinem Tod entdeckt, als das Andy Warhol Museum in Pittsburgh 641 Kisten mit seinen „Sachen“ annahm.

Zu Warhols Sammlungen gehörten unter anderem ein Coca-Cola-Memorabilia-Schild und Gemälde aus dem 19. Jahrhundert, aber auch Speisekarten für Flugzeuge, unbezahlte Rechnungen, Pizzateig, pornografische Groschenromane, Zeitungen, Briefmarken, Supermarktprospekte und Keksdosen. Sie enthielt auch bedeutende Kunstwerke wie George Bellows“ Miss Bentham. Eine seiner wichtigsten Sammlungen waren seine Perücken. Warhol besaß mehr als 40 und war sehr auf seine Haarteile bedacht, die von einem New Yorker Perückenmacher aus aus Italien importiertem Haar genäht wurden. 1985 riss ein Mädchen Warhols Perücke vom Kopf. Später wurde in Warhols Tagebucheintrag für diesen Tag entdeckt, dass er schrieb: „Ich weiß nicht, was mich davon abgehalten hat, sie über den Balkon zu stoßen.“

1960 hatte er eine Zeichnung einer Glühbirne von Jasper Johns gekauft.

Ein weiterer Gegenstand, der in Warhols Kisten im Museum in Pittsburgh gefunden wurde, war ein mumifizierter menschlicher Fuß aus dem alten Ägypten. Der Kurator für Anthropologie am Carnegie Museum of Natural History war der Meinung, dass Warhol ihn höchstwahrscheinlich auf einem Flohmarkt gefunden hatte.

Andy Warhol sammelte auch viele Bücher, mehr als 1200 Titel befanden sich in seiner persönlichen Sammlung. Davon wurden 139 Titel in einem 1988 bei Sotheby“s erschienenen Auktionskatalog mit dem Titel The Andy Warhol Collection veröffentlicht und können online eingesehen werden. Seine Büchersammlung spiegelt seinen eklektischen Geschmack und seine Interessen wider und umfasst auch Bücher, die von und über einige seiner Bekannten und Freunde geschrieben wurden. Zu den Titeln in seiner Sammlung gehören unter anderem The Two Mrs. Grenvilles: A Novel von Dominick Dunne, Artists in Uniform von Max Eastman, Andrews“ Diseases of the Skin: Clinical Dermatology von George Clinton Andrews, D.V. von Diana Vreeland, Blood of a Poet von Jean Cocteau, Watercolours von Francesco Clemente, Little World, Hello! von Jimmy Savo, Hidden Faces von Salvador Dalí, und The Dinah Shore Cookbook von Dinah Shore.

Im Jahr 2002 gab der U.S. Postal Service eine 18-Cent-Briefmarke zum Gedenken an Warhol heraus. Die von Richard Sheaff aus Scottsdale, Arizona, entworfene Briefmarke wurde bei einer Zeremonie im Andy Warhol Museum enthüllt und zeigt Warhols Gemälde „Selbstporträt, 1964“. Im März 2011 wurde am Union Square in New York City eine verchromte Statue von Andy Warhol und seiner Polaroid-Kamera enthüllt.

Im Jahr 2012 wurde ein Krater auf dem Merkur nach Warhol benannt.

Warhol-Stiftung

Warhols Testament sah vor, dass sein gesamter Nachlass – mit Ausnahme einiger bescheidener Vermächtnisse an Familienmitglieder – in eine Stiftung fließen sollte, die sich der „Förderung der bildenden Künste“ widmen sollte. Warhols Besitz war so umfangreich, dass Sotheby“s neun Tage brauchte, um seinen Nachlass nach seinem Tod zu versteigern; die Auktion brachte mehr als 20 Millionen US-Dollar ein.

Im Jahr 1987 wurde gemäß Warhols Testament die Andy Warhol Foundation for the Visual Arts gegründet. Die Stiftung dient als Nachlass von Andy Warhol, hat aber auch die Aufgabe, „innovative künstlerische Ausdrucksformen und den kreativen Prozess zu fördern“ und ist „in erster Linie auf die Unterstützung von Arbeiten mit herausforderndem und oft experimentellem Charakter ausgerichtet“.

Die Artists Rights Society ist der US-Urheberrechtsvertreter der Andy Warhol Foundation for the Visual Arts für alle Warhol-Werke mit Ausnahme der Warhol-Filmstills. Der US-Urheberrechtsvertreter für Warhol-Filmstills ist das Warhol Museum in Pittsburgh. Darüber hinaus hat die Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Vereinbarungen für ihr Bildarchiv getroffen. Alle digitalen Bilder von Warhol werden ausschließlich von Corbis verwaltet, während alle Transparentbilder von Warhol von Art Resource verwaltet werden.

Die Andy Warhol Foundation veröffentlichte 2007 ihren Jahresbericht zum 20-jährigen Bestehen in drei Bänden: Band I, 1987-2007; Band II, Zuschüsse und Ausstellungen; und Band III, Vermächtnisprogramm.

Die Stiftung ist dabei, ihr Werkverzeichnis der Gemälde und Skulpturen in Bänden zusammenzustellen, die Blöcke von Jahren der Karriere des Künstlers abdecken. Die Bände IV und V wurden 2019 veröffentlicht. Die weiteren Bände sind noch in Arbeit.

Die Stiftung ist nach wie vor eine der größten Förderorganisationen für die bildenden Künste in den USA.

Viele von Warhols Werken und Besitztümern sind im Andy Warhol Museum in Pittsburgh zu sehen. Die Stiftung schenkte dem Museum mehr als 3.000 Kunstwerke.

Warhol gründete das Magazin Interview, eine Bühne für Prominente, die er „unterstützte“, und ein Unternehmen, das von seinen Freunden geführt wurde. Er arbeitete bei allen seinen Büchern mit anderen zusammen (einige davon schrieb er zusammen mit Pat Hackett). Man könnte sogar sagen, dass er Menschen produzierte (wie beim Warholschen „Superstar“ und dem Warholschen Porträt). Warhol warb für Produkte, trat in Werbespots auf und hatte häufig prominente Gastauftritte in Fernsehsendungen und Filmen (von Love Boat bis hin zum Richard Pryor-Film Dynamite Chicken).

In dieser Hinsicht war Warhol ein Fan von „Art Business“ und „Business Art“ – er schrieb sogar in The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again über sein Interesse, Kunst als Geschäft zu betrachten.

Filme

Warhol trat als er selbst in dem Film Cocaine Cowboys (1979) und in dem Film Tootsie (1982) auf.

Nach seinem Tod wurde Warhol von Crispin Glover in Oliver Stones Film The Doors (1991), von David Bowie in Julian Schnabels Film Basquiat (1996) und von Jared Harris in Mary Harrons Film I Shot Andy Warhol (1996) dargestellt. Warhol erscheint als Figur in Michael Daughertys Oper Jackie O (1997). Der Schauspieler Mark Bringleson hat einen kurzen Gastauftritt als Warhol in Austin Powers: International Man of Mystery (1997). Viele Filme des Avantgarde-Filmemachers Jonas Mekas haben die Momente von Warhols Leben eingefangen. Sean Gregory Sullivan verkörperte Warhol in dem Film 54 (1998). Guy Pearce verkörperte Warhol in dem Film Factory Girl (2007) über das Leben von Edie Sedgwick. Der Schauspieler Greg Travis porträtiert Warhol in einer kurzen Szene des Films Watchmen (2009).

Im Film Highway to Hell ist eine Gruppe von Andy Warhols Teil der Good Intentions Paving Company, in der gutmütige Seelen zu Pflastersteinen zermahlen werden. In dem Film Men in Black 3 (2012) entpuppt sich Andy Warhol in Wirklichkeit als verdeckter MIB-Agent W (gespielt von Bill Hader). Warhol schmeißt 1969 eine Party in der Factory, wo er von den MIB-Agenten K und J (J aus der Zukunft) aufgespürt wird. Agent W will seinen Undercover-Job unbedingt beenden („Ich bin so ideenlos, dass ich Suppendosen und Bananen bemale, um Himmels willen!“, „Du musst meinen Tod vortäuschen, okay? Ich kann mir keine Sitarmusik mehr anhören“ und „Ich kann die Frauen nicht von den Männern unterscheiden“).

Andy Warhol (dargestellt von Tom Meeten) ist eine der Hauptfiguren in der britischen Fernsehserie Noel Fielding“s Luxury Comedy aus dem Jahr 2012. Die Figur wird mit roboterähnlichen Manierismen dargestellt. Im Spielfilm The Billionaire Boys Club von 2017 spielt Cary Elwes Warhol in einem Film, der auf der wahren Geschichte von Ron Levin (dargestellt von Kevin Spacey) basiert, einem Freund Warhols, der 1986 ermordet wurde. Im September 2016 wurde bekannt gegeben, dass Jared Leto die Titelfigur in Warhol spielen würde, einem kommenden amerikanischen biografischen Drama, das von Michael De Luca produziert und von Terence Winter geschrieben wird und auf dem Buch Warhol: The Biography von Victor Bockris basiert.

Fernsehen

Warhol trat als wiederkehrende Figur in der Fernsehserie Vinyl auf, gespielt von John Cameron Mitchell. Warhol wurde von Evan Peters in der American Horror Story dargestellt: Cult-Episode „Valerie Solanas starb für deine Sünden: Drecksack“. Die Episode schildert die versuchte Ermordung Warhols durch Valerie Solanas (Lena Dunham).

Anfang 1969 wurde Andy Warhol von Braniff International beauftragt, in zwei Fernsehspots für die Kampagne „When You Got It – Flaunt It“ der Luxusfluggesellschaft zu werben. Die Kampagne wurde von der Werbeagentur Lois Holland Calloway entwickelt, die von George Lois, dem Schöpfer einer berühmten Serie von Titelbildern für das Esquire Magazine, geleitet wurde. In der ersten Werbeserie wurden ungewöhnliche Menschen zusammengebracht, die die Tatsache teilten, dass sie beide mit Braniff Airways flogen. Warhol wurde mit der Boxlegende Sonny Liston gepaart. Der seltsame Werbespot funktionierte, ebenso wie die anderen, in denen ungewöhnliche Mitreisende wie der Maler Salvador Dalí und die Baseball-Legende Whitey Ford auftraten.

Zwei weitere Werbespots für Braniff entstanden, in denen berühmte Persönlichkeiten einen Braniff-Jet betraten und von einer Braniff-Hostess begrüßt wurden, während sie ihre Vorliebe für das Fliegen mit Braniff bekundeten. Warhol war auch im ersten dieser Werbespots zu sehen, die ebenfalls von Lois produziert und im Sommer 1969 veröffentlicht wurden. Lois hat fälschlicherweise angegeben, dass er 1967 von Braniff beauftragt wurde, die Fluggesellschaft in diesem Jahr zu vertreten, aber zu dieser Zeit vertrat die Doyenne der Madison Avenue-Werbung Mary Wells Lawrence, die mit dem Vorsitzenden und Präsidenten von Braniff, Harding Lawrence, verheiratet war, die in Dallas ansässige Fluggesellschaft. Lois übernahm die Wells Rich Greene Agency am 1. Dezember 1968. Die Rechte an Warhols Filmen für Braniff und die von ihm unterzeichneten Verträge befinden sich im Besitz einer privaten Stiftung und werden von der Braniff Airways Foundation in Dallas, Texas, verwaltet.

Bücher

Eine von dem Kunstkritiker Blake Gopnik verfasste Biografie über Andy Warhol wurde 2020 unter dem Titel Warhol veröffentlicht.

Quellen

  1. Andy Warhol
  2. Andy Warhol
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