James McNeill Whistler

Zusammenfassung

James Abbott McNeill Whistler RBA (11. Juli 1834 – 17. Juli 1903) war ein amerikanischer Maler, der während des amerikanischen Gilded Age tätig war und hauptsächlich im Vereinigten Königreich lebte. Er lehnte Sentimentalität und moralische Anspielungen in der Malerei ab und war ein führender Verfechter des Credos „Kunst um der Kunst willen“. Seine Signatur für seine Gemälde war ein stilisierter Schmetterling mit einem langen Stachel als Schwanz. In diesem Symbol vereinen sich beide Aspekte seiner Persönlichkeit: Seine Kunst ist von einer subtilen Zartheit geprägt, während er in der Öffentlichkeit kämpferisch auftritt. Er sah eine Parallele zwischen Malerei und Musik und nannte viele seiner Gemälde „Arrangements“, „Harmonien“ und „Nocturnes“, um den Vorrang der tonalen Harmonie zu betonen. Sein berühmtestes Gemälde, Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 (1871), gemeinhin als Whistlers Mutter bekannt, ist ein verehrtes und oft parodiertes Porträt der Mutterschaft. Whistler beeinflusste die Kunstwelt und die breitere Kultur seiner Zeit mit seinen Theorien und seinen Freundschaften mit anderen führenden Künstlern und Schriftstellern.

Neuengland

James Abbott Whistler wurde am 11. Juli 1834 in Lowell, Massachusetts, als erstes Kind von Anna McNeill Whistler und George Washington Whistler geboren und war der Bruder des Chirurgen der Konföderierten, Dr. William McNeill Whistler. Sein Vater war Eisenbahningenieur, und Anna war seine zweite Ehefrau. James lebte die ersten drei Jahre seines Lebens in einem bescheidenen Haus in der Worthen Street 243 in Lowell. Das Haus ist heute das Whistler House Museum of Art, ein ihm gewidmetes Museum. Während des Ruskin-Prozesses gab er St. Petersburg, Russland, als seinen Geburtsort an: „Ich werde geboren, wann und wo ich will, und ich habe mir nicht ausgesucht, in Lowell geboren zu werden.“

Die Familie zog 1837 von Lowell nach Stonington, Connecticut, um, wo sein Vater für die Stonington Railroad arbeitete. Drei der Kinder des Paares starben in dieser Zeit im Säuglingsalter. Ihr Glück verbesserte sich 1839 beträchtlich, als sein Vater Chefingenieur der Boston & Albany Railroad wurde, und die Familie baute ein Haus in Springfield, Massachusetts, wo sich heute das Wood Museum of History befindet. Sie lebten in Springfield, bis sie Ende 1842 die Vereinigten Staaten verließen. Nikolaus I. von Russland erfuhr von George Whistlers Genialität beim Bau der Boston & Albany Railroad und bot ihm 1842 eine Stelle als Ingenieur für eine Eisenbahnlinie von St. Petersburg nach Moskau an. Die Familie zog im Winter 1842 nach St. Petersburg.

Whistler war ein launisches Kind, das zu Wutausbrüchen und Unverschämtheiten neigte, und nach Krankheiten verfiel er oft in Trägheit. Seine Eltern entdeckten, dass das Zeichnen ihn oft beruhigte und ihm half, seine Aufmerksamkeit zu fokussieren. In späteren Jahren spielte er die Verbundenheit seiner Mutter mit dem amerikanischen Süden und seinen Wurzeln hoch und stellte sich selbst als verarmten Südstaatenaristokraten dar, obwohl unklar bleibt, inwieweit er wirklich mit der Sache der Südstaaten während des amerikanischen Bürgerkriegs sympathisierte. Nach dem Tod seiner Mutter nahm er deren Mädchennamen an und verwendete ihn als zusätzlichen zweiten Vornamen.

Russland und England

Ab 1842 war sein Vater als Arbeiter bei einer Eisenbahn in Russland beschäftigt. Nachdem er ein Jahr später zu seinem Vater nach St. Petersburg gezogen war, nahm der junge Whistler privaten Kunstunterricht und schrieb sich dann im Alter von elf Jahren an der Kaiserlichen Kunstakademie ein. Der junge Künstler folgte dem traditionellen Lehrplan des Zeichnens nach Gipsabdrücken und gelegentlich nach lebenden Modellen, genoss die Atmosphäre des Kunstgesprächs mit älteren Gleichaltrigen und erfreute seine Eltern mit einer erstklassigen Note in Anatomie. 1844 lernte er den bekannten Künstler Sir William Allan kennen, der mit dem Auftrag nach Russland kam, eine Geschichte über das Leben von Peter dem Großen zu malen. Whistlers Mutter notierte in ihrem Tagebuch: „Der große Künstler bemerkte zu mir: “Ihr kleiner Junge hat ein ungewöhnliches Genie, aber drängen Sie ihn nicht über seine Neigung hinaus.““

In den Jahren 1847-1848 verbrachte seine Familie einige Zeit in London bei Verwandten, während sein Vater in Russland blieb. Whistlers Schwager Francis Haden, ein Arzt, der auch Künstler war, weckte sein Interesse an Kunst und Fotografie. Haden nahm Whistler mit zu Sammlerbesuchen und Vorträgen und schenkte ihm ein Aquarellset mit Anleitung. Whistler konnte sich bereits eine künstlerische Karriere vorstellen. Er begann, Bücher über Kunst zu sammeln und studierte die Techniken anderer Künstler. Als sein Porträt 1848 von Sir William Boxall gemalt wurde, rief der junge Whistler aus, dass das Porträt „mir sehr ähnlich und ein sehr schönes Bild“ sei. Mr. Boxall ist ein wunderbarer Kolorist… Es hat eine schöne cremige Oberfläche und sieht so reich aus“. In seiner aufblühenden Begeisterung für die Kunst teilte er seinem Vater mit fünfzehn Jahren in einem Brief mit, in welche Richtung es gehen sollte: „Ich hoffe, lieber Vater, du wirst nichts gegen meine Wahl haben.“ Sein Vater starb jedoch im Alter von 49 Jahren an der Cholera, und die Familie Whistler zog zurück in die Heimatstadt seiner Mutter, Pomfret, Connecticut. Seine künstlerischen Pläne blieben vage und seine Zukunft ungewiss. Die Familie lebte sparsam und kam mit einem begrenzten Einkommen über die Runden. Sein Cousin berichtet, Whistler sei damals „zierlich gewesen, mit einem nachdenklichen, zarten Gesicht, das von weichen braunen Locken beschattet wurde… er hatte eine etwas fremdartige Erscheinung und Manier, die ihn, unterstützt durch natürliche Fähigkeiten, selbst in diesem Alter sehr charmant machte.“

West Point

Whistler wurde auf die Christ Church Hall School geschickt, weil seine Mutter hoffte, dass er Pfarrer werden würde. Whistler war selten ohne sein Skizzenbuch und war bei seinen Mitschülern wegen seiner Karikaturen beliebt. Es wurde jedoch klar, dass eine Karriere im religiösen Bereich nicht zu ihm passte, und so bewarb er sich an der Militärakademie der Vereinigten Staaten in West Point, wo sein Vater Zeichenunterricht gegeben hatte und andere Verwandte studiert hatten. Trotz seiner extremen Kurzsichtigkeit und seines schlechten Gesundheitszustands wurde er im Juli 1851 aufgrund seines Familiennamens in die hochselektive Einrichtung aufgenommen. Während der drei Jahre, die er dort verbrachte, waren seine Noten jedoch kaum zufriedenstellend, und er war ein trauriger Anblick beim Exerzieren und bei der Kleidung, da er wegen seiner über die Vorschriften hinausgehenden Haarlänge als „Curly“ bekannt war. Whistler widersetzte sich der Autorität, gab sarkastische Kommentare von sich und sammelte Unzulänglichkeiten. Colonel Robert E. Lee war der Vorgesetzte in West Point, und nachdem er Whistler viel Nachsicht entgegengebracht hatte, blieb ihm nichts anderes übrig, als den jungen Kadetten zu entlassen. Whistlers größte Leistung in West Point bestand darin, dass er bei dem amerikanischen Künstler Robert W. Weir das Zeichnen und die Erstellung von Karten erlernte.

Sein Weggang aus West Point scheint durch ein Scheitern in einer Chemieprüfung ausgelöst worden zu sein, in der er aufgefordert wurde, Silizium zu beschreiben, und mit den Worten begann: „Silizium ist ein Gas“. Wie er es später selbst ausdrückte: „Wenn Silizium ein Gas wäre, wäre ich eines Tages General geworden“. Eine andere Anekdote deutet jedoch auf Fehlverhalten im Zeichenunterricht als Grund für Whistlers Abgang hin.

Erster Job

Nach West Point arbeitete Whistler als Zeichner und kartierte die gesamte US-Küste für militärische und maritime Zwecke. Er fand die Arbeit langweilig und kam häufig zu spät oder war abwesend. Er verbrachte einen großen Teil seiner Freizeit mit Billardspielen und Faulenzen, war immer pleite und hatte, obwohl er ein Charmeur war, wenig Bekanntschaft mit Frauen. Nachdem entdeckt worden war, dass er Seeschlangen, Meerjungfrauen und Wale an die Ränder der Karten zeichnete, wurde er in die Radierabteilung der US-Küstenwache versetzt. Dort blieb er nur zwei Monate, erlernte aber die Radiertechnik, die sich später als wertvoll für seine Karriere erwies.

Zu diesem Zeitpunkt beschloss Whistler fest, dass die Kunst seine Zukunft sein würde. Einige Monate lang lebte er in Baltimore bei einem wohlhabenden Freund, Tom Winans, der Whistler sogar ein Atelier und etwas Geld zur Verfügung stellte. Der junge Künstler knüpfte einige wertvolle Kontakte in der Kunstszene und verkaufte auch einige frühe Gemälde an Winans. Whistler lehnte die Vorschläge seiner Mutter für andere, praktischere Berufe ab und teilte ihr mit, dass er mit dem Geld von Winans seine Kunstausbildung in Paris fortsetzen würde. Whistler kehrte nie in die Vereinigten Staaten zurück.

Kunststudium in Frankreich

Whistler kam 1855 in Paris an, mietete ein Atelier im Quartier Latin und nahm schnell das Leben eines Künstlers der Boheme an. Bald hatte er eine französische Freundin, eine Schneiderin namens Héloise. Er studierte für kurze Zeit traditionelle Kunstmethoden an der Ecole Impériale und im Atelier von Marc Charles Gabriel Gleyre. Letzterer war ein großer Verfechter des Werks von Ingres und beeindruckte Whistler mit zwei Grundsätzen, die er für den Rest seiner Karriere nutzte: dass die Linie wichtiger ist als die Farbe und dass Schwarz die Grundfarbe der tonalen Harmonie ist. Zwanzig Jahre später würden die Impressionisten diese Philosophie weitgehend umstoßen, indem sie Schwarz und Braun als „verbotene Farben“ verbieten und die Farbe über die Form stellen. Während Briefe aus der Heimat von den Sparbemühungen seiner Mutter berichteten, gab Whistler großzügig aus, verkaufte in seinem ersten Jahr in Paris wenig oder nichts und war ständig verschuldet. Um die Situation zu verbessern, begann er zu malen und Kopien von Werken im Louvre zu verkaufen und zog schließlich in ein billigeres Quartier. Der Zufall wollte es, dass George Lucas, ein weiterer reicher Freund, in Paris eintraf und Whistlers finanzielle Lage für eine Weile stabilisierte. Trotz einer finanziellen Atempause war der Winter 1857 ein schwieriger für Whistler. Sein schlechter Gesundheitszustand, der durch übermäßiges Rauchen und Trinken noch verschlimmert wurde, machte ihm zu schaffen.

Die Bedingungen verbesserten sich im Sommer 1858. Whistler erholt sich und reist mit seinem Künstlerkollegen Ernest Delannoy durch Frankreich und das Rheinland. Später schuf er mit Hilfe des französischen Meisterdruckers Auguste Delâtre eine Gruppe von Radierungen, die als „The French Set“ bekannt wurden. Im selben Jahr malte er sein erstes Selbstporträt, das Porträt von Whistler mit Hut, ein dunkles und dicht gezeichnetes Werk, das an Rembrandt erinnert. Das wichtigste Ereignis in diesem Jahr war jedoch seine Freundschaft mit Henri Fantin-Latour, den er im Louvre kennenlernte. Durch ihn wurde Whistler in den Kreis von Gustave Courbet eingeführt, zu dem auch Carolus-Duran (der spätere Lehrer von John Singer Sargent), Alphonse Legros und Édouard Manet gehörten.

Zu dieser Gruppe gehörte auch Charles Baudelaire, dessen Ideen und Theorien der „modernen“ Kunst Whistler beeinflussten. Baudelaire forderte die Künstler auf, die Brutalität des Lebens und der Natur zu hinterfragen und sie getreu darzustellen, ohne die alten Themen der Mythologie und Allegorie zu verwenden. Théophile Gautier, der als einer der ersten die Übersetzungsqualitäten zwischen Kunst und Musik erforschte, könnte Whistler dazu inspiriert haben, Kunst in musikalischer Hinsicht zu betrachten.

London

In Anlehnung an den Realismus seiner Wahlheimat malte Whistler 1858 sein erstes ausgestelltes Werk, La Mere Gerard. Danach malte er 1859 At the Piano in London, das er zu seinem Wohnsitz machte, während er gleichzeitig regelmäßig Freunde in Frankreich besuchte. At the Piano ist ein Porträt, das seine Nichte und ihre Mutter in ihrem Londoner Musikzimmer zeigt, ein Werk, das sein Talent und sein Versprechen deutlich macht. Ein Kritiker schrieb: “ eine rücksichtslose Kühnheit und Skizzenhaftigkeit der wildesten und rauesten Art, ein echtes Gefühl für Farben und eine großartige Kompositions- und Gestaltungskraft, die von einer unter Künstlern sehr seltenen gerechten Wertschätzung der Natur zeugen.“ Das Werk ist unsentimental und kontrastiert wirkungsvoll die Mutter in Schwarz und die Tochter in Weiß, wobei die anderen Farben gemäß den Empfehlungen seines Lehrers Gleyre zurückhaltend sind. Im folgenden Jahr wurde es in der Royal Academy ausgestellt, und auch in vielen weiteren Ausstellungen.

In einem zweiten Gemälde, das im selben Raum entstand, demonstrierte Whistler seinen natürlichen Hang zur Innovation und Neuartigkeit, indem er eine Genreszene mit ungewöhnlicher Komposition und Verkürzung schuf. Es wurde später in Harmonie in Grün und Rosa umbenannt: Das Musikzimmer. Dieses Gemälde zeigt auch Whistlers kontinuierliche Arbeitsweise, vor allem bei Porträts: ein schneller Beginn, größere Anpassungen, eine Periode der Vernachlässigung, dann ein letzter Ansturm auf die Fertigstellung.

Nach einem Jahr in London schuf er 1860 als Gegenpol zu seiner französischen Serie von 1858 eine weitere Serie von Radierungen mit dem Titel Thames Set sowie einige frühe impressionistische Werke, darunter The Thames in Ice. Zu diesem Zeitpunkt begann er, seine Technik der tonalen Harmonie auf der Grundlage einer begrenzten, vorher festgelegten Palette zu etablieren.

1861, nachdem er für einige Zeit nach Paris zurückgekehrt war, malte Whistler sein erstes berühmtes Werk, Symphony in White, No. 1: The White Girl. Das Porträt seiner Geliebten und Geschäftsführerin Joanna Hiffernan wurde als einfache Studie in Weiß geschaffen, doch andere sahen das anders. Der Kritiker Jules-Antoine Castagnary sah in dem Gemälde eine Allegorie auf die verlorene Unschuld einer neuen Braut. Andere brachten es mit Wilkie Collins“ Die Frau in Weiß, einem populären Roman jener Zeit, oder mit verschiedenen anderen literarischen Quellen in Verbindung. In England hielten einige es für ein Gemälde im Stil der Präraffaeliten. Auf dem Gemälde hält Hiffernan eine Lilie in der linken Hand und steht auf einem Teppich aus Bärenfell (von manchen als Sinnbild für Männlichkeit und Lust interpretiert), wobei der Kopf des Bären den Betrachter bedrohlich anschaut. Das Porträt wurde von der konservativen Royal Academy abgelehnt, aber in einer Privatgalerie unter dem Titel The Woman in White gezeigt. Im Jahr 1863 wurde es auf dem Salon des Refusés in Paris gezeigt, einer von Kaiser Napoleon III. gesponserten Veranstaltung zur Ausstellung von Werken, die vom Salon abgelehnt wurden.

Whistlers Gemälde fand große Beachtung, obwohl es von Manets schockierenderem Gemälde Le déjeuner sur l“herbe in den Schatten gestellt wurde. Gegen die Kritik der Traditionalisten betonten Whistlers Anhänger, dass es sich bei dem Gemälde um „eine Erscheinung mit spirituellem Inhalt“ handele und dass es seine Theorie verkörpere, wonach es in der Kunst im Wesentlichen um die harmonische Anordnung von Farben und nicht um eine wörtliche Darstellung der natürlichen Welt gehen sollte.

Zwei Jahre später malte Whistler ein weiteres Porträt von Hiffernan in Weiß, das diesmal sein neu entdecktes Interesse an asiatischen Motiven zeigt und den Titel The Little White Girl trägt. In seinen 1864 fertiggestellten Gemälden Lady of the Land Lijsen und The Golden Screen porträtiert er seine Geliebte erneut in noch ausgeprägterer asiatischer Kleidung und Umgebung. In dieser Zeit lernte Whistler Gustave Courbet kennen, den frühen Anführer des französischen Realismus, doch als Hiffernan für Courbet nackt Modell stand, wurde Whistler wütend und seine Beziehung zu Hiffernan begann zu zerbrechen. Im Januar 1864 traf Whistlers sehr religiöse und sehr korrekte Mutter in London ein, was das Bohemien-Dasein ihres Sohnes durcheinander brachte und die Spannungen in der Familie vorübergehend verschärfte. An Henri Fantin-Latour schrieb er: „Allgemeine Umwälzung! Ich musste mein Haus ausräumen und vom Keller bis zur Dachtraufe reinigen“. Er zog auch sofort mit Hiffernan an einen anderen Ort.

Nocturnes

1866 beschloss Whistler, Valparaíso in Chile zu besuchen, eine Reise, die die Gelehrten vor ein Rätsel stellte, obwohl Whistler erklärte, er habe dies aus politischen Gründen getan. Chile befand sich im Krieg mit Spanien, und vielleicht dachte Whistler, es handele sich um den heroischen Kampf einer kleinen Nation gegen eine größere, aber dafür gibt es keine Belege. Was auf der Reise entstand, waren Whistlers erste drei nächtliche Gemälde – die er als „Mondlichter“ bezeichnete und später in „Nocturnes“ umbenannte – nächtliche Hafenszenen, die er mit einer blauen oder hellgrünen Farbpalette malte. Nach seiner Rückkehr nach London malte er in den nächsten zehn Jahren mehrere Nachtbilder, viele von der Themse und von Cremorne Gardens, einem Vergnügungspark, der für seine häufigen Feuerwerke berühmt war, die eine neue Herausforderung für seine Malerei darstellten. In seinen maritimen Nocturnes verwendete Whistler stark verdünnte Farbe als Grundierung mit leicht geflickter Farbe, um Schiffe, Lichter und Uferlinien anzudeuten. Einige der Gemälde von der Themse weisen auch kompositorische und thematische Ähnlichkeiten mit den japanischen Drucken von Hiroshige auf.

1872 schrieb Whistler seinem Mäzen Frederick Leyland, einem Chopin-begeisterten Amateurmusiker, seine musikalisch inspirierten Titel zu.

Ich sage, ich kann Ihnen nicht genug danken für den Namen “Nocturne“ als Titel für meine Mondlichter! Sie können sich nicht vorstellen, wie sehr er die Kritiker irritiert und mich erfreut – außerdem ist er wirklich so charmant und sagt so poetisch alles, was ich sagen will, und nicht mehr, als ich mir wünsche!

Zu diesem Zeitpunkt malte Whistler ein weiteres Selbstporträt und betitelte es Arrangement in Gray: Portrait of the Painter (ca. 1872). Außerdem begann er, viele seiner früheren Werke mit Begriffen aus der Musik zu betiteln, wie „Nocturne“, „Symphonie“, „Harmonie“, „Studie“ oder „Arrangement“, um die klanglichen Qualitäten und die Komposition zu betonen und den erzählerischen Inhalt in den Hintergrund zu stellen. Whistlers Nocturnes gehörten zu seinen innovativsten Werken. Als er nach dem Deutsch-Französischen Krieg mehrere Nocturnes an den Kunsthändler Paul Durand-Ruel schickte, bot sich Whistler die Gelegenheit, Künstlern, Käufern und Kritikern in Frankreich seine sich entwickelnde „Theorie der Kunst“ zu erläutern. Sein guter Freund Fantin-Latour, der in seinen Ansichten immer reaktionärer wurde, insbesondere in seiner ablehnenden Haltung gegenüber der aufkommenden Schule des Impressionismus, fand Whistlers neue Werke überraschend und verwirrend. Fantin-Latour gab zu: „Ich verstehe da gar nichts; es ist bizarr, wie man sich verändert. Ich erkenne ihn nicht mehr.“ Ihre Beziehung war zu diesem Zeitpunkt schon fast beendet, aber sie tauschten weiterhin gelegentlich ihre Meinungen in einem Briefwechsel aus. Als Edgar Degas Whistler einlud, mit der ersten Ausstellung der Impressionisten im Jahr 1874 auszustellen, lehnte Whistler die Einladung ab, ebenso wie Manet, was einige Wissenschaftler zum Teil auf Fantin-Latours Einfluss auf beide Männer zurückführen.

Porträts

Der Deutsch-Französische Krieg von 1870 zersplitterte die französische Kunstszene. Viele Künstler flüchteten nach England und schlossen sich Whistler an, darunter Camille Pissarro und Monet, während Manet und Degas in Frankreich blieben. Wie Whistler konzentrierten sich auch Monet und Pissarro auf Stadtansichten, und es ist wahrscheinlich, dass Whistler mit der von diesen Künstlern begründeten Entwicklung des Impressionismus in Berührung kam und dass sie seine Nocturnes gesehen hatten. Whistler entfernte sich von Courbets „verdammtem Realismus“, und ihre Freundschaft war ebenso wie seine Beziehung zu Joanna Hiffernan in die Brüche gegangen.

1871 wandte sich Whistler wieder dem Porträt zu und schuf bald sein berühmtestes Gemälde, die fast einfarbige Ganzfigur mit dem Titel Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1, die gewöhnlich als Whistlers Mutter bezeichnet wird. Einem Brief seiner Mutter zufolge erschien eines Tages kein Modell, und so wandte sich Whistler an seine Mutter und schlug vor, sie zu porträtieren. Zunächst ließ er sie stehen, in seiner typisch langsamen und experimentellen Art, aber das erwies sich als zu ermüdend, so dass er sich für die sitzende Pose entschied. Es dauerte Dutzende von Sitzungen bis zur Fertigstellung.

Das schlichte Porträt in seiner sonst so zurückhaltenden Farbpalette ist eine weitere Whistler-Übung in tonaler Harmonie und Komposition. Die täuschend einfache Gestaltung ist in Wirklichkeit ein Balanceakt verschiedener Formen, insbesondere der Rechtecke von Vorhang, Wandbild und Boden, die die Kurven von Gesicht, Kleid und Stuhl stabilisieren. Whistler kommentierte, dass die Erzählung des Gemäldes von geringer Bedeutung sei, doch das Bild sei auch eine Hommage an seine fromme Mutter. Nach dem anfänglichen Schock, als sie mit ihrem Sohn zusammenzog, half sie ihm erheblich, indem sie sein Verhalten etwas stabilisierte, sich um seine häuslichen Bedürfnisse kümmerte und ihm eine Aura konservativer Seriosität verlieh, die dazu beitrug, Gönner zu gewinnen.

Die Öffentlichkeit reagierte negativ auf das Gemälde, vor allem wegen seiner anti-viktorianischen Schlichtheit in einer Zeit, in der in England Sentimentalität und extravagante Dekoration en vogue waren. Die Kritiker hielten das Gemälde eher für ein gescheitertes „Experiment“ als für Kunst. Die Royal Academy lehnte es ab, akzeptierte es dann aber zähneknirschend nach der Lobbyarbeit von Sir William Boxall, hängte es aber an einem ungünstigen Ort in ihrer Ausstellung auf.

Von Anfang an löste Whistlers Mutter unterschiedliche Reaktionen aus, darunter Parodie, Spott und Verehrung, die bis heute anhalten. Einige sahen darin „das würdevolle Gefühl der alten Dame“, „ein ernstes Gefühl der Trauer“ oder ein „perfektes Symbol der Mutterschaft“; andere nutzten es als passendes Vehikel für Spott. Es wurde in endlosen Variationen auf Grußkarten und in Magazinen sowie von Comicfiguren wie Donald Duck und Bullwinkle dem Elch persifliert. Whistler trug seinen Teil dazu bei, das Bild zu fördern und es zu popularisieren. Er stellte es häufig aus und genehmigte die frühen Reproduktionen, die ihren Weg in Tausende von Haushalten fanden. Das Gemälde entging nur knapp dem Feuer, das während des Transports in einem Zug ausbrach. Es wurde schließlich von der französischen Regierung erworben und ist das erste Whistler-Werk in einer öffentlichen Sammlung, die sich heute im Musée d“Orsay in Paris befindet.

Während der Depression wurde das Bild als „Millionen-Dollar-Gemälde“ angepriesen und war ein großer Erfolg auf der Weltausstellung in Chicago. Es wurde von der Weltöffentlichkeit, die sich mit Whistlers ästhetischen Theorien nicht sonderlich auskannte oder beschäftigte, als universelle Ikone der Mutterschaft akzeptiert. In Anerkennung seines Status und seiner Popularität gaben die Vereinigten Staaten 1934 eine Briefmarke heraus, die eine Adaption des Gemäldes zeigt. 2015 schrieb der Kritiker des New Yorker, Peter Schjeldahl, dass es „das wichtigste amerikanische Werk bleibt, das sich außerhalb der Vereinigten Staaten befindet“. Martha Tedeschi schreibt:

Whistlers „Mother“, Woods „American Gothic“, Leonardo da Vincis „Mona Lisa“ und Edvard Munchs „Der Schrei“ haben etwas erreicht, was die meisten Gemälde – unabhängig von ihrer kunsthistorischen Bedeutung, ihrer Schönheit oder ihrem Geldwert – nicht erreicht haben: Sie vermitteln fast jedem Betrachter sofort eine bestimmte Bedeutung. Diese wenigen Werke haben den Übergang von der elitären Sphäre der Museumsbesucher zum riesigen Schauplatz der Populärkultur erfolgreich vollzogen.

Andere Porträts

Weitere wichtige Porträts von Whistler sind die von Thomas Carlyle (Historiker, 1873), Maud Franklin (seine Geliebte, 1876), Cicely Alexander (Tochter eines Londoner Bankiers, 1873), Lady Meux (Gesellschaftsdame, 1882) und Théodore Duret (Kritiker, 1884). In den 1870er Jahren malte Whistler ganzfigurige Porträts von F.R. Leyland und seiner Frau Frances. Leyland beauftragte den Künstler später mit der Dekoration seines Esszimmers (siehe Pfauenzimmer unten).

Whistler war enttäuscht über die unregelmäßige Annahme seiner Werke für die Ausstellungen der Royal Academy und die schlechte Hängung und Platzierung seiner Gemälde. Daraufhin veranstaltete Whistler 1874 seine erste Einzelausstellung. Die Ausstellung war bemerkenswert und wurde wahrgenommen, weil Whistler den Saal so gestaltet und dekoriert hatte, dass er gut mit den Gemälden harmonierte, ganz im Sinne seiner Kunsttheorien. Ein Rezensent schrieb: „Der Besucher wird beim Betreten der Galerie von einem merkwürdigen Gefühl der Harmonie und Ausgewogenheit ergriffen, das sie durchdringt, und ist vielleicht mehr an der allgemeinen Wirkung als an einem einzelnen Werk interessiert.“

Whistler war als Porträtmaler nicht so erfolgreich wie der andere berühmte amerikanische Auswanderer John Singer Sargent. Whistlers sparsame Technik und seine Abneigung, seinen Porträtierten zu schmeicheln, sowie seine Berühmtheit mögen dafür verantwortlich sein. Außerdem arbeitete er sehr langsam und benötigte außerordentlich lange Sitzungen. William Merritt Chase beklagte sich über seine Porträtsitzungen bei Whistler: „Er erwies sich als wahrer Tyrann, der jeden Tag bis in die Dämmerung malte, während meine Glieder vor Müdigkeit schmerzten und mir schwindelig wurde. “Nicht bewegen! Nicht bewegen!“, schrie er, wenn ich mich auszuruhen begann.“ Zu der Zeit, als er in den 1890er Jahren weithin anerkannt wurde, hatte Whistler seine Blütezeit als Porträtmaler bereits hinter sich.

Whistlers Herangehensweise an das Porträtieren in seiner späten Reifezeit wurde von einem seiner Porträtierten, Arthur J. Eddy, beschrieben, der 1894 für den Künstler posierte:

Er arbeitete mit großer Schnelligkeit und in langen Stunden, aber er verwendete seine Farben dünn und bedeckte die Leinwand mit unzähligen Farbschichten. Die Farben nahmen im Laufe des Werks an Tiefe und Intensität zu. Zuerst wurde die gesamte Figur in graubraunen Tönen gemalt, mit sehr wenig Fleischfarbe, wobei das Ganze perfekt mit dem Graubraun der vorbereiteten Leinwand verschmolz; dann wurde der gesamte Hintergrund ein wenig intensiviert; dann wurde die Figur ein wenig stärker gemacht; dann der Hintergrund, und so weiter von Tag zu Tag und Woche zu Woche, und oft von Monat zu Monat. … Und so wuchs das Porträt wirklich, entwickelte sich wirklich als Ganzes, ganz ähnlich wie ein Negativ unter der Einwirkung der Chemikalien allmählich herauskommt – Licht, Schatten und alles von den ersten schwachen Anzeichen bis zu ihren vollen Werten. Es war, als wäre das Porträt in der Leinwand verborgen, und der Meister fuhr Tag für Tag mit seinem Zauberstab über die Oberfläche und rief das Bild hervor.

Druckgrafik

Whistler schuf zahlreiche Radierungen, Lithografien und Kaltnadelradierungen. Seine Lithographien, von denen einige auf Stein, andere direkt auf Lithographie-Papier gezeichnet sind, sind vielleicht halb so zahlreich wie seine Radierungen. Einige der Lithographien zeigen leicht drapierte Figuren; zwei oder drei der schönsten Lithographien zeigen die Themse, darunter eine „Nocturne“ in Limehouse, während andere den Faubourg Saint-Germain in Paris und georgianische Kirchen in Soho und Bloomsbury in London zeigen.

Zu den Radierungen gehören Porträts von Familienmitgliedern und Mätressen sowie intime Straßenszenen in London und Venedig. Whistler erlangte einen enormen Ruf als Radierer. Martin Hardie schrieb: „Es gibt einige, die ihn neben Rembrandt, vielleicht sogar über Rembrandt, als den größten Meister aller Zeiten sehen. Ich persönlich ziehe es vor, sie als den Jupiter und die Venus zu betrachten, die größten und hellsten unter den Planeten am Himmel des Radierers.“ Auf den Druck seiner Radierungen und die Wahl des Papiers verwendete er große Sorgfalt. Zu Beginn und am Ende seiner Laufbahn legte er großen Wert auf eine klare Linienführung, während er in einer mittleren Periode mehr mit der Farbgebung und der Verwendung von Flächentönen experimentierte.

Schmetterlingsunterschrift und Bildeinstellungen

Whistlers berühmte Schmetterlingssignatur entstand in den 1860er Jahren aus seinem Interesse an der asiatischen Kunst heraus. Er studierte die Töpferzeichen auf dem Porzellan, das er zu sammeln begonnen hatte, und beschloss, ein Monogramm mit seinen Initialen zu entwerfen. Mit der Zeit entwickelte sich daraus die Form eines abstrakten Schmetterlings. Um 1880 fügte er dem Schmetterlingsbild einen Stachel hinzu, um ein Zeichen zu schaffen, das sowohl sein sanftes, sensibles Wesen als auch seinen provokanten, kämpferischen Geist repräsentierte. Er achtete sehr auf die richtige Platzierung des Bildes sowohl auf seinen Gemälden als auch auf seinen maßgefertigten Rahmen. Sein Augenmerk auf die Bedeutung von Gleichgewicht und Harmonie erstreckte sich nicht nur auf den Rahmen, sondern auch auf die Platzierung seiner Gemälde in ihrem Umfeld und sogar auf die Gestaltung eines ganzen architektonischen Elements, wie im Pfauenzimmer.

Das Pfauenzimmer

Harmonie in Blau und Gold: Das Pfauenzimmer ist Whistlers Meisterwerk der dekorativen Wandmalerei für Innenräume. Er übermalte den ursprünglich von Thomas Jeckyll (1827-1881) entworfenen getäfelten Raum mit einer einheitlichen Palette leuchtender Blau- und Grüntöne mit Überglasur und metallischem Blattgold. Das 1876-1877 entstandene Gemälde gilt heute als ein herausragendes Beispiel für den anglo-japanischen Stil. Frederick Leyland überließ Whistler den Raum, um kleinere Änderungen vorzunehmen, „um den Raum zu harmonisieren“, dessen Hauptzweck die Präsentation von Leylands Porzellansammlung war. Whistler ließ jedoch seiner Fantasie freien Lauf: „Nun, wissen Sie, ich habe einfach weitergemalt. Ich machte weiter – ohne Entwurf oder Skizze – und fügte jeden Hauch mit solcher Freiheit ein … Und die Harmonie in Blau und Gold entwickelte sich, wissen Sie, ich vergaß alles in meiner Freude daran.“ Er übermalte vollständig die Wandbespannung aus Cordoba-Leder aus dem 16. Jahrhundert, die Katharina von Aragon nach Großbritannien gebracht hatte und für die Leyland 1.000 Pfund bezahlt hatte.

Nachdem er das Herzstück des Zimmers, Whistlers Gemälde Die Prinzessin aus dem Land des Porzellans, erworben hatte, kaufte der amerikanische Industrielle und Ästhet Charles Lang Freer 1904 das gesamte Zimmer von Leylands Erben, darunter Leylands Tochter und ihr Ehemann, der britische Künstler Val Prinsep. Freer ließ den Inhalt des Peacock Room in seiner Villa in Detroit aufstellen. Nach Freers Tod im Jahr 1919 wurde der Peacock Room dauerhaft in der Freer Gallery of Art des Smithsonian in Washington, D.C., untergebracht, die 1923 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Eine große, von Whistler gemalte Karikatur von Leyland, die ihn als anthropomorphen, Klavier spielenden Pfau darstellt, trägt den Titel The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – ein Wortspiel auf Leylands Vorliebe für Rüschenhemden – befindet sich heute in der Sammlung des Fine Arts Museums of San Francisco.

Ruskin-Prozess

Im Jahr 1877 verklagte Whistler den Kritiker John Ruskin wegen Verleumdung, nachdem dieser sein Gemälde Nocturne in Schwarz und Gold verurteilt hatte: Die fallende Rakete. Whistler stellte das Werk in der Grosvenor Gallery aus, einer Alternative zur Ausstellung der Royal Academy, neben Werken von Edward Burne-Jones und anderen Künstlern. Ruskin, der ein Verfechter der Präraffaeliten und von J. M. W. Turner war, besprach Whistlers Werk in seiner Publikation Fors Clavigera vom 2. Juli 1877. Ruskin lobt Burne-Jones, während er Whistler angreift:

Um Herrn Whistlers willen, nicht weniger als zum Schutz des Käufers, hätte Sir Coutts Lindsay keine Werke in die Galerie lassen sollen, bei denen die ungebildete Einbildung des Künstlers so nahe an den Aspekt der vorsätzlichen Hochstapelei herankam. Ich habe schon viel von der Unverschämtheit der Cockneys gesehen und gehört, aber ich hätte nie erwartet, dass ein Hinterwäldler zweihundert Guineen dafür verlangt, dass er der Öffentlichkeit einen Farbtopf ins Gesicht wirft.

Als Whistler den Angriff in der Zeitung sah, antwortete er seinem Freund George Boughton: „Das ist die entwürdigendste Art der Kritik, die mir bisher entgegengeschleudert wurde.“ Er ging daraufhin zu seinem Anwalt und setzte eine Verleumdungsklage auf, die Ruskin zugestellt wurde. Whistler hoffte, 1.000 Pfund plus die Kosten des Verfahrens zu erhalten. Der Fall kam im folgenden Jahr vor Gericht, nachdem sich die Verhandlung aufgrund von Ruskins Geisteskrankheit verzögert hatte, während sich Whistlers finanzielle Lage weiter verschlechterte. Die Verhandlung fand am 25. und 26. November 1878 in der Exchequer Division des High Court vor Baron Huddleston und einer Sonderjury statt. Der Verteidiger von John Ruskin, Generalstaatsanwalt Sir John Holker, nahm Whistler ins Kreuzverhör:

Holker: „Was ist das Thema von Nocturne in Schwarz und Gold: The Falling Rocket?“

Whistler hatte auf zahlreiche Künstler gezählt, die als Zeugen für ihn aussagen sollten, aber sie weigerten sich, da sie eine Schädigung ihres Rufs befürchteten. Die anderen Zeugen, die für ihn aussagten, waren nicht überzeugend, und die Reaktion der Jury auf das Werk war spöttisch. Da Ruskins Zeugen beeindruckender waren, darunter Edward Burne-Jones, und Ruskin aus medizinischen Gründen abwesend war, blieb Whistlers Gegenangriff wirkungslos. Dennoch fällten die Geschworenen ein Urteil zu Gunsten Whistlers, sprachen ihm jedoch nur einen Pfennig an Schadensersatz zu, und die Gerichtskosten wurden geteilt. Die Kosten des Prozesses und die enormen Schulden für den Bau seines Wohnhauses („The White House“ in der Tite Street, Chelsea, entworfen mit E. W. Godwin, 1877-8) brachten ihn im Mai 1879 in den Bankrott, was zu einer Versteigerung seiner Werke, Sammlungen und seines Hauses führte. Stansky weist auf die Ironie hin, dass die Fine Art Society of London, die eine Sammlung zur Begleichung von Ruskins Prozesskosten organisiert hatte, ihn bei der Radierung „The Stones of Venice“ (und bei der Ausstellung der Serie 1883) unterstützte, was dazu beitrug, Whistlers Kosten wieder hereinzuholen.

Whistler veröffentlichte seinen Bericht über den Prozess in dem Pamphlet Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics (Kunst und Kunstkritiker), das in seinem späteren Werk The Gentle Art of Making Enemies (1890) enthalten ist, im Dezember 1878, kurz nach dem Prozess. Whistlers große Hoffnung, dass die Publicity des Prozesses seine Karriere retten würde, zerschlug sich, da er dadurch bei seinen Gönnern eher an Popularität verlor als gewann. Zu seinen Gläubigern gehörte Leyland, der den Verkauf von Whistlers Besitztümern überwachte. Whistler fertigte verschiedene Karikaturen seines ehemaligen Mäzens an, darunter ein bissiges satirisches Gemälde mit dem Titel The Gold Scab, kurz nachdem Whistler seinen Bankrott erklärt hatte. Whistler machte Leyland stets für seinen finanziellen Niedergang verantwortlich.

Nach dem Prozess erhielt Whistler den Auftrag, zwölf Radierungen in Venedig anzufertigen. Er nahm den Auftrag gerne an und kam mit seiner Freundin Maud in der Stadt an. Sie bezogen Zimmer in einem verfallenen Palazzo, den sie sich mit anderen Künstlern, darunter John Singer Sargent, teilten. Obwohl er Heimweh nach London hatte, lebte er sich in Venedig ein und machte sich daran, den Charakter der Stadt zu entdecken. Er tut sein Bestes, um sich von seinen düsteren finanziellen Angelegenheiten und dem bevorstehenden Verkauf aller seiner Güter bei Sotheby“s abzulenken. Er war ein regelmäßiger Gast bei den Partys im amerikanischen Konsulat und bezauberte die Gäste mit seinem üblichen Witz, der sich in Formulierungen wie „die einzige positive Tugend des Künstlers ist Müßiggang – und es gibt nur wenige, die dazu begabt sind“ äußerte.

Seine neuen Freunde berichteten im Gegenteil, dass Whistler früh aufgestanden sei und sich den ganzen Tag über angestrengt habe. An einen Freund schrieb er: „Ich habe in Venedig ein Venedig kennengelernt, das die anderen nie wahrgenommen zu haben scheinen, und das, wenn ich es, wie ich es vorhabe, mit zurückbringe, weit mehr als alle Ärgernisse, Verspätungen und Ärgernisse des Geistes ausgleichen wird.“ Der dreimonatige Auftrag dehnte sich auf vierzehn Monate aus. In dieser außergewöhnlich produktiven Zeit schuf Whistler mehr als fünfzig Radierungen, mehrere Nocturnes, einige Aquarelle und über 100 Pastelle, die sowohl die Stimmungen Venedigs als auch seine feinen architektonischen Details illustrieren. Darüber hinaus beeinflusste Whistler die amerikanische Kunstgemeinschaft in Venedig, insbesondere Frank Duveneck (und Duvenecks „Jungs“) und Robert Blum, die Whistlers Vision der Stadt nacheiferten und später seine Methoden und seinen Einfluss in Amerika verbreiteten.

Zurück in London verkauften sich die Pastelle besonders gut, und er witzelte: „Sie sind nicht so gut, wie ich dachte. Sie verkaufen sich!“ Er bemühte sich, auch seine anderen Werke auszustellen, allerdings mit begrenztem Erfolg. Obwohl er finanziell immer noch zu kämpfen hatte, ermutigte ihn die Aufmerksamkeit und Bewunderung der jüngeren Generation englischer und amerikanischer Maler, die ihn zu ihrem Idol machten und eifrig den Titel „Schüler von Whistler“ annahmen. Viele von ihnen kehrten nach Amerika zurück und verbreiteten Geschichten über Whistlers provokanten Egoismus, seinen scharfen Verstand und seine ästhetischen Äußerungen – und begründeten so die Legende Whistler, sehr zu seiner Zufriedenheit.

Whistler veröffentlichte 1885 sein erstes Buch Ten O“clock Lecture, in dem er seinen Glauben an die „Kunst um der Kunst willen“ zum Ausdruck brachte. Zu dieser Zeit herrschte die gegenteilige viktorianische Auffassung vor, nämlich dass die Kunst, wie auch viele andere menschliche Tätigkeiten, eine moralische oder soziale Funktion habe. Für Whistler jedoch war die Kunst ihr eigener Zweck, und der Künstler war nicht der Gesellschaft, sondern sich selbst gegenüber verpflichtet, durch die Kunst zu interpretieren und das Gesehene weder zu reproduzieren noch zu moralisieren. Außerdem stellte er fest, dass „die Natur sehr selten richtig ist“ und vom Künstler mit seiner eigenen Vision verbessert werden muss.

Obwohl er mit Whistler in einigen Punkten nicht einer Meinung war, unter anderem weil er darauf bestand, dass die Poesie eine höhere Kunstform als die Malerei sei, lobte Oscar Wilde den Vortrag großzügig und bezeichnete ihn als Meisterwerk:

nicht nur wegen seiner klugen Satire und seiner amüsanten Scherze … sondern wegen der reinen und vollkommenen Schönheit vieler seiner Passagen … dafür ist er meiner Meinung nach in der Tat einer der allergrößten Meister der Malerei. Und ich darf hinzufügen, dass Herr Whistler selbst in dieser Meinung völlig übereinstimmt.

Whistler fühlte sich jedoch von Oscar Wilde verspottet, und von da an kam es zu öffentlichen Auseinandersetzungen, die zum völligen Zusammenbruch ihrer Freundschaft führten, ausgelöst durch einen Bericht von Herbert Vivian. Später schlug Wilde erneut auf Whistler ein, indem er den ermordeten Künstler in seinem Roman Das Bildnis des Dorian Gray nach Whistler benannte.

Im Januar 1881 starb Anna Whistler. Zu Ehren seiner Mutter nahm er daraufhin öffentlich ihren Mädchennamen McNeill als zweiten Vornamen an.

Whistler trat 1884 der Society of British Artists bei und wurde am 1. Juni 1886 zum Präsidenten gewählt. Im folgenden Jahr, anlässlich des Goldenen Jubiläums von Königin Victoria, überreichte Whistler der Königin im Namen der Gesellschaft ein aufwendiges Album mit einer langen schriftlichen Ansprache und von ihm angefertigten Illustrationen. Königin Victoria bewunderte „die schöne und künstlerische Illumination“ so sehr, dass sie verfügte, „dass die Gesellschaft fortan Royal genannt werden sollte“. Diese Errungenschaft wurde von den Mitgliedern sehr geschätzt, aber schon bald wurde sie von dem Streit überschattet, der unweigerlich mit der Royal Academy of Arts aufkam. Whistler schlug vor, dass die Mitglieder der Royal Society aus der Royal Academy austreten sollten. Dies entfachte eine Fehde in den Reihen der Mitglieder, die alle anderen Angelegenheiten der Gesellschaft überschattete. Im Mai 1888 forderten neun Mitglieder in einem Schreiben an Whistler seinen Rücktritt. Auf der Jahresversammlung am 4. Juni wurde er mit 18 zu 19 Stimmen bei neun Enthaltungen nicht wiedergewählt. Whistler und 25 Unterstützer traten zurück, während die Anti-Whistler-Mehrheit (seiner Meinung nach) erfolgreich war, ihn wegen seiner „Exzentrizitäten“ und seines „nicht-englischen“ Hintergrunds auszuschließen.

Als seine Beziehung zu Maud in die Brüche ging, machte Whistler plötzlich Beatrice Godwin (auch „Beatrix“ oder „Trixie“ genannt), einer ehemaligen Schülerin und Witwe seines Architekten Edward William Godwin, einen Heiratsantrag. Durch seine Freundschaft mit Godwin hatte Whistler eine enge Beziehung zu Beatrice, die er in dem ganzfigurigen Porträt mit dem Titel Harmonie in Rot malte: Lamplight (GLAHA 46315). Im Sommer 1888 traten Whistler und Beatrice in der Öffentlichkeit als Paar auf. Bei einem Abendessen bestanden Louise Jopling und Henry Labouchère darauf, dass die beiden noch vor Ende der Woche heiraten sollten.

Die Trauung wurde arrangiert; als Mitglied des Parlaments sorgte Labouchère dafür, dass der Kaplan des Unterhauses das Paar traute. Die Zeremonie wurde nicht publik gemacht, um zu verhindern, dass eine wütende Maud Franklin die Trauung störte. Die Trauung fand am 11. August 1888 im Beisein eines Reporters der Pall Mall Gazette statt, um das Ereignis bekannt zu machen. Das Paar reiste bald darauf nach Paris, um jede Gefahr einer Szene mit Maud zu vermeiden.

Whistlers Ansehen in London und Paris stieg, und er erhielt positive Kritiken von Kritikern und neue Aufträge. Sein Buch The Gentle Art of Making Enemies (Die sanfte Kunst, sich Feinde zu machen) wurde 1890 mit gemischtem Erfolg veröffentlicht, aber es verschaffte ihm hilfreiche Publicity.

Im Jahr 1890 lernte er Charles Lang Freer kennen, der in Amerika zu einem wertvollen Mäzen und schließlich zu seinem wichtigsten Sammler wurde. Zu dieser Zeit experimentierte Whistler neben der Porträtfotografie auch mit der frühen Farbfotografie und der Lithografie und schuf eine Reihe von Bildern, die die Londoner Architektur und die menschliche Figur, meist weibliche Akte, zeigten. Die ersten drei Lithografien seiner Songs of Stone (Gesänge aus Stein) wurden für die Zeitschrift The Whirlwind (Wirbelwind) seines Freundes Herbert Vivian veröffentlicht, einer neojakobitischen Zeitschrift. Whistler hatte Vivian in den späten 1880er Jahren kennengelernt, als beide Mitglieder des Ordens der Weißen Rose waren, der ersten der neojakobitischen Vereinigungen. 1891 wurde Whistlers Mutter mit Hilfe seines engen Freundes Stéphane Mallarmé von der französischen Regierung für 4.000 Francs erworben. Das war viel weniger als das, was ein amerikanischer Sammler gezahlt hätte, aber das wäre nach Whistlers Auffassung nicht so prestigeträchtig gewesen.

Nach der gleichgültigen Aufnahme seiner Einzelausstellung in London, in der vor allem seine Nocturnes gezeigt wurden, beschloss Whistler plötzlich, dass er genug von London hatte. Er und Trixie zogen 1892 nach Paris und wohnten in der Rue du Bac Nr. 110 in Paris, sein Atelier befand sich in der Rue Notre Dame des Champs 86 in Montparnasse. Er fühlt sich von Monet, Auguste Rodin, Henri de Toulouse-Lautrec und Stéphane Mallarmé aufgenommen und richtet sich ein großes Atelier ein. Er war auf dem Höhepunkt seiner Karriere, als man entdeckte, dass Trixie Krebs hatte. Sie kehren im Februar 1896 nach London zurück und nehmen sich ein Zimmer im Savoy Hotel, um sich behandeln zu lassen. Er fertigte Zeichnungen auf lithografischem Transferpapier an, die den Blick auf die Themse aus dem Hotelfenster oder vom Balkon zeigen, während er bei ihr saß.

1899 machte Charles Freer Whistler mit seinem Freund und Geschäftspartner Richard Albert Canfield bekannt, der ein persönlicher Freund und Mäzen Whistlers wurde. Canfield besaß eine Reihe mondäner Spielhöllen in New York, Rhode Island, Saratoga Springs und Newport und war ein kultivierter Mann mit erlesenem Kunstgeschmack. Er besaß frühe amerikanische und Chippendale-Möbel, Wandteppiche, chinesisches Porzellan und Barye-Bronzen und besaß bis zu seinem Tod im Jahr 1914 die zweitgrößte und bedeutendste Whistler-Sammlung der Welt. Im Mai 1901 gab Canfield ein Porträt bei Whistler in Auftrag; im März 1902 begann er für das Porträt von Richard A. Canfield (YMSM 547) zu posieren. Laut Alexander Gardiner kehrte Canfield zum Jahreswechsel 1903 nach Europa zurück, um für Whistler zu posieren, und saß bis zum 16. Mai 1903 jeden Tag. Whistler war zu diesem Zeitpunkt krank und gebrechlich, und das Werk war sein letztes vollendetes Porträt. Der trügerische Anschein von Seriosität, den das Porträt Canfield verlieh, veranlasste Whistler, es „Seine Ehrerbietung“ zu nennen. Die beiden Männer standen von 1901 bis zu Whistlers Tod in Briefkontakt. Wenige Monate vor seinem eigenen Tod verkaufte Canfield seine Sammlung von Radierungen, Lithografien, Zeichnungen und Gemälden Whistlers für 300.000 Dollar an den amerikanischen Kunsthändler Roland F. Knoedler. Drei von Canfields Whistler-Gemälden hängen im Frick Museum in New York City.

In den letzten sieben Jahren seines Lebens schuf Whistler einige minimalistische Seestücke in Aquarell und ein letztes Selbstporträt in Öl. Er korrespondierte mit seinen zahlreichen Freunden und Kollegen. Whistler gründete 1898 eine Kunstschule, die jedoch aufgrund seines schlechten Gesundheitszustands und seiner seltenen Auftritte 1901 geschlossen wurde. Er starb am 17. Juli 1903 in London, sechs Tage nach seinem 69. Geburtstag. Geburtstag. Er ist auf dem Chiswick Old Cemetery im Westen Londons begraben, der an die St. Nicholas Church in Chiswick angrenzt.

Whistler war 1908 Gegenstand einer Biografie seiner Freunde, des Ehepaars Joseph Pennell und Elizabeth Robins Pennell, die als Grafiker bzw. Kunstkritiker tätig waren. Die umfangreiche Whistler-Sammlung der Pennells wurde der Library of Congress vermacht. Der gesamte Nachlass des Künstlers ging an seine Schwägerin Rosalind Birnie Philip. Sie verbrachte den Rest ihres Lebens damit, seinen Ruf zu verteidigen und seine Kunst und seinen Nachlass zu verwalten, von dem ein Großteil schließlich der Universität Glasgow geschenkt wurde.

Whistler hatte eine markante Erscheinung, klein und schlank, mit stechenden Augen und einem lockigen Schnurrbart, oft mit einem Monokel und der auffälligen Kleidung eines Dandys. Er trat selbstbewusst und exzentrisch auf. Gegenüber Freunden und Gönnern war er oft arrogant und egoistisch. Er war ein ständiger Selbstdarsteller und Egoist, der es genoss, Freunde und Feinde zu schockieren. Obwohl er sich in sozialen und politischen Fragen drollig und schnoddrig ausdrücken konnte, war es ihm immer ernst mit der Kunst und er lud oft zu öffentlichen Kontroversen und Debatten ein, um seine stark vertretenen Theorien zu verteidigen.

Whistler hatte eine hohe, schleppende Stimme und eine einzigartige Art zu sprechen, voll von kalkulierten Pausen. Ein Freund sagte: „Man merkt sofort, dass er sich nicht unterhält – er skizziert in Worten, gibt Eindrücke in Klang und Sinn wieder, die der Zuhörer interpretieren muss.“

Whistler war bekannt für seinen bissigen Witz, vor allem im Austausch mit seinem Freund und Rivalen Oscar Wilde. Beide gehörten zur Pariser Café-Gesellschaft und waren oft das „Stadtgespräch“. Sie erschienen häufig als Karikaturen in Punch, zu ihrer gegenseitigen Belustigung. Einmal nahm der junge Oscar Wilde an einem von Whistlers Abendessen teil, und als er eine brillante Bemerkung seines Gastgebers hörte, soll er gesagt haben: „Ich wünschte, ich hätte das gesagt“, woraufhin Whistler antwortete: „Das wirst du, Oscar, das wirst du!“ In der Tat wiederholte Wilde in der Öffentlichkeit viele von Whistler erfundene Witzeleien. Ihre Beziehung verschlechterte sich Mitte der 1880er Jahre, als Whistler sich gegen Wilde und die Ästhetische Bewegung wandte. Als Wilde 1895 öffentlich zugab, homosexuell zu sein, verhöhnte Whistler ihn offen. Whistler genoss es, seine gesellschaftlichen Zusammenkünfte vorzubereiten und zu organisieren. Wie ein Gast bemerkte:

Man traf dort die Besten der Gesellschaft – Menschen mit Verstand und solche, die genug hatten, um sie zu schätzen. Whistler war ein unnachahmlicher Gastgeber. Er liebte es, die Sonne zu sein, um die wir kleineren Lichter uns drehten … Alle gerieten unter seinen Einfluss, und infolgedessen war niemand gelangweilt, niemand langweilig.

In Paris war Whistler mit Mitgliedern des symbolistischen Kreises von Künstlern, Schriftstellern und Dichtern befreundet, zu denen auch Stéphane Mallarmé gehörte. Schwob hatte Whistler Mitte der 1890er Jahre über Stéphane Mallarmé kennengelernt, sie hatten weitere gemeinsame Freunde, darunter Oscar Wilde (bis sie sich stritten) und Whistlers Schwager Charles Whibley.

Neben Henri Fantin-Latour, Alphonse Legros und Courbet war Whistler auch mit vielen anderen französischen Künstlern befreundet. Er illustrierte das Buch Les Chauves-Souris mit Antonio de La Gandara. Er kannte auch die Impressionisten, vor allem Édouard Manet, Monet und Edgar Degas. Als junger Künstler pflegte er eine enge Freundschaft mit Dante Gabriel Rossetti, einem Mitglied der Präraffaeliten-Bruderschaft. Seine enge Freundschaft mit Monet und dem Dichter Stéphane Mallarmé, der die „Ten O“Clock Lecture“ ins Französische übersetzte, trug dazu bei, dass Whistler in der französischen Öffentlichkeit ein hohes Ansehen genoss. Whistler war mit seinen Mitschülern in Gleyres Atelier befreundet, darunter Ignace Schott, dessen Sohn Leon Dabo Whistler später zu seinem Mentor machen sollte.

Whistlers Geliebte und Modell für Das weiße Mädchen, Joanna Hiffernan, hat auch für Gustave Courbet Modell gestanden. Historiker spekulieren, dass Courbet sie als Modell für sein erotisches Gemälde L“Origine du monde verwendete, was möglicherweise zum Bruch der Freundschaft zwischen Whistler und Courbet führte. Während der 1870er und eines Großteils der 1880er Jahre lebte er mit seiner Modellmeisterin Maud Franklin zusammen. Ihre Fähigkeit, seine langen, sich wiederholenden Sitzungen zu ertragen, half Whistler, seine Porträtfähigkeiten zu entwickeln. Er fertigte nicht nur mehrere hervorragende Porträts von ihr an, sondern sie war auch eine hilfreiche Vertretung für andere Porträtmaler.Whistler hatte mehrere uneheliche Kinder, von denen Charles Hanson das am besten dokumentierte ist. Nachdem er sich von seiner Geliebten Joanna Hiffernan getrennt hatte, half sie bei der Erziehung von Whistlers Sohn Charles James Whistler Hanson (1870-1935), der aus einer Affäre mit dem Dienstmädchen Louisa Fanny Hanson hervorging. Mit seiner Geliebten Maud Franklin hatte Whistler zwei Töchter: Ione (geboren ca. 1877) und Maud McNeill Whistler Franklin (geboren 1879). Sie bezeichnete sich manchmal als „Mrs. Whistler“ und gab bei der Volkszählung von 1881 ihren Namen als „Mary M. Whistler“ an.

1888 heiratete Whistler Beatrice Godwin (die von Whistler „Beatrix“ oder „Trixie“ genannt wurde). Sie war die Witwe des Architekten E. W. Godwin, der Whistlers Weißes Haus entworfen hatte. Beatrix war die Tochter des Bildhauers John Birnie Philip und dessen Frau Frances Black. Beatrix und ihre Schwestern Rosalind Birnie Philip und Ethel Whibley posierten für viele von Whistlers Gemälden und Zeichnungen, wobei Ethel Whibley für Mother of pearl and silver Modell stand: Der Andalusier (1888-1900). Die ersten fünf Jahre ihrer Ehe waren sehr glücklich, aber ihr späteres Leben war eine Zeit des Elends für das Paar, da sie an Krebs erkrankte und schließlich daran starb. Gegen Ende lag sie die meiste Zeit im Koma, völlig betäubt von Morphium, das zur Schmerzlinderung verabreicht wurde. Ihr Tod war ein schwerer Schlag, den Whistler nie ganz überwinden konnte.

Whistler ließ sich von vielen Quellen inspirieren und bezog sie in seine Kunst ein, darunter die Werke von Rembrandt, Velázquez und die antike griechische Bildhauerei, um seinen eigenen, höchst einflussreichen und individuellen Stil zu entwickeln. Mit über 500 Gemälden sowie Radierungen, Pastellen, Aquarellen, Zeichnungen und Lithografien war er in vielen Medien versiert. Whistler war ein führender Vertreter der Ästhetischen Bewegung, der die Philosophie der „Kunst um der Kunst willen“ propagierte, schrieb und lehrte. Gemeinsam mit seinen Schülern setzte er sich für ein einfaches Design, die Sparsamkeit der Mittel, den Verzicht auf eine allzu aufwendige Technik und die tonale Harmonie des Endergebnisses ein. Whistler war Gegenstand vieler bedeutender Museumsausstellungen, Studien und Publikationen. Wie die Impressionisten nutzte er die Natur als künstlerische Ressource. Whistler bestand darauf, dass es die Pflicht des Künstlers sei, das Gesehene zu interpretieren, nicht Sklave der Realität zu sein und „aus dem Chaos eine glorreiche Harmonie hervorzubringen“.

Im Laufe seines Lebens beeinflusste er zwei Generationen von Künstlern, in Europa und in den Vereinigten Staaten. Whistler stand in regem Austausch mit Malern des Realismus, des Impressionismus und des Symbolismus und tauschte mit ihnen Ideen und Ideale aus. Zu seinen berühmten Schützlingen zählten zeitweise Walter Sickert und der Schriftsteller Oscar Wilde. Sein Tonalismus hatte eine tiefgreifende Wirkung auf viele amerikanische Künstler, darunter John Singer Sargent, William Merritt Chase, Henry Salem Hubbell und Willis Seaver Adams (mit dem er in Venedig befreundet war). Einen weiteren bedeutenden Einfluss übte Arthur Frank Mathews aus, den Whistler in den späten 1890er Jahren in Paris kennenlernte. Mathews brachte Whistlers Tonalismus nach San Francisco und sorgte dafür, dass diese Technik von den kalifornischen Künstlern der Jahrhundertwende auf breiter Front eingesetzt wurde. Der amerikanische Kritiker Charles Caffin schrieb 1907:

Er hat nicht nur einige Anhänger und Nachahmer angezogen, sondern die gesamte Kunstwelt beeinflusst. Bewusst oder unbewusst ist seine Präsenz in zahllosen Ateliers zu spüren; sein Genie durchdringt das moderne künstlerische Denken.

Während einer Reise nach Venedig im Jahr 1880 schuf Whistler eine Reihe von Radierungen und Pastellen, die nicht nur seine Finanzen aufbesserten, sondern auch die Art und Weise, wie Künstler und Fotografen die Stadt interpretierten, neu belebten – indem sie sich auf die Hintergassen, Seitenkanäle, Eingänge und architektonischen Muster konzentrierten und die einzigartige Atmosphäre der Stadt einfingen.

1940 wurde Whistler auf einer US-Briefmarke gewürdigt, als die US-Post eine Serie von 35 Briefmarken herausgab, die Amerikas berühmte Autoren, Dichter, Pädagogen, Wissenschaftler, Komponisten, Künstler und Erfinder würdigten: die „Famous Americans Series“.

Die Gilbert-und-Sullivan-Operette Patience macht sich über die ästhetische Bewegung lustig, und die Hauptfigur Reginald Bunthorne wird oft als Anspielung auf Oscar Wilde verstanden, obwohl Bunthorne eher eine Mischung aus mehreren prominenten Künstlern, Schriftstellern und Persönlichkeiten der Ästhetik ist. Bunthorne trägt ein Monokel und hat auffällige weiße Strähnen in seinem dunklen Haar, genau wie Whistler.

Whistler war der Lieblingskünstler der Sängerin und Schauspielerin Doris Day. Sie besaß und zeigte eine Original-Radierung von Whistlers Rotherhithe und zwei seiner Original-Lithografien, The Steps, Luxembourg Gardens, Paris und The Pantheon, from the Terrace of the Luxembourg Gardens.

Das Haus, in dem Whistler geboren wurde, ist heute als Whistler House Museum of Art erhalten. Er ist in der St. Nicholas Church in Chiswick begraben.

Whistler erlangte zu Lebzeiten weltweite Anerkennung:

Eine Statue von James McNeill Whistler von Nicholas Dimbleby wurde 2005 am Nordende der Battersea Bridge an der Themse im Vereinigten Königreich aufgestellt.

Am 27. Oktober 2010 erzielte Swann Galleries einen Rekordpreis für einen Whistler-Druck bei einer Auktion, als Nocturne, eine Radierung und Kaltnadelradierung in Schwarz auf warmem, cremefarbenem Japanpapier, 1879-80, für 282.000 Dollar verkauft wurde.

Primäre Quellen

Quellen

  1. James Abbott McNeill Whistler
  2. James McNeill Whistler
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