William Shakespeare
gigatos | Januar 3, 2022
Zusammenfassung
William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Königreich England, ca. 23. April 1564jul.-Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Königreich England, 23. Apriljul. 3. Mai 1616greg.) war ein englischer Dramatiker, Dichter und Schauspieler. Shakespeare, auch bekannt als der Barde von Avon (oder einfach der Barde), gilt als der bedeutendste Schriftsteller der englischen Sprache und als einer der berühmtesten Autoren der Weltliteratur.
In der Encyclopædia Britannica heißt es: „Shakespeare ist allgemein als der größte Schriftsteller aller Zeiten anerkannt, eine einzigartige Figur in der Geschichte der Literatur. Der Ruhm anderer Dichter wie Homer und Dante Alighieri oder Romanciers wie Leo Tolstoi oder Charles Dickens hat die nationalen Grenzen überschritten, aber keiner von ihnen hat das Ansehen von Shakespeare erreicht, dessen Werke heute häufiger und in mehr Ländern als je zuvor gelesen und aufgeführt werden. Die Prophezeiung eines seiner großen Zeitgenossen, Ben Jonson, hat sich also erfüllt: „Shakespeare gehört nicht einem einzigen Zeitalter, sondern der Ewigkeit“.
Der amerikanische Kritiker Harold Bloom stellt Shakespeare neben Dante Alighieri an die Spitze seines „westlichen Kanons“: „Kein anderer Schriftsteller hat jemals über so viele sprachliche Mittel verfügt wie Shakespeare, so reichhaltig in Love“s Labours Lost, dass wir den Eindruck haben, dass ein für alle Mal viele der Grenzen der Sprache erreicht wurden. Shakespeares größte Originalität liegt jedoch in der Darstellung der Charaktere: Bottom ist ein melancholischer Triumph; Shylock ist ein ständig zweideutiges Problem für uns alle; aber Sir John Falstaff ist so originell und so mitreißend, dass Shakespeare mit ihm um hundertachtzig Grad dreht, was es heißt, einen Menschen durch Worte zu schaffen“.
Jorge Luis Borges schrieb über ihn: „Shakespeare ist der am wenigsten englische unter Englands Dichtern. Verglichen mit Robert Frost (aus Neuengland), mit William Wordsworth, mit Samuel Johnson, mit Chaucer und mit den Unbekannten, die die Elegien geschrieben oder gesungen haben, ist er fast ein Fremder. England ist die Heimat des Understatements, der wohlerzogenen Zurückhaltung; Übertreibung, Exzess und Pracht sind typisch für Shakespeare“.
Shakespeare war schon zu seiner Zeit ein verehrter Dichter und Dramatiker, aber sein Ruf erreichte erst im 19. Jahrhundert seinen heutigen Höhepunkt. Vor allem die Romantiker rühmten sein Genie, und die Viktorianer verehrten Shakespeare mit einer Hingabe, die George Bernard Shaw als „Bardolatrie“ bezeichnete.
Im 20. Jahrhundert wurden seine Stücke von allen möglichen künstlerischen, intellektuellen und dramatischen Strömungen immer wieder aufgegriffen und wiederentdeckt. Shakespeares Komödien und Tragödien sind in alle wichtigen Sprachen übersetzt worden und werden ständig in verschiedenen kulturellen und politischen Kontexten auf der ganzen Welt studiert und aufgeführt. Darüber hinaus sind viele der Zitate und Aphorismen, mit denen seine Stücke gespickt sind, Teil des täglichen Sprachgebrauchs geworden, sowohl im Englischen als auch in anderen Sprachen. Und auf persönlicher Ebene gab es im Laufe der Jahre viele Spekulationen über sein Leben, die seine Sexualität, seine Religionszugehörigkeit und sogar die Urheberschaft seiner Werke in Frage stellten.
Es gibt nur wenige dokumentierte Fakten über Shakespeares Leben, obwohl es wahrscheinlich ist, dass er am 23. April 1564 geboren wurde. Fest steht, dass er am 26. April desselben Jahres in der Holy Trinity Church in Stratford-upon-Avon, Warwickshire, getauft wurde und dort am 23. April 1616 starb, nach dem julianischen Kalender (3. Mai nach dem gregorianischen Kalender), dem angeblichen Tag seines 52.
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Anfänge
William Shakespeare (auch Shakspere, Shaksper und Shake-speare geschrieben, da die Schreibweise in der elisabethanischen Zeit weder fest noch absolut war) wurde im April 1564 in Stratford-upon-Avon geboren. Er war das dritte von acht Kindern von John Shakespeare, einem wohlhabenden Kaufmann, der es in der Stadt zu Ansehen gebracht hatte, und Mary Arden, die aus einer alteingesessenen Familie stammte.
Zum Zeitpunkt seiner Geburt lebte seine Familie in der Henley Street in Stratford-upon-Avon. Der genaue Tag seiner Geburt ist nicht bekannt, da zu dieser Zeit nur die Taufurkunde ausgestellt wurde, in diesem Fall am 26. April, so dass davon auszugehen ist, dass er einige Tage früher (2 oder 3 Tage) und nicht mehr als eine Woche später geboren wurde, wie es üblich war. Das Datum seiner Geburt wurde traditionell auf den 23. April, das Fest des Heiligen Georg, festgelegt, vielleicht in Analogie zu seinem Todestag, dem 23. April 1616 nach dem julianischen Kalender, aber dieses Datum ist durch kein Dokument belegt, obwohl es das wahrscheinlichste Datum ist.
Shakespeares Vater, der auf dem Höhepunkt seines Wohlstands stand, als William geboren wurde, fiel kurz darauf in Ungnade. Als er des illegalen Wollhandels beschuldigt wurde, verlor er sein hohes Amt in der Gemeindeverwaltung. Es wurde auch vermutet, dass eine mögliche Affinität zum katholischen Glauben auf beiden Seiten der Familie eine Rolle bei seiner Verfolgung gespielt haben könnte.
William Shakespeare besuchte wahrscheinlich schon früh das örtliche Gymnasium, die Stratford Grammar School, im Zentrum seiner Heimatstadt, wo er eine intensive Ausbildung in lateinischer Grammatik und Literatur erhalten haben muss. Obwohl die Qualität der Gymnasien in der elisabethanischen Zeit eher uneinheitlich war, gibt es Hinweise darauf, dass die Stratford Grammar School recht gut war. Dass Shakespeare diese Schule besuchte, ist eine reine Vermutung, die auf der Tatsache beruht, dass er als Sohn eines lokalen Regierungsbeamten gesetzlich Anspruch auf kostenlose Bildung hatte. Es gibt jedoch kein Dokument, das dies belegt, da die Kirchenbücher verloren gegangen sind. Damals wurde sie von John Cotton geleitet, einem Lehrer mit breitem humanistischem Hintergrund und Katholik; ein Gymnasium (entspricht einem Gymnasium im spanischen 16. Jahrhundert oder dem heutigen Abitur) unterrichtete vom 8. bis zum 15. Lebensjahr, und der Unterricht konzentrierte sich auf das Erlernen der lateinischen Sprache; in den höheren Klassen war der Gebrauch des Englischen verboten, um das Beherrschen der lateinischen Sprache zu fördern; das Studium der ins Lateinische übersetzten Werke von Äsop, Ovid und Vergil, Autoren, mit denen Shakespeare vertraut war, war vorherrschend; und der Lehrplan der Schule basierte auf dem Studium der lateinischen Übersetzung von Äsop, Ovid und Vergil, Autoren, mit denen Shakespeare vertraut war.
Am 28. November 1582, als er achtzehn Jahre alt war, heiratete Shakespeare die 26-jährige Anne Hathaway aus Temple Grafton in der Nähe von Stratford. Zwei von Annes Nachbarn, Fulk Sandalls und John Richardson, bezeugten, dass es keine Hindernisse für die Zeremonie gab. Die Hochzeit wurde offenbar in aller Eile arrangiert, vielleicht weil Anne im dritten Monat schwanger war. Nach seiner Heirat finden sich in den historischen Aufzeichnungen kaum Spuren von William Shakespeare, bis er auf der Londoner Theaterszene auftaucht. Am 26. Mai 1583 wurde die erstgeborene Tochter des Paares, Susanna, in Stratford getauft. Ein Sohn, Hamnet, und eine weitere Tochter, Judith, die als Zwillinge geboren wurden, wurden kurz darauf ebenfalls getauft. Nach dem Testament des Dramatikers zu urteilen, das Anne Hathaway etwas verächtlich macht, war die Ehe nicht gut.
Die späten 1580er Jahre sind als die „verlorenen Jahre“ des Dramatikers bekannt, da es keine Hinweise darauf gibt, wo er sich aufhielt oder aus welchem Grund er beschloss, von Stratford nach London zu ziehen. Einer heute kaum noch glaublichen Legende zufolge wurde er bei der Hirschjagd im Park von Sir Thomas Lucy, dem örtlichen Magistrat, erwischt und musste fliehen. Eine andere Hypothese besagt, dass er sich auf der Durchreise durch Stratford der Theatertruppe Lord Chamberlain“s Men angeschlossen haben könnte. Ein Biograf aus dem 17. Jahrhundert, John Aubrey, berichtet, dass Shakespeare möglicherweise eine Zeit lang als Landschullehrer gearbeitet hat.
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London und sein Weg durch das Theater
1592 war Shakespeare bereits in London als Dramatiker tätig und hinreichend bekannt, um von Robert Greene verächtlich als „eine karrieristische Dohle, verschönert mit unseren Federn“ bezeichnet zu werden, der mit seinem Tigerherz in der Haut eines Komödianten glaubt, mit weißen Versen beeindrucken zu können wie die Besten von euch“, und er sagt auch, dass er „sich für die einzige Schüttelszene im Land hält“ (im Original verwendet Greene das Wort Schüttelszene in Anspielung sowohl auf den Ruf des Autors als auch auf seinen Nachnamen in einem Spiel mit Paronomasie).
Im Jahr 1596, als er erst elf Jahre alt war, starb Hamnet, der einzige Sohn des Schriftstellers, und wurde am 11. August desselben Jahres in Stratford begraben. Einige Kritiker haben behauptet, dass der Tod seines Sohnes Shakespeare zu Hamlet (um 1601) inspiriert haben könnte, einer Neufassung eines früheren Stücks, das leider nicht erhalten geblieben ist.
Bis 1598 hatte Shakespeare seinen Wohnsitz in die Gemeinde St. Helen“s in Bishopsgate verlegt. Sein Name steht an der Spitze der Liste der Schauspieler in Ben Jonsons Werk Every Man in His Humour.
Schon bald wurde er Schauspieler, Schriftsteller und schließlich Miteigentümer der Theatertruppe „Lord Chamberlain“s Men“, die wie andere Theater dieser Zeit nach seinem aristokratischen Gönner, dem Lord Chamberlain, benannt war. Das Unternehmen wurde so populär, dass es nach dem Tod von Elisabeth I. und der Thronbesteigung von Jakob I. vom neuen Monarchen unter seinen Schutz gestellt und in King“s Men umbenannt wurde.
Im Jahr 1604 vermittelte Shakespeare der Tochter seines Vermieters einen Heiratsantrag. Aus den Gerichtsunterlagen von 1612, als der Fall vor Gericht kam, geht hervor, dass Shakespeare 1604 Mieter von Christopher Mountjoy, einem hugenottischen Handwerker aus dem Nordwesten Londons, gewesen war. Der Lehrling von Mountjoy, Stephen Belott, wollte die Tochter seines Meisters heiraten, und so wurde der Dramatiker als Vermittler ausgewählt, um die Einzelheiten der Mitgift auszuhandeln. Dank Shakespeares Vermittlung wurde die Ehe arrangiert, doch acht Jahre später verklagte Belott seinen Schwiegervater, weil er die vereinbarte Mitgift nicht in voller Höhe gezahlt hatte. Der Verfasser wurde als Zeuge geladen, konnte sich aber nicht mehr an den Betrag erinnern, den er vorgeschlagen hatte.
Es gibt mehrere Dokumente, die sich auf Rechtsangelegenheiten und geschäftliche Transaktionen beziehen und zeigen, dass Shakespeare während seiner Zeit in London reich genug wurde, um ein Grundstück in Blackfriars zu kaufen und Eigentümer des zweitgrößten Hauses in Stratford zu werden.
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Die letzten Jahre
Shakespeare zog sich 1611 in sein Heimatdorf zurück, sah sich aber in verschiedene Rechtsstreitigkeiten verwickelt, wie z. B. in einen Streit über die Einfriedung von Gemeindeland, das einerseits die Weidehaltung für Schafe förderte, andererseits die Armen verurteilte, indem es sie ihrer einzigen Lebensgrundlage beraubte. Da der Autor ein gewisses wirtschaftliches Interesse an solchen Objekten hatte, nahm er zum Missfallen einiger eine neutrale Position ein, die nur seinen eigenen Vorteil sicherte. Im März 1613 tätigte er seinen letzten Kauf nicht in seiner Heimatstadt, sondern in London. Er kaufte für 140 Pfund ein Haus mit Hof in der Nähe des Blackfriars Theatre, wovon er nur 60 Pfund an Ort und Stelle bezahlte, denn am nächsten Tag verpfändete er das Haus für den Rest an den Verkäufer. Shakespeare trug den Kauf übrigens nicht auf seinen eigenen Namen ein, sondern verband ihn mit den Namen von William Johnson, John Jackson und John Hemynge, letzterer einer der Schauspieler, die die Ausgabe des First Folio förderten. Die rechtliche Auswirkung dieses Verfahrens, schreibt Shakespeares großer Biograph Sidney Lee, „bestand darin, seiner Frau, falls sie überlebte, das Recht auf die Witwenmitgift auf diesem Grundstück zu entziehen“; doch einige Monate später kam es zur Katastrophe: brannte das Globe Theatre ab und mit ihm alle Manuskripte des Dramatikers, darunter auch seine Komödie Cardenio, die von einer Episode aus Don Quijote von La Mancha inspiriert war; wir wissen von diesem Stück, weil der Verleger Humphrey Maseley am 9. September 1653 eine Lizenz für die Veröffentlichung eines Stücks erwarb, das er als die Geschichte des Cardenio von Fletcher und Shakespeare bezeichnet; Sidney Lee sagt, dass kein Drama dieses Titels überliefert ist und dass es wahrscheinlich mit der verschollenen Komödie Cardenno oder Cardenna identifiziert werden muss, die zweimal von Shakespeares Truppe bei Hofe aufgeführt wurde, das erste Mal im Februar 1613 anlässlich der Feierlichkeiten zur Hochzeit der Prinzessin Elisabeth und das zweite Mal am 8. Juni vor dem Botschafter des Herzogs von Savoyen, d. h. wenige Tage bevor das Globe-Theater niedergebrannt wurde.
In den letzten Wochen von Shakespeares Leben wurde der Mann, der seine Tochter Judith heiraten sollte – ein Tavernenbesitzer namens Thomas Quiney – vor dem örtlichen Kirchengericht der Promiskuität beschuldigt. Eine Frau namens Margaret Wheeler hatte ein Kind zur Welt gebracht und behauptete, Quiney sei der Vater. Sowohl die Frau als auch ihr Kind starben kurz darauf. Dies beeinträchtigte jedoch den Ruf des zukünftigen Schwiegersohns des Schriftstellers, und Shakespeare revidierte sein Testament, um das Erbe seiner Tochter vor eventuellen rechtlichen Problemen mit Quiney zu schützen.
Shakespeare starb am 23. April 1616 nach dem Julianischen Kalender (3. Mai nach dem Gregorianischen Kalender). Er war bis zu ihrem Tod mit Anne verheiratet und hinterlässt zwei Töchter, Susannah und Judith. Die Erstere heiratete Dr. John Hall. Allerdings hatten weder Susannahs noch Judiths Kinder Nachkommen, so dass es derzeit keine lebenden Nachkommen des Schriftstellers gibt. Es wurde jedoch gemunkelt, dass Shakespeare der wahre Vater seines Patensohns, des Dichters und Dramatikers William Davenant, war.
Es gab immer die Tendenz, Shakespeares Tod mit dem Alkohol in Verbindung zu bringen – er starb, so der am weitesten verbreitete Kommentar, an den Folgen eines hohen Fiebers, dem Ergebnis seiner Trunkenheit – aber es scheint, dass der Dramatiker sich mit Ben Jonson und Michael Drayton getroffen hatte, um mit seinen Kollegen einige neue literarische Ideen zu feiern. Jüngste Untersuchungen deutscher Wissenschaftler haben ergeben, dass der englische Dramatiker höchstwahrscheinlich an Krebs erkrankt war.
Shakespeares sterbliche Überreste wurden im Altarraum der Holy Trinity Church in Stratford beigesetzt. Die Ehre, im Altarraum in der Nähe des Hochaltars der Kirche beigesetzt zu werden, verdankte er nicht seinem Ansehen als Dramatiker, sondern dem Kauf eines Zehnten von der Kirche für 440 Pfund (eine beträchtliche Summe zu jener Zeit). Shakespeares Grabmal, das von seiner Familie an der Mauer neben seinem Grab errichtet wurde, zeigt ihn in schreibender Haltung, und jedes Jahr, zum Gedenken an seine Geburt, wird ihm ein neuer Federkiel in die Hand gelegt.
Wenn Platz für neue Gräber benötigt wurde, war es damals üblich, die alten Gräber zu leeren und ihren Inhalt in ein nahe gelegenes Beinhaus zu bringen. Aus Angst davor, dass seine sterblichen Überreste exhumiert werden könnten, hätte Shakespeare laut der Encyclopaedia Britannica selbst die folgende Grabinschrift verfasst:
Eine Legende besagt, dass Shakespeares unveröffentlichte Werke mit ihm im Grab liegen. Niemand hat es gewagt, den Wahrheitsgehalt der Legende zu überprüfen, vielleicht aus Furcht vor dem Fluch des erwähnten Epitaphs.
Es ist nicht bekannt, welches der vorhandenen Shakespeare-Porträts dem Bild des Schriftstellers am ehesten entspricht, da viele von ihnen Fälschungen sind, die nachträglich nach dem Stich des ersten Folio gemalt wurden. Das so genannte Chandos-Porträt aus der Zeit zwischen 1600 und 1610, das sich in der National Portrait Gallery (London) befindet, gilt als das genaueste Bildnis. Es zeigt den Autor in seinen frühen Vierzigern, mit Bart und einem vergoldeten Ohrring in seinem linken Ohr.
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Die Shakespeare-Debatte
Es ist merkwürdig, dass das gesamte Wissen, das der Nachwelt über einen der Autoren des abendländischen Kanons überliefert wurde, nichts anderes ist als ein Konstrukt aus den unterschiedlichsten Spekulationen. Es wurde sogar darüber diskutiert, ob Shakespeare der wahre Autor seiner Stücke ist, die von einigen Francis Bacon oder Christopher Marlowe zugeschrieben werden (in Wirklichkeit rühren all diese Fantasien von der einfachen Tatsache her, dass die verfügbaren Daten über den Autor sehr spärlich sind und im Gegensatz zu der enormen Größe seines brillanten Werks stehen, die fruchtbar ist und zu den verdrehtesten Interpretationen Anlass gibt.
Fast einhundertfünfzig Jahre nach Shakespeares Tod im Jahr 1616 begannen Zweifel an der wahren Urheberschaft der ihm zugeschriebenen Stücke aufzukommen. Die Kritiker unterteilten sich in „Stratfordianer“ (Anhänger der These, dass William Shakespeare, der in Stratford geboren und gestorben ist, der wahre Autor der ihm zugeschriebenen Stücke war) und „Anti-Stratfordianer“ (Befürworter der Zuschreibung dieser Stücke an einen anderen Autor). Die zweite Position ist derzeit noch sehr in der Minderheit.
Aus historischen Dokumenten geht hervor, dass zwischen 1590 und 1620 mehrere Stücke und Gedichte veröffentlicht wurden, die dem Autor William Shakespeare zugeschrieben werden, und dass das Ensemble, das diese Stücke aufführte, die Lord Chamberlain“s Men (später King“s Men), unter seinen Mitgliedern einen Schauspieler mit diesem Namen hatte. Dieser Schauspieler kann mit dem William Shakespeare identifiziert werden, von dem überliefert ist, dass er in Stratford lebte und starb, da dieser in seinem Testament bestimmte Schenkungen an Mitglieder der Londoner Theatertruppe machte.
Die so genannten „Stratfordianer“ glauben, dass dieser Schauspieler auch der Autor der Shakespeare zugeschriebenen Stücke ist, und stützen sich dabei auf die Tatsache, dass sie denselben Namen tragen, sowie auf die in der Ausgabe des ersten Folio von 1623 enthaltenen Lobgedichte, in denen auf den „Schwan von Avon“ und sein „Stratford-Denkmal“ Bezug genommen wird. Letzteres bezieht sich auf sein Grabdenkmal in der Holy Trinity Church in Stratford, auf dem er übrigens als Schriftsteller dargestellt ist und von dem es Beschreibungen von Besuchern des Ortes mindestens aus den 1630er Jahren gibt. Nach dieser Auffassung wurden die Shakespeare-Stücke von William Shakespeare aus Stratford geschrieben, der seine Heimatstadt verließ und in London als Schauspieler und Dramatiker erfolgreich war.
Die so genannten „Anti-Stratfordianer“ sind anderer Meinung. Demnach wäre der Shakespeare von Stratford nichts weiter als ein Strohmann, der die wahre Urheberschaft eines anderen Dramatikers verschleiert, der seine Identität lieber geheim gehalten hätte. Diese Theorie hat verschiedene Grundlagen: angebliche Unklarheiten und Lücken in der historischen Dokumentation über Shakespeare; die Annahme, dass die Stücke ein höheres kulturelles Niveau erfordern würden, als Shakespeare gehabt haben soll; angeblich versteckte verschlüsselte Botschaften in den Stücken; und Parallelen zwischen Figuren in Shakespeares Stücken und dem Leben bestimmter Dramatiker.
Im 19. Jahrhundert war Sir Francis Bacon der beliebteste alternative Kandidat. Viele damalige „Anti-Stratfordianer“ waren jedoch skeptisch gegenüber dieser Hypothese, auch wenn sie keine Alternative vorschlagen konnten. Der amerikanische Dichter Walt Whitman bezeugte diese Skepsis, als er zu Horace Traubel sagte: „Ich stimme euch zu, Leute, wenn ihr “nein“ zu Shaksper (sic) sagt: So weit kann ich nicht gehen. Seit den 1980er Jahren ist der beliebteste Kandidat Edward de Vere, 17. Earl of Oxford, der 1920 von John Thomas Looney und 1984 von Charlton Ogburn vorgeschlagen wurde. Der Dichter und Dramatiker Christopher Marlowe wurde ebenfalls als Alternative in Betracht gezogen, obwohl sein früher Tod ihn auf den zweiten Platz verwies. Es wurden viele andere Kandidaten vorgeschlagen, die jedoch keine große Resonanz gefunden haben.
Die in akademischen Kreisen am weitesten verbreitete Auffassung ist, dass William Shakespeare aus Stratford der Autor der Stücke war, die seinen Namen tragen.
In jüngster Zeit haben sich jedoch die Gerüchte über die Urheberschaft Shakespeares durch Aussagen der Schauspieler Derek Jacobi und Mark Rylance verstärkt. Beide haben ein so genanntes Statement of Reasonable Doubt über die Identität des berühmten Dramatikers veröffentlicht. In der Erklärung wird in Frage gestellt, ob William Shakespeare, ein Bürgerlicher aus dem 16. Jahrhundert, der in einem Analphabetenhaushalt in Stratford-upon-Avon aufwuchs, die brillanten Stücke schrieb, die seinen Namen tragen. In der Erklärung wird argumentiert, dass ein Mann, der kaum lesen und schreiben konnte, nicht über das rigorose juristische, historische und mathematische Wissen verfügt haben kann, das in den Tragödien, Komödien und Sonetten, die Shakespeare zugeschrieben werden, zu finden ist.
Im Laufe der Jahre gab es Theorien, dass William Shakespeare lediglich ein Deckname war, hinter dem sich andere berühmte Namen wie Christopher Marlowe (1564-1593), der Philosoph und Literat Francis Bacon (1561-1626) oder Edward de Vere (1550-1604), der 17. Graf von Oxford, verbergen konnten. Jacobi behauptet, Edward de Vere zu bevorzugen, der in der Regierungszeit von Elisabeth I. (1533-1603) am Hof verkehrte, und bezeichnet ihn angesichts der angeblichen Ähnlichkeiten zwischen der Biografie des Grafen und zahlreichen in Shakespeares Büchern geschilderten Ereignissen als seinen bevorzugten „Kandidaten“.
Was ist einer der Hauptgründe, warum die Urheberschaft Shakespeares angezweifelt wurde? Die World Book Encyclopedia weist darauf hin, dass „man sich weigerte zu glauben, dass ein Schauspieler aus Stratford on Avon solche Stücke geschrieben haben könnte. Seine ländliche Herkunft passte nicht zu dem Bild, das man sich von dem großen Autor machte. Die Enzyklopädie fügt hinzu, dass die meisten der angeblichen Autoren „dem Adel oder anderen privilegierten Klassen angehörten“. So glauben viele, die Shakespeares literarische Herkunft in Frage stellen, dass „nur ein gebildeter, kultivierter Autor aus der Oberschicht die Stücke geschrieben haben kann“. Viele Gelehrte glauben jedoch, dass Shakespeare sie geschrieben hat.
Über das Privatleben des Autors und seine angebliche Homosexualität wurde viel spekuliert. Diese Spekulationen stützen sich vor allem auf eine sehr originelle Sonettsammlung, die offenbar ohne seine Zustimmung veröffentlicht wurde. Es wurde auch vermutet, dass er eine oder mehrere Geliebte hatte, die seine Ehe unglücklich machten, da seine Frau und Mutter seiner drei Kinder viel älter und vor der Hochzeit schwanger war. Dieser Verdacht stützt sich auf ein berühmtes Zitat aus seinem Testament: „Ich hinterlasse dir mein zweitbestes Bett“, eine Passage, die zu den unterschiedlichsten Interpretationen und nicht wenigen Spekulationen Anlass gegeben hat. Der allgemeinste Grund ist die Tatsache, dass die Beziehung des Paares nicht ganz zufriedenstellend war. Ein anderes deutet jedoch in die entgegengesetzte Richtung, denn der Dramatiker soll seiner Frau ein Sonett mit dem Titel The World“s Wife gewidmet haben.
Shakespeares Grausamkeit gegenüber der weiblichen Figur in seinen Sonetten und folglich auch gegenüber der Naivität des Mannes, der in ihre Netze gerät, wurde ebenfalls aufmerksam verfolgt. Die Themen der Promiskuität, des Fleisches und der Falschheit der Frauen – vom Dramatiker beschrieben und humorvoll kritisiert – sind ausreichende Beweise für diejenigen, die annehmen, dass er eine gewisse Vorliebe für Männer und eine Ablehnung der Koketterie der Damen hätte, die jedenfalls immer in Anspielung auf ihre Oberflächlichkeit und materialistischen Interessen erwähnt wird.
Siehe einen Teil des folgenden Fragments aus seinem Sonett 144:
Man sieht deutlich die harsche Shakespeare-Kritik an der Rolle der Frau, die auf den ersten Blick zwischen der Romanze des Dramatikers und seinem Gönner zu stehen scheint. Diejenigen, die diese Annahme bestreiten, begründen dies damit, dass die poetische Stimme des Sonetts nicht unbedingt mit der Persönlichkeit des Autors übereinstimmt.
Die Wahrheit ist, dass Shakespeare seine Perspektive parodiert, wie wir in dem Zitat sehen:
Diese ganze Problematik wird verwischt, wenn wir einen Moment innehalten und einige seiner berühmtesten theatralischen Passagen analysieren. In einer seiner Komödien mit dem Titel Wie es euch gefällt zeigt Shakespeare die Verderbtheit der Männerwelt und die Fähigkeit einer Frau – Rosalind -, die ursprüngliche Ordnung wiederherzustellen und Frieden zu stiften. Doch obwohl die Heldin der Handlung eine weibliche Figur ist, wird sie erst dann mutig und zu großen Taten fähig, wenn sie die Rolle eines Mannes annimmt, Ganymed – eine mythologische Figur, der männliche Geliebte von Jupiter.
Der Fall König Lear ist auch für die Tragödie sehr repräsentativ. Hier hebt der Autor die Blindheit der Männer hervor, insbesondere Lear, der seine Tochter Cordelia verbannt, weil sie als einzige der drei Schwestern ihre Ehrlichkeit zum Ausdruck bringt.
Er verteidigt die Frau und macht den Männern klar, dass es in einer Katastrophe enden würde, wenn man sie zum Schweigen brächte, wie es in der Auflösung von Lear der Fall ist, und andere Meinungen über das Stück besagen, dass Frauen nach Ansicht des Dramatikers nicht auf den Thron kommen könnten, weil dies Chaos und Streit bedeuten würde. Als König Lear seinen beiden ältesten Töchtern, Goneril und Regan, die Macht überträgt, ändern sie abrupt ihr Verhalten gegenüber ihrem Vater und unterwerfen ihn einer bedrückenden Folter, die sein Leben nach und nach aufzehrt. Die Regierung verfällt und das königliche Gefolge bröckelt, bis ein Mann wieder die Macht übernimmt.
Im Jahr 1559, fünf Jahre vor Shakespeares Geburt, trennte sich die Kirche von England während der Regierungszeit von Elisabeth I. nach einer Zeit der Unsicherheit endgültig von der katholischen Kirche. Aus diesem Grund wurden die englischen Katholiken unter Druck gesetzt, zum Anglikanismus zu konvertieren, und es wurden Gesetze erlassen, um diejenigen zu verfolgen, die sich weigerten, zu konvertieren. Einige Historiker sind der Ansicht, dass es zur Zeit Shakespeares einen bedeutenden und weit verbreiteten Widerstand gegen die Einführung des neuen Glaubens gab. Einige Kritiker haben auf der Grundlage historischer und literarischer Belege behauptet, dass Shakespeare zu diesen Gegnern gehörte, obwohl sie dies nicht schlüssig beweisen konnten. Sicher ist, dass Shakespeare sich unter der Herrschaft des philokatholischen Jakob I. wohler fühlte als unter der antikatholischen Elisabeth I.
Es gibt Hinweise darauf, dass einige Mitglieder der Familie des Dramatikers Katholiken waren. Das wichtigste ist ein von John Shakespeare, dem Vater des Dichters, unterzeichnetes Pamphlet, in dem er sich angeblich zu seinem heimlichen Katholizismus bekennt. Der Text, der im 18. Jahrhundert in einem der Dachsparren von Shakespeares Geburtshaus gefunden wurde, wurde von einem führenden Wissenschaftler, Edmond Malone, analysiert. Es ist jedoch verloren gegangen, so dass seine Echtheit nicht bewiesen werden kann. Auch John Shakespeare gehörte zu denjenigen, die nicht am Gottesdienst teilnahmen, aber angeblich aus Angst vor einer Verfolgung wegen Schulden“, so die Kommissare, und nicht, weil er die anglikanische Religion nicht akzeptierte.
Shakespeares Mutter Mary Arden stammte aus einer bekannten katholischen Familie in Warwickshire. 1606 war ihre Tochter Susannah eine der wenigen Frauen in Stratford, die sich weigerte, zur Kommunion zu gehen, was auf Sympathien für den Katholizismus schließen lässt. Erzdiakon Richard Davies, ein anglikanischer Geistlicher aus dem 18. Jahrhundert, soll über Shakespeare geschrieben haben: „Er starb als Papist“. Außerdem waren vier von sechs Lehrern an der Schule in Stratford, die der Schriftsteller in seiner Jugend besucht haben soll, katholische Sympathisanten, und Simon Hunt, wahrscheinlich einer von Shakespeares Lehrern, wurde schließlich Jesuit.
Obwohl keine dieser Theorien schlüssig beweist, dass Shakespeare Katholik war, ist die Historikerin Clare Asquith der Meinung, dass Shakespeares Sympathien für den Katholizismus in seinem Werk erkennbar sind. Asquith zufolge verwendet Shakespeare positive Begriffe wie „hoch“ (und negative Begriffe – „niedrig“, „dunkel“) für Protestanten.
Obwohl vieles über Shakespeares Ausbildung unbekannt ist, steht fest, dass der Künstler keinen Zugang zu einer Universitätsausbildung hatte, und sein Freund Ben Jonson, der eine hatte, beklagte einmal „sein weniges Latein und noch weniger Griechisch“, was ihn nicht daran hinderte, ihn „süßer Schwan des Avon“ zu nennen und hinzuzufügen, dass „er nicht aus einem Jahrhundert, sondern aus allen Zeiten stammt“. In gewisser Weise war seine nicht geringe Bildung (in Stratford gab es eine gute Schule, und Shakespeare konnte dort einige lateinische Klassiker lernen) von Vorteil, da seine Kultur nicht nach dem üblichen Muster seiner Zeit geformt war; als Autodidakt hatte William Shakespeare, wie ein Kenner und Übersetzer seines Gesamtwerks, Luis Astrana Marín, feststellte, dank der Freundschaft mit einem Buchhändler Zugang zu äußerst seltenen literarischen Quellen. Die Analyse seiner Schriften zeigt, dass er ein gefräßiger Leser war; einige von ihnen sind wahre Hunderte von Texten aus den verschiedensten Quellen. Es gibt jedoch vier Hauptquellen für seine Werke.
Erstens englische Historiker, insbesondere die zweite Ausgabe von Raphael Holinsheds The Chronicles of England, Scotlande, and Irelande, die 1587 veröffentlicht wurde und als Quelle für einige seiner historischen Dramen, für die Handlung von Macbeth und für Teile von King Lear und Cymbeline diente; Plutarchs Parallele Leben in der Neuübersetzung der französischen Fassung von Jacques Amyot durch seinen Freund Thomas North (1573), aus der er seinen Titus Andronicus, seinen Julius Caesar, seinen Coriolanus und seine Antony and Cleopatra bezog, und Montaignes Essays in der Übersetzung von John Florio (1603), die einige Passagen von The Tempest geprägt haben.
Zweitens müssen wir als Inspirationsquelle die Novellieri erwähnen (von Mateo Bandello stammt die Geschichte von Como gustéis und die von Romeo und Julia, die auch Castelvines y Monteses von Lope de Vega und Los bandos de Verona von Francisco Rojas Zorrilla inspiriert hat; von Giambattista Giraldi Cinthio die von Othello; von Giovanni Boccaccio A buen fin no hay mal tiempo und von Giovanni Fiorentino The Merchant of Venice und The Merry Wives of Windsor; Giovanni Boccaccios A buen fin no hay mal tiempo und Giovanni Fiorentinos Der Kaufmann von Venedig und Die lustigen Weiber von Windsor; auch Chaucer inspirierte einige Werke) und verschiedene Werke aller Art, einige davon in spanischer Sprache, wie Antonio de Eslavas Noches de invierno oder Pero Mexías Silva de varia lección.
Drittens ließ er sich auch von der englischen Dramaturgie inspirieren, aus der er eine Fülle von Plots, Charakteren und Kompositionsprinzipien bezog. Manchmal überarbeitete er sogar ganze Stücke (z. B. gab es ein früheres, Thomas Kyd zugeschriebenes Hamlet von 1589, das ein Erfolg war und nicht erhalten geblieben ist, aber Shakespeares späteres Stück inspirierte). Er zitierte oder evozierte Texte aus zahlreichen Theaterstücken, wobei er in seinen frühen Werken besonders auf das Vorbild von Christopher Marlowe achtete. Dieser Nachahmungseifer blieb auch seinem Zeitgenossen Robert Greene nicht verborgen, der ihn für einen Plagiator hielt und 1592 in Anspielung auf eine bekannte, von Horaz zitierte Fabel Folgendes schrieb:
Schließlich war Shakespeare auch in der Mythologie (er kannte Ovids Metamorphosen sehr gut) und in der Rhetorik bewandert, auch wenn sein Stil manchmal bewusst die starren und mechanischen Symmetrien der letzteren meidet und sich manchmal als zu wortspielerisch erweist, wie es damals die Mode des von John Lyly verbreiteten Euphuismus war, der wiederum vom Stil Antonio de Guevaras abgeleitet war, obwohl Shakespeare sich gegen die Auswüchse dieses Stils aussprach.
Shakespeare gab zu, ein großer Assimilator zu sein (die Kraft der Synthese zeichnet große Dichter aus, wie zum Beispiel Dante Alighieri) und erklärte dies in seinem Sonett LXXVI; aber er behauptete in diesem Sonett auch, seine Vorbilder übertreffen zu können, indem er etwas radikal Altes neu machte, indem er ihm neues Leben einhauchte. Anstatt zu erfinden oder an die Originalität zu appellieren, nahm er bereits existierende Geschichten, wie die von Hamlet, und gab ihnen das, was ihnen an Eminenz fehlte. Dennoch und trotz allem zeigte er sich auch völlig originell, indem er sich manchmal bewusst von jeder Tradition absetzte, wie in seinen Sonetten, die alle Kanons des Petrarkismus umkehren, indem sie ein für einen Mann bestimmtes Liederbuch ausarbeiten und in denen er nicht mehr und nicht weniger als den Verzicht auf den Narzissmus der Zeit, den Verzicht auf den Narzissmus der Zeit fordert, der Verzicht auf den Narzissmus des Augenblicks, um die Transzendenz der Ewigkeit durch die Liebe zu erzeugen, was ziemlich abstrakt erscheinen mag, aber so abstrakt und rätselhaft sind diese Gedichte, von denen jedes immer eine dramatische Bewegung, einen Aufruf zum Handeln enthält.
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Hintergrund: Elisabethanisches Theater
Als Shakespeare seine Theatertätigkeit aufnahm, befand sich diese in einer Übergangszeit. Ursprünglich war das Theater in England ein Volksspektakel, das mit anderen volkstümlichen Vergnügungen der damaligen Zeit verbunden war, wie z. B. der Bärenhetze (Kampf eines angeketteten Bären gegen tollwütige Hunde). Seine Wurzeln liegen im Spätmittelalter in einer dreifachen dramatischen Tradition: den Mysterienspielen mit religiöser Thematik, die für die Feierlichkeiten der verschiedenen Zünfte bestimmt waren, den Moralstücken, die allegorischen Charakter hatten und von Berufsschauspielern aufgeführt wurden, und den höfischen Zwischenspielen, die zur Unterhaltung des Adels dienten.
Die bedeutendsten Adligen unterstützten Gruppen von Schauspielern, die ihren Namen trugen. So entstanden in der elisabethanischen Ära Gesellschaften wie The Hundson Men (später Lord Chamberlain“s Men), The Admiral“s Men und The Queen“s Men, die zu den wichtigsten gehörten. Zu bestimmten Anlässen traten diese Theatertruppen im Palast ihrer aristokratischen Gönner auf. Die „King“s Men“ beispielsweise traten nach der Förderung durch König Jakob I. einmal im Monat bei Hofe auf, und die Unterstützung eines Mäzens war für den künftigen Erfolg des Stücks unerlässlich.
Die Stücke wurden ursprünglich in den Innenhöfen der Gasthäuser aufgeführt. Selbst zu Shakespeares Zeiten fanden an einigen dieser Orte noch Theateraufführungen statt. Für Aufführungen waren sie jedoch nicht sehr geeignet, da die Aktivität des Gasthauses die Aufführungen manchmal erschwerte. Sie wurden auch von der Obrigkeit bekämpft, die sich über die dort herrschende Unordnung und die Streitereien sowie die „bösen Praktiken der Inkontinenz“ Sorgen machte. Auch der Hygienefaktor sprach gegen sie: Die Pest war sehr häufig und die Massenversammlungen waren nicht gerade gesundheitsfördernd.
Aus diesen Gründen wurden nach und nach Gesetze zur Regulierung der Theatertätigkeit erlassen, und es wurde immer schwieriger, Lizenzen für Aufführungen in den Gasthäusern zu erhalten. Dies führte zum Bau von gesünderen, festen Theatern am Stadtrand und zur Konsolidierung und Professionalisierung der Schauspielerkarriere. Das erste Theater, einfach The Theatre genannt, wurde im Jahr 1576 gebaut. Andere wurden später gebaut: The Curtain, The Rose, The Swan und The Globe. Das letztere, 1599 erbaut und wie die anderen außerhalb der Stadt gelegen, um Probleme mit der City of London zu vermeiden, war das berühmteste von allen und wurde von der Gesellschaft, der William Shakespeare angehörte, bevorzugt.
Alle diese Theater wurden nach dem Vorbild der Innenhöfe der Gasthäuser gebaut. Keine von ihnen ist in ihrem ursprünglichen Zustand erhalten geblieben, aber dank einiger Hinweise aus der damaligen Zeit kann man sich eine ungefähre Vorstellung von ihrer Form machen. Es handelte sich um sechseckige oder achteckige Anlagen (es gibt Ausnahmen) mit einer mäßig überdachten Bühne, die leicht in die Mitte einer Freiluftarena hineinragte und von zwei- oder dreistöckigen Galerien umgeben war. Das Podium bestand aus zwei Ebenen, eine etwas mehr als einen Meter über der Arena, überdacht und von Säulen getragen, die andere etwas höher, mit einem Dach, unter dem sich die für den Betrieb der Bühnenmaschinerie und das Manövrieren der Bühne erforderlichen Geräte befanden. Es könnte eine Flagge tragen und sogar einen Turm simulieren.
Diese Theater hatten eine sehr respektable Sitzplatzkapazität. So wurde beispielsweise errechnet, dass das Globe rund 2.000 Zuschauer fassen könnte.
Anfangs war der soziale Status der Komödianten, insbesondere der bescheidensten, nicht leicht von dem eines Landstreichers oder Bettlers zu unterscheiden. Mit der Eröffnung der neuen Theater erlangten die Schauspieler des elisabethanischen Zeitalters jedoch allmählich einen höheren sozialen Status.
Das rudimentäre Bühnenbild bedeutete, dass der Darsteller die Hauptverantwortung für das Stück trug, so dass seine Technik zu Überinterpretationen in Sprache, Gestik und extravaganten Kostümen neigte. Da es Frauen verboten war, auf die Bühne zu gehen, wurden weibliche Rollen an Kinder oder Jugendliche vergeben, was sich für das komische Spiel der erotischen Zweideutigkeit anbot. Das Sprechen war sehr wichtig, und die Tatsache, dass die Bühne etwas nach vorne in den Innenhof verlegt wurde, bedeutete, dass die Bühne oft für Monologe genutzt wurde. Da es keine gemalten Kulissen gab, rief der Schauspieler oft die Phantasie des Publikums auf den Plan und der Schriftsteller griff auf Hypotypen zurück. Das Publikum war bunt und heterogen, und so mischten sich grobe Anspielungen und derbe, derbe Witze mit der kultiviertesten und raffiniertesten amourösen Galanterie und der verdrehtesten euphuistischen Pedanterie.
Die Zuschauer kamen zu einem Preis ins Theater, der sich nach dem Komfort des angebotenen Sitzplatzes richtete. Die billigsten Eintrittskarten erforderten Stehplätze und waren der Witterung ausgesetzt; die günstigsten Karten kamen dem Adel und den Wohlhabenden zugute, die unter Dach und vor der Sonne geschützt sitzen konnten.
Der Beruf des Dramatikers wurde nicht gut bezahlt, und alle Rechte an den Stücken gingen an die Gesellschaften über, die sie aufführten. So wurden die Stücke oft mehrfach umgeschrieben und von verschiedenen Autoren bearbeitet, die nicht immer geschickt oder respektvoll waren, ganz zu schweigen von den Kürzungen, die sie je nach Laune der Schauspieler erfuhren. Der Name des Autors wurde erst zwei oder drei Jahre später (und oft ungenau) erwähnt, so dass die Autoren nicht in den Genuss der Früchte ihrer Arbeit kamen, es sei denn, sie besaßen Anteile an der Gesellschaft, wie es bei Shakespeare und anderen Dramatikern der Fall war, die zusammenarbeiteten und den Gewinn teilten.
Eines der wichtigsten Merkmale des elisabethanischen Theaters, insbesondere des Shakespeare-Theaters, ist die Vielzahl der Ebenen, auf denen sich die Handlung abspielt. Das Tragische, das Komische, das Poetische, das Irdische und das Übernatürliche, das Reale und das Fantastische vermischen sich in diesen Stücken mehr oder weniger stark. Die Übergänge zwischen dem Melancholischen und dem Aktiven sind schnell und manifestieren sich oft in Duellen und Kämpfen auf der Bühne, die eine lebendige Choreographie ganz nach dem Geschmack der Zeit dargestellt haben müssen.
Der Narr ist eine wichtige Figur in Shakespeares Werk, da er ihm Ausdrucksfreiheit und Leichtigkeit verleiht. Ihm wurde eine geistige Unzulänglichkeit oder eine körperliche Schwäche attestiert, die es ihm erlaubte, Dinge zu sagen oder sich zu kontroversen Themen zu äußern, die bedeutenderen Persönlichkeiten untersagt gewesen wären. Zweifelsohne war diese Strategie für den englischen Autor ideal, da jede Kritik am Königtum dadurch gerechtfertigt werden konnte, dass man sie einer Figur zuschrieb, die aufgrund ihrer Unzulänglichkeiten nicht so denkt wie die Mehrheit der anderen Menschen.
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Das Theater von Shakespeare
In Ermangelung holographischer Manuskripte und genauer Kompositionsdaten ist es sehr schwierig, eine bibliographische Chronologie Shakespeares zu erstellen. Das erste Folio, das den größten Teil seines literarischen Schaffens zusammenfasst, wurde 1623, acht Jahre nach dem Tod des Autors, von zwei Schauspielern aus seinem Umfeld, John Heminges und Henry Condell, herausgegeben. Dieses Buch gliederte sein dramatisches Werk in Historien, Komödien und Tragödien und wurde in 750 Exemplaren hergestellt, von denen ein Drittel bis heute erhalten geblieben ist, die meisten davon unvollständig. Dank dieser Arbeit blieb die Hälfte des ungedruckten dramatischen Werks des Dramatikers erhalten, denn Shakespeare wollte nicht als Dramatiker in die Geschichte eingehen.
Das erste Folio enthält ausschließlich dramatische Werke (keine seiner lyrischen Gedichte sind in der Ausgabe enthalten), 36 an der Zahl: 11 Tragödien, 15 Komödien und 10 historische Stücke. Nicht enthalten sind einige Stücke, die traditionell Shakespeare zugeschrieben werden, wie die Komödien Pericles und The Two Noble Kinsmen, sowie das historische Stück Edward III. Während im Fall von Perikles die Beteiligung Shakespeares ziemlich sicher scheint, gilt dies für die beiden anderen Stücke nicht, so dass die Zahl der in den Shakespeare-Kanon aufgenommenen Titel je nach Version zwischen 37 und 39 schwankt.
Wie in vielen abendländischen Tragödien gibt es auch in Shakespeares Tragödie einen Protagonisten, der aus der Wildnis der Gnade fällt und schließlich stirbt, ebenso wie ein Großteil der übrigen Hauptperson. Es wurde behauptet, dass die Verdrehung des Genres durch den Dramatiker das polare Gegenteil der Komödie ist; sie veranschaulicht das Gefühl, dass die Menschen aufgrund ihrer eigenen Fehler oder sogar der ironisch tragischen Ausübung ihrer Tugenden oder aufgrund der Natur des Schicksals oder der Bedingung des Menschen, zu leiden, zu fallen und zu sterben, unweigerlich unglücklich sind…. Mit anderen Worten, es handelt sich um eine Darstellung mit einem zwangsläufig unglücklichen Ende.
Shakespeare komponierte schon zu Beginn seiner Karriere Tragödien: eine der ersten war die römische Tragödie Titus Andronicus, einige Jahre später folgte Romeo und Julia. Die bekanntesten wurden jedoch in einem Zeitraum von sieben Jahren zwischen 1601 und 1608 geschrieben: Hamlet, Othello, König Lear, Macbeth (die vier Hauptstücke) und Antonius und Kleopatra sowie die weniger bekannten Werke Timon von Athen und Troilus und Cressida.
Viele haben in diesen Stücken das aristotelische Konzept der Tragödie hervorgehoben: dass der Protagonist ein bewundernswerter, aber fehlerhafter Charakter sein muss, den das Publikum verstehen und mit ihm sympathisieren kann. In der Tat ist jede tragische Figur von Shakespeare sowohl zum Guten als auch zum Bösen fähig. Das Stück besteht immer auf dem Konzept des freien Willens; der (Anti-)Held kann sich degradieren oder zurückentwickeln und sich durch seine Handlungen selbst erlösen. Der Autor hingegen führt sie schließlich in ihr unausweichliches Verderben.
Im Folgenden sind alle Tragödien Shakespeares aufgeführt, geordnet nach dem ungefähren Datum ihrer Entstehung:
Zu den wesentlichen Merkmalen der Shakespeare“schen Komödie gehören das komische Visier, die Dialektik einer Sprache voller Wortspiele, der Kontrast zwischen Figuren, die sich aufgrund ihrer sozialen Stellung, ihres Geschlechts oder ihrer Macht gegenüberstehen (ein repräsentatives Beispiel dafür ist Der Widerspenstigen Zähmung, manchmal auch als Die Zähmung der Tapferen übersetzt); die erotischen Anspielungen und Konnotationen, die Verkleidungen und die Tendenz zur chaotischen Zerstreuung und Verwirrung, bis die Handlung der Geschichte zur Wiederherstellung des Verlorenen und der entsprechenden Wiederherstellung im Rahmen des Natürlichen führt. Das Panorama der Komödie umfasst auch die Erkundung einer Gesellschaft, in der alle ihre Mitglieder gleichermaßen untersucht werden, ganz anders als in seinen historischen Stücken, die sich auf das machiavellistische Streben nach Macht („eine Sandleiter“, wegen ihrer Inhaltsleere) und die Störung der göttlichen kosmischen Ordnung, die der König auf Erden repräsentiert, konzentrieren. Als Galerie sozialer Typen ist die Komödie bei Shakespeare also ein breiterer Raum als die Tragödie und das Historische und spiegelt die Gesellschaft seiner Zeit besser wider, wenngleich das Talent des Autors, besonders individualisierte Figuren zu schaffen, wie im Fall von Falstaff, auch in diesem Bereich hervorsticht.
Während der Ton der Handlung oft burlesk ist, ist manchmal ein beunruhigendes tragisches Element latent vorhanden, wie in Der Kaufmann von Venedig. Wenn er Themen behandelt, die einen tragischen Ausgang nehmen können, versucht Shakespeare auf seine übliche Art und Weise, ohne Partei zu ergreifen, Heilmittel vorzuschlagen oder zu moralisieren oder überhaupt zu predigen, die Gefahren des Lasters, des Bösen und der menschlichen Irrationalität zu lehren, ohne in die Zerstörung zu verfallen, die in seinen Tragödien auftritt, und überlässt die wiederherstellende und wiederherstellende Ordnung der Natur.
Die Enden von Komödien sind im Allgemeinen festlich und vergnüglich. Die vulgäre Sprache und die Doppeldeutigkeit sowie das Ausmaß der unterschiedlichen Sichtweisen, der Schicksalsschläge und der Zerrüttung der Identitäten sind unvermeidliche Zutaten, die oft von überraschenden Zufällen begleitet werden. Die Parodie des Sex, die Rolle der Verkleidung und die magische Kraft der Natur, die Schäden und Wunden einer korrupten und gierigen Gesellschaft zu heilen, sind transzendente Elemente der Shakespeare“schen Komödie.
Der Mensch ändert seine Denk- und Handlungsweise völlig, indem er sich in die Wildnis flüchtet und der Zivilisation entflieht und sich dem Spiel der Gegensätze hingibt. Schließlich ist noch anzumerken, dass die soziale Sphäre, die Shakespeare in seinen Stücken verwendet, vielleicht etwas enger ist als in den meisten Komödien.
Wie bereits erwähnt, ist der Narr – eine am damaligen Hof sehr beliebte Figur – das unerschütterliche Element, auf das sich der Dramatiker berufen kann, um seine Meinung zu äußern, zumal die Meinung einer solchen Person nie als gültig angesehen wurde – ein perfekter Vorwand für die Ausarbeitung.
Das Entstehungsdatum von Shakespeares Komödien wird auf die Zeit zwischen 1590 und 1612 geschätzt, als Ausgangspunkt und Höhepunkt seines schriftstellerischen Schaffens. Das erste und am wenigsten aufwendige Stück war Die zwei Herren von Verona, gefolgt von Der Kaufmann von Venedig, Viel Lärm um nichts, Wie es euch gefällt, Ein Wintermärchen, Der Sturm und einige andere, die unten aufgeführt sind:
Es ist wichtig, klarzustellen, dass The Tempest, Winter“s Tale, Cymbeline und Pericles von vielen als poetische Fantasien (im Englischen wird der Begriff Romance verwendet) angesehen werden, da sie Merkmale aufweisen, die sie von den übrigen Komödien unterscheiden.
Das First Folio stuft als „historische Werke“ (Historien) nur solche ein, die sich auf die relativ junge Geschichte Englands beziehen. Andere Theaterstücke mit historischer Thematik, wie z. B. solche, die im alten Rom spielen, oder auch Macbeth, in dem ein echter schottischer König auftritt, werden hier nicht eingeordnet. Insgesamt sind es elf (oder zehn, wenn man Edward III. ausnimmt, der heute als apokryph gilt). Die Quelle, die der Dramatiker für die Komposition dieser Stücke verwendet hat, ist bekannt: die Chroniken von Raphael Holinshed.
Nachfolgend finden Sie eine Liste dieser Werke, geordnet nach dem ungefähren Datum ihrer Entstehung.
Es bestehen ernsthafte Zweifel an der Urheberschaft des ersten Eintrags in der Liste, Edward III. Das letzte Stück, Heinrich VIII., soll in Zusammenarbeit mit John Fletcher geschrieben worden sein, der Shakespeare als Hauptdramatiker der King“s Men Company ablöste.
Die zehn Stücke, die Shakespeare über die englischen Könige schrieb und die er sieben englischen Königen widmete, werden in der Regel unter seinen historischen Stücken zusammengefasst. Nicht zu diesem Zyklus gehören die Stücke über König Lear (ein legendärer König) und Macbeth (basierend auf dem Leben des schottischen Königs Macbeth von Schottland) sowie ein Stück über Edward III (obwohl es immer mehr Hinweise darauf gibt, dass es zumindest teilweise von Shakespeare geschrieben wurde, ist seine Urheberschaft nicht erwiesen). Dieser Zyklus schließt König Johann und Heinrich VIII. aus, da sie nicht der historischen Abfolge entsprechen.
Acht dieser Stücke sind in zwei Tetralogien zusammengefasst, deren Reihenfolge der Abfassung nicht mit der chronologischen Reihenfolge der geschilderten historischen Ereignisse übereinstimmt. Die erste dieser Tetralogien besteht aus den drei Tetralogien, die der Regierungszeit Heinrichs VI. (1422-1461) gewidmet sind, sowie der Tetralogie, die dem ehrgeizigen und schrecklichen Richard III. gewidmet ist (der in der Zeit von 1483-1485 regierte). Sie alle wurden wahrscheinlich zwischen 1590 und 1594 verfasst.
Die zweite Tetralogie, bestehend aus Richard II, den beiden Teilen von Heinrich IV und Heinrich V, geht in der Zeit zurück. Sie konzentriert sich auf die Regierungszeiten von Richard II. (1377-1399), Heinrich IV. (1399-1413) und Heinrich V. (1413-1422). Alle diese Werke wurden in der Zeit von 1594 bis 1597 geschrieben.
Angesichts der Tatsache, dass ein Großteil des Publikums Analphabeten waren, waren diese Stücke eine gute Möglichkeit, Geschichte zu vermitteln und somit Patriotismus und die Liebe zur englischen Kultur zu fördern sowie ein Gefühl der Ablehnung von Bürgerkriegen zu vermitteln. Historische Theaterstücke boten nicht nur Unterhaltung, sondern bestätigten und rechtfertigten auch die Macht der Monarchie gegenüber denjenigen, die ihre Legitimität in Frage stellen wollten. In Shakespeares Stücken ist der König, wie in den Stücken von Lope de Vega, der Vertreter der kosmischen Ordnung auf Erden. Das ist es, was Wissenschaftler von Greenblatts Format später analysieren werden, indem sie sich auf den vorherrschenden Diskurs und die Fähigkeit des elisabethanischen Theaters konzentrieren, die königliche Autorität zu behaupten, die Ordnung aufrechtzuerhalten und Subversion zu verhindern.
In Anbetracht der Abhängigkeit der Theatergesellschaften von ihren aristokratischen Mäzenen (und im Fall von The King“s Men von der königlichen Autorität) ist es logisch, dass Stücke geschrieben und aufgeführt wurden, in denen es um historische Figuren ging, die dem Adel angehörten und für die Geschichte Englands wichtig waren. Dies ist der Fall von Heinrich V., dem Sieger der Schlacht von Agincourt über die Truppen Frankreichs, Englands ewigem Rivalen. Durch das Aufgreifen wichtiger historischer Fakten, das Ignorieren von Niederlagen und die Übertreibung des Heldentums des Sieges, der dem regierenden Monarchen zugeschrieben wurde, gelang es diesen Werken, die Verehrung des Volkes für die Krone zu steigern.
In den Anfängen des Shakespeare-Dramas ging es darum, die Autorität der 1485 inthronisierten Tudor-Dynastie zu legitimieren, und zwar genau nach dem Sturz von Richard III, einer der abscheulichsten Figuren des Shakespeare-Dramas. Die Thronbesteigung der Tudors hatte sowohl wegen ihrer walisischen Herkunft als auch wegen des problematischen Charakters ihrer Thronansprüche einige Bedenken hervorgerufen (anscheinend begründete Heinrich VII., der erste Monarch der Dynastie, seine Rechte auf seine Abstammung von der französischen Prinzessin Katharina, der Witwe Heinrichs V., die einige Jahre später erneut Owen Tudor heiratete, einen walisischen Adligen mit geringem Einfluss auf die nationale Monarchie).
Es gibt jedoch Kritiker, die der Meinung sind, dass Shakespeares historische Stücke verschleierte Kritik an der Monarchie enthalten, die verschleiert wurde, um mögliche Probleme mit dem Gesetz zu vermeiden.
Ritterliche Erzählungen in Prosa oder Versen waren in Europa vom Mittelalter bis zur Renaissance eine gängige Gattung der Heldenfantasie; ritterliche Bücher in englischer, französischer, spanischer, italienischer und deutscher Sprache konnten auch Artusmythen sowie keltische und angelsächsische Legenden enthalten; Magie und Fantasie spielten ebenfalls eine Rolle, und die Sehnsucht nach der verlorenen vorchristlichen Mythologie der Feen und anderen Aberglauben war ebenfalls spürbar. Diese legendäre Erzählung, deren letzter Ausdruck und Meisterwerk vielleicht Sir Thomas Malorys Der Tod des Artus war, war bereits zu einer alternativen und populären Erzählung geworden, die mit der Volkssprache identifiziert wurde, im Gegensatz zu einer eher moralisierenden christlichen Erzählung, die mit der kirchlichen Sphäre verbunden war, für ein ausgewählteres Publikum und auf Latein. Um diese Art von populären Inhalten zu definieren, wurde der Begriff Romanze oder romanhaft gewählt.
In Großbritannien entstand im späten sechzehnten und frühen siebzehnten Jahrhundert die Romanze als phantastisches Genre, in dem neben bestimmten charakteristischen Konventionen (Ritter mit besonderen Kräften, Magie, Hexerei, Veränderung der Realität, Umwerbung der weiblichen Figur, Heldentaten und waghalsige Abenteuer) auch die Tatsache der Eroberung Amerikas hinzukam: ein Schmelztiegel von Rassen und barbarischen Kulturen, der vielen Reisenden und Dramatikern als Inspiration diente. Bei William Shakespeare ist der Sturm, der als Shakespeares dramatisches Testament gilt, weil es wahrscheinlich sein letztes Stück war, das Stück, das alle oben genannten Konventionen vereint und sie zu einer ebenso interessanten wie unwirklichen Theaterinszenierung formt.
Es wurde 1611 uraufgeführt und im Februar 1613 anlässlich der Hochzeit von Elizabeth Stuart, Tochter von König Jakob I., mit Prinz Friedrich von Heidelberg ein zweites Mal aufgeführt. Das Stück weist zahlreiche Parallelen zu den wichtigsten Figuren der jakobinischen Epoche auf: Die Hochzeitsmaske, die Prospero zum Vergnügen von Miranda und Ferdinand anfertigt, entspricht den göttlichen Figuren Ceres und Juno, die eine glückliche Zukunft versprechen, wenn das glückliche Paar verspricht, bis nach der Hochzeit Keuschheit zu wahren. Das könnte dem Monarchen gelegen haben, der für die Strenge seiner traditionellen Moral ebenso bekannt war wie für sein morbides Interesse an Magie und Hexerei, die auch in dem Stück eine wichtige Rolle spielen. Jahrhundert zur Verbrennung von Frauen, und Jakob I. verurteilte ohne Zögern jeden zum Tode, der verdächtigt wurde, solche Zeremonien durchzuführen. Das Thema des Sturms konnte sich also nur in einem Monarchen – Prospero – manifestieren, der daran interessiert war, dem bösen Zauber einer alten Hexe ein Ende zu setzen, die in die soziale Ordnung der Insel einzubrechen drohte. Die magische Welt dieser Zeit taucht jedoch auch in anderen romanhaften und phantastischen Komödien aus Shakespeares letzter Schaffensperiode auf, wie zum Beispiel in:
Der Sturm gilt als das dramatische Testament Shakespeares. Scheinbar inspiriert von einer der Winternächte von Antonio de Eslava, zerbricht Prinz Prospero, schiffbrüchig auf einer Insel, halb menschlich und halb göttlich aufgrund seiner magischen Kräfte, schließlich seinen Zauberstab, als er über seine begrenzte Macht nachdenkt, und es ist fast unmöglich, seine Worte nicht in Shakespeares eigenen Mund zu legen:
Einige der Stücke, die Shakespeare zusammen mit John Fletcher geschrieben hat, sind verloren gegangen, z. B. Cardenio, das von einer Episode aus Miguel de Cervantes“ Don Quijote inspiriert wurde, oder Die zwei edlen Ritter (da das letztgenannte Stück nicht in das First Folio aufgenommen wurde, bezweifeln viele Leser die Urheberschaft des Dramatikers). Andererseits und angesichts der Wechselfälle vieler Shakespeare-Inszenierungen argumentieren einige, dass die Hälfte von ihnen zu Fletchers Profil und Stil passen würde.
Shakespeare besaß, wie alle großen Dichter, eine große Synthesefähigkeit; er schrieb mit der ganzen Sprache und verfügte über ein nuanciertes und umfangreiches Lexikon. Er war vorsichtig mit der rhetorischen Stilisierung seiner Blankverse, die oft in der barocken, konzeptualistischen Tradition des Euphuismus stehen, weshalb sie heute selbst für Engländer schwer zu verstehen und zu entziffern sind; er vermied bewusst rhetorische Symmetrien, allzu offensichtliche Begriffsgegensätze; die Sprache war damals eine Vielfaltssprache und die Bedeutungen der Wörter waren noch nicht eindeutig durch lexikalische Repertoires festgelegt. Wenn seine überladene Sprache ein Hindernis für die Wertschätzung des Werks ist und war (und sogar war, als Voltaire in seinen Englischen Briefen die antiklassische Aufgeblasenheit seines Stils angriff), so ist es auch wahr, dass sie die Grundlage für die Wertschätzung des Werks des Autors ist, Es ist auch wahr, dass es die Grundlage ist, auf der sein Ruhm und sein Ansehen als Polierer von Metaphern und Erfinder von Neologismen ruht, die mit denen anderer berühmter Dramatiker und Dichter seiner Zeit vergleichbar sind, wie die Spanier Miguel de Cervantes, Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora und Calderón de la Barca.
Im Allgemeinen haben die Kritiker zwei Hauptaspekte des dramatischen Werks von William Shakespeare hervorgehoben.
Erstens eine fast unmenschliche Gleichgültigkeit und Abgehobenheit des Autors gegenüber der Realität seiner Figuren, die er auch mit größter Introspektion und Tiefe in der Gestaltung seiner Psychologie teilt. Shakespeare moralisiert nicht, er predigt nicht, er schlägt keinen Glauben, keine Überzeugung, keine Ethik oder irgendeine Lösung für die menschlichen Probleme vor: Er spricht einige der grundlegenden Ängste des menschlichen Daseins an, und zwar besser als jeder andere (Sein oder Nichtsein, Undankbarkeit, ob kindlich (König Lear) oder nicht, leerer Ehrgeiz), aber er gibt niemals Antworten: Wir wissen nicht, was Shakespeare dachte, für den das Spektakel der Welt keine Rolle spielt, auch wenn seine zugrunde liegende Vision pessimistisch und düster ist angesichts der erbärmlichen und minimalen Position, die ein Mensch aus demselben Material wie Träume in einem geheimnisvollen, tiefen, unverständlichen und sinnlosen Universum einnimmt. Während das spanische Barocktheater das Göttliche dem Menschlichen vorzieht, teilt Shakespeare seine Ehrfurcht (oder besser gesagt sein Staunen) vor dem Himmlischen und dem Irdischen gleichermaßen:
Es gibt mehr Dinge im Himmel und auf Erden, Horatio, als all das, wovon deine Philosophie träumen kann.
Weil Shakespeare für alles offen ist, setzt er sich selbst keine religiösen, ethischen oder philosophischen Grenzen; er lässt Julius Cäsar sagen: „Von allen Wundern, die ich gehört habe, scheint mir das seltsamste, dass die Menschen sich fürchten“, und auf jeden Fall kann man sich nur „vor der Angst der anderen“ fürchten.
Kritiker haben manchmal darauf hingewiesen, dass sein Werk durchgehend von Misanthropie geprägt ist. Andererseits ist nur eine kosmische Distanz zu allem Göttlichen und Menschlichen in der Lage, solche Sätze zu prägen:
Das Leben ist eine Geschichte, die von einem Idioten erzählt wird, eine Geschichte voller Gebrüll und Wut, die nichts bedeutet.
Oder:
Die aufrichtige Natur wird sagen: „Das war ein Mann…. Wann kommt die nächste Ausgabe?
Zweitens haben die Kritiker die außergewöhnliche Synthesekraft des „Schwans von Avon“ als Lyriker hervorgehoben; seine Fantasie ist in der Lage, ein Universum in einer Nussschale zu sehen; als Schöpfer von Figuren stellt jede von ihnen für sich eine Weltanschauung dar, weshalb er als Dichter des Dichters bezeichnet worden ist. Richard III, Hamlet, Othello, Brutus, Macbeth, Lady Macbeth, Falstaff… sind authentische Schöpfungen. Aber gerade deshalb wurde er auch kritisiert: Die Figuren in seinen Stücken scheinen autistisch zu sein, sie wissen nicht, wie man einander zuhört, und bleiben in ihrer Welt für jedes tiefe Verständnis des anderen verschlossen. Welche Sympathie gibt es zwischen Hamlet und seiner armen, gequälten Freundin Ophelia? Haben Mark Anton und Kleopatra, die zwar ein Liebespaar sind, aber einander krankhaft misstrauen, einander jemals „zugehört“? Der Kritiker Harold Bloom hat dies als einen der bemerkenswertesten und sensibelsten Unterschiede zwischen Shakespeare und Cervantes herausgestellt. In letzterem gibt es Einfühlungsvermögen, Freundschaft und menschliche Verbundenheit zwischen seinen Figuren, so dass sie voneinander lernen und sich weiterentwickeln, während Shakespeares autistische, tragische Figuren nicht in der Lage sind, einander zu verstehen und diese menschliche Annäherung zu verwirklichen.
Das Studium von Shakespeare wurde aus vielen verschiedenen Perspektiven betrachtet. Zunächst analysierte der Historismus sein Werk aus historischer und externer Sicht und richtete seine Aufmerksamkeit auf das Außerliterarische. Als Reaktion darauf neigte der Neokritizismus eher dazu, das Werk selbst zu analysieren und alle außerliterarischen Elemente außer Acht zu lassen. Der Hauptvertreter dieser Schule der Kritik war Stephen Greenblatt.
In den letzten Jahren haben Shakespeare-Studien aus einer feministischen Perspektive, die von Autoren wie Bloom scharf kritisiert wurden, in akademischen Kreisen eine gewisse Verbreitung gefunden.
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Shakespeare“s Poesie
Shakespeare war nicht nur ein Dramatiker von unbestreitbarer Bedeutung, sondern auch ein Dichter und Sonettschreiber, und es wird allgemein angenommen, dass er sich mehr als Lyriker denn als Dramatiker schätzte und nur als solcher hoffte, seine Zeit zu überdauern. Obwohl er hauptsächlich lange erzählende und mythologische Gedichte schrieb, ist er vor allem als außergewöhnlicher Autor von rein lyrischen Sonetten in Erinnerung geblieben.
Die erste Erwähnung des letzteren findet sich in der Palladis Tamia (Wit“s Treasury) (London, 1598) durch den Cambridge Bachelor of Arts Francis Meres, der Shakespeare für seine „Zuckersonette“ lobt; diese Erwähnung zeigt, dass zu dieser Zeit Manuskriptkopien von ihnen unter seinen engen Freunden zirkulierten:
So wie die Seele des Euphorbius sich in Pythagoras lebendig wähnte, so lebt die geistreiche und süße Seele des Ovid in der lieblichen und sanften Zunge von Shakespeare. Seine Venus und Adonis, seine Lucretia, seine Zuckersonette, die seinen intimen Freunden bekannt sind, zeugen davon. Und wie Plautus und Seneca bei den Lateinern als die besten für Komödie und Tragödie angesehen werden, so ist Shakespeare bei den Engländern der Ausgezeichnetste in beiden Gattungen. Im Bereich der Komödie sind seine Zwei Herren von Verona, seine Äquivokationen, seine Verlorenen Liebesmühen, seine Gewonnenen Liebesmühen, sein Sommernachtstraum und sein Kaufmann von Venedig zu nennen. Bei den Tragödien sind es Richard II, Richard III, Heinrich IV, König Johann, Titus Andronicus und Romeo und Julia. Und wie Epio Stolo sagte, dass die Musen in der Sprache des Plautus sprechen würden, wenn sie Latein sprechen wollten, so sage ich, dass die Musen in Shakespeares schöner Sprache sprechen würden, wenn sie Englisch sprechen wollten.
Kurz darauf, im Jahr 1599, wurden einige seiner Sonette, 138 und 144, sowie drei aus seiner Komödie Love“s Labours Lost, in einer Sammlung lyrischer Gedichte mit dem Titel The Passionate Pilgrim (Der leidenschaftliche Pilger) gedruckt (mit zahlreichen Variationen in späteren Ausgaben), einer Sammlung verschiedener Autoren, die fälschlicherweise in ihrer Gesamtheit dem Swan of Avon zugeschrieben wird und die neben anderen Sonetten acht weitere enthält, die ihm aufgrund von Stil und Inhalt zu Recht zugeschrieben werden. Erst 1609 erschien eine geheimnisvolle Gesamtausgabe, wahrscheinlich ohne die Erlaubnis des Autors, durch einen gewissen T. T. (Thomas Thorpe, ein Verleger, der ein Freund von Schriftstellern und selbst ein Schriftsteller war). Die Widmung ist einem Mr. W. H.
Es gibt keine Möglichkeit, die Identität dieser Initialen mit Sicherheit festzustellen, und es wurden verschiedene Theorien über die dahinter stehende Person aufgestellt; am wahrscheinlichsten ist, dass es sich um einen der regelmäßigen Gönner des Dichters handelt, und die große Mehrheit der Kritiker neigt zu der Annahme, dass die Initialen vertauscht sind und dass es sich um Henry Wriothesley (1573), Earl of Southampton, handelt, da Shakespeare ihm bereits öffentlich seine Wertschätzung durch Widmungen anderer Gedichte zum Ausdruck gebracht hatte: Venus und Adonis und Die Vergewaltigung der Lukrez. Ein weiterer möglicher Kandidat ist William Herbert, Earl of Pembroke und Sohn von Mary Herbert, der Schwester von Sir Philip Sidney, dem berühmten Dichter, der die Arkadien komponiert hat; für letzteren spricht auch, dass er dem Theater sehr zugetan war und die King“s Men, Shakespeares Theatertruppe, gefördert hat. Beide waren stattliche Adlige, die sich der Förderung von Kunst und Literatur verschrieben hatten und wesentlich jünger als der Dichter waren – Voraussetzungen, die jeder echte Empfänger von Gedichten erfüllen muss.
Die durch die Thorpe-Ausgabe geschaffene Ordnung hat eine eigentümliche Struktur geschaffen, die sich stark von dem üblichen italischen Petrarca-Liederbuch unterscheidet; es gibt keine Kompositionen in anderen Metren, die die Monotonie unterbrechen könnten, das Metrum unterscheidet sich stark von dem des klassischen Sonetts (es besteht aus drei Serventesen und einem Couplet, dem so genannten Shakespeare-Sonett), und es ist größtenteils der Freundschaft (oder Liebe) eines Mannes gewidmet, den er häufig interpelliert, um sein eigenes Bild und Gleichnis zu schaffen:
Schaffe ein anderes Du, aus Zuneigung zu mir, damit die Schönheit für dich oder die Deinen überlebt.
Er steht damit in einer völlig erneuerten und originellen Tradition, und der Dichter selbst war sich dessen ironisch bewusst:
Warum sind meine Verse so frei von neuen Formen, so widerspenstig gegen jede Abwechslung oder lebendige Veränderung? Warum neige ich mit der Zeit nicht zu neu entdeckten Methoden und seltsamen Verkleidungen? Warum schreibe ich immer von einer Sache, die immer dieselbe ist, und hülle meine Erfindungen in ein vertrautes Gewand, während jedes Wort fast meinen Namen verkündet, seine Geburt offenbart und seine Quelle angibt? Oh, wisse dies, meine Liebe, dass ich immer von dir schreibe, und dass du und die Liebe mein ewiges Thema sind; so dass mein ganzes Talent darin besteht, das Neue in alte Worte zu kleiden und das, was ich schon benutzt habe, wieder zu verwenden. Denn wie die Sonne jeden Tag neu und alt ist, so wiederholt meine Liebe immer wieder, was schon gesagt wurde.
Es lässt sich in zwei aufeinanderfolgende Sonettreihen unterteilen: eine von 126, die eine blonde, gut aussehende Freundin von hoher Geburt feiert, die Gönnerin des Dichters ist und der er vorschlägt, die Einsamkeit, den Narzissmus und die Vergnügungen zu verlassen und Erben zu zeugen, und die letzten 28, die sich auf eine dunkle Frau beziehen, die verheiratet war, wie aus einer Anspielung in Sonett 152 zu schließen ist, und wahrscheinlich eine gebildete Frau war, da sie Spinett oder Cembalo spielen konnte. Zwei der Sonette werden getrennt betrachtet, da es sich um Versionen desselben Epigramms aus der Griechischen Anthologie handelt.
Andererseits taucht im Trio von Shakespeare, dem rätselhaften Adressaten und der dunklen Dame gelegentlich auch ein rivalisierender Dichter auf, was die Geschichte einer Liebe weiter verkompliziert, die in der Sprache der Zeit auch als Freundschaft oder als jene besondere Art von Dilemma verstanden werden könnte, die sich zwischen einem Dichter und seinem Gönner einstellt. Die Experten (William Minto, später auch Edward Dowden, Tylor und Frederick Furnivall) sind überwiegend der Meinung, dass es sich bei diesem Dichter um den Hellenisten George Chapman handelt, da er als Verfasser von Alexandrinen identifiziert wird, Versen, die damals in der englischen Metrik recht selten waren und nur von diesem Autor verwendet wurden.
Die Themen der Sonette sind die Liebe und die Zeit, die in gewisser Weise gegensätzlich sind; in letzterer wird das Thema der Vergänglichkeit eingehend erforscht und erreicht manchmal metaphysische Züge. Jedes Sonett enthält auch eine dramatische Bewegung; man kann auch vor allem den moralischen und spirituellen Wert der Botschaft und die Philosophie, die es uns mit auf den Weg gibt, schätzen: die wenige Zeit, die uns das Leben bietet, so gut wie möglich zu nutzen, um sich ihm ganz hinzugeben. Claudio Guillén weist auch darauf hin, dass „Shakespeare es wagt, neue Dinge zu sagen, völlig neue Dinge, wie die Nicht-Unterscheidung zwischen Freundschaft und Liebe, und auch die wesentliche Nicht-Unterscheidung zwischen der Liebe zur Frau und der Liebe zum Mann“.
Die Chronologie der Sonette ist schwer zu bestimmen, aber es wird vermutet, dass sie zwischen 1592 und 1597 entstanden sind.
Jede historische Epoche hat je nach den vorherrschenden Anliegen und Interessen bestimmten Stücken den Vorrang gegeben. Das im 18. Jahrhundert vorherrschende Konzept der „poetischen Gerechtigkeit“ führte zur Ablehnung zahlreicher Tragödien Shakespeares, da das Theater nach seinen Kriterien Beispiele der Tugend fördern sollte. Der englische Kritiker Samuel Johnson (1709-1784) war mit dem Ende von König Lear, das er als grausam und unnötig empfand, nicht einverstanden, und die Fassung von Nahum Tate aus dem Jahr 1681 ersetzte Shakespeares Fassung bis Mitte des 19. Jahrhunderts und verblüffte das Lesepublikum mit ihrem großen Erfolg: Sie hat ein Happy End, bei dem Cordelia und Lear über Hindernisse triumphieren und der Protagonist Edgardo, den rechtmäßigen Erben des Grafen von Gloucester, heiratet.
1731 trat der berühmte Schauspieler David Garrick (1717-1779) erstmals in der Rolle des buckligen Richard III. auf der Bühne eines Theaters in den Londoner Slums auf und war ein durchschlagender Erfolg. Als er die Leitung des eleganten Drury Lane Theatre übernahm, löste sein glanzvoller Auftritt eine regelrechte „Shakespeare-Manie“ aus, die ihren Höhepunkt erreichte, als Garrick selbst das erste Jubiläum zu Ehren des Dichters in Stratford (1769) organisierte, ein Ereignis, das eine solche Begeisterung auslöste, dass sogar Irland unter seinem Banner falsche literarische Dokumente exhumierte, die Shakespeare zugeschrieben wurden. 1772 änderte Garrick einen Großteil von Hamlet, indem er die Szene mit den Totengräbern entfernte und Laertes von jeglicher Schuld an dem Gift in seinem Schwert freisprach. Außerdem gelingt es der Königin Gertrud zu überleben und ein Leben der Reue zu führen, was im Original nicht der Fall ist. Zur gleichen Zeit verbreitete sich der Ruhm des Dramatikers in ganz Europa; Voltaire machte ihn in seinen Briefen aus England bekannt, und Jean-François Ducis führte ihn durch die Uraufführung seiner Hamlet-Bearbeitung auf der Pariser Bühne ein (im selben Jahr veröffentlichte Gotthold Ephraim Lessing in Deutschland seine Hamburgische Dramaturgie, eine Sammlung kritischer Theaterstudien, in der er für die Ablehnung der klassischen französischen Tragödie und die neue Aufwertung Shakespeares eintrat, wie es Johann Gottfried Herder 1771 in seinen Blättern von Deutscher Art und Kunst tun sollte). Wie Garrick in England trug Friedrich Ludwig Schröder, Schauspieler und Theaterdirektor, mit seiner Hamlet-Erstaufführung in Deutschland (1777) dazu bei, Shakespeare auf der deutschen Bühne lebendig werden zu lassen. Goethe führte in Weimar Stücke von Shakespeare und Calderón auf, als er mit der Leitung des Fürstentheaters beauftragt wurde, und er selbst und Friedrich von Schiller erlebten den Einfluss des englischen Genies in ihren eigenen Stücken. In Spanien übersetzte Ramón de la Cruz den Hamlet 1772 und Leandro Fernández de Moratín 1798.
Die Wiederbelebung Shakespeares (wie auch die von Pedro Calderón de la Barca) war ein entscheidendes Ereignis in der Geschichte des europäischen Theaters, denn sie begünstigte die Ankunft der Vorromantik und ermöglichte gleichzeitig die Entstehung des deutschen Nationaldramas und später des französischen romantischen Dramas von Victor Hugo.
1807 veröffentlichte Thomas Bowdler eine veränderte Fassung von Family Shakespeare, die seiner Meinung nach besser für Frauen und Kinder geeignet war, damit sie „den tugendhaften und religiösen Geist nicht beleidigt“. Aus dieser Anpassung ist das englische Wort bowdlerize entstanden, das die puritanische Zensur bezeichnet.
Im viktorianischen Zeitalter waren die Aufführungen im Allgemeinen durch den archäologischen Versuch gekennzeichnet, eine Epoche zu rekonstruieren, und die Inszenatoren und Schauspieler waren von einem historischen Realismus im Sinne der dokumentarischen Methodik des Positivismus besessen. Die künstlerische Avantgarde beeinflusste auch den Dramatiker: Gordon Craig versuchte sich 1911 an einem kubistischen Hamlet. Seine ikonoklastische Konzeption der Bühne ebnete den Weg für verschiedene ästhetische Überarbeitungen der Shakespeare-Stücke im 20. 1936 inszenierte Orson Welles einen innovativen Macbeth in Harlem, wobei er nicht nur die Zeit des Stücks verlagerte, sondern auch afroamerikanische Schauspieler einsetzte. In Laurence Oliviers Spielfilm Heinrich V., der zu Ehren der Kämpfer des Zweiten Weltkriegs gedreht wurde, wurden einige Passagen hervorgehoben, um den britischen Patriotismus zu fördern. Die wichtigste ist die Ansprache des Monarchen an seine Truppen vor der Schlacht von Agincourt gegen die französischen Truppen. Das Gleiche gilt bis heute für zahlreiche Theater- und Filmadaptionen.
Die Anpassung, Interpretation und Verdrehung von Shakespeares Werk war also lange Zeit das Ergebnis spezifischer moralischer, politischer und ästhetischer Interessen, die das düstere Lebensbild, das Shakespeare tatsächlich bietet, verdeckten.
Was seinen Einfluss auf andere Kulturen und insbesondere auf die hispanische Kultur betrifft, so war Shakespeare stets eine reiche Inspirationsquelle für moderne und zeitgenössische Schriftsteller, aber er wurde erst im neunzehnten Jahrhundert wirklich präsent. Im spanischen Amerika lasen Schriftsteller wie Rubén Darío und insbesondere der Essayist José Enrique Rodó den Sturm mit besonderem Interesse. Rodó zum Beispiel formulierte in seinem bekannten Essay Ariel (1900) eine ganze Interpretation Amerikas, die auf den Mythen der beiden Hauptfiguren Ariel und Caliban beruht.
Doch seine Krönung als Autor der Weltliteratur musste in Spanien bis zum Ende des 18. Jahrhunderts warten, als Voltaire in der spanischen Aufklärung durch seine Äußerungen in den Englischen Briefen eine gewisse Neugierde für den englischen Autor weckte; Ramón de la Cruz übersetzte den Hamlet 1772 aus der französischen Bearbeitung von Jean-François Ducis (1733-1816), der französische Übersetzungen von Shakespeares Tragödien ohne Englischkenntnisse nach dem Geschmack des Neoklassizismus in Verse übertragen und dabei unter anderem das gewaltsame Ende gestrichen hatte. Diese Übersetzung wurde jedoch nie veröffentlicht. Leandro Fernández de Moratín hingegen druckte seine eigene Version, ebenfalls auf der Grundlage der schlechten französischen Fassung von Ducis, und fügte den Mängeln seines Vorbilds weitere hinzu (Madrid: Villalpando, 1798).
Es gab noch weitere Fassungen einzelner Werke (Macbé oder Los Remordimientos, 1818, von Manuel García, ebenfalls nach der französischen Fassung von Ducis), aber erst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts kam es zu weltweiten Bemühungen, das gesamte Werk des Autors zu übersetzen, die zweifellos durch das Ansehen, das der Autor durch die uneingeschränkte Anerkennung in der deutschen Romantik erlangt hatte, gefördert wurden.
1872 war ein entscheidendes Jahr für die spanische Shakespeare-Rezeption. Die ersten direkten Übersetzungen aus dem Englischen wurden veröffentlicht: Obras de William Shakspeare trad. fielmente del… inglés con presencia de las primeras ediciones y de los textos d á luz por los más célebres comentadores del inmortal poeta, Madrid, 1872-1877 (Imp. Manuel Minuesa, R. Berenguuillo). Die Übersetzung stammt von Matías de Velasco y Rojas, Marquis von Dos Hermanas, aber sie ging nicht über drei Bände hinaus; der zweite und dritte wurden 1872 gedruckt, der erste mit seinen Gedichten und Sonetten, der zweite mit Der Kaufmann von Venedig und der dritte mit Julia und Romeo.
Zwischen 1872 und 1876 übersetzte Jaime Clark „Romeo und Julia“, „Hamlet“, „Othello“, „König Lear“, „Der Kaufmann von Venedig“, „Wie es euch gefällt“, „Twelfth Night“ und „The Tempest“. 1873 begann der Gibraltarer William Mcpherson mit dem Druck seiner Übersetzung von 23 Stücken in weißer Halbsilbe mit wichtigen Prologen.
Andererseits gab es von 1872 bis 1912 in Madrid zahlreiche Aufführungen seiner Stücke; Shakespeare trat sogar als Figur in Manuel Tamayo y Baus“ Un drama nuevo auf, obwohl er als solche bereits in Enrique Zumels Drama Guillermo Shakespeare (Granada: José María Zamora, 1853) erschienen war. Auch spanische Kritiker haben sich erstmals eingehend mit Shakespeare befasst; die ersten waren Guillermo Macpherson und sein Freund Eduardo Benot (1885) und vor allem Eduardo Juliá Martínez (1918), der das hundertjährige Jubiläum nutzte, um die Figur Shakespeare mit einer Art neuer Biografie zu popularisieren, die unter dem Titel Shakespeare y su tiempo: historia y fantasía (1916) darauf abzielte, „Wahrheiten inmitten des Scheins der Unterhaltung“ (S. xii) aufzudecken. Das Werk ist gut dokumentiert, was sich in den ausführlichen Anmerkungen und den abschließenden Anhängen widerspiegelt (danach schrieb Juliá seinen interessanten Shakespeare in Spanien (1918), der als Grundlage für Alfonso Pars gleichnamiges Werk diente. Er übersetzte u. a. König Lear ins Katalanische und Spanische. Im Jahr 1916, zeitgleich mit dem dritten Todestag des Dramatikers, schrieb er Vida de Guillem Shakespeare auf Katalanisch, das 1930 in spanischer Sprache erschien, und im selben Jahr Contribución a la bibliografía española de Shakespeare; sein Engagement wurde durch zwei kolossale Werke gekrönt, von denen das eine, Shakespeare en la literatura española, 1935 in zwei Bänden veröffentlicht wurde, und das andere im folgenden Jahr, das posthume Representaciones shakespearianas en España, ebenfalls in zwei Bänden. Zu erwähnen sind auch ein weiterer spanischer Shakespeare-Forscher, Ricardo Ruppert y Ujaravi (1920), der realistische Schriftsteller Juan Valera und Mitglieder der Generation von “98 wie Miguel de Unamuno und Valle-Inclán, die dem Schwan vom Avon Essays widmeten.
Unter den Übersetzungen ragt das achtbändige Gesamtwerk des bereits erwähnten William Macpherson (1885-1900) mit den entsprechenden Einführungen heraus. Die Shakespeare-Gesamtausgabe von Rafael Martínez Lafuente nimmt ebenfalls einen privilegierten Platz ein, obwohl es sich höchstwahrscheinlich um eine Neuübersetzung aus dem Französischen handelt, da sie in ihrem Prolog Fragmente von Victor Hugos Essays über Leben und Werk des Dramatikers enthält, die einer französischen Übersetzung vorausgingen. Das gesamte Werk und sogar die zugeschriebenen Titel sind bereits in der Prosaausgabe von Luis Astrana Marín enthalten, die zwischen 1920 und 1930 erschien und von Federico García Lorca viel gelesen wurde; Astrana verfasste auch eine Biografie, die er in erweiterter Form nachdruckte, und erstellte eine Gesamtstudie seines Werks, die er als Einleitung für seine monumentale Ausgabe verwendete. Erwähnenswert sind auch die Übersetzungen und Adaptionen der Symbolisten Antonio Ferrer und Robert (Noche de Epifanía (Romeo und Julia (1918) und Hamlet (1918) von Gregorio Martínez Sierra. Eine beträchtliche Anzahl von Studien und Übersetzungen, die von William Macpherson und Rafael Martínez Lafuente verwendet und gesammelt wurden, befindet sich ebenfalls in der Biblioteca del Ateneo de Madrid.
Unter den modernen Übersetzungen sind neben der berühmten und bereits erwähnten Prosaübersetzung von Luis Astrana Marín die ebenfalls in Prosa verfassten Obras completas von José María Valverde (Barcelona: Planeta, 1967) und die zweisprachigen Ausgaben mit spanischer Blankversfassung des Shakespeare-Instituts von Valencia zu erwähnen, das sich seit 1980 unter der Leitung von Manuel Ángel Conejero und Jenaro Talens ganz diesem Unterfangen widmet. Bemerkenswert sind auch die Fassungen einiger Stücke des bedeutendsten spanischen Tragödiendichters der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, Antonio Buero Vallejo. Ángel Luis Pujante hat außerdem seit 1986 eine Neuübersetzung seines Gesamtwerks für Editorial Espasa-Calpe vorgenommen.
Schließlich wurde an der Universität Murcia eine Online-Datenbank mit den Texten aller Übersetzungen historischer Shakespeare-Texte ins Spanische, fünf Biografien des Autors, ergänzenden Materialien und der von Ángel-Luis Pujante und Juan F. Cerdá zusammengestellten Bibliografie Shakespeare in Spanien eingerichtet. Eine kommentierte zweisprachige Bibliographie Shakespeare in Spanien. Eine kommentierte zweisprachige Bibliographie, MurciaGranada: Universidad de Murcia & Universidad de Granada, 2000-2014.
Zu den Verfilmungen von Shakespeares Biografie gehören Shakespeare in Love (1998) unter der Regie von John Madden, Miguel und William (2007) von Regisseurin und Drehbuchautorin Inés París über Miguel de Cervantes und Shakespeare sowie Anonymous (2011) unter der Regie von Roland Emmerich, der eine mögliche Antwort auf die Frage nach der Urheberschaft seiner Werke im Rahmen einer politischen Verschwörung gibt.
Rund 250 Filme wurden auf der Grundlage von Shakespeares Texten produziert, was den enormen Einfluss von Shakespeares Werk beweist. Das am häufigsten verfilmte Stück ist Hamlet, mit 61 Verfilmungen und 21 Fernsehserien zwischen 1907 und 2000:
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Tragödie
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Komödie
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Historisches Drama
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Andere Arbeiten
Quellen
