Roy Lichtenstein

Zusammenfassung

Roy Fox Lichtenstein (27. Oktober 1923 – 29. September 1997) war ein amerikanischer Pop-Art-Künstler. In den 1960er Jahren wurde er zusammen mit Andy Warhol, Jasper Johns, James Rosenquist und anderen zu einer führenden Figur der neuen Kunstbewegung. Sein Werk definierte die Prämisse der Pop Art durch Parodie. Inspiriert von Comics, schuf Lichtenstein präzise Kompositionen, die dokumentieren und gleichzeitig parodieren, oft auf augenzwinkernde Weise. Sein Werk wurde von der populären Werbung und dem Comic-Stil beeinflusst. Seine Kunstwerke wurden als „störend“ angesehen. Er beschrieb die Pop Art als „keine “amerikanische“ Malerei, sondern eigentlich industrielle Malerei“. Seine Bilder wurden in der Leo Castelli Gallery in New York City ausgestellt.

Whaam! und Drowning Girl gelten allgemein als Lichtensteins berühmteste Werke. Drowning Girl, Whaam! und Look Mickey gelten als seine einflussreichsten Werke. Sein teuerstes Werk ist Masterpiece, das im Januar 2017 für 165 Millionen Dollar verkauft wurde.

Lichtenstein wurde in eine deutsch-jüdische Familie der oberen Mittelschicht in New York City geboren. Sein Vater, Milton, war ein Immobilienmakler, seine Mutter, Beatrice (Werner), eine Hausfrau. Er wuchs in der Upper West Side von New York City auf und besuchte bis zu seinem zwölften Lebensjahr eine öffentliche Schule. Danach besuchte er die New Yorker Dwight School, die er 1940 abschloss. Lichtenstein interessierte sich zunächst hobbymäßig für Kunst und Design, und zwar schon in der Schule. Er war ein begeisterter Jazz-Fan und besuchte häufig Konzerte im Apollo Theater in Harlem. Er zeichnete häufig Porträts von Musikern, die ihre Instrumente spielten. In seinem letzten Jahr an der High School, 1939, nahm Lichtenstein an Sommerkursen der Art Students League of New York teil, wo er unter der Leitung von Reginald Marsh arbeitete.

Lichtenstein verließ New York, um an der Ohio State University zu studieren, die Atelierkurse und einen Abschluss in Bildender Kunst anbot. Sein Studium wurde durch einen dreijährigen Einsatz in der Armee während und nach dem Zweiten Weltkrieg zwischen 1943 und 1946 unterbrochen. Nach Ausbildungsprogrammen für Sprachen, Ingenieurwesen und Pilotentraining, die alle abgebrochen wurden, diente er als Sanitäter, Zeichner und Künstler.

Lichtenstein kehrte nach Hause zurück, um seinen sterbenden Vater zu besuchen, und wurde aus der Armee entlassen, wobei er Anspruch auf die G.I. Bill hatte. Er kehrte nach Ohio zurück, um unter der Aufsicht eines seiner Lehrer, Hoyt L. Sherman, zu studieren, von dem weithin angenommen wird, dass er einen bedeutenden Einfluss auf sein künftiges Werk hatte (Lichtenstein benannte später ein von ihm finanziertes neues Studio an der OSU nach dem Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein trat in das Graduiertenprogramm der Ohio State University ein und wurde als Kunstdozent angestellt, eine Position, die er in den nächsten zehn Jahren immer wieder innehatte. 1949 erhielt Lichtenstein einen Master of Fine Arts von der Ohio State University.

1951 hatte Lichtenstein seine erste Einzelausstellung in der Carlebach Gallery in New York. 1951 zog er nach Cleveland, wo er sechs Jahre lang blieb, obwohl er häufig nach New York zurückreiste. In dieser Zeit übte er zwischen den Malperioden so unterschiedliche Tätigkeiten wie die eines Zeichners oder eines Fensterdekorateurs aus. Sein Werk bewegte sich in dieser Zeit zwischen Kubismus und Expressionismus. 1954 wurde sein erster Sohn, David Hoyt Lichtenstein, heute ein Songwriter, geboren. Sein zweiter Sohn, Mitchell Lichtenstein, wurde 1956 geboren.

Im Jahr 1957 zog er zurück ins Hinterland von New York und begann wieder zu unterrichten. Zu dieser Zeit nahm er den Stil des Abstrakten Expressionismus an, da er sich erst spät zu diesem Malstil bekehrte. Ab 1958 unterrichtete Lichtenstein an der State University of New York in Oswego im Bundesstaat New York. Ungefähr zu dieser Zeit begann er, versteckte Bilder von Cartoonfiguren wie Mickey Mouse und Bugs Bunny in seine abstrakten Werke einzubauen.

Aufstieg zur Berühmtheit

1960 begann er an der Rutgers University zu unterrichten, wo er stark von Allan Kaprow beeinflusst wurde, der ebenfalls an der Universität lehrte. Dieses Umfeld trug dazu bei, sein Interesse an Proto-Pop-Bildern neu zu entfachen. 1961 begann Lichtenstein mit seinen ersten Pop-Gemälden, in denen er Cartoon-Bilder und Techniken verwendete, die aus dem Erscheinungsbild des kommerziellen Drucks abgeleitet waren. Diese Phase sollte bis 1965 andauern und beinhaltete die Verwendung von Werbebildern, die auf Konsum und Haushalt hinweisen. Sein erstes Werk, das den großflächigen Einsatz von hartkantigen Figuren und Ben-Day-Punkten zeigt, ist Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Dieses Werk geht auf eine Herausforderung durch einen seiner Söhne zurück, der auf ein Mickey-Mouse-Comicheft zeigte und sagte: „Ich wette, du kannst nicht so gut malen wie das, was, Dad?“ Im selben Jahr schuf er sechs weitere Werke mit erkennbaren Figuren aus Kaugummiverpackungen und Cartoons.

1961 begann Leo Castelli, Lichtensteins Werke in seiner Galerie in New York auszustellen. Lichtenstein hatte 1962 seine erste Einzelausstellung in der Castelli-Galerie; die gesamte Sammlung wurde von einflussreichen Sammlern gekauft, noch bevor die Ausstellung eröffnet wurde. Eine Gruppe von Gemälden, die zwischen 1961 und 1962 entstanden, zeigt einsame Haushaltsgegenstände wie Turnschuhe, Hot Dogs und Golfbälle. Im September 1963 ließ er sich von seinem Lehrauftrag am Douglass College in Rutgers beurlauben.

Damals“, so Lichtenstein später, „interessierte ich mich für alles, was ich als Thema verwenden konnte, das emotional stark war – normalerweise Liebe, Krieg oder etwas, das hochgradig aufgeladen war und ein emotionales Thema, das im Gegensatz zu den entfernten und bewussten Maltechniken stand.

Zeit der größten Bekanntheit Lichtensteins

Zu dieser Zeit begann Lichtenstein, nicht nur in Amerika, sondern weltweit berühmt zu werden. Er zog zurück nach New York, um im Zentrum der Kunstszene zu stehen, und kündigte 1964 sein Studium an der Rutgers University, um sich auf seine Malerei zu konzentrieren. Lichtenstein verwendete Öl- und Magna-Farben (frühe Acrylfarben) für seine bekanntesten Werke, wie z. B. Drowning Girl (1963), das aus der Titelgeschichte von DC Comics“ Secret Hearts Nr. 83 übernommen wurde. (Drowning Girl hängt heute im Museum of Modern Art, New York.) Drowning Girl zeichnet sich auch durch dicke Umrisse, kräftige Farben und Ben-Day-Punkte aus, als wäre es durch fotografische Reproduktion entstanden. Über sein eigenes Werk sagte Lichtenstein, dass die abstrakten Expressionisten „Dinge auf die Leinwand brachten und auf das reagierten, was sie getan hatten, auf die Farbpositionen und Größen. Mein Stil sieht ganz anders aus, aber die Art des Auftragens von Linien ist ziemlich die gleiche; meine sehen nur nicht so kalligraphisch aus wie die von Pollock oder Kline.“

Lichtenstein versuchte nicht, seine Sujets zu reproduzieren, sondern setzte sich mit der Art und Weise auseinander, in der sie von den Massenmedien dargestellt werden. Er würde sich selbst jedoch nie zu ernst nehmen, sagte er: „Ich denke, meine Arbeit unterscheidet sich von Comicstrips – aber ich würde sie nicht als Transformation bezeichnen; ich glaube nicht, dass das, was damit gemeint ist, für die Kunst wichtig ist.“ Als Lichtensteins Werk zum ersten Mal ausgestellt wurde, stellten viele Kunstkritiker der damaligen Zeit seine Originalität in Frage. Sein Werk wurde als vulgär und leer kritisiert. Der Titel eines Artikels in der Zeitschrift Life von 1964 lautete: „Ist er der schlechteste Künstler der USA?“ Lichtenstein reagierte auf solche Behauptungen mit Antworten wie der folgenden: „Je näher meine Arbeit am Original ist, desto bedrohlicher und kritischer ist der Inhalt. Meine Arbeit ist jedoch völlig verändert, da mein Zweck und meine Wahrnehmung völlig anders sind. Ich glaube, dass meine Bilder kritisch transformiert sind, aber es wäre schwierig, das mit irgendeiner rationalen Argumentation zu beweisen“. In einem Interview mit April Bernard und Mimi Thompson im Jahr 1986 sprach er über seine Erfahrungen mit dieser heftigen Kritik. Indem er andeutete, dass es manchmal schwierig sei, kritisiert zu werden, sagte Lichtenstein: „Ich zweifle nicht, wenn ich tatsächlich male, es ist die Kritik, die dich zum Nachdenken bringt, das tut sie.“

Sein berühmtestes Bild ist zweifellos Whaam! (1963, Tate Modern, London), eines der frühesten bekannten Beispiele für Pop Art, das nach einer von Irv Novick in einer Ausgabe von DC Comics“ All-American Men of War von 1962 gezeichneten Comic-Panel entstand. Das Gemälde zeigt ein Kampfflugzeug, das eine Rakete auf ein feindliches Flugzeug abfeuert, mit einer rot-gelben Explosion. Der Cartoon-Stil wird durch den lautmalerischen Schriftzug „Whaam!“ und den Untertitel „I pressed the fire control … and ahead of me rockets blazed through the sky …“ noch verstärkt. Dieses Diptychon ist großformatig und misst 1,7 x 4,0 m. Whaam knüpft an die auf Comics basierenden Themen einiger seiner früheren Gemälde an und ist Teil einer Reihe von kriegsthematischen Werken, die zwischen 1962 und 1964 entstanden. Es ist eines seiner beiden bemerkenswerten großen Gemälde zum Thema Krieg. Es wurde 1966 von der Tate Gallery erworben, nachdem es 1963 in der Leo Castelli Gallery ausgestellt worden war, und befindet sich seitdem in deren Sammlung (heute in der Tate Modern). 1968 erwarb der Darmstädter Unternehmer Karl Ströher mehrere Hauptwerke Lichtensteins, darunter Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) und Yellow and Green Brushstrokes (1966). Nach einer mehrjährigen Leihgabe an das Hessische Landesmuseum Darmstadt konnte der Gründungsdirektor des Museums für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, 1981 insgesamt 87 Werke, vor allem der amerikanischen Pop Art und Minimal Art, für das bis 1991 im Aufbau befindliche Museum erwerben.

Lichtenstein begann um 1964 mit der Bildhauerei zu experimentieren und bewies dabei ein Händchen für die Form, das im Widerspruch zu der eindringlichen Flächigkeit seiner Gemälde stand. Für Head of Girl (1964) und Head with Red Shadow (1965) arbeitete er mit einem Keramiker zusammen, der die Form des Kopfes aus Ton formte. Anschließend trug Lichtenstein eine Glasur auf, um dieselbe Art von grafischen Motiven zu schaffen, die er in seinen Gemälden verwendete; das Auftragen von schwarzen Linien und Ben-Day-Punkten auf dreidimensionale Objekte führte zu einer Verflachung der Form.

Bei den meisten von Lichtensteins bekanntesten Werken handelt es sich um relativ genaue, aber nicht exakte Kopien von Comic-Panels, ein Thema, das er 1965 weitgehend aufgab, obwohl er in späteren Jahrzehnten gelegentlich Comics auf unterschiedliche Weise in sein Werk einbezog. Diese Panels wurden ursprünglich von Comiczeichnern wie Jack Kirby und den DC-Comics-Künstlern Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick und Jerry Grandenetti gezeichnet, die jedoch nur selten gewürdigt wurden. Jack Cowart, geschäftsführender Direktor der Lichtenstein Foundation, widerspricht der Auffassung, Lichtenstein sei ein Kopist gewesen: „Roys Arbeit war eine Verwunderung über die grafischen Formeln und die Kodifizierung von Gefühlen, die von anderen ausgearbeitet worden waren. Die Tafeln wurden im Maßstab, in der Farbe, in der Behandlung und in ihren Implikationen verändert. Es gibt keine exakte Kopie.“ haben Lichtensteins Verwendung von Comic-Bildern und -Kunstwerken kritisiert, insbesondere insofern, als diese Verwendung als Unterstützung einer bevormundenden Sichtweise von Comics durch den Kunst-Mainstream angesehen wurde; der Cartoonist Art Spiegelman kommentierte, dass „Lichtenstein nicht mehr oder weniger für Comics getan hat als Andy Warhol für Suppe“.

Lichtensteins Werke, die auf vergrößerten Comic-Panels basieren, lösten eine breite Debatte über ihren Wert als Kunst aus. Lichtenstein selbst gab zu: „Nominell kopiere ich, aber in Wirklichkeit gebe ich die kopierte Sache in anderen Worten wieder. Dadurch erhält das Original eine völlig andere Textur. Es sind keine dicken oder dünnen Pinselstriche, es sind Punkte und flache Farben und unnachgiebige Linien.“ Eddie Campbell schrieb in seinem Blog: „Lichtenstein nahm ein winziges Bild, kleiner als eine Handfläche, das mit vierfarbiger Tinte auf Zeitungspapier gedruckt wurde, vergrößerte es auf die herkömmliche Größe, in der “Kunst“ gemacht und ausgestellt wird, und brachte es mit Farbe auf Leinwand.“ Bill Griffith sagte einmal über Lichtenstein: „Es gibt hohe Kunst und es gibt niedrige Kunst. Und dann gibt es die hohe Kunst, die niedrige Kunst nimmt, sie in einen hohen Kunstkontext bringt, sie sich aneignet und sie zu etwas anderem erhebt.“

Obwohl Lichtensteins auf Comics basierende Arbeiten eine gewisse Akzeptanz gefunden haben, werden von Kritikern immer noch Bedenken geäußert, die behaupten, Lichtenstein habe die ursprünglichen Künstler oder Urheberrechtsinhaber nicht erwähnt, ihnen keine Lizenzgebühren gezahlt oder sie um Erlaubnis gebeten. In einem Interview für eine BBC Four-Dokumentation im Jahr 2013 fragte Alastair Sooke den Comiczeichner Dave Gibbons, ob er Lichtenstein für einen Plagiator halte. Gibbons antwortete: „Ich würde sagen “Nachahmer“. In der Musik zum Beispiel kann man nicht einfach die Melodie eines anderen pfeifen oder aufführen, egal wie schlecht sie ist, ohne dem ursprünglichen Künstler Anerkennung zu zollen und ihn zu bezahlen. Das heißt, das hier ist “WHAAM! von Roy Lichtenstein, nach Irv Novick“.“ Sooke selbst behauptet, dass „Lichtenstein Novicks Kunstwerk in einer Reihe von subtilen, aber entscheidenden Weisen transformiert hat.“

Der Gründer der Zeitschrift, Dozent an der City University London und Doktorand am University College London, Ernesto Priego, stellt fest, dass Lichtensteins Versäumnis, die ursprünglichen Schöpfer seiner Comics zu nennen, auf die Entscheidung von National Periodical Publications, dem Vorgänger von DC Comics, zurückzuführen ist, ihre Autoren und Künstler nicht zu nennen:

Beispiele wie Lichtensteins Aneignung des Comic-Vokabulars sind nicht nur Ausdruck des kulturellen Vorurteils gegenüber Comics als Kunstform, sondern verdeutlichen auch, wie wichtig es ist, bei der Definition von Comics das Publikationsformat sowie die politische Ökonomie bestimmter historischer Publikationsformen, in diesem Fall des amerikanischen Mainstream-Comics, zu berücksichtigen. Inwieweit war National Periodical Publications (später DC) für die Ablehnung der Rolle von Kanigher und Novick als eigenständige Künstler verantwortlich, indem sie ihnen nicht die volle Autorenschaft in der Publikation selbst zugestanden?“

Außerdem weist Campbell darauf hin, dass es eine Zeit gab, in der Comiczeichner die Nennung ihrer Werke häufig ablehnten.

In einem 1998 veröffentlichten Bericht sagte Novick, er habe Lichtenstein 1947 in der Armee kennengelernt und als sein vorgesetzter Offizier auf Lichtensteins weinerliche Beschwerden über die ihm zugewiesenen niederen Aufgaben reagiert, indem er ihn für eine bessere Stelle empfahl. Jean-Paul Gabilliet hat diese Darstellung in Frage gestellt und behauptet, Lichtenstein habe die Armee ein Jahr vor dem Zeitpunkt verlassen, an dem sich der Vorfall laut Novick ereignet hat. Bart Beaty, der darauf hinweist, dass Lichtenstein sich Novick für Werke wie Whaam! und Okay Hot-Shot, Okay! zu eigen gemacht hat, meint, dass Novicks Geschichte „ein Versuch zu sein scheint, den berühmteren Künstler persönlich herabzusetzen“.

1966 wandte sich Lichtenstein von seinen viel beachteten Bildern der frühen 1960er Jahre ab und begann seine Serie Modern Paintings, die über 60 Gemälde und begleitende Zeichnungen umfasst. Mit seinen charakteristischen Ben-Day-Punkten und geometrischen Formen und Linien schuf er aus vertrauten architektonischen Strukturen, aus dem Art Déco entlehnten Mustern und anderen subtilen, oft aufeinanderfolgenden Motiven widersprüchliche, herausfordernde Bilder. Die Serie Modern Sculpture von 1967-8 nahm Bezug auf Motive der Art-Déco-Architektur.

Spätere Arbeiten

In den frühen 1960er Jahren reproduzierte Lichtenstein Meisterwerke von Cézanne, Mondrian und Picasso, bevor er 1965 mit der Serie Brushstrokes begann. Lichtenstein griff dieses Thema auch später in seiner Karriere mit Werken wie Bedroom at Arles auf, das auf Vincent van Goghs Bedroom in Arles basiert.

1970 wurde Lichtenstein vom Los Angeles County Museum of Art (im Rahmen des zwischen 1967 und 1971 entwickelten Programms Art and Technology) beauftragt, einen Film zu drehen. Mit Hilfe der Universal Film Studios konzipierte und produzierte der Künstler Three Landscapes, einen Film über Meereslandschaften, der in direktem Zusammenhang mit einer Reihe von Collagen mit Landschaftsthemen steht, die er zwischen 1964 und 1966 geschaffen hatte. Obwohl Lichtenstein geplant hatte, 15 Kurzfilme zu produzieren, war die Installation mit drei Leinwänden, die er zusammen mit dem unabhängigen New Yorker Filmemacher Joel Freedman realisierte, der einzige Versuch des Künstlers, sich an das Medium Film zu wagen.

Ebenfalls 1970 kaufte Lichtenstein ein ehemaliges Kutschenhaus in Southampton, Long Island, baute dort ein Atelier und verbrachte den Rest der 1970er Jahre in relativer Abgeschiedenheit. In den 1970er- und 1980er-Jahren begann sich sein Stil zu lockern, und er erweiterte sein bisheriges Schaffen. 1969 begann Lichtenstein mit einer Serie von Spiegelbildern. 1970, während er die Spiegelserie fortsetzte, begann er, sich mit dem Thema Gebälk zu beschäftigen. Die Entablatures bestanden aus einer ersten Serie von Gemälden von 1971 bis 1972, gefolgt von einer zweiten Serie in den Jahren 1974-76 und der Veröffentlichung einer Serie von Reliefdrucken im Jahr 1976. Er produzierte eine Reihe von „Artists Studios“, die Elemente seiner früheren Arbeiten aufnahmen. Ein bemerkenswertes Beispiel ist Artist“s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), das fünf andere frühere Werke enthält, die in die Szene integriert sind.

Während einer Reise nach Los Angeles im Jahr 1978 war Lichtenstein von der Sammlung deutscher expressionistischer Drucke und illustrierter Bücher des Anwalts Robert Rifkind fasziniert. Er begann, Werke zu schaffen, die stilistische Elemente aus der expressionistischen Malerei aufgreifen. The White Tree (1980) erinnert an die lyrischen Landschaften des Blauen Reiters, während Dr. Waldmann (1980) an Otto Dix“ Dr. Mayer-Hermann (1926) erinnert. Kleine Farbstiftzeichnungen dienten als Vorlagen für den Holzschnitt, ein Medium, das von Emil Nolde und Max Pechstein, aber auch von Dix und Ernst Ludwig Kirchner bevorzugt wurde. Ebenfalls in den späten 1970er Jahren wurde Lichtensteins Stil durch surrealistischere Werke wie Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen) ersetzt. Eine große Serie von surrealistisch-poppigen Gemälden aus den Jahren 1979 bis 1981 basiert auf indianischen Themen. Diese Werke reichen von Amerind Figure (1981), einer stilisierten lebensgroßen Skulptur, die an einen stromlinienförmigen Totempfahl aus schwarz-patinierter Bronze erinnert, bis hin zu dem monumentalen Wollteppich Amerind Landscape (1979). Die „indianischen“ Werke entnahmen ihre Themen, wie auch die anderen Teile der surrealistischen Serie, der zeitgenössischen Kunst und anderen Quellen, darunter Bücher über indianisches Design aus Lichtensteins kleiner Bibliothek.

Lichtensteins Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen mit Stillleben, die von 1972 bis in die frühen 1980er Jahre reichen, umfassen eine Vielzahl von Motiven und Themen, darunter die traditionellsten wie Früchte, Blumen und Vasen. Im Jahr 1983 schuf Lichtenstein zwei Anti-Apartheid-Plakate mit dem einfachen Titel „Against Apartheid“. In seiner Serie Reflection, die zwischen 1988 und 1990 entstand, verwendete Lichtenstein seine eigenen Motive aus früheren Arbeiten wieder. Interiors (1991-1992) ist eine Serie von Werken, die banale häusliche Umgebungen darstellen, inspiriert von Möbelanzeigen, die der Künstler in Telefonbüchern oder auf Plakatwänden fand. Die Motive seiner Serie Landscapes in the Chinese Style (Landschaften im chinesischen Stil), zu denen er sich von den monochromen Drucken von Edgar Degas inspirieren ließ, die 1994 in einer Ausstellung im Metropolitan Museum of Art in New York gezeigt wurden, sind mit simulierten Benday-Punkten und Blockkonturen gestaltet, die in harten, lebhaften Farben wiedergegeben werden, wobei alle Spuren der Hand entfernt wurden. Der Akt ist ein wiederkehrendes Element in Lichtensteins Arbeiten der 1990er Jahre, wie in Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Neben Gemälden und Skulpturen schuf Lichtenstein auch über 300 Drucke, meist im Siebdruckverfahren.

Provisionen

1969 erhielt Lichtenstein von Gunter Sachs den Auftrag, die Werke „Composition“ und „Leda und der Schwan“ für die Pop Art-Zimmersuite des Sammlers im Palace Hotel in St. Moritz zu schaffen. In den späten 1970er und in den 1980er Jahren erhielt Lichtenstein bedeutende Aufträge für Werke im öffentlichen Raum: die Skulpturen Lamp (die 26 Fuß hohen Brushstrokes in Flight) und El Cap de Barcelona (1992) in Barcelona. 1994 schuf Lichtenstein das 53 Fuß lange, aus Emaille auf Metall gefertigte Times Square Mural in der U-Bahn-Station Times Square. 1977 wurde er von BMW beauftragt, eine Gruppe-5-Rennversion des BMW 320i für den dritten Teil des BMW Art Car Project zu malen. Das DreamWorks Records Logo war sein letztes abgeschlossenes Projekt. „Ich mache so etwas (ein Firmenlogo) nicht und habe auch nicht vor, es wieder zu tun“, sagt Lichtenstein. „Aber ich kenne Mo Ostin und David Geffen und es schien interessant zu sein.“

Anerkennungen

Lichtenstein erhielt zahlreiche Ehrendoktorwürden, unter anderem von der George Washington University (1996), dem Bard College, dem Royal College of Art (1993), der Ohio State University (1987), dem Southampton College (1980) und dem California Institute of the Arts (1977). Er war außerdem Mitglied des Verwaltungsrats der Brooklyn Academy of Music.

1949 heiratete Lichtenstein Isabel Wilson, die zuvor mit dem Künstler Michael Sarisky aus Ohio verheiratet war. Die brutalen Winter im Norden des Staates forderten jedoch ihren Tribut von Lichtenstein und seiner Frau, nachdem er 1958 eine Lehrtätigkeit an der State University of New York in Oswego aufgenommen hatte. Das Paar verkaufte 1963 das Familienhaus in Highland Park, New Jersey, und ließ sich 1965 scheiden.

Lichtenstein heiratete seine zweite Frau, Dorothy Herzka, 1968. 1966 mieteten sie ein Haus in Southampton, New York, das Larry Rivers um die Ecke von seinem eigenen Haus gekauft hatte. Drei Jahre später kauften sie ein Kutschenhaus von 1910 in der Gin Lane mit Blick auf den Ozean. Von 1970 bis zu seinem Tod teilte Lichtenstein seine Zeit zwischen Manhattan und Southampton auf. Er hatte auch ein Haus auf Captiva Island.

1991 begann Lichtenstein eine Affäre mit der Sängerin Erica Wexler, die zur Muse für seine Aktserie wurde, darunter 1994 die „Nudes with Beach Ball“. Sie war 22 und er 68 Jahre alt. Die Affäre dauerte bis 1994 und war zu Ende, als Wexler mit ihrem zukünftigen Ehemann Andy Partridge von XTC nach England ging. Wexler zufolge hatten Lichtenstein und seine Frau Dorothy ein Einvernehmen und beide hatten neben ihrer Ehe noch andere wichtige Beziehungen.

Lichtenstein starb am 29. September 1997 an den Folgen einer Lungenentzündung im New York University Medical Center, wo er mehrere Wochen lang stationär behandelt worden war, vier Wochen vor seinem 74. Geburtstag. Er hinterlässt seine zweite Frau Dorothy Herzka und seine Söhne David und Mitchell aus erster Ehe.

Die Pop-Art hat auch im 21. Jahrhundert noch Einfluss. Lichtenstein und Andy Warhol wurden 1997 und 1998 auf der PopMart-Tour von U2 und 2007 in einer Ausstellung in der britischen National Portrait Gallery verwendet.

Neben vielen anderen Kunstwerken, die bei den Anschlägen auf das World Trade Center am 11. September 2001 verloren gingen, wurde auch ein Gemälde aus Lichtensteins The Entablature Series bei dem anschließenden Feuer zerstört.

Sein Werk Crying Girl war eines der Kunstwerke, die in Night at the Museum zum Leben erweckt wurden: Battle of the Smithsonian.

1964 war Lichtenstein der erste Amerikaner, der in der Tate Gallery in London ausstellte, anlässlich der Ausstellung „“54-“64: Painting and Sculpture of a Decade“. 1967 fand seine erste museale Retrospektive im Pasadena Art Museum in Kalifornien statt. Im selben Jahr fand seine erste Einzelausstellung in Europa in Museen in Amsterdam, London, Bern und Hannover statt. Später nahm Lichtenstein an den documentas IV (1968) und VI (1977) teil. 1969 hatte Lichtenstein seine erste Retrospektive im Guggenheim Museum, organisiert von Diane Waldman. Eine zweite Lichtenstein-Retrospektive wurde 1994 im Guggenheim Museum gezeigt. Lichtenstein war der erste lebende Künstler, der von März bis Juni 1987 im Museum of Modern Art eine Einzelausstellung mit Zeichnungen hatte. Zu den jüngsten Retrospektiven gehören 2003 „All About Art“, Louisiana Museum of Modern Art, Dänemark (die bis 2005 in der Hayward Gallery, London, im Museo Reina Sofia, Madrid, und im San Francisco Museum of Modern Art zu sehen war), „Classic of the New“, Kunsthaus Bregenz (2005), „Roy Lichtenstein: Meditations on Art“, Museo Triennale, Mailand (2010, reiste zum Museum Ludwig, Köln). Ende 2010 zeigte The Morgan Library & Museum Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Eine weitere große Retrospektive wurde im Mai 2012 im Art Institute of Chicago eröffnet, bevor sie 2013 in der National Gallery of Art in Washington, in der Tate Modern in London und im Centre Pompidou in Paris gezeigt wurde. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intime Skulpturen, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Städtische Galerie für moderne und zeitgenössische Kunst, Turin. 2018: Ausstellung in The Tate Liverpool, Merseyside, Vereinigtes Königreich.

Im Jahr 1996 wurde die National Gallery of Art in Washington, D.C. zum größten Einzelarchiv des Künstlers, als Lichtenstein 154 Drucke und 2 Bücher stiftete. Das Art Institute of Chicago besitzt mehrere wichtige Werke Lichtensteins in seiner ständigen Sammlung, darunter Brushstroke with Spatter (1966) und Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Die persönlichen Bestände von Lichtensteins Witwe, Dorothy Lichtenstein, und der Roy Lichtenstein Foundation gehen in die Hunderte. In Europa besitzt das Museum Ludwig in Köln mit Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964) einen der umfangreichsten Lichtenstein-Bestände, ebenso das Frankfurter Museum für Moderne Kunst mit We rose up slowly (1964) und Yellow and Green Brushstrokes (1966). Außerhalb der Vereinigten Staaten und Europas verfügt die Kenneth Tyler Collection der National Gallery of Australia über umfangreiche Bestände von Lichtensteins Grafiken, die über 300 Werke umfassen. Insgesamt sollen rund 4.500 Werke im Umlauf sein.

Nach dem Tod des Künstlers im Jahr 1997 wurde 1999 die Roy Lichtenstein Foundation gegründet. Im Jahr 2011 entschied der Vorstand der Stiftung, dass die Vorteile einer Authentifizierung die Risiken eines langwierigen Rechtsstreits überwiegen würden.

Ende 2006 verschickte die Stiftung eine Weihnachtskarte mit einem Bild von Electric Cord (1961), einem Gemälde, das seit 1970 verschwunden war, nachdem es von der Galerie Leo Castelli an den Kunstrestaurator Daniel Goldreyer geschickt worden war. Die Karte forderte die Öffentlichkeit auf, Informationen über den Verbleib des Gemäldes zu melden. Im Jahr 2012 bestätigte die Stiftung die Echtheit des Gemäldes, als es in einem Lagerhaus in New York City auftauchte.

Nach dem Tod des Fotografen Harry Shunk im Jahr 2006 erwarb die Lichtenstein Stiftung zwischen 2008 und 2012 die Sammlung des von Shunk und seinem Kollegen János Kender aufgenommenen Fotomaterials sowie die Urheberrechte der Fotografen. Im Jahr 2013 schenkte die Stiftung den Shunk-Kender-Bestand fünf Institutionen – dem Getty Research Institute in Los Angeles, dem Museum of Modern Art in New York, der National Gallery of Art in Washington, dem Centre Pompidou in Paris und der Tate in London -, so dass jedes Museum Zugriff auf den Anteil der anderen erhalten wird.

Seit den 1950er Jahren wurden Lichtensteins Werke in New York und anderswo ausgestellt, u.a. bei Leo Castelli in seiner Galerie und bei Castelli Graphics sowie bei Ileana Sonnabend in ihrer Galerie in Paris und in der Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon, Sperone Westwater Galleries und anderen. Die Galerie Leo Castelli vertrat Lichtenstein seit 1962 exklusiv, als eine Einzelausstellung des Künstlers bereits vor ihrer Eröffnung ausverkauft war.

Ab 1962 stellte die Leo Castelli Gallery, New York, regelmäßig Werke des Künstlers aus. Die Gagosian Gallery stellt seit 1996 Werke von Lichtenstein aus.

Big Painting No. 6 (1965) wurde 1970 das teuerste Werk Lichtensteins. Wie bei der gesamten Serie Brushstrokes ist das Thema des Gemäldes der Prozess der abstrakten expressionistischen Malerei mit schwungvollen Pinselstrichen und Tropfen, aber das Ergebnis von Lichtensteins Vereinfachung, die einen Hintergrund aus Ben-Day-Punkten verwendet, ist eine Darstellung der mechanischen

Lichtensteins Gemälde Torpedo … Los! (1963) wurde 1989 bei Christie“s für 5,5 Millionen Dollar verkauft, eine Rekordsumme zu dieser Zeit, womit er einer von nur drei lebenden Künstlern ist, die solch hohe Summen erzielt haben. Im Jahr 2005 wurde In the Car für die damalige Rekordsumme von 16,2 Millionen Dollar (10 Millionen Pfund) verkauft.

Im Jahr 2010 wurde sein Gemälde Ohhh…Alright… aus dem Jahr 1964, das zuvor Steve Martin und später Steve Wynn gehörte, bei Christie“s in New York für den Rekordpreis von 42,6 Millionen US-Dollar (26,7 Millionen Pfund) versteigert.

Basierend auf einer Zeichnung von William Overgard aus dem Jahr 1961 für eine Cartoon-Geschichte von Steve Roper, zeigt Lichtensteins I Can See the Whole Room…and There“s Nobody in It! (1961) zeigt einen Mann, der durch ein Loch in einer Tür schaut. Es wurde 2011 von der Sammlerin Courtney Sale Ross bei Christie“s in New York City für 43 Millionen Dollar und damit für das Doppelte des Schätzpreises verkauft; der Ehemann der Verkäuferin, Steve Ross, hatte es 1988 für 2,1 Millionen Dollar ersteigert. Das Gemälde misst einen Meter mal einen Meter und ist in Graphit und Öl gemalt.

Das Comic-Gemälde Sleeping Girl (1964) aus der Sammlung von Beatrice und Phillip Gersh erzielte 2012 bei Sotheby“s einen neuen Lichtenstein-Rekord von 44,8 Millionen Dollar.

Im Oktober 2012 wurde sein Gemälde Electric Cord (1962) an Leo Castellis Witwe Barbara Bertozzi Castelli zurückgegeben, nachdem es 42 Jahre lang verschollen war. Castelli hatte das Gemälde im Januar 1970 zur Reinigung an einen Kunstrestaurator geschickt und es nie zurückerhalten. Er starb im Jahr 1999. Im Jahr 2006 veröffentlichte die Roy Lichtenstein Foundation ein Bild des Gemäldes auf ihrer Weihnachtsgrußkarte und bat die Kunstgemeinde um Hilfe bei der Suche nach dem Gemälde. Das Gemälde wurde in einem New Yorker Lagerhaus gefunden, nachdem es in Bogota, Kolumbien, ausgestellt worden war.

Im Jahr 2013 stellte das Gemälde Frau mit geblümtem Hut mit 56,1 Millionen Dollar einen weiteren Rekord auf, als es der britische Juwelier Laurence Graff von dem amerikanischen Investor Ronald O. Perelman erwarb.

Dies wurde 2015 durch den Verkauf von Nurse für 95,4 Millionen Dollar bei einer Christie“s-Auktion getoppt.

Im Januar 2017 wurde Masterpiece für 165 Millionen Dollar verkauft. Der Erlös aus diesem Verkauf wird für die Einrichtung eines Fonds zur Reform der Strafjustiz verwendet.

Literaturverzeichnis

Biographisches:

Werke:

Sonstiges:

Quellen

  1. Roy Lichtenstein
  2. Roy Lichtenstein
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  7. a b Schocktherapie mit Pop. In: Der Spiegel. Nr. 41, 1997 (online).
  8. Meisterwerke der Kunst Malerei von A-Z. Isis Verlag, Chur 1994, S. 441, OCLC 525342282.
  9. Tintin Reading est une œuvre créée par Roy Lichtenstein au début des années 1990, à l“origine pour illustrer la couverture de Tintin in the New World. A Romance, un roman de Frederic Tuten (en)[18]. Ce livre comportera également un frontispice du peintre[19]. C“est la seconde fois que Lichtenstein illustre une couverture de cet auteur, après celle de 1971 pour la nouvelle The Adventures of Mao on the Long March[20]. Le peintre utilise la technique caractéristique des points ben-day qu“il affectionne depuis 1961 pour représenter Tintin assis dans une pièce lisant son journal avec son chien Milou proche, le tableau de Matisse, La Danse en décor de fond[21] et un couteau passant derrière le personnage de bande dessinée. L“onomatopée « CRAC » y est dessiné venant de derrière la porte, rappelant le tableau Crak! de 1963. L“affiche Tintin Reading, en Gravure offset, est publiée la première fois à Bruxelles pour une rétrospective Tintin au Palais des beaux-arts de Bruxelles.
  10. 1 2 Roy Lichtenstein // Encyclopædia Britannica (англ.)
  11. Roy Lichtenstein // Lambiek Comiclopedia (англ.) — Lambiek, 1999.