Robert Ryman

Mary Stone | September 16, 2022

Zusammenfassung

Robert Ryman (30. Mai 1930 – 8. Februar 2019) war ein amerikanischer Maler, der mit den Bewegungen der monochromen Malerei, des Minimalismus und der Konzeptkunst identifiziert wird. Er war vor allem für seine abstrakten Weiß-auf-Weiß-Gemälde bekannt. Er lebte und arbeitete in New York City.

Ryman wurde in Nashville, Tennessee, geboren. Nachdem er zwischen 1948 und 1949 am Tennessee Polytechnic Institute in Cookeville und zwischen 1949 und 1950 am George Peabody College for Teachers studiert hatte, meldete sich Ryman zum Reservekorps der US-Armee und wurde während des Koreakrieges einer Armee-Reserveband zugeteilt. 1953 zog Ryman nach New York City, um professioneller Jazz-Saxophonist zu werden. Er nahm Unterricht bei dem Pianisten Lennie Tristano, was später seine Malerei beeinflusste. Um über die Runden zu kommen, nahm Ryman bald einen Tagesjob als Wachmann im Museum of Modern Art an und lernte dort die Künstler Sol LeWitt und Dan Flavin kennen, die mit ihm im MoMA zusammenarbeiteten. Unmittelbar nachdem er seinen Job im MoMA gekündigt hatte, arbeitete Ryman ein Jahr lang in der Kunstabteilung der New York Public Library. In dieser Zeit in den 1950er Jahren lernte er auch den Künstler Roy Lichtenstein kennen.

Fasziniert von den neu erworbenen Werken des abstrakten Expressionismus von Mark Rothko, Willem de Kooning, Clyfford Still, Jackson Pollock und Barnett Newman wurde Ryman neugierig auf den Akt der Malerei. Von 1953 bis 1960 arbeitete er im MoMA als Wachmann, um der Malerei nahe zu sein. Er kaufte Kunstzubehör in einem örtlichen Geschäft und begann 1953 in seiner Wohnung zu experimentieren.

Ryman unterhielt eine enge Beziehung zu dem verstorbenen Konservator Orrin Riley, der ihn häufig in Bezug auf Archivmaterial beriet und oft den Säuregehalt der Medien testete, die der Künstler verwenden wollte. Zweimal wurde er von der Fernsehautorin und -produzentin Barbaralee Diamonstein interviewt, einmal für die Buch- und Videoproduktion Inside New York“s Art World im Jahr 1979 und erneut für Inside the Art World im Jahr 1994.

Im Jahr 2009 nahm er gemeinsam mit den Künstlern Lawrence Weiner, Merrill Wagner und Paul Kos an dem Kunstprojekt Find Me von Gema Alava teil.

Sein berühmtestes Zitat lautet: „Es ist nie die Frage, was man malt, sondern nur, wie man malt“.

Im Jahr 1961 heiratete der Künstler die Kunsthistorikerin Lucy Lippard. Sie bekamen 1964 einen gemeinsamen Sohn, Ethan Ryman, der zunächst Toningenieur und jetzt Künstler war. Die Ehe endete mit einer Scheidung. Im Jahr 1969 heiratete er die Künstlerin Merrill Wagner. Robert Rymans Söhne aus seiner zweiten Ehe, Cordy Ryman und Will Ryman, sind ebenfalls Künstler und arbeiten derzeit in New York City.

Ryman starb am 8. Februar 2019 im Alter von 88 Jahren.

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Malerei

Ryman wurde oft als Minimalist eingestuft, aber er zog es vor, als „Realist“ bezeichnet zu werden, weil er nicht daran interessiert war, Illusionen zu schaffen, sondern nur die Materialien, die er in seinen Kompositionen verwendete, in ihrem realen Wert darzustellen. In einer Erklärung für eine Ausstellung im Jahr 2010 bei Pace Wildenstein schrieb er: „Ich bin kein Bildermaler. Ich arbeite mit echtem Licht und Raum, und da echtes Licht ein wichtiger Aspekt der Gemälde ist, bringt es immer einige Probleme mit sich.“ Die meisten seiner Werke zeigen abstrakte, vom Expressionismus beeinflusste Pinselstriche in weißer oder gebrochen weißer Farbe auf quadratischer Leinwand oder Metalloberflächen. Ryman experimentiert schon sein ganzes Leben lang mit den Medien und malt und

Als Ryman zu arbeiten begann, hatten ältere Künstler wie Barnett Newman, Mark Rothko und Philip Guston die Malerei bereits auf ihre Essenz reduziert. 1955 begann Ryman mit dem, was er als sein frühestes professionelles Werk betrachtete, einer weitgehend monochromen Malerei mit dem Titel Orange Painting (1955-59). In den Jahren 1968-69 schuf er seine Classico-Serie von Kompositionen, die aus mehrteiligen Gemälden auf einer speziellen Papiersorte namens Classico bestehen. Für jedes Werk der Serie befestigte Ryman eine Anordnung schwerer, cremeweißer Papierbögen mit Klebeband an einer Wand, bemalte die Bögen mit einer glänzenden weißen Acrylfarbe, entfernte das Klebeband, wenn die Bögen getrocknet waren, montierte sie auf Schaumstoffplatten und befestigte sie wieder an der Wand. Der sich aufbauende Farbrand, der den Umriss des Klebebands nachzeichnet, und das zerrissene Papier, das zurückbleibt, zeugen von dem Entstehungsprozess. Die verschiedenen Arbeiten der Classico-Serie unterscheiden sich in der Anordnung der Papierbögen, der Anordnung der Klebebandspuren und der bemalten Form. So wie die Classico-Arbeiten nach der Art des verwendeten Papiers benannt sind, wurden die so genannten Surface Veil-Arbeiten von 1970 nach der Glasfasermarke benannt, auf die die kleineren Stücke dieser Gruppe gemalt wurden. Einige der 12 Fuß großen, quadratischen Gemälde aus dieser Serie wurden nicht auf Glasfaser, sondern auf Baumwolle oder Leinen gemalt. In jedem dieser Werke scheint das Pigment eine Membran über dem Träger zu bilden, was auf den unterschiedlichen Grad der Opazität und Transluzenz der weißen Farbe zurückzuführen ist, die mit Bereichen kontrastiert, in denen weniger Farbe aufgetragen wurde, so dass das Gewebe freigelegt ist. Diese Unterbrechungen in der Haut des Gemäldes markieren oft die buchstäblichen Pausen zwischen den Arbeitssitzungen des Künstlers.

Von etwa 1975 bis 2003 befestigte Ryman seine Gemälde häufig mit Metallklammern an der Wand. Er entwarf die Halterungen speziell für jedes Werk und ließ sie von einem örtlichen Metallverarbeiter anfertigen.

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Drucke und Zeichnungen

Obwohl Ryman vor allem für seine Gemälde bekannt ist, experimentierte er auch mit der Druckgrafik und schuf Radierungen, Aquatinten, Lithografien, Siebdrucke und Reliefdrucke. Wie seine Gemälde sind auch seine Drucke leicht an ihren überwiegend quadratischen, monochromen Oberflächen zu erkennen, die die Werte, Texturen und Effekte verschiedener Weiß- und anderer Farben auf Papier und Aluminium erkunden.

Seine Drucke und Arbeiten auf Papier haben noch nicht die gleiche Aufmerksamkeit erhalten, aber sein Ansatz zur Herstellung von Drucken und Zeichnungen ist der gleiche. Indem er mit den besonderen Merkmalen jedes Mediums und jedes Prozesses arbeitete, erkundete Ryman ab 1969 neue Wege der Herstellung von Editionen, und zwar mit einem Minimum an Materialien. In seiner Druckgrafik versuchte Ryman, die Textur seiner Oberflächen auf eine Weise zu kontrollieren, die er für den Rest seiner Karriere weiter erforschen sollte. Wie bei seinen Gemälden verlangen auch seine Drucke vom Betrachter Aufmerksamkeit, genaues Hinsehen und die Beachtung von Feinheiten. Rymans Drucke fordern den Betrachter heraus und belohnen ihn gleichzeitig für das genaue Hinsehen.

Er erklärte, dass seine Titel bedeutungslos seien und nur als eine Form der Identifikation existierten. Tatsächlich zog Ryman den Begriff „Name“ für ein Kunstwerk einem Titel vor, weil er kein Bild schuf oder auf etwas anderes Bezug nahm als auf das Medium und die Materialien. Die „Namen“ seiner Werke entstammen oft den Namen von Kunstzubehör oder Firmen oder sind einfach allgemeine Wörter, die keine spezifische Bedeutung haben.

Seine erste Einzelausstellung hatte Ryman 1967 im Alter von 36 Jahren in der Galerie von Paul Bianchini in New York City; seine erste Ausstellung in Europa fand im Jahr darauf in der Galerie Heiner Friedrich in München statt. Ein Jahr später war Ryman in When Attitudes Become Form vertreten, einer von der Kunsthalle Bern organisierten, wegweisenden Ausstellung mit Werken von Künstlern des Minimalismus und der Konzeptkunst. Seine erste Einzelausstellung in einem Museum fand 1972 im Guggenheim Museum in New York City statt, wo achtunddreißig Werke Rymans aus den Jahren 1965 bis 1971 gezeigt wurden. Ryman war mit seinen Werken in den documentas 5 (1972), 6 (1977) und 7 (1982), in Kassel, auf der Biennale von Venedig (1976, 1978, 1980 und 2007) und auf der Whitney Biennale (1977, 1987, 1995) vertreten. Seine erste Retrospektive wurde 1974 vom Stedelijk Museum, Amsterdam, organisiert. In den Jahren 1993-94 wurde die bisher größte Retrospektive von Rymans Gemälden, kuratiert von Robert Storr, in der Tate Gallery, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, im Museum of Modern Art in New York, im San Francisco Museum of Modern Art und im Walker Art Center in Minneapolis ausgestellt.

Robert Ryman wird von David Zwirner vertreten.

Die Hallen für Neue Kunst, ein ehemaliges Museum für zeitgenössische Kunst in Schaffhausen, Schweiz (2014 geschlossen), beherbergte die größte öffentliche Sammlung von Rymans Werken, in der 29 Werke aus den Jahren 1959 bis 2007 dauerhaft ausgestellt waren. Im Jahr 2008 nahm Ryman eine umfassende Neuinstallation seiner Galerien in den Hallen für Neue Kunst vor. Als er 2008 – zum ersten Mal seit 12 Jahren – in das Museum zurückkehrte, um die 1983 eingerichtete Dauerausstellung seines Werks erneut zu besichtigen, beschloss er, die Galerien in ein „Gesamtkunstwerk“ zu verwandeln – eine Synthese oder Gesamterfahrung, die aus 32 Gemälden aus 50 Jahren Arbeit besteht.

Im Jahr 2017 stiftete Ryman 21 Gemälde für die ständige Sammlung der Dia Art Foundation, die damit die einzige Einrichtung mit einer umfassenden ständigen Sammlung ist, die Werke von den späten 1950er Jahren bis zum Jahr 2003 umfasst. Weitere bedeutende Museen, die seine Werke sammeln, sind das Museum of Modern Art in New York, die Tate in London, das Art Institute of Chicago und das Stedelijk Museum in Amsterdam.

Ryman erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter ein Stipendium der John-Simon-Guggenheim-Stiftung (1973) und die Skowhegan-Medaille der Skowhegan School of Painting and Sculpture (1985). Seit 1994 ist er Mitglied der American Academy of Arts and Letters, deren Vizepräsident er seit 2003 ist.

Im Jahr 2005 wurde Ryman mit dem Praemium Imperiale ausgezeichnet.

2009 erschien die Publikation Robert Ryman: Critical Texts Since 1967, herausgegeben von Vittorio Colaizzi und Karsten Schubert und veröffentlicht von Ridinghouse. Das Buch zeichnet die allmähliche Entwicklung der Rezeption von und Reaktion auf Rymans Kunst nach. Eine umfassende Auswahl von über 60 Essays und Ausstellungsbesprechungen wurde in einem Band zusammengestellt, darunter Texte von einigen der einflussreichsten Kunsthistoriker und Kritiker ihrer Zeit: Yve-Alain Bois, Donald B. Kuspit, Lucy R. Lippard, Robert Storr und anderen.

Rymans Gemälde Bridge (1980) wurde 2015 bei einer Christie“s-Auktion für 20,6 Millionen Dollar verkauft.

Quellen

1. Robert Ryman
2. Robert Ryman
3. ^ „Robert Ryman“. Archived from the original on December 13, 2013.
4. ^ Colaizzi, Vittorio (Spring 2007) „“How It Works“: Stroke, Music, and Minimalism in Robert Ryman“s Early Paintings“. (Spring 2007) American Art. Vol. 21, No. 1. p. 34.
5. ^ „Robert Ryman“. Retrieved August 6, 2022.
6. https://web.archive.org/web/20131213181345/http://www.phillipscollection.org/exhibitions/2010-06-05-exhibition-robert-ryman.aspx
7. a b c d (en) Biografie Robert Ryman, Solomon R. Guggenheim Museum. Geraadpleegd op 10-1-2019.
8. a b (en) Yau, John, ROBERT RYMAN Large-small, thick-thin, light reflecting, light absorbing. The Brooklyn Rail (4-3-2010). Geraadpleegd op 10-1-2019.
9. Robert Ryman, Classico 3, bij Stedelijk Museum Amsterdam. Stedelijk Museum Amsterdam. Geraadpleegd op 10-1-2019.
10. (en) Robert Ryman. The Art Institute of Chicago. Geraadpleegd op 10 januari 2019.