María Gutiérrez Blanchard

Zusammenfassung

María Gutiérrez-Cueto Blanchard (Santander, 6. März 1881-Paris, 5. April 1932) war eine spanische Malerin, die als die große Dame des Kubismus gilt.

María Blanchard wurde als Tochter von Enrique Gutiérrez-Cueto, gebürtig aus Cabezón de la Sal, und Concepción Blanchard y Santiesteban, gebürtig aus Biarritz, in eine Familie der neuen Bourgeoisie der Berge geboren. Die Familie Gutiérrez-Cueto Blanchard hatte bereits zwei Töchter, als Maria geboren wurde, Aurelia und Carmen; Jahre später wurde ihre andere Tochter Ana geboren. Der Großvater väterlicherseits, Castor Gutiérrez de la Torre, war der Gründer von La Abeja Montañesa und sein Vater von El Atlántico, einer liberalen Zeitung, die er zehn Jahre lang herausgab, während er bei der Junta de Obras del Puerto arbeitete.

Maria wurde mit einem körperlichen Problem geboren, nachdem ihre schwangere Mutter von einer Pferdekutsche gefallen war. Diese Fehlbildung, die aus einer Kyphoskoliose mit doppelter Abweichung der Wirbelsäule resultierte, sollte einen Teil ihres Lebens bestimmen. Wie ihre Cousine Josefina de la Serna erklärte, litt Maria, „die die Schönheit so sehr liebte, in beeindruckendem Maße unter ihrer Missbildung“. Ramón Gómez de la Serna seinerseits beschreibt sie als „zierlich, mit ihrem braunen Haar, das in fliegenden Flügen zerzaust ist, mit ihrem kindlichen Blick, dem flüsternden Blick eines Vogels mit trauriger Freude“.

Von ihrer Familie ermutigt, reiste sie 1903 nach Madrid, um sich im Atelier von Emilio Sala ausbilden zu lassen, dessen präzises Zeichnen und überschwängliche Farben ihre frühen Kompositionen beeinflussen sollten. Im folgenden Jahr starb ihr Vater und die ganze Familie zog nach Madrid, wo sie sich in der Calle Castelló 7 niederließ.

Im Jahr 1906 besuchte er das Atelier von Fernando Álvarez de Sotomayor und nahm an der Ausstellung der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando teil. Zwei Jahre später nahm er erneut teil und gewann die dritte Medaille für Malerei mit dem Werk Los primeros pasos („Die ersten Schritte“). In diesem Jahr wechselte er in das Atelier von Manuel Benedito. Die Diputación de Santander und der Stadtrat seiner Heimatstadt gewährten ihm Stipendien, mit denen er sein Studium in Paris fortsetzte.

Paris

1909 reiste sie nach Paris, wo sie sofort von der Freiheit geblendet wurde. Sie geht an die Akademie Vitti, um Unterricht bei Hermenegildo Anglada Camarasa und Van Dongen zu erhalten, die ihre Arbeit auf Farbe und Ausdruck ausrichten und die Beschränkungen der akademischen Malerei, mit der sie ihre Karriere begonnen hatte, hinter sich lassen. An der Akademie lernte er Angelina Beloff, eine junge russische Künstlerin, kennen und freundete sich mit ihr an. Im Sommer desselben Jahres reiste er mit ihr nach London und Belgien, wo sie sich mit Diego Rivera trafen.

Nach seiner Rückkehr von der Reise wohnte er in der Wohnung und im Atelier in der Rue Bagneux 3 zusammen mit Angelina und Diego. Im folgenden Jahr (1910) besuchte er die Akademie von Maria Vassilief, einer russischen Malerin, die ihn in den Kubismus einführte und mit der er später ein Zimmer teilen sollte. Sie nahm an der Nationalen Ausstellung der Schönen Künste mit Nymphen, die Silenus fesseln teil und gewann eine zweite Medaille, eine Auszeichnung, die Maria mit Genugtuung erfüllte, da sie die Anerkennung ihres Talents bedeutete. Am Ende ihres ersten Aufenthalts in Paris verbrachte sie einige Zeit in Granada, beschloss aber, nach Paris zurückzukehren, um ein weiteres Stipendium bei der Diputación und dem Stadtrat von Santander zu beantragen, wobei sich Enrique Menéndez Pelayo für sie einsetzte; die Diputación gewährte ihr 1500 Peseten für zwei Jahre. 1912 kehrte sie nach Paris zurück und ließ sich im Viertel Montparnasse in der Rue du Départ 26 nieder. Sie teilte sich ein Haus und ein Atelier mit Diego Rivera und Angelina Beloff. Während dieses zweiten Aufenthalts in Paris kam Maria in Kontakt mit dem Kreis der kubistischen Avantgarde, insbesondere mit Juan Gris und Jacques Lipchitz.

Vom 5. bis 15. März 1915 organisierte Ramón Gómez de la Serna im Salón de Arte Moderno in der Calle del Carmen in Madrid die Ausstellung Pintores íntegros, in der auch Diego Rivera, Agustín Choco und Luis Bagaría ausstellten; die Ausstellung wurde von Publikum und Kritikern mit allerlei Spott und Protesten bedacht. Anschließend arbeitete die Malerin eine Zeit lang als Zeichenlehrerin in Salamanca, eine Erfahrung, die bei ihren Schülern Ablehnung und Demütigung hervorrief und María Blanchard dazu veranlasste, sich dauerhaft in Paris niederzulassen (sie kehrte nie nach Spanien zurück).

Ramón Gómez de la Serna war Zeuge ihrer Rückkehr: „María lebte in verlassenen Ateliers, in die die vom Krieg Verstreuten nicht zurückgekehrt waren, und sie begann, kubistische Schalen, Pfannen, Kaffeemühlen, Gewürzregale, Gläser zu malen, die Anatomie der Dinge, vermischt mit der Anatomie der Wesen…. Ich besuchte sie in einem der Häuser der „Anderen“, in denen die Kleider vor den Schränken hingen, in der Untätigkeit, nicht zu wissen, was passieren würde“. In den folgenden Jahren stellte Maria für wichtige Galeristen aus, zusammen mit Jean Metzinger und Lipchitz.

Blanchard war ein aktives Mitglied des Kubismus, entschied sich aber in der Zwischenkriegszeit für eine Rückkehr zur figurativen Kunst, die seiner Persönlichkeit näher stand. Sein Kubismus half ihm, seine Farbgebung zu verändern und bereicherte sein späteres Werk, was es ihm erleichterte, seinen Figuren in den folgenden Perioden eine expressive Strenge zu verleihen.

María Blanchard erreichte nie die für den analytischen Kubismus charakteristische totale Formzerlegung, aber sie nahm den kubistischen Einfluss auf und assimilierte ihn in Form von satten Farben in ihr Werk. Mehrere seiner Gemälde aus dieser Zeit sind berühmt, wie „Frau mit Fächer“ (1916, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), „Stillleben“ (1917, Fundación Telefónica) und „Frau mit Gitarre“ (1917, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), die Beispiele für sein intensives Studium der Anatomie der Dinge sind, wie Ramón Gómez de la Serna hervorhob, und für das Gewicht der Farbe in seiner Malerei. Nach dieser Periode kehrte er zu figurativen Techniken zurück, ohne den Beitrag der Avantgarde aufzugeben.

Die Auswirkungen des Ersten Weltkriegs führten zu einer gewissen Rückkehr zur Ordnung, die in Italien durch die Gruppe Valori Plastici, in Deutschland durch die Neue Sachlichkeit und in den anderen europäischen Ländern durch individuelle Beiträge begann. Die Gruppe von Künstlern, die sich in Frankreich herausbildete, wurde als „Evaders of Cubism“ (in Tabarant) oder „Defectors of Cubism“ (in Vauxcelles) bezeichnet.

Maria Blanchard folgt wie die anderen kubistischen Maler dieser Tendenz und stellt drei Werke im Pariser Salon des Indépendants aus: Nature morte, Nature morte und L’Enfant au berceau, Werke, die sich bereits im Besitz von Léonce Rosenberg, dem Händler der Künstlerin, befanden, aber erst 1920 brechen die Beziehungen ab.

Sie nimmt an der von der Zeitschrift Seléction organisierten Gruppenausstellung Kubismus und Neokubismus in Brüssel teil, wo sie mit der Händlergruppe Ceux de Demain, bestehend aus Jean Delgouffre, Frank Flausch und Jean Grimar, in Kontakt kommt, die sich Jahre später um ihr Werk kümmern und den Freundeskreis bilden, in dessen familiärem Umfeld sie sich geborgen fühlt.

1921 stellte er drei Gemälde und zwei Zeichnungen auf dem Salon des Indépendants in Paris aus. Eines davon mit dem Titel Figur oder Intérieur ist zweifellos als La Comulgante („Die Kommunikantin“) bekannt, ein Werk, von dem man annimmt, dass es 1914 während ihres Aufenthalts in Madrid begonnen wurde, aber es könnte auch eine Replik gewesen sein, die übliche Arbeitsweise der Künstlerin. Dieses Gemälde, das in den Briefen und Schriften von Juan Gris und André Lhote so genannt wird, war ein großer Erfolg bei der Kritik. Lhote, ein direkter Zeuge der Ereignisse, schrieb: „Die Ausstellung von La Comuniante ist ein fast skandalöses Ereignis, um Maurice Raynal zu zitieren. Es gibt keinen Kunstkritiker, der diese Enthüllung nicht enthusiastisch feiert…“.

Diego Rivera zog für immer nach Mexiko, was Angelina Beloff in eine tiefe Depression stürzte, die sie von Maria entfernte. Sie zog in ein kleines Haus in der Rue Boulard 29, in der Nähe der Häuser von André Lhote und der Familie Rivière. Gerardo Diego trifft sie während seines Aufenthalts in Paris: „Ich bewunderte ihre Hellsichtigkeit und ihren tiefen Sinn für Kunst und Leben…“. Im Salon des Indépendants in Paris erscheint sie 1922 erneut mit zwei Werken, La femme au chaudron und La femme au panier, die ebenfalls von der Kritik sehr gelobt werden.

Vom 14. bis 25. April 1923 stellt er in der Brüsseler Galerie Centaure, organisiert von Ceux de Demain, einundzwanzig Werke aus; der Katalog wird von seinem Freund, dem Maler André Lhote, vorgestellt; die Kritiken könnten nicht lobenswerter sein, was ihm einen wichtigen Markt in Belgien eröffnet. Er unterzeichnete einen festen Vertrag mit seinem Händler Lheon Rosemberg, der ihm eine gewisse finanzielle Sicherheit gab. Er stellt zum letzten Mal auf dem Salon des Indépendants in Paris aus und zeigt vier Gemälde: Portrait, Portrait, Femme assise und Le buveur.

Sie hatte sich seit mehreren Jahren von Juan Gris entfremdet, und sein Tod verursachte ihr großen Kummer, der sich zu allgemeiner Niedergeschlagenheit und schweren Depressionen entwickelte. Sie suchte Trost in der Religion und verließ sich auf den Rat von Pater Alterman, den sie durch gemeinsame Freunde kannte. Es war eine Zeit der Mystik, der religiösen Hingabe, die sie dazu brachte, den Eintritt in ein Kloster zu erwägen, wovon ihr Pater Alterman selbst abriet. Trotz ihrer persönlichen Glaubenskrisen malte Maria unermüdlich weiter.

Ihr Cousin, der Bildhauer Germán Cueto, ließ sich mit seiner Frau, der Wandteppichmacherin Dolores Velázquez, und ihren beiden kleinen Töchtern in Paris nieder. Diese Familie war eine Erleichterung für ihre Einsamkeit, und María widmete ihre ganze mütterliche Liebe den kleinen Mädchen Ana und Mireya, die sie in mehreren Werken porträtierte. Eine andere Cousine, Julia, genannt La Peruana, lebte zu dieser Zeit in Paris. Auf diese Weise gelang es ihr, eine gewisse familiäre Atmosphäre zu schaffen. Er stellt erneut in der Galerie Centaur in Brüssel aus, wo der Kritiker Waldemar Georges eine großartige Studie über sein Werk anfertigt.

Maria arbeitete unermüdlich, obwohl sie bereits krank war und sich in einem Zustand der körperlichen Verwahrlosung befand, wie Isabel Rivière beschreibt: „Jahrelang trug sie ein hässliches Kleid aus riesigen gelben und grünen Quadraten, das wir nicht loswerden konnten, weder durch die subtilsten Tricks noch durch die direktesten Angriffe…. Wenn wir versuchten, ihr ohne die geringste Andeutung zu vermitteln, dass ihr Schwarz wirklich am besten steht, antwortete sie mit einem flehenden, lächelnden, verschmitzten Lächeln wie ein kleines Mädchen, das sich ein Bonbon nehmen möchte: ‚Ich verkleide mich so gerne'“.

Ihre Schwester Carmen zog 1929 mit ihrem Ehemann Juan de Dios Egea, einem Diplomaten, und ihren drei kleinen Kindern nach Paris, was für Maria eine schwere Belastung darstellte. Außerdem verbrachten ihre Schwestern Ana und Aurelia lange Zeit mit ihr. Diese Überlastung der Familie, die die Künstlerin zwar mit Liebe umgab, war auch eine große finanzielle Belastung, die ihren Geist und ihre Gesundheit belastete.

Maria durchlebte Momente der Angst. Finanziell belastet, spürte sie die Last ihrer Krankheit und die Überlastung der Familie; ihre Schwestern, die nichts von dem Drama wussten, das sie erlebte, dachten sogar daran, ihre Mutter zu ihr zu schicken, wogegen sich die Künstlerin auflehnte: „…ich habe vier Mäuler zu stopfen, ich bin krank, das sind fünf, willst du noch mehr? María verpfändete das Familiensilber, das sie aufbewahrt hatte, um mit der neuen Familiensituation zurechtzukommen. Trotz ihres Gesundheitszustandes reiste sie nach Brüssel und später nach London. Er stellte in der Galerie Vavin in Paris aus. Er malte den Heiligen Tarcisius mit einer tiefen und authentischen religiösen Bedeutung. Am 26. Mai 1930 besuchte Paul Claudel sein Atelier und war beeindruckt von diesem Bild, dem er 1931 ein Gedicht widmete.

Sie wurde ausgewählt, um an der französischen Kunstausstellung teilzunehmen, die durch mehrere Städte Brasiliens tourt. Sie wurde für die Ausstellung „Maler aus den Bergen“ im Ateneo de Santander ausgewählt, die im August ihre Tore öffnete.

Maria fühlte sich körperlich und geistig erschöpft. Gómez de la Serna erzählt diesen Moment: „Maria, stark in ihrer geschrumpften Statur, hat ihre Natur untergraben, die an einer schwindenden Krankheit erkrankt, die niemand aufhalten kann“. „Wenn ich lebe, werde ich viele Blumen malen“, waren ihre letzten Worte des künstlerischen Wunsches, aber am 5. April 1932, als die blauen Züge aus dem Süden voller Blumen ankamen, starb die größte und rätselhafteste Malerin Spaniens“.

Ihr Begräbnis hätte nicht einfacher sein können als ihr Leben, und sie wurde auf dem Friedhof von Bagneux beigesetzt, auf ihrem letzten Weg begleitet von François Pompey, André Lhote, César Abín, Angelina Beloff, Isabel Rivière und einem Teil ihrer Familie sowie einer großen Anzahl von Mittellosen und Obdachlosen, denen die Künstlerin seit vielen Jahren geholfen hatte.

Im Nachruf, der in L’Intransigeant veröffentlicht wurde, heißt es: „Der spanische Künstler ist gestern Abend nach schwerer Krankheit gestorben. Der Platz, den sie in der zeitgenössischen Kunst einnahm, war überragend. Ihre kraftvolle, von Mystik und leidenschaftlicher Liebe zu ihrem Beruf geprägte Kunst wird eine der bedeutendsten und authentischsten Künstlerinnen unserer Zeit bleiben. Ihr Leben als Einsiedlerin und Kranke hatte auch zur Entwicklung und einzigartigen Schärfung einer der schönsten Intelligenzen dieser Zeit beigetragen“. Als Federico García Lorca von ihrem Tod erfuhr, widmete er ihr noch im selben Jahr einen Vortrag im Madrider Athenaeum mit dem Titel Elegie an María Blanchard.

Im Juli 2018 hat der Verein „Herstoricas. Historia, Mujeres y Género“ und das Kollektiv „Autoras de Cómic“ haben ein Kultur- und Bildungsprojekt ins Leben gerufen, um den historischen Beitrag von Frauen in der Gesellschaft sichtbar zu machen und über ihre Abwesenheit zu reflektieren, das aus einem Kartenspiel besteht. Eine dieser Karten ist Blanchard gewidmet.

Quellen

  1. María Blanchard
  2. María Gutiérrez Blanchard
  3. María era prima-hermana de la escritora y diputada socialista por Asturias, Matilde de la Torre (1884-1946).
  4. ^ „María Blanchard“. AWARE Women artists / Femmes artistes. Retrieved 12 March 2021.
  5. ^ Phaidon Editors (2019). Great women artists. Phaidon Press. p. 64. ISBN 978-0714878775. {{cite book}}: |last1= has generic name (help)
  6. ^ exhibit-e.com. „Maria Blanchard – Artists – Heather James“. www.heatherjames.com. Archived from the original on 25 April 2016. Retrieved 18 April 2016.
  7. ^ (EN) María Blanchard, su AWARE Women artists / Femmes artistes. URL consultato il 12 marzo 2021.
  8. ^ a b (en) Maria Blanchard (1881-1932), su artexpertswebsite.com.
  9. ^ Da non confondere con lo scultore italo-ucraino Emilio Sala (anche conosciuto come Elio Salya) e il pittore catalano Emilio Grau Sala.
  10. ^ (ES) Ángeles García, Cruce de miradas entre Juan Gris y María Blanchard, su El Pais, 3 novembre 2017. URL consultato il 27 aprile 2018.
  11. ^ (es) ELDIARIONORTE CANTABRIA María Blanchard, el triunfo sobre el olvido, su eldiario.es.
  12. 1 2 RKDartists (нидерл.)
  13. 1 2 Maria Blanchard // Store norske leksikon (бук.) — 1978. — ISSN 2464-1480
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