Cy Twombly

Zusammenfassung

Cy Twombly, geboren als Edwin Parker Twombly Jr. am 25. April 1928 in Lexington, Virginia – gestorben am 5. Juli 2011 in Rom, war ein US-amerikanischer Maler, Zeichner, Bildhauer und Fotograf.

Cy Twombly gehört zu der Generation von Robert Rauschenberg, Jasper Johns und Brice Marden, die die amerikanische Kunst nach der Generation der Abstrakten Expressionisten Jackson Pollock, Mark Rothko und Barnett Newman erneuerten.

Sein Werk kreuzt einige der wichtigsten Herausforderungen der Kunst im 20. Jahrhundert, wie das Dilemma der Abstraktion

Familiäre Herkunft

Edwin Parker Twombly Jr, genannt „Cy“, wurde 1928 in Lexington, Virginia, geboren. Sein Vater, Edwin Parker Twombly, genannt „Cy“ (1894-1974), war Baseballspieler bei den Chicago White Sox. Er übernahm den Spitznamen des berühmten Werfers Denton True Young (1867-1955), genannt „Cy Young“ (Cy für „Cyclone“).

Der Maler Cy Twombly übernimmt also nicht nur den Vor- und Nachnamen seines Vaters, sondern auch seinen Spitznamen. Cy Twombly Sr. ist Sportlehrer an der Washington and Lee University in Lexington.

Ausbildung und erste Ausstellungen in den USA

Schon in jungen Jahren interessierte sich Cy Twombly für das Zeichnen und Malen. Zwischen 1942 und 1946 besuchte er in seiner Heimatstadt den Unterricht des Malers Pierre Daura, eines spanischen Künstlers (ehemaliger Schüler von Picassos Vater), der lange Zeit in Frankreich als Flüchtling lebte und nach seiner Heirat mit einer Virginierin 1938 in die USA kam.

1946 trat Twombly in die Darlington School in Rom, Georgia, ein. Den Sommer 1947 verbrachte er mit einer Künstlerkolonie in Ogunquit und Groveland. Anschließend besuchte er von 1947 bis 1949 die Boston Museum School. Als er in seine Heimatstadt zurückkehrte, um an der Washington and Lee University (Lexington) zu studieren, wurde er ermutigt, der Art Students League of New York (1950-1951) beizutreten. Dort lernte er die Maler Knox Martin und Robert Rauschenberg kennen. Auf dessen Rat hin hielt er sich 1951 und 1952 gelegentlich am Black Mountain College in der Nähe von Asheville, North Carolina, auf, einem Ort des intellektuellen Austauschs und der Begegnung, an dem sich die New Yorker Avantgarde versammelte. Dort traf er unter anderem mit Franz Kline, Robert Motherwell, Ben Shahn, dem Dichter Charles Olson, dem Musiker John Cage und dem Tänzer und Choreografen Merce Cunningham zusammen.

Seine erste Ausstellung fand im November 1951 in der Seven Stairs Gallery in Chicago statt, die von Aaron Siskind betreut wurde, und zur gleichen Zeit wurde er von Robert Motherwell in der Kootz Gallery in New York ausgestellt. Ein 1952 erhaltenes Stipendium des Virginia Museum of Fine Arts ermöglichte es ihm, von September 1952 bis Mai 1953 mit Robert Rauschenberg durch Europa, Spanien, Italien, Frankreich und Nordafrika zu reisen. Auf dieser Reise entdeckten die beiden Maler unter anderem Rom, Venedig, Florenz, Assisi sowie Casablanca, Marrakesch und Tanger. Cy Twombly nimmt an archäologischen Ausgrabungen in römischen Thermen teil.

Als Twombly und Rauschenberg 1953 in die USA zurückkehrten, stellten sie in der Stable Gallery in Eleanord Ward aus, was zu negativen Kritiken führte. Zwischen Herbst 1953 und Frühjahr 1954 leistete Twombly seinen Wehrdienst beim Kryptographischen Dienst in Washington D.C. Nach seiner Rückkehr nach New York teilte er eine Zeit lang das Atelier, das Robert Rauschenberg in der Fulton Street gemietet hatte. Sein Leben in New York ist geprägt von neuen Freundschaften, insbesondere mit Jasper Johns und Jackson Pollock, und von neuen Ausstellungen in der Stable Gallery in den Jahren 1956 und 1957. Ab 1959 wurde er von Leo Castelli, einem berühmten New Yorker Galeristen mit italienischen Wurzeln, ausgestellt. Im letzten Teil seiner Karriere wird er mit der Gagosian Gallery verbunden sein.

Zwischen Europa und den USA – Der Reisende

1957, während eines zweiten Aufenthalts in Italien, der eigentlich nur vorübergehend sein sollte, entschied er sich für einen festen Wohnsitz in Rom. Dort lernte er im selben Jahr Tatiana Franchetti kennen, eine Malerin, die aus einer Familie von Kunstmäzenen stammte und in Kunstfragen bewandert war. Am 20. April 1959 heirateten sie in New York und bekamen ein Kind, Cyrus Alessandro, der am 18. Dezember desselben Jahres geboren wurde. Von da an lebte Cy Twombly zwischen Europa und den Vereinigten Staaten und hatte nacheinander oder manchmal auch gleichzeitig Wohnsitze und Ateliers in Rom, New York, Lexington, Sperlonga, Bolsena, Bassano in Teverina, Gaeta und besuchte regelmäßig Robert Rauschenberg auf Captiva Island (Florida).

Das Leben des Malers ist von zahlreichen Reisen geprägt, insbesondere nach Frankreich, wo er in Paris im Hotel La Louisiane wohnt, nach Deutschland, in die Schweiz, nach Ägypten (1962), in den Jemen (1983) und nach Indien (1973). Im Sommer 1991 folgt Cy Twomby der Reiseroute des englischen romantischen Dichters Lord Byron nach Griechenland.

Internationale Anerkennung

Twombly wurde 1964 zur Biennale von Venedig eingeladen. 1968 stellte das Milwaukee Art Center seine erste Retrospektive in den USA zusammen. Diese Anerkennung wurde 1979 durch eine Retrospektive im Whitney Museum of American Art noch verstärkt. In der Folgezeit stellte er auf der ganzen Welt aus: Kunsthaus Zürich 1987, Musée national d“art moderne in Paris 1988, MoMA in New York 1994, sowie in Houston Texas (wo die Menil Collection 1995 in einem von Renzo Piano in enger Zusammenarbeit mit dem Maler entworfenen Gebäude eine speziell auf sein Werk zugeschnittene Abteilung eröffnete), Los Angeles, Berlin… Das Museum Brandhorst in München zeigt ebenfalls eine große Anzahl seiner Werke (eine ganze Etage ist dem Maler gewidmet, mit dem Lepanto-Zyklus von 2001 als Höhepunkt).

Im Jahr 1996 erhielt er den Praemium Imperiale Preis in der Kategorie Malerei und 2001 den Goldenen Löwen auf der Biennale für zeitgenössische Kunst in Venedig.

Cy Twombly stirbt am 5. Juli 2011 in Rom.

Kurze Chronologie des gemalten Werks

Cy Twomblys Werk lässt sich grob in sieben aufeinanderfolgende Perioden unterteilen.

Der Catalogue raisonné datiert den Beginn auf 1948, obwohl es eine Fotografie gibt, die den 16-Jährigen beim Malen auf dem Motiv in einer Naturlandschaft in Ogunquit, Maine, zeigt (Fotografie mit dem Titel Cy Twombly with painting box + Umbrella of Charles Woodburry . Diese frühen gemalten Werke wurden kaum veröffentlicht und sind kaum bekannt.

Zwischen 1951 und 1953 verwendete der Künstler in seinen Gemälden eine dicke, raue Materie, um große, primitive, oft phallische Formen zu malen. Diese Phase, die von einer auf Schwarz und Weiß beschränkten Farbgebung dominiert wird, wird vor allem durch die Reise nach Rom und in den Maghreb mit Robert Rauschenberg beeinflusst.

1955 entstand eine Reihe von Bildern, die mit Ausnahme von Panorama alle verloren gingen. Die vom Künstler selbst vernichtete Gruppe ist insbesondere durch eine Fotografie bekannt, die Robert Rauschenberg in ihrem gemeinsamen Atelier in der Fulton Street in New York aufgenommen hatte. Auf diesen Leinwänden verläuft eine leichte weiße, stoßartige und abstrakte Linie über einen einheitlich schwarzen Hintergrund. Diese Serie wird oft mit Cy Twomblys Bemühungen während seines Militärdienstes (1953) in Verbindung gebracht, die klassische Zeichentechnik zu verlernen, indem er in der Dunkelheit übte.

Die Jahre 1955-1959, die durch den Umzug nach Rom im Jahr 1957 geprägt sind, zeigen eine gewisse Einheitlichkeit in der Weiße der Hintergründe, auf denen feine Zeichen unterschiedlicher Art verteilt sind. In dieser Zeit entstanden wichtige Serien und Werke wie die 1955 in New York gemalte Gruppe Academy, Criticism, Free Wheeler usw., die unter Mitwirkung von Jasper Johns und Robert Rauschenberg zufällig betitelt und manchmal als Antwort auf die heftige Kritik interpretiert wurde, die Twombly nach seinen ersten Ausstellungen erfuhr (auf Academy ist mehrfach „Fuck“ zu lesen). Diese Serie wird 1958 mit Arcadia fortgesetzt, das formal sehr ähnlich ist, aber ein ganz anderes Thema aufgreift, eine Anspielung auf Arkadien, das vor allem von Nicolas Poussin gemalt wurde. 1959 gab es zahlreiche Variationen dieser weißen, von diskreten Zeichen durchzogenen Flächen mit : Die Serie Untitled, auch Lexington Paintings genannt, in der die Zeichen in winzige Einheiten zerfallen, die 24 Zeichnungen der Gruppe Poems to the sea, die eine Hommage an Stéphane Mallarmé (den Twombly 1957 entdeckt hatte) darstellt und die Fruchtbarkeit der schwangeren Frau des Künstlers beschwört, und schließlich, als Abschluss des Jahres, da es in der Silvesternacht 1959-1960 gemalt wurde, The Age of Alexander, das die neue Vaterschaft des Künstlers einleitet (sein Sohn wurde am 18. Dezember 1959 geboren).

Die folgenden fünf Jahre, von 1960 bis 1964, waren von einer irrationalen Energie beherrscht, die sich sowohl in der Machart (exzessive Farben, anarchische Kompositionen, oftmals direkt mit den Händen aufgetragene Farbe) als auch in den Themen (Sexualität, Skatologie, Gewalt bestimmter Mythen usw.) ausdrückte. Die Serie Ferragosto, benannt nach dem italienischen Namen des Festes Mariä Himmelfahrt, das Twombly 1961 in einer sehr großen Hitzewelle erlebte, ist der Höhepunkt dieses barockisierenden Ausbruchs. Diese Formen und Themen fallen mit Twomblys neuem italienischen Leben zusammen, aber auch mit der frühen Kindheit seines Sohnes. Sie lebt von der Auseinandersetzung mit der großen Kunstgeschichte: School of Fontainebleau (1960, in Anlehnung an die Schule von Fontainebleau), Empire of Flora (1961, in Verbindung mit Nicolas Poussin), Dutch Interior (1961), die beiden Versionen von School of Athens (1961 und 1964, in Anlehnung an Raffaels Fresko der vatikanischen Logen), Achilles Mourning the Death of Patroclus (1962), usw. Der Wendepunkt dieser Periode war die Ausstellung des Zyklus Nine Discourses on Commodus (1963 gemalt und das tragische Leben und Ende des römischen Kaisers Commodus schildernd) in der Galerie von Leo Castelli im Jahr 1964, der insbesondere von dem führenden Vertreter der Minimal Art Donald Judd heftig kritisiert wurde.

Diese erneute Konfrontation mit der amerikanischen Kritik hielt Twomblys Produktion mehrere Monate lang zurück, bevor er die sogenannten Blackboard paintings (1966-1970) begann, die nach ihrer Ähnlichkeit mit der Schultafel benannt sind. Diese zahlreichen Werke, die mit industrieller Farbe (Hintergrund) und Wachsmalstiften (Formen) ausgeführt wurden, erinnern deutlich an Panorama und seine zerstörten Gegenstücke aus dem Jahr 1955. Allerdings sind die Motive oft strenger und karger, was eine Verbindung zur damals in den USA populären Minimal Art förderte. Bezüge zur Kunst und sogar zur Musik blieben bestehen: Der Titel Night Watch erinnert an Rembrandt und Treatise on the Veil (1970) verdankt sich sowohl den Draperie-Zeichnungen von Leonardo da Vinci als auch der konkreten Komposition des Musikers Pierre Henry. Diese karge und strenge Periode setzte sich in Serien mit unterschiedlichen Formen, aber ähnlichem Geist fort: Bolsena (1969, benannt nach der italienischen Stadt, in der die Bilder entstanden) und die berühmten Nini“s paintings (1970), benannt nach Nini Pirandello, der Frau eines Galeristen und Freundin Twomblys, die sich vor kurzem das Leben genommen hatte. In der ersten Serie werden geometrische Figuren mit Anmerkungen verwendet, während die zweite Serie aus all-over Verflechtungen besteht, die das Unaussprechliche im Angesicht des Todes suggerieren.

Die folgenden vierzig Jahre, von 1971 bis 2011, können trotz der ständigen Erneuerung, die Cy Twombly vornimmt, zusammengefasst werden. Jetzt dominiert die Farbe, das Malmaterial fließt oft, die Schrift (Gedichte) ist besonders präsent und die großen Zyklen werden regelmäßiger (Fifty days at Iliam, Green paintings, Four Seasons, Coronation of Sesostris, Lepanto, Bacchus, Peony, Roses usw.). Die besonders lange Ausführung des größten vom Künstler gemalten Bildes durchläuft einen Teil dieser Periode: 1972 begonnen, wurde Untitled (Say goodbye, Catullus, to the shores of Asia minor) 1994 fertiggestellt, um in der Gagosian Gallery in New York parallel zur großen Retrospektive des MoMA ausgestellt zu werden. Der Maler wechselt zwischen elegischen Themen (besonders zum Thema Liebe und Exil) und epischen Themen (Kriege der antiken und modernen Zeit). Diese Dualität kommt am besten in zwei großen grafischen Werken zum Ausdruck, die als Pendants fungieren: Apollo and the Artist (Apollo und der Künstler) und Mars and the Artist (Mars und der Künstler) (1975). In den letzten Jahren, die vor allem durch die Zusammenarbeit mit französischen (Yvon Lambert) und deutschen (das Ehepaar Brandhorst) Auftraggebern geprägt wurden, entstanden sehr große, farbenfrohe Formate (Bacchus, Peony, Roses).

Ein besonderes Werk, das Gestik, Mythologie und Poesie vereint

Cy Twomblys Werk entwickelt sich am Rande der vorherrschenden Strömungen der amerikanischen Kunst und ist in umfangreichen Serien und Zyklen organisiert. Es ist weder illustrativ noch rein abstrakt und hält sich aus den Debatten um die Figuration heraus, was ein scheinbares formales Paradoxon darstellt. Dieses Paradoxon verleiht ihr einen vielfältigen und zugleich einzigartigen Charakter, der sich in der Größe und Vielfalt ihrer Werke auf Papier widerspiegelt.

Als er 1961 seine erste Ausstellung in Paris präsentierte, schrieb Pierre Restany, ein Kritiker der zeitgenössischen Kunst, Folgendes:

„Seine Grafik ist Poesie, Reportage, heimliche Geste, sexueller Ausbruch, automatisches Schreiben, Selbstbehauptung und auch Ablehnung … es gibt weder Syntax noch Logik, sondern ein Zittern des Seins, ein Flüstern, das bis in die Tiefe der Dinge geht.“

Das gemalte Werk zeigt eine große Vielfalt an Techniken und Herausforderungen. Viele seiner Gemälde sind weiße Flächen, auf denen alle möglichen Spuren hinterlassen wurden: Zahlen, Kreuze, geometrische Schemata, mit dem Finger ausgeführte Schmierereien, Kritzeleien in Schraffuren oder Schleifen, blutige oder skatologische Ausflüsse und schließlich einige Worte (Namen antiker Götter oder Helden, Verse berühmter Dichter usw.). Die Ölfarbe nimmt die Farbtöne der Körperstimmungen auf (von Cremeweiß über Braun bis hin zu allen Abstufungen von Rosa und Rot) und vermischt sich mit den Bleistiften und Buntstiften aus der Kindheit. Die Schrift ist holprig, Großbuchstaben vermischen sich mit Kleinbuchstaben, und die einfachsten Wörter werden durchgestrichen. Nach der Fertigstellung des Werks bleibt der Großteil der Leinwandfläche leer. Hier treffen also eine Form von kindlichem Primitivismus, die Tiefen der Psychoanalyse und die klassische Kultur aufeinander (die durch die Art ihres Eindringens auf die Leinwand und die Wahl der Titel immer der absolute Horizont des Universums des Malers zu sein scheint).

„Twombly hat einen Korpus von Inschriften zusammengestellt, der eine ganze literarische, antike und inaktuelle Kultur regeneriert. Seine Kunst ist ein Kampf gegen die Auslöschung des wahren Wissens, des Wissens um die Entstehung der Götter und der Welt und ihres mythischen Substrats. So hat Twombly uns Tische hinterlassen. Einen Tisch der Materie, der Materia prima“.

In den letzten Jahren und trotz seines fortgeschrittenen Alters hat sich der Künstler erheblich erneuert. Aus dem grob gemalten Motiv fließen farbige Farbschlieren, die sich bis zum unteren Rand der Leinwand ziehen. Jedes Motiv bringt seine eigenen Farben mit, so dass der untere Rand mancher Bilder aus einer Aneinanderreihung von Rinnsalen besteht, deren Farbtöne sich zufällig abwechseln. Das energische Kritzeln ist also einer breiteren Geste mit einer flüssigen Farbe gewichen, auf die die Schwerkraft einwirkt. Außerdem ist die Palette reicher und die Farben (insbesondere Gelb- oder Rottöne) erreichen eine Intensität, die in der Geschichte der Malerei selten ist. Twombly beweist hier seine Qualitäten als Kolorist. Ein neues Thema begleitete diesen Einstieg in die Farbe: Blumen. Auf meterlangen Leinwänden oder Brettern malte Twombly maßstabsgetreue Rosen oder Pfingstrosen in großen, sich windenden Bewegungen. Die Motive werden von Versen von Rainer Maria Rilke, Emily Dickinson, Patricia Waters, T.S. Eliott oder Ingeborg Bachmann begleitet. Eine Konstante ist die Ablehnung der Kontrolle. Die Schrift ist durchgestrichen, durchgestrichen und manchmal nur notdürftig entfernt; die Motive täuschen Ungeschicklichkeit vor; die Schwerkraft in Verbindung mit der Beschaffenheit des Untergrunds und der Viskosität der Farbe bricht die Formen auf und erzeugt zufällige Schlieren. Die Zyklen Lepanto, Blossoms und Roses sind die besten Beispiele für diese jüngsten Neuerungen.

2001 wurde Cy Twombly von Harald Szeemann, dem Direktor der Biennale von Venedig, gebeten, eine Ausstellung zum Thema „Die Stiftung des Menschseins“ vorzuschlagen. Für dieses besondere Ereignis schuf er einen großen Erzählzyklus, der der Schlacht von Lepanto gewidmet ist, einer berühmten Seeschlacht, die am 7. Oktober 1571 in Griechenland im Golf von Lepanto stattfand. Diese Ausstellung trägt den Titel „Lepanto“ (auf Englisch). Twombly begann sich für das Thema zu interessieren, weil die Schlacht auf Wandteppichen dargestellt wurde, die aus einer Folge von Gemälden von Luca Cambiaso für König Philipp II. von Spanien angefertigt worden waren. Der Künstler arrangierte „Lepanto“ auf eine symphonische und zugleich filmische Weise mit vier Bildern von Flammen, fallenden Blättern und mit einer sehr abstrakten Erzählung der Schlacht. Die Suite „Lepanto“ wurde anschließend im Museum Brandhorst in München dauerhaft installiert.

Werke auf Papier

Bei Cy Twombly gibt es keine Hierarchie zwischen Malerei und Zeichnung. Viele seiner Arbeiten auf Papier gelten als Höhepunkte seines Schaffens, wie Poems to the Sea (1959) oder die Pendants Apollo and the artist und Mars and the artist aus dem Jahr 1975.

Gegen Ende der 1950er Jahre tauchten auf dem Blatt Papier Graffiti und Kratzer auf, die neben Buchstaben, Wörtern und Zahlen standen. Manchmal stehen echte Zitate neben den verstreuten, oft durchgestrichenen oder sogar ausradierten Graffiti.

Die Zeichnungen der 1960er Jahre beinhalten eine Zersplitterung der Materie, die sich in der intensiven Verwendung von Farbstiften sowie Pastellkreiden und einer mit Graffiti und Zahlen gesättigten Oberfläche manifestiert.

In den 1970er Jahren konzentrierte er sich auf die Collage, in der er in Serien ein und dasselbe Motiv verarbeitete. Später entstanden sehr großformatige Arbeiten, die sich mit der griechisch-lateinischen Mythologie befassen, die seit den späten 1950er Jahren in sein Werk eingeflossen war.

Die Verwendung von Malerei, Bleistift und Pastellkreide wurde Anfang der 1990er Jahre intensiviert und erreichte ihren Höhepunkt in einer Reihe von Zeichnungen aus dem Jahr 2001. Diese Werke, mit denen der Künstler die traditionelle Trennung zwischen Malerei und Zeichnung durchbricht, stellen einen bisher unbekannten Höhepunkt seiner Kunst dar.

Skulptur

Cy Twombly schuf auch Skulpturen, Assemblagen aus bescheidenen Gegenständen, die er mit weißer Farbe überzog. Ein Foto aus dem Jahr 1946 belegt die Frühzeitigkeit dieser Forschungen. Seine Ästhetik legte er 1948 mit einem Werk ohne Titel fest, das unter anderem aus Porzellantürknöpfen bestand (im Art Institute of Chicago). Nach 1952, als er monatelang in Robert Rauschenbergs Atelier in der Fulton Street in New York verbrachte, setzte er diese Linie fort und erweiterte sie im Laufe seiner Karriere. Blumen, Boote, Denkmäler und Mythologien bilden gemeinsame Themen mit dem gemalten Werk. Die Vereinheitlichung der durch weiße Farbe zusammengefügten Formen erinnert an die Bedeutung von Weiß in Twomblys gesamtem Werk (Weiß des Papiers, der Leinwand usw.), wird aber vom Künstler selbst im Falle der Skulpturen mit antikem Marmor in Verbindung gebracht.

Fotografie

Twombly ist auch als Fotograf tätig, eine Tätigkeit, bei der man die Bescheidenheit und die poetische Sanftheit wiederfindet, die sein gesamtes Werk durchzieht.

1980er Jahre

1990er Jahre

Jahre 2000

Jahre 2010

Twomblys Trois études pour le Téméraire (1998-1999) wurde 2004 von der Art Gallery of New South Wales für 4,5 Millionen australische Dollar gekauft.

2015 wurde ein 1968 von Cy Twombly produziertes Gemälde, das auf 60 Millionen Dollar geschätzt wurde und sechs Linien von etwas zeigt, das wie weiße kreisförmige Kritzeleien auf einer grauen Tafel aussieht, bei einer Auktion in New York für 70,5 Millionen Dollar versteigert.

2017 wurde bei einer Auktion des Hauses Christie“s das große Gemälde Leda and the Swan (Leda und der Schwan), das Twombly 1962 gemalt hatte, für 52,8 Millionen Dollar (47 Millionen Euro) versteigert.

Der „Kuss“-Fall

2007 wurde Cy Twombly eine Ausstellung mit dem Titel Blooming, a scattering of Blossoms and other Things im Hôtel de Caumont, das die Collection Lambert in Avignon beherbergt, gewidmet.

Während der Ausstellung brachte die kambodschanische Künstlerin Rindy Sam einen Abdruck ihrer mit Lippenstift bestrichenen Lippen auf einer weißen Leinwand des Triptychons über Platons Phaedrus an, wodurch das auf 2 Millionen Euro geschätzte Werk stark beschädigt wurde. Die junge Person erschien am 9. Oktober 2007 vor dem Gericht in Avignon. Das Urteil wird im November verkündet. Es wird eine Geldstrafe von 4.500 € gefordert.

Urteil vom 16. November: Rindy Sam wird zu 1.500 € Schadensersatz verurteilt (500 € für die Stiftung) und Cy Twombly wird gemäß der Forderung des Künstlers ein Euro Schadensersatz zugesprochen. Darüber hinaus wird ihm eine Strafe von 100 Stunden gemeinnütziger Arbeit auferlegt. Die Entscheidung über die Kosten für die Restaurierung des Kunstwerks wurde vom Gericht auf den 28. Februar 2008 vertagt. Seine Anwälte Patrick Gontard und Jean-Michel Ambrosino schlagen vor, das Bild durch ein neues, identisches Gemälde zu ersetzen.

Am 2. Juni 2009 verurteilte das Berufungsgericht in Nîmes sie dazu, der Lambert-Sammlung 18.840 Euro für die Kosten der Restaurierung des Gemäldes zu zahlen. Das Urteil stimmt mit dem Urteil der ersten Instanz des Strafgerichts von Avignon vom August 2008 überein. Darüber hinaus muss sie 500 Euro an den Maler, Yvon Lambert, den Eigentümer des Gemäldes, und die Sammlung, die es beherbergt, für die Kosten ihrer Verteidigung zahlen.

Die Decke des Louvre

Der Louvre in Paris erteilte Twombly einen dauerhaften Auftrag für eine Decke, die seit 2010 einen seiner großen Säle schmückt (Saal der griechischen Bronzen). Dies ist der zweite Auftrag des französischen Staates, nachdem er 1989 einen Bühnenvorhang für die Opéra Bastille in Auftrag gegeben hatte. Am 23. März 2010 nahm Cy Twombly an der Einweihung seiner 400 m2 großen Decke mit dem Titel The Cieling für den Bronzesaal im ersten Stock des Sully-Flügels im Museum teil. Diese „Giotto-blaue“ Decke enthält am Rand des Rechtecks, das sie bildet, etwa 40 Kreise in anderen Farben, die antike Schilde darstellen, und sieben Kartuschen mit den Namen von sieben berühmten Bildhauern der griechischen Antike: Cephisodotus, Lysippos, Myron, Phidias, Polyklet, Praxiteles und Skopas.

Bei dieser Gelegenheit wurde Cy Twombly vom französischen Kulturminister Frédéric Mitterrand in den Rang eines Ritters der Ehrenlegion erhoben.

Im Februar 2021 prangerte die Cy Twombly Foundation „einen abscheulichen Affront“ des Louvre nach der Neugestaltung des Saals an, „eine komplette Veränderung der Qualität des Tageslichts, das von den roten Wänden absorbiert wird, anstatt von der weißen Wand reflektiert zu werden und so die für die Decke gewählten Farben zu beleuchten. Das Ergebnis ist, dass die Decke die zarte, luftige Atmosphäre verloren hat, die dem Entwurf des Künstlers eigen war, und nun von diesem neuen und künstlichen Farbschema beschwert wird.“ In ihren Augen handelt es sich daher um „einen ernsthaften Schaden für Twomblys Werk, der die moralischen Rechte des Künstlers verletzt“, und die Stiftung bittet das Kulturministerium um Intervention.

Charles Olson

Der Dichter Charles Olson unterstützt Cy Twombly, als dieser 1951 und 1952 am Black Mountain College wohnt. Er schrieb 1951 ein Prosagedicht mit dem Titel Cy Twombly, in dem es heißt:

“ Es kam ein Mann, der sich mit dem Weißen beschäftigte. Und mit dem Raum. Er war ein Amerikaner. Und vielleicht lag sein Genie eher in der Unschuld als in der heute notwendigen Offenheit. Auf jeden Fall wurde er nicht verstanden. „

Roland Barthes

Roland Barthes, dessen Analyse der Arbeit von Cy Twombly eine der scharfsinnigsten ist, schreibt in einem wichtigen Text, der „Yvon, Renaud und William“ gewidmet ist:

“ Wie soll man das, was er tut, benennen? Spontan tauchen Wörter auf („Zeichnung“, „Grafik“, „Kritzeln“, „links“, „kindlich“). Und sofort tritt eine Sprachverlegenheit auf: Diese Wörter sind gleichzeitig (was sehr seltsam ist) weder falsch noch befriedigend : denn einerseits stimmt das Werk von TW gut mit seinem Aussehen überein, und man muss es wagen zu sagen, dass es flach ist; aber andererseits – und das ist das Rätsel – stimmt dieses Aussehen nicht gut mit der Sprache überein, die so viel Einfachheit und Unschuld in uns, die wir es betrachten, hervorrufen sollte … Das Material wird sein Wesen zeigen, uns die Gewissheit seines Namens zeigen: Es ist Bleistift. „

“ Eine Erinnerung wird gesagt, ein Genuss wird gefeiert. Der Name, das anspielungsreiche Bild, die Widmung, das Datum. Das Ganze ohne Ränder, in Bewegung, wie in den ebenen Genuss geworfen. Wenn man will, kann man darin einen Gott erkennen. Aber nicht irgendeinen. Nicht zu jeder Zeit und nicht unter jeder Maske. „Da erkannte er den Gott.“ Klassische homerische Situation, Theophanie hinter der manchmal trivialsten Epiphanie. Twomblys Einladung ist ausdrücklich von dieser Art. Sein ruhiger und entschlossener Held – er selbst – nimmt diese Offenbarungen auf“.

– Philippe Sollers, „Les épiphanies de Twombly“, in: Éloge de l“infini (Lob des Unendlichen)

„In Twomblys Werk gibt es nur wenige Bereiche oder Inspirationen, die ich weniger mag, und nur wenige, die ich überhaupt nicht mag. Aber es gibt ein Feld, das ich mehr als alles andere liebe, das ist wahr, es ist das große lyrische Feld, das Feld der Huldigungen, oft in Polyptychen, an Goethe, Sapho, Vergil, Theokrit oder Valery. Die plastische Poesie hört nie auf, dort ein Zittern zu sein, denn so literarisch sie von der Inspiration her auch sein mag und mit der feinsten und liebevollsten Kultur beladen ist, so ist sie doch Atem, Luft, Reise, Landschaft und raschelndes Laub, Bergduft in Sichtweite des Meeres.“

– in Renaud Camus, Aguets – Tagebuch 1988

„Cy Twomblys Grafik ist emotional und implizit erotisch. Die Graphik

– in Poetisches Schreiben und plastische Sprache (Au même titre éditions)

„Das Werk von Cy Twombly reißt das Urteil mit sich, seine Präsenz drängt sich wie eine Selbstverständlichkeit auf und reißt die Zustimmung mit sich. Es ist bereits der Blick desjenigen, der es entdeckt, es verlangt ihn, es geht über die Überzeugung hinaus. Sie sind in dieser unmittelbaren Beziehung, oder es wird verpasst, es wird nicht für Sie sein, nicht dieses Mal. Sie sind in seiner Geste kompromittiert, Sie sind Teil seiner Collage. Sie versteht denjenigen, der sich ihr nähert, er ist Teil ihrer Inszenierung, er ist in ihr, er ist Teil ihres Kommentars.“

– in Marcelin Pleynet „Dessein des lettres des chiffres et des mots. La peinture par l“oreille“ (1974)

Quellen

  1. Cy Twombly
  2. Cy Twombly
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