Abstrakter Expressionismus

Zusammenfassung

Der abstrakte Expressionismus ist eine Kunstbewegung in der amerikanischen Malerei nach dem Zweiten Weltkrieg, die in den 1940er Jahren in New York City entstand. Es war die erste spezifisch amerikanische Bewegung, die internationalen Einfluss erlangte und New York in den Mittelpunkt der westlichen Kunstwelt rückte, eine Rolle, die zuvor von Paris ausgefüllt wurde.

Obwohl der Begriff „abstrakter Expressionismus“ 1946 von dem Kunstkritiker Robert Coates erstmals auf die amerikanische Kunst angewandt wurde, wurde er in Deutschland erstmals 1919 in der Zeitschrift Der Sturm im Zusammenhang mit dem deutschen Expressionismus verwendet. In den Vereinigten Staaten war Alfred Barr der erste, der diesen Begriff 1929 im Zusammenhang mit den Werken von Wassily Kandinsky verwendete.

Ein wichtiger Vorläufer in technischer Hinsicht ist der Surrealismus mit seiner Betonung des spontanen, automatischen oder unbewussten Schaffens. Die von Jackson Pollock auf eine auf dem Boden liegende Leinwand getropfte Farbe ist eine Technik, die ihre Wurzeln in den Werken von André Masson, Max Ernst und David Alfaro Siqueiros hat. Die neuere Forschung tendiert dazu, den Exil-Surrealisten Wolfgang Paalen in die Position des Künstlers und Theoretikers zu rücken, der mit seinen Gemälden und seiner Zeitschrift DYN die Theorie des vom Betrachter abhängigen Möglichkeitsraums förderte. Paalen setzte sich mit Ideen der Quantenmechanik ebenso auseinander wie mit eigenwilligen Interpretationen der totemistischen Vision und der räumlichen Struktur der indianischen Malerei aus British Columbia und bereitete den Boden für die neue räumliche Vision der jungen amerikanischen Abstrakten. Sein langer Essay Totem Art (1943) hatte erheblichen Einfluss auf Künstler wie Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko und Barnett Newman. Um 1944 versuchte Barnett Newman, Amerikas neueste Kunstbewegung zu erklären und fügte eine Liste der „Männer der neuen Bewegung“ bei. Paalen wird zweimal erwähnt; weitere Künstler sind Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorki und andere. Robert Motherwell wird mit einem Fragezeichen erwähnt. Eine weitere wichtige frühe Manifestation des späteren abstrakten Expressionismus ist das Werk des amerikanischen Nordwestkünstlers Mark Tobey, insbesondere seine „white writing“-Leinwände, die zwar im Allgemeinen nicht großformatig sind, aber den „all-over“-Look von Pollocks „drip paintings“ vorwegnehmen.

Der Name der Bewegung leitet sich aus der Kombination der emotionalen Intensität und Selbstverleugnung der deutschen Expressionisten mit der antifigurativen Ästhetik der europäischen abstrakten Schulen wie dem Futurismus, dem Bauhaus und dem synthetischen Kubismus ab. Darüber hinaus haftet ihr das Image an, rebellisch, anarchisch, höchst eigenwillig und, wie manche meinen, nihilistisch zu sein. In der Praxis wird der Begriff auf eine ganze Reihe von Künstlern angewandt, die (meist) in New York arbeiteten und ganz unterschiedliche Stile hatten, und sogar auf Werke, die weder besonders abstrakt noch expressionistisch sind. Der kalifornische abstrakte Expressionist Jay Meuser, der typischerweise im ungegenständlichen Stil malte, schrieb über sein Gemälde Mare Nostrum: „Es ist viel besser, den glorreichen Geist des Meeres einzufangen, als alle seine winzigen Wellen zu malen.“ Pollocks energiegeladene „Action Paintings“ mit ihrer „geschäftigen“ Ausstrahlung unterscheiden sich sowohl technisch als auch ästhetisch von den gewalttätigen und grotesken „Women“-Serien der figurativen Gemälde Willem de Koonings und den rechteckigen Farbflächen in Rothkos „Color Field“-Gemälden (die man normalerweise nicht als expressionistisch bezeichnen würde und die Rothko als abstrakt ablehnte). Dennoch werden alle vier Künstler als abstrakte Expressionisten eingestuft.

Der abstrakte Expressionismus weist viele stilistische Ähnlichkeiten mit den russischen Künstlern des frühen 20. Jahrhunderts wie Wassily Kandinsky auf. Jahrhunderts wie Wassily Kandinsky. Zwar sind viele Werke der abstrakten Expressionisten von Spontaneität oder dem Eindruck von Spontaneität geprägt, doch die meisten dieser Gemälde sind sorgfältig geplant, zumal ihr großes Format dies erfordert. Bei Künstlern wie Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz und später Rothko, Newman und Agnes Martin war die abstrakte Kunst eindeutig Ausdruck von Ideen, die das Geistige, das Unbewusste und den Verstand betreffen.

Warum sich dieser Stil in den 1950er Jahren durchsetzte, ist umstritten. In den 1930er Jahren war der amerikanische Sozialrealismus die Hauptströmung gewesen. Er war nicht nur durch die Große Depression, sondern auch durch mexikanische Wandmaler wie David Alfaro Siqueiros und Diego Rivera beeinflusst worden. Das politische Klima nach dem Zweiten Weltkrieg duldete die sozialen Proteste dieser Maler nicht lange. Der abstrakte Expressionismus entstand während des Krieges und wurde in den frühen vierziger Jahren in New Yorker Galerien wie The Art of This Century Gallery ausgestellt. Die McCarthy-Ära der Nachkriegszeit war eine Zeit der künstlerischen Zensur in den Vereinigten Staaten, aber wenn das Thema völlig abstrakt war, wurde es als unpolitisch und daher als sicher angesehen. Oder wenn die Kunst politisch war, war die Botschaft vor allem für die Insider bestimmt.

Die Bewegung wird zwar eng mit der Malerei in Verbindung gebracht, doch auch die Collagistin Anne Ryan und einige Bildhauer waren maßgeblich am abstrakten Expressionismus beteiligt. David Smith und seine Frau Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois und Louise Nevelson waren einige der Bildhauer, die als wichtige Mitglieder der Bewegung gelten. Darüber hinaus waren die Künstler David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero und die Bildhauer Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian und sogar Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell und einige andere wesentliche Bestandteile der abstrakten expressionistischen Bewegung. Viele der aufgeführten Bildhauer nahmen an der Ninth Street Show teil, einer berühmten, von Leo Castelli kuratierten Ausstellung in der East Ninth Street in New York City im Jahr 1951. Neben den Malern und Bildhauern dieser Zeit brachte die New Yorker Schule des abstrakten Expressionismus auch eine Reihe von Dichtern hervor, die sie unterstützten, darunter Frank O“Hara und Fotografen wie Aaron Siskind und Fred McDarrah (dessen Buch The Artist“s World in Pictures die New Yorker Schule in den 1950er Jahren dokumentierte) sowie Filmemacher, insbesondere Robert Frank.

Obwohl sich die Schule des abstrakten Expressionismus schnell in den gesamten Vereinigten Staaten verbreitete, waren die Epizentren dieses Stils New York City und die San Francisco Bay Area in Kalifornien.

Zu einem bestimmten Zeitpunkt begann die Leinwand für einen amerikanischen Maler nach dem anderen als Handlungsraum zu erscheinen. Was auf die Leinwand kommen sollte, war kein Bild, sondern ein Ereignis.

In den 1940er Jahren gab es nicht nur wenige Galerien (The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery und einige andere), sondern auch wenige Kritiker, die bereit waren, die Arbeit der New Yorker Avantgarde zu verfolgen, und auch einige Künstler mit literarischem Hintergrund, darunter Robert Motherwell und Barnett Newman, fungierten als Kritiker.

Während die New Yorker Avantgarde in den späten 1940er Jahren noch relativ unbekannt war, hatten die meisten Künstler, die heute zu bekannten Namen geworden sind, ihre etablierten Kritiker als Gönner: Clement Greenberg setzte sich für Jackson Pollock und die Farbfeldmaler wie Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und Hans Hofmann ein; Harold Rosenberg schien die Aktionsmaler wie Willem de Kooning und Franz Kline sowie die bahnbrechenden Bilder von Arshile Gorky zu bevorzugen; Thomas B. Hess, der leitende Redakteur von ARTnews, setzte sich für Willem de Kooning ein.

Die neuen Kritiker hoben ihre Schützlinge hervor, indem sie andere Künstler als „Mitläufer“ abtaten oder diejenigen ignorierten, die ihrem Werbeziel nicht dienlich waren.

1958 gewann Mark Tobey als erster amerikanischer Maler seit Whistler (1895) den ersten Preis auf der Biennale von Venedig.

Barnett Newman, ein spätes Mitglied der Uptown Group, schrieb Vorworte und Rezensionen für Kataloge und wurde Ende der 1940er Jahre zum ausstellenden Künstler der Betty Parsons Gallery. Seine erste Einzelausstellung fand 1948 statt. Kurz nach seiner ersten Ausstellung bemerkte Barnett Newman in einer der Künstlersitzungen im Studio 35: „Wir sind dabei, die Welt bis zu einem gewissen Grad nach unserem eigenen Bild zu gestalten.“ Mit Hilfe seiner schriftstellerischen Fähigkeiten kämpfte Newman auf Schritt und Tritt darum, sein neu gewonnenes Image als Künstler zu festigen und sein Werk zu fördern. Ein Beispiel dafür ist sein Brief vom 9. April 1955: „Brief an Sidney Janis: – es ist wahr, dass Rothko den Kämpfer spricht. Er kämpft jedoch, um sich der philiströsen Welt zu unterwerfen. Mein Kampf gegen die bürgerliche Gesellschaft bestand in der totalen Ablehnung derselben.“

Seltsamerweise war die Person, von der man annimmt, dass sie am meisten mit der Förderung dieses Stils zu tun hatte, ein New Yorker Trotzkist: Clement Greenberg. Als langjähriger Kunstkritiker für die Partisan Review und The Nation war er ein früher und wortgewandter Verfechter des abstrakten Expressionismus. Der wohlhabende Künstler Robert Motherwell schloss sich Greenberg an und förderte einen Stil, der dem politischen Klima und der intellektuellen Rebellion der Epoche entsprach.

Greenberg verkündete den abstrakten Expressionismus und insbesondere Pollock als Inbegriff des ästhetischen Wertes. Er befürwortete Pollocks Werk aus formalistischen Gründen als die beste Malerei seiner Zeit und als Höhepunkt einer Kunsttradition, die über den Kubismus und Cézanne bis zu Monet zurückreicht und in der die Malerei immer „reiner“ und konzentrierter auf das „Wesentliche“, nämlich das Setzen von Zeichen auf einer ebenen Fläche, wird.

Pollocks Werk hat die Kritiker stets polarisiert. Rosenberg sprach von der Verwandlung der Malerei in ein existenzielles Drama in Pollocks Werk, in dem „das, was auf die Leinwand kommen sollte, kein Bild, sondern ein Ereignis war“. „Der große Moment kam, als beschlossen wurde, “nur zu malen“. Die Geste auf der Leinwand war eine Geste der Befreiung von Werten – politischen, ästhetischen und moralischen.

Einer der schärfsten Kritiker des abstrakten Expressionismus war damals der Kunstkritiker der New York Times, John Canaday. Meyer Schapiro und Leo Steinberg waren neben Greenberg und Rosenberg wichtige Kunsthistoriker der Nachkriegszeit, die sich für den abstrakten Expressionismus aussprachen. Anfang bis Mitte der sechziger Jahre trugen die jüngeren Kunstkritiker Michael Fried, Rosalind Krauss und Robert Hughes wesentlich zur kritischen Dialektik bei, die sich bis heute um den abstrakten Expressionismus rankt.

Der Zweite Weltkrieg und die Nachkriegszeit

In der Zeit vor und während des Zweiten Weltkriegs flohen Künstler, Schriftsteller und Dichter der Moderne sowie wichtige Sammler und Händler aus Europa vor dem Ansturm der Nazis in die Vereinigten Staaten. Viele derjenigen, die nicht geflohen sind, kamen um. Zu den Künstlern und Sammlern, die während des Krieges nach New York kamen (einige mit Hilfe von Varian Fry), gehörten Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger und Piet Mondrian. Einige wenige Künstler, vor allem Picasso, Matisse und Pierre Bonnard, blieben in Frankreich und überlebten.

In der Nachkriegszeit befanden sich die europäischen Hauptstädte im Umbruch und mussten sich dringend wirtschaftlich und physisch wieder aufbauen und politisch neu formieren. In Paris, dem ehemaligen Zentrum der europäischen Kultur und der Hauptstadt der Kunstwelt, war das Klima für die Kunst katastrophal, und New York löste Paris als neues Zentrum der Kunstwelt ab. Im Europa der Nachkriegszeit setzten sich Surrealismus, Kubismus, Dada und die Werke von Matisse fort. Auch in Europa wurden die Art brut und die Lyrische Abstraktion oder der Tachismus (das europäische Pendant zum abstrakten Expressionismus) von der neuen Generation übernommen. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages und Jean Messagier, um nur einige zu nennen, gelten als wichtige Vertreter der europäischen Nachkriegsmalerei. In den Vereinigten Staaten begann eine neue Generation amerikanischer Künstler aufzutauchen und die Weltbühne zu beherrschen, die als Abstrakte Expressionisten bezeichnet wurden.

Die 1940er Jahre läuteten in New York City den Siegeszug des amerikanischen abstrakten Expressionismus ein, einer modernistischen Bewegung, die Lehren aus Matisse, Picasso, dem Surrealismus, Miró, dem Kubismus, dem Fauvismus und der frühen Moderne mit Hilfe von großen Lehrern in Amerika wie Hans Hofmann aus Deutschland und John D. Graham aus der Ukraine verband. Grahams Einfluss auf die amerikanische Kunst in den frühen 1940er Jahren wurde besonders im Werk von Gorky, de Kooning, Pollock und Richard Pousette-Dart sichtbar. Gorkys Beitrag zur amerikanischen und weltweiten Kunst kann kaum überschätzt werden. Sein Werk der lyrischen Abstraktion war eine „neue Sprache“. Er war „Wegbereiter für zwei Generationen amerikanischer Künstler“. Die malerische Spontaneität reiferer Werke wie The Liver is the Cock“s Comb, The Betrothal II und One Year the Milkweed nahmen den abstrakten Expressionismus unmittelbar vorweg, und führende Vertreter der New York School haben Gorkys erheblichen Einfluss anerkannt. Auch das Frühwerk von Hyman Bloom war einflussreich. Die amerikanischen Künstler profitierten auch von der Präsenz von Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und der Gruppe von André Breton, der Galerie von Pierre Matisse und der Galerie The Art of This Century von Peggy Guggenheim sowie von anderen Faktoren. Insbesondere Hans Hofmann war als Lehrer, Mentor und Künstler wichtig und einflussreich für die Entwicklung und den Erfolg des abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten. Zu Hofmanns Schützlingen gehörte Clement Greenberg, der zu einer enorm einflussreichen Stimme der amerikanischen Malerei wurde, und zu seinen Schülern gehörte Lee Krasner, die ihren Lehrer Hofmann ihrem Mann Jackson Pollock vorstellte.

In den späten 1940er Jahren revolutionierte Jackson Pollocks radikale Herangehensweise an die Malerei das Potenzial der gesamten zeitgenössischen Kunst, die ihm folgte. In gewisser Weise erkannte Pollock, dass der Weg zu einem Kunstwerk genauso wichtig war wie das Kunstwerk selbst. Wie Picassos innovative Neuerfindungen von Malerei und Skulptur um die Jahrhundertwende durch den Kubismus und die konstruierte Skulptur, mit so unterschiedlichen Einflüssen wie Navajo-Sandmalerei, Surrealismus, Jungscher Analyse und mexikanischer Wandmalerei, definierte Pollock neu, was es heißt, Kunst zu produzieren. Seine Abkehr von der Staffeleimalerei und der Konventionalität war ein befreiendes Signal für die Künstler seiner Zeit und für alle, die danach kamen. Die Künstler erkannten, dass Jackson Pollocks Verfahren – das Auflegen der ungespannten, rohen Leinwand auf den Boden, wo sie von allen vier Seiten mit Künstlermaterialien und industriellen Werkstoffen angegriffen werden konnte; lineare Farbstränge, die getropft und geworfen wurden; Zeichnen, Beizen, Pinseln; Bildhaftigkeit und Nicht-Bildhaftigkeit – das Kunstschaffen im Grunde über alle bisherigen Grenzen hinausführte. Der abstrakte Expressionismus im Allgemeinen erweiterte und entwickelte die Definitionen und Möglichkeiten, die den Künstlern für die Schaffung neuer Kunstwerke zur Verfügung standen.

Die anderen abstrakten Expressionisten folgten Pollocks Durchbruch mit neuen, eigenen Durchbrüchen. In gewisser Weise öffneten die Innovationen von Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos und anderen die Schleusen für die Vielfalt und den Umfang der gesamten Kunst, die auf sie folgte. Die radikalen antiformalistischen Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre, darunter Fluxus, Neo-Dada, Konzeptkunst und die feministische Kunstbewegung, lassen sich auf die Innovationen des abstrakten Expressionismus zurückführen. Die von Kunsthistorikern wie Linda Nochlin und Catherine de Zegher vorgenommenen Neubewertungen der abstrakten Kunst zeigen jedoch kritisch, dass Pionierinnen, die wichtige Innovationen in der modernen Kunst hervorgebracht haben, von der offiziellen Geschichtsschreibung ignoriert wurden, aber schließlich im Zuge der abstrakten expressionistischen Bewegung der 1940er und 1950er Jahre die längst überfällige Anerkennung erhielten. Der abstrakte Expressionismus entwickelte sich in den 1950er Jahren zu einer bedeutenden Kunstbewegung in New York City, und in der Folgezeit begannen mehrere führende Kunstgalerien, die abstrakten Expressionisten in Ausstellungen und als Stammgäste in ihr Programm aufzunehmen. Zu diesen prominenten „Uptown“-Galerien gehörten: die Charles Egan Gallery, die Betty Parsons Gallery, die Tibor de Nagy Gallery, die Stable Gallery, die Leo Castelli Gallery und andere; und mehrere Galerien in der Innenstadt, die damals als Tenth Street Galerien bekannt waren, stellten viele aufstrebende jüngere Künstler aus, die im Sinne des abstrakten Expressionismus arbeiteten.

Action Painting war ein von den 1940er bis zu den frühen 1960er Jahren verbreiteter Stil, der eng mit dem abstrakten Expressionismus verbunden ist (einige Kritiker haben die Begriffe Action Painting und abstrakter Expressionismus synonym verwendet). Oft wird ein Vergleich zwischen dem amerikanischen Action Painting und dem französischen Tachisme gezogen.

Der Begriff wurde 1952 von dem amerikanischen Kritiker Harold Rosenberg geprägt und signalisierte eine grundlegende Veränderung der ästhetischen Perspektive der Maler und Kritiker der New York School. Rosenberg zufolge war die Leinwand „eine Arena, in der man handeln kann“. Während abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock, Franz Kline und Willem de Kooning schon seit langem ein Gemälde als eine Arena betrachteten, in der man sich mit dem Schöpfungsakt auseinandersetzt, konzentrierten sich frühere Kritiker, die mit ihrer Sache sympathisierten, wie Clement Greenberg, auf die „Objekthaftigkeit“ ihrer Werke. Für Greenberg war die Körperlichkeit der geronnenen und ölverschmierten Oberflächen der Gemälde der Schlüssel, um sie als Dokumente des existenziellen Kampfes der Künstler zu verstehen.

Rosenbergs Kritik verlagerte den Schwerpunkt vom Objekt auf den Kampf selbst, wobei das fertige Gemälde nur die physische Manifestation, eine Art Überbleibsel, des eigentlichen Kunstwerks war, das sich im Akt oder Prozess der Entstehung des Gemäldes befand. Diese spontane Aktivität war die „Aktion“ des Malers, durch Arm- und Handgelenksbewegungen, malerische Gesten, Pinselstriche, geworfene Farbe, Spritzer, Flecken, Krümel und Tropfen. Manchmal ließ der Maler die Farbe auf die Leinwand tropfen, während er rhythmisch tanzte, oder er stand sogar in der Leinwand, manchmal ließ er die Farbe nach dem Unterbewusstsein fallen und ließ so den unbewussten Teil der Psyche sich selbst behaupten und ausdrücken. All dies ist jedoch schwer zu erklären oder zu interpretieren, da es sich um eine vermeintlich unbewusste Manifestation des reinen Schöpfungsaktes handelt.

In der Praxis wird der Begriff abstrakter Expressionismus auf eine Vielzahl von Künstlern angewandt, die (meist) in New York arbeiteten und ganz unterschiedliche Stile hatten, und sogar auf Werke, die weder besonders abstrakt noch expressionistisch sind. Pollocks energiegeladene Aktionsbilder mit ihrem „geschäftigen“ Charakter unterscheiden sich sowohl technisch als auch ästhetisch von De Koonings gewalttätigen und grotesken Frauen-Serien. Frau V gehört zu einer Serie von sechs Gemälden, die de Kooning zwischen 1950 und 1953 schuf und die eine weibliche Figur in Dreiviertellänge zeigen. Das erste dieser Gemälde, Woman I, begann er im Juni 1950 und veränderte und übermalte es immer wieder, bis es im Januar oder Februar 1952 unvollendet aufgegeben wurde. Der Kunsthistoriker Meyer Schapiro sah das Bild bald darauf in de Koonings Atelier und ermutigte den Künstler, weiterzumachen. De Kooning begann daraufhin mit drei weiteren Gemälden zu demselben Thema: Frau II, Frau III und Frau IV. Während des Sommers 1952, den er in East Hampton verbrachte, beschäftigte sich de Kooning weiter mit dem Thema in Form von Zeichnungen und Pastellen. Möglicherweise beendete er die Arbeit an Woman I Ende Juni, vielleicht auch erst im November 1952, und wahrscheinlich wurden die anderen drei Frauenbilder etwa zur gleichen Zeit fertiggestellt. Die Frauenserie ist ein ausgesprochen figuratives Gemälde.

Ein weiterer wichtiger Künstler ist Franz Kline. Wie Jackson Pollock und andere abstrakte Expressionisten wurde Kline wegen seines scheinbar spontanen und intensiven Stils als „Action Painter“ bezeichnet, der sich weniger oder gar nicht auf Figuren oder Bilder konzentrierte, sondern auf die eigentliche Pinselführung und den Gebrauch der Leinwand, wie sein Gemälde Number 2 (1954) zeigt.

Automatisches Schreiben war ein wichtiges Mittel für Aktionsmaler wie Kline (in seinen Schwarz-Weiß-Gemälden), Pollock, Mark Tobey und Cy Twombly, die Gesten, Flächen und Linien einsetzten, um kalligrafische, lineare Symbole und Stränge zu schaffen, die der Sprache ähneln und als kraftvolle Manifestationen des kollektiven Unbewussten nachhallen. Robert Motherwell malte in seiner Serie „Elegy to the Spanish Republic“ kraftvolle Schwarz-Weiß-Gemälde, die mit Gesten, Flächen und Symbolen starke emotionale Ladungen hervorrufen.

Andere Aktionsmaler, vor allem de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell und James Brooks, nutzten Bilder entweder als abstrakte Landschaften oder als expressionistische Visionen der Figur, um ihre sehr persönlichen und kraftvollen Beschwörungen zum Ausdruck zu bringen. Die Gemälde von James Brooks waren besonders poetisch und sehr vorausschauend in Bezug auf die Lyrische Abstraktion, die in den späten 1960er und 1970er Jahren aufkam.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb und die heiter schimmernden Farbblöcke in Mark Rothkos Werk (das man normalerweise nicht als expressionistisch bezeichnen würde und das Rothko als abstrakt ablehnte) werden als abstrakte Expressionisten eingestuft, wenn auch aus der Richtung, die Clement Greenberg als Farbfeldmalerei des abstrakten Expressionismus bezeichnete. Sowohl Hans Hofmann als auch Robert Motherwell kann man getrost als Vertreter der Aktions- und Farbfeldmalerei bezeichnen. In den 1940er Jahren waren die streng konstruierten Bilder von Richard Pousette-Dart oft von Themen der Mythologie und des Mystizismus abhängig, ebenso wie die Gemälde von Gottlieb und Pollock in diesem Jahrzehnt.

Die Farbfeldmalerei bezog sich ursprünglich auf eine bestimmte Art des abstrakten Expressionismus, insbesondere auf die Werke von Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt und mehrere Serien von Gemälden von Joan Miró. Greenberg vertrat die Auffassung, dass die Farbfeldmalerei mit der Aktionsmalerei verwandt ist, sich aber von ihr unterscheidet. Die Farbfeldmaler versuchten, ihre Kunst von überflüssiger Rhetorik zu befreien. Künstler wie Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey und vor allem Ad Reinhardt und Barnett Newman, dessen Meisterwerk Vir heroicus sublimis sich in der Sammlung des MoMA befindet, verwendeten stark reduzierte Verweise auf die Natur und malten mit einem hochgradig artikulierten und psychologischen Einsatz von Farbe. Im Allgemeinen verzichteten diese Künstler auf erkennbare Bilder, wobei Rothko und Gottlieb manchmal Symbole und Zeichen als Ersatz für Bilder verwendeten. Einige Künstler zitierten Bezüge zur vergangenen oder gegenwärtigen Kunst, doch im Allgemeinen stellt die Farbfeldmalerei die Abstraktion als Selbstzweck dar. Indem sie diese Richtung der modernen Kunst verfolgten, wollten die Künstler jedes Gemälde als ein einheitliches, zusammenhängendes, monolithisches Bild präsentieren.

Im Gegensatz zu der emotionalen Energie und den gestischen Oberflächenmerkmalen von abstrakten Expressionisten wie Pollock und de Kooning erschienen die Farbfeldmaler zunächst kühl und nüchtern, indem sie das individuelle Zeichen zugunsten großer, flächiger Farbflächen auslöschten, die diese Künstler als das Wesen der visuellen Abstraktion ansahen, ebenso wie die eigentliche Form der Leinwand, die später in den 1960er Jahren insbesondere Frank Stella auf ungewöhnliche Weise mit Kombinationen aus gebogenen und geraden Rändern erreichte. Die Farbfeldmalerei hat sich jedoch als sinnlich und ausdrucksstark erwiesen, wenn auch auf eine andere Weise als der gestische abstrakte Expressionismus.

Obwohl sich der abstrakte Expressionismus schnell in den gesamten Vereinigten Staaten ausbreitete, waren die wichtigsten Zentren dieses Stils New York City und Kalifornien, insbesondere die New York School, sowie die San Francisco Bay Area. Die Gemälde des abstrakten Expressionismus weisen bestimmte gemeinsame Merkmale auf, darunter die Verwendung großer Leinwände und ein „All-over“-Ansatz, bei dem die gesamte Leinwand gleichwertig behandelt wird (im Gegensatz zu der Tatsache, dass die Mitte von größerem Interesse ist als die Ränder). Die Leinwand als Schauplatz wurde zum Credo der Aktionsmalerei, während die Integrität der Bildfläche zum Credo der Farbfeldmaler wurde. In den 1950er Jahren begannen auch jüngere Künstler, ihre dem abstrakten Expressionismus verwandten Bilder auszustellen, darunter Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas und Robert Goodnough.

Obwohl Pollock aufgrund seines Stils, seiner Technik, seiner malerischen Handschrift und seines physischen Farbauftrags eng mit der Aktionsmalerei verbunden ist, haben Kunstkritiker Pollock sowohl mit der Aktionsmalerei als auch mit der Farbfeldmalerei in Verbindung gebracht. Eine andere kritische Sichtweise, die von Greenberg vertreten wird, verbindet Pollocks All-Over-Gemälde mit den großformatigen Seerosen von Claude Monet aus den 1920er Jahren. Kunstkritiker wie Michael Fried, Greenberg und andere haben festgestellt, dass der Gesamteindruck von Pollocks berühmtesten Werken – seinen Drip-Paintings – wie riesige Felder aus aufgebauten linearen Elementen wirkt. Sie stellen fest, dass diese Werke oft als riesige Komplexe aus ähnlich bewerteten Farbsträngen und All-Over-Feldern aus Farbe und Zeichnung gelesen werden können und mit den wandgroßen Monets verwandt sind, die ebenfalls aus dicht bewerteten Pinsel- und Krümelspuren aufgebaut sind, die ebenfalls als Farb- und Zeichnungsfelder gelesen werden können. Pollocks Verwendung von All-Over-Kompositionen stellt eine philosophische und physische Verbindung zu der Art und Weise her, wie Farbfeldmaler wie Newman, Rothko und Still ihre ungebrochenen und in Stills Fall gebrochenen Oberflächen konstruieren. In mehreren Gemälden, die Pollock nach seiner klassischen Drip-Painting-Periode von 1947-1950 malte, verwendete er die Technik, flüssige Ölfarbe und Hausfarbe auf die rohe Leinwand zu klecksen. Im Laufe des Jahres 1951 schuf er eine Reihe von halbfigurativen schwarzen Fleckenbildern, und 1952 entstanden Fleckenbilder mit Farbe. In seiner Ausstellung in der Sidney Janis Gallery in New York City im November 1952 zeigte Pollock Number 12, 1952, ein großes, meisterhaftes Fleckengemälde, das einer leuchtend farbigen, gebeizten Landschaft ähnelt (das Gemälde wurde von Nelson Rockefeller aus der Ausstellung für seine persönliche Sammlung erworben.

Arshile Gorky, der als einer der Gründerväter des abstrakten Expressionismus und als Surrealist gilt, war auch einer der ersten Maler der New York School, der die Technik der Malerei verwendete. Gorki schuf weite Felder von lebendiger, offener, ungebrochener Farbe, die er in vielen seiner Gemälde als Grundierung verwendete. In Gorkis wirkungsvollsten und vollendetsten Gemälden aus den Jahren 1941-1948 verwendete er durchweg intensive, fleckige Farbfelder, wobei er die Farbe oft verlaufen und tropfen ließ, unter und um sein vertrautes Lexikon organischer und biomorpher Formen und zarter Linien. Ein weiterer abstrakter Expressionist, dessen Werke aus den 1940er Jahren an die Fleckenbilder der 1960er und 1970er Jahre erinnern, ist James Brooks. Brooks verwendete in seinen Gemälden aus den späten 1940er Jahren regelmäßig die Technik der Beize. Brooks begann, seine Ölfarbe zu verdünnen, um flüssige Farben zu haben, die er auf die meist rohe Leinwand gießen, tropfen und klecksen konnte. Diese Werke kombinierten oft Kalligrafie und abstrakte Formen. In den letzten drei Jahrzehnten seiner Karriere war Sam Francis“ Stil des großformatigen, leuchtenden abstrakten Expressionismus eng mit der Farbfeldmalerei verbunden. Seine Gemälde bewegten sich zwischen den beiden Lagern des abstrakten Expressionismus, der Aktionsmalerei und der Farbfeldmalerei.

Nachdem sie 1951 Pollocks Gemälde mit verdünnter schwarzer Ölfarbe gesehen hatte, begann Frankenthaler 1952 mit der Herstellung von Fleckenbildern in verschiedenen Ölfarben auf roher Leinwand. Ihr berühmtestes Gemälde aus dieser Zeit ist Berge und Meer. Sie ist eine der Begründerinnen der Farbfeldmalerei, die Ende der 1950er Jahre entstand. Frankenthaler studierte auch bei Hans Hofmann.

Hofmanns Gemälde sind eine Sinfonie der Farben, wie in The Gate, 1959-1960, zu sehen. Er war nicht nur als Künstler, sondern auch als Kunstlehrer bekannt, sowohl in seiner Heimat Deutschland als auch später in den USA. Hofmann, der in den frühen 1930er Jahren aus Deutschland in die Vereinigten Staaten kam, brachte das Erbe der Moderne mit. Als junger Künstler im Paris der Vorkriegszeit arbeitete Hofmann mit Robert Delaunay zusammen und kannte die innovativen Werke von Picasso und Matisse aus erster Hand. Das Werk von Matisse hatte einen enormen Einfluss auf ihn und sein Verständnis für die expressive Sprache der Farbe und die Möglichkeiten der Abstraktion. Hofmann war einer der ersten Theoretiker der Farbfeldmalerei, und seine Theorien waren für Künstler und Kritiker, insbesondere für Clement Greenberg, sowie für andere in den 1930er und 1940er Jahren einflussreich. 1953 wurden Morris Louis und Kenneth Noland von Helen Frankenthalers Fleckenbildern tiefgreifend beeinflusst, nachdem sie ihr Atelier in New York City besucht hatten. Nach ihrer Rückkehr nach Washington, D.C., begannen sie, die wichtigsten Werke zu schaffen, die in den späten 1950er Jahren die Farbfeldbewegung begründeten.

1972 sagte der damalige Kurator des Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler:

Clement Greenberg nahm die Arbeiten von Morris Louis und Kenneth Noland in eine Ausstellung auf, die er in den frühen 1950er Jahren in der Kootz Gallery zeigte. Clem war der erste, der ihr Potenzial erkannte. Er lud sie 1953 nach New York ein, ich glaube, es war in Helens Atelier, um ein Gemälde zu sehen, das sie gerade gemalt hatte: Mountains and Sea, ein sehr, sehr schönes Gemälde, das in gewisser Weise von Pollock und Gorki abstammte. Es war auch eines der ersten Fleckenbilder, eines der ersten großflächigen Bilder, bei denen die Fleckentechnik verwendet wurde, vielleicht sogar das erste. Louis und Noland sahen das Bild ausgerollt auf dem Boden ihres Ateliers und fuhren zurück nach Washington, DC, und arbeiteten eine Weile zusammen, um die Implikationen dieser Art von Malerei zu erforschen.

In der abstrakten Malerei entstanden in den 1950er und 1960er Jahren mehrere neue Richtungen, wie die von John McLaughlin vertretene Hard-edge-Malerei. Als Reaktion auf den Subjektivismus des abstrakten Expressionismus entstanden in den Künstlerateliers und in Kreisen der radikalen Avantgarde andere Formen der geometrischen Abstraktion. Greenberg wurde zur Stimme der postmalerischen Abstraktion, indem er eine einflussreiche Ausstellung neuer Malerei kuratierte, die 1964 durch wichtige Kunstmuseen in den Vereinigten Staaten tourte. Farbfeldmalerei, Hard-Edge-Malerei und Lyrische Abstraktion entwickelten sich zu radikalen neuen Richtungen.

Seit Mitte der 1970er Jahre wird argumentiert, dass der Stil in den frühen 1950er Jahren die Aufmerksamkeit der CIA auf sich zog, die ihn als repräsentativ für die USA als Hort des freien Denkens und der freien Märkte sowie als Herausforderung sowohl für die in den kommunistischen Ländern vorherrschenden sozialistisch-realistischen Stile als auch für die Dominanz der europäischen Kunstmärkte ansah. Das Buch von Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War-The CIA and the World of Arts and Letters, (im Vereinigten Königreich unter dem Titel Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War veröffentlicht) beschreibt detailliert, wie die CIA die Förderung der amerikanischen abstrakten Expressionisten als Teil des Kulturimperialismus über den Congress for Cultural Freedom von 1950 bis 1967 finanzierte und organisierte. Vor allem Robert Motherwells Serie Elegy to the Spanish Republic befasste sich mit einigen dieser politischen Themen. Tom Braden, Gründungsleiter der CIA-Abteilung für internationale Organisationen (IOD) und ehemaliger Exekutivsekretär des Museum of Modern Art, sagte in einem Interview: „Ich glaube, es war die wichtigste Abteilung, die die CIA hatte, und ich glaube, dass sie im Kalten Krieg eine enorme Rolle spielte.“

Gegen diese revisionistische Tradition wendet sich ein Essay von Michael Kimmelman, dem leitenden Kunstkritiker der New York Times, mit dem Titel Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War (Die Moderne, ihre Kritiker und der Kalte Krieg), dass viele dieser Informationen über die Geschehnisse in der amerikanischen Kunstszene der 1940er und 50er Jahre sowie die Interpretation der Revisionisten schlichtweg falsch oder bestenfalls dekontextualisiert sind, was den erklärten historiografischen Prinzipien der Revisionisten widerspricht. Weitere Bücher zu diesem Thema sind Art in the Cold War von Christine Lindey, das auch die Kunst der Sowjetunion zur gleichen Zeit beschreibt, und Pollock and After, herausgegeben von Francis Frascina, in dem der Kimmelman-Artikel nachgedruckt wurde.

Der kanadische Maler Jean-Paul Riopelle (1923-2002), Mitglied der surrealistisch inspirierten Gruppe Les Automatistes aus Montreal, trug ab 1949 dazu bei, einen verwandten Stil des abstrakten Impressionismus in der Pariser Kunstwelt einzuführen. Michel Tapiés bahnbrechendes Buch Un Art Autre (1952) war in dieser Hinsicht ebenfalls von großem Einfluss. Tapié war auch ein Kurator und Ausstellungsmacher, der die Werke von Pollock und Hans Hofmann in Europa bekannt machte. In den 1960er Jahren hatte sich die anfängliche Wirkung der Bewegung bereits verflüchtigt, doch ihre Methoden und Vertreter blieben in der Kunst sehr einflussreich und beeinflussten das Werk vieler nachfolgender Künstler nachhaltig. Der abstrakte Expressionismus ging dem Tachismus, der Farbfeldmalerei, der Lyrischen Abstraktion, dem Fluxus, der Pop Art, dem Minimalismus, dem Postminimalismus, dem Neoexpressionismus und den anderen Bewegungen der sechziger und siebziger Jahre voraus und beeinflusste alle späteren Bewegungen, die sich aus ihm entwickelten. Die Bewegungen, die eine direkte Reaktion auf den abstrakten Expressionismus und eine Rebellion gegen ihn darstellten, begannen mit der Hard-Edge-Malerei (Frank Stella, Robert Indiana und andere) und den Pop-Art-Künstlern, vor allem Andy Warhol, Claes Oldenburg und Roy Lichtenstein, die in den USA und Richard Hamilton in Großbritannien große Bedeutung erlangten. Robert Rauschenberg und Jasper Johns bildeten in den USA eine Brücke zwischen dem abstrakten Expressionismus und der Pop Art. Der Minimalismus wurde von Künstlern wie Donald Judd, Robert Mangold und Agnes Martin verkörpert.

Viele Maler wie Jules Olitski, Joan Mitchell und Antoni Tàpies arbeiteten jedoch noch viele Jahre lang im Stil des abstrakten Expressionismus weiter und erweiterten dessen visuelle und philosophische Implikationen, wie es viele abstrakte Künstler auch heute noch tun, und zwar in Stilen, die als Lyrische Abstraktion, Neo-Expressionismus und andere bezeichnet werden.

In den Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg gründete eine Gruppe von New Yorker Künstlern eine der ersten echten Künstlerschulen in Amerika, die eine neue Ära in der amerikanischen Kunst einleitete: den abstrakten Expressionismus. Dies führte zu einem amerikanischen Kunstboom, der Stile wie die Pop Art hervorbrachte. Dies trug auch dazu bei, New York zu einem kulturellen und künstlerischen Zentrum zu machen.

Abstrakte Expressionisten schätzen den Organismus gegenüber dem statischen Ganzen, das Werden gegenüber dem Sein, den Ausdruck gegenüber der Perfektion, die Vitalität gegenüber der Vollendung, die Fluktuation gegenüber der Ruhe, das Gefühl gegenüber der Formulierung, das Unbekannte gegenüber dem Bekannten, das Verschleierte gegenüber dem Klaren, das Individuum gegenüber der Gesellschaft und das Innere gegenüber dem Äußeren.

Künstler des abstrakten Expressionismus

Verwandte Stile, Trends, Schulen und Bewegungen

Andere verwandte Themen

Quellen

  1. Abstract expressionism
  2. Abstrakter Expressionismus
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