Pablo Picasso

Zusammenfassung

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25. Oktober 1881 – Mougins, 8. April 1973) war ein spanischer Maler und Bildhauer, der zusammen mit Georges Braque den Kubismus schuf.

Seit der Entstehung des 20. Jahrhunderts gilt er als einer der größten Maler, der an den verschiedenen künstlerischen Bewegungen teilnahm, die sich in der ganzen Welt verbreiteten, und einen großen Einfluss auf andere große Künstler seiner Zeit ausübte. Seine Werke sind in Museen und Sammlungen in ganz Europa und der Welt zu finden. Er arbeitete auch in anderen Bereichen wie Zeichnung, Gravur, Buchillustration, Bildhauerei, Keramik und Bühnen- und Kostümbild für Theaterproduktionen. Er hat auch ein kurzes literarisches Werk verfasst.

Politisch erklärte sich Picasso als Pazifist und Kommunist. Er war Mitglied der Kommunistischen Partei Spaniens und der Kommunistischen Partei Frankreichs bis zu seinem Tod am 8. April 1973 im Alter von 91 Jahren in seinem Haus „Notre-Dame-de-Vie“ in der französischen Stadt Mougins. Er ist im Park des Schlosses von Vauvenargues (Bouches-du-Rhone) begraben.

Kindheit

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (laut Geburtsurkunde) oder Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (laut Taufschein), war der erste Sohn von José Ruiz y Blasco und María Picasso López. Er wurde am 25. Oktober 1881 in Malaga (Spanien) in einer bürgerlichen Familie geboren. Picasso hatte zwei Schwestern, Dolores (1884-1958) und Concepción (1887-1895). Sein Urgroßvater mütterlicherseits, Tommaso Picasso (geboren 1787), stammte ursprünglich aus Sori in Genua, Italien, und zog um 1807 nach Spanien.

Es ist bekannt, dass sein Vater Künstler werden wollte und an der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Telmo Zeichnen lehrte. Über seine Mutter ist wenig bekannt; sie war offenbar eine stärkere Persönlichkeit als ihr Mann, und Picasso empfand stets mehr Respekt und Zärtlichkeit für sie, was einige in dem Porträt sehen, das er 1923 von ihr zeichnete. Pablo begann schon früh zu malen; 1889, im Alter von acht Jahren, malte er nach einem Stierkampf und unter Anleitung seines Vaters El picador amarillo („Der gelbe Picador“), von dem er sich immer weigerte, sich zu trennen.

Im Jahr 1891 war die Familie gezwungen, Málaga zu verlassen, da die wirtschaftliche Stabilität nicht mehr gegeben war. José Ruiz Blasco hatte wiederholt um eine Versetzung nach La Coruña gebeten, wo nach seiner Entlassung als Kurator des Museums der Schönen Künste von Málaga im Jahr 1888 eine Lehrstelle an der Hochschule der Schönen Künste geschaffen worden war. Die Veränderung war für seine Familie alles andere als angenehm, was sich in der Äußerung Picassos über seinen Vater in dieser Phase widerspiegelt: „Kein Málaga, kein Stierkampf, keine Freunde, nichts“, „Nur für mich war der Umzug nach Galicien ein Fest“. In Galicien arbeitete Pablo an seinen Zeichnungen und zeigte ein starkes Vertrauen in sich und seine Begabung; er war zehn Jahre alt. In La Coruña hatte er im Alter von dreizehn Jahren seine erste Ausstellung und veröffentlichte Karikaturen und Zeichnungen in den von Hand herausgegebenen Zeitschriften „La Coruña“, „Azul y Blanco“ und „Torre de Hércules“.

Das Jahr 1895 war ein Jahr mit wichtigen Ereignissen in seiner Kindheit; im Januar starb seine Schwester Concepción, und im September erhielt sein Vater einen Lehrstuhl an der Schule der Schönen Künste in Barcelona, wo der junge Pablo als Schüler aufgenommen wurde und zwei Jahre lang studierte, was ihn dazu veranlasste, vielleicht um seinem Vater zu gefallen, eine Reihe von Bildern zu malen, in denen der sentimentale Akademismus des Stils nach der Vitalität der Porträts, die er in La Coruña gemalt hatte, überraschend war.

Als brillanter und frühreifer Schüler bestand Picasso im Alter von vierzehn Jahren die Aufnahmeprüfung an der Ecole de la Lonja an einem einzigen Tag und durfte die ersten beiden Klassen überspringen. Eine der vielen Legenden über den Künstler besagt, dass sein Vater, der das außergewöhnliche Talent seines Sohnes erkannte, als er seine ersten Werke als Kind sah, ihm Pinsel und Palette schenkte und versprach, nie wieder in seinem Leben zu malen.

Anders als in der Musik gibt es in der Malerei keine Wunderkinder. Was die Menschen als verfrühtes Genie wahrnehmen, ist das Genie der Kindheit. Sie verschwindet nicht allmählich, wenn man älter wird. Es ist möglich, dass ein solches Kind eines Tages ein richtiger Maler wird, vielleicht sogar ein großer Maler. Aber er würde von vorne anfangen müssen. Was mich betrifft, war ich also kein Genie. Meine ersten Zeichnungen wurden noch nie in einer Ausstellung für Kinderzeichnungen gezeigt. Mir fehlte die Ungeschicklichkeit eines Kindes, die Naivität eines Kindes. Ich habe im Alter von sieben Jahren akademische Zeichnungen angefertigt, mit einer Präzision, die mir Angst macht.

Jugend: seine Freundschaften in Paris

Während seines Aufenthalts in Paris im Jahr 1912 gehörte Picasso zu einem Kreis angesehener Freunde in den Vierteln Montmartre und Montparnasse, darunter der Dichter André Breton, der Schriftsteller Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry und Gertrude Stein. Apollinaire wurde unter dem Verdacht verhaftet, die Mona Lisa aus dem Louvre gestohlen zu haben und Teil einer internationalen Diebesbande zu sein. Apollinaire beschuldigte seinen Freund Picasso, der ebenfalls verhört wurde, aber beide wurden später entlastet.

Erste Bilder

Im Winter 1895 malte er seine erste große akademische Leinwand, Die Erstkommunion (Museo Picasso, Barcelona), in Barcelona, wo er neun Jahre lang lebte, abgesehen von einigen Sommerferien und mehr oder weniger langen Aufenthalten in Madrid und Paris. 1897 präsentierte er die Leinwand Wissenschaft und Nächstenliebe (Museo Picasso, Barcelona) auf der Allgemeinen Ausstellung der Schönen Künste in Madrid. Die Sommerferien verbrachte er wieder in Malaga, wo er Landschaften und Stierkämpfe malte.

Im September geht er nach Madrid, um ein Studium an der Akademie von San Fernando zu beginnen, das er jedoch bald wieder verlässt: Die intellektuelle Atmosphäre der Hauptstadt, die dem katalanischen Modernismus, den Picasso einzuführen versucht, ablehnend gegenübersteht (er gründet 1901 eine kleine Zeitschrift, Arte Joven, die ein recht kurzes Bestehen hat), überzeugt ihn nicht. Dennoch nutzte er seine häufigen Besuche im Prado-Museum, um sich mit dem Werk von El Greco vertraut zu machen, das von Künstlern und Gelehrten des späten 19.

Ab 1898 signierte er seine Werke mit „Pablo Ruiz Picasso“, dann mit „Pablo R. Picasso“ und ab 1901 nur noch mit „Picasso“. Diese Änderung scheint nicht auf eine Ablehnung der Vaterfigur hinzudeuten, sondern ist vielmehr auf Picassos Wunsch zurückzuführen, sich als Persönlichkeit zu profilieren, was von seinen katalanischen Freunden angeregt wurde, die ihn mit dem Nachnamen seiner Mutter ansprachen, der weit weniger gebräuchlich war als der seines Vaters Ruiz.

Im Juni 1898 kehrte er nach Barcelona zurück, erkrankte an Scharlach und zog nach Horta de Ebro (heute Horta de San Juan), dem Dorf seines Freundes Manuel Pallarés, das südlich des Ebro in der Nähe der Stadt Gandesa (Tierra Alta, Tarragona) liegt. Während dieses Aufenthalts entdeckte Picasso die ursprünglichen Wurzeln des Landes und eine gewisse Rückbesinnung auf die Natur, die eher der modernistischen Ideologie entsprach, was eine der ersten „primitivistischen“ Episoden seiner Karriere darstellte.

Nachdem er seine Absicht aufgegeben hatte, in Madrid zu leben, um sich dem Kopieren der großen Meister zu widmen, kehrte er im Februar 1899 nach Barcelona zurück, wo er begann, die Brauerei Els Quatre Gats zu besuchen, das Aushängeschild der modernistischen Bohème, in der er seine erste Einzelausstellung veranstaltete und sich mit Jaime Sabartés und Carlos Casagemas anfreundete. In diesem Umfeld kam Picasso in Kontakt mit dem anarchistischen Gedankengut, das sich in Barcelona etabliert hatte. Das Elend in den Elendsvierteln Barcelonas, die kranken und verwundeten Soldaten, die nach dem verheerenden Kubakrieg nach Spanien zurückkehrten, schufen einen Nährboden für soziale Gewalt, die Picassos Empfindsamkeit zweifellos eher auf individueller und moralischer als auf rein politischer Ebene prägte und die in einigen zwischen 1897 und 1901 entstandenen Zeichnungen zum Ausdruck kommt: Der Gefangene, Ein Anarchist beim Schmieden und Der Anarchist.

Im Oktober 1900 besuchte er zusammen mit Casagemas die Weltausstellung in Paris, wo eines seiner Werke, Last Moments, das heute verloren ist, ausgestellt wurde. In Paris bezog er das Atelier von Isidre Nonell, einem katalanischen Künstler, den Picasso aus der vom Impressionismus beeinflussten Gruppe Els Quatre Gats kannte und der die soziale Situation Kataloniens zu Beginn des Jahrhunderts in Form von Porträts von Menschen am Rande der Gesellschaft und aus dem Elend widerspiegelte. Das Werk von Nonell und Toulouse-Lautrec beeinflusste Picasso in dieser Zeit stark, was sich in Werken wie La espera (Margot), Bailarina enana (Zwergentänzerin) und El final del número (Das Ende der Zahl), beide aus dem Jahr 1901, widerspiegelt. Er lernte auch seinen ersten Händler, Pere Mañach, kennen (der ihm 150 Francs pro Monat für alle seine Werke für ein Jahr anbot) und kam in Kontakt mit der Galeristin Berthe Weill. Er kehrte am 20. oder 23. Dezember (je nach Quelle) mit Casagemas nach Barcelona zurück, den Picasso mitnahm, um das Jahresende in Málaga zu feiern.

Zwischen Barcelona und Paris. Die blaue Periode

Die blaue Periode Picassos ist bekannt als die Zeit von etwa 1901 bis 1904: Der Name kommt von der Farbe, die die Farbpalette seiner Gemälde dominiert, und hat ihren Ursprung im Selbstmord seines Freundes Carlos Casagemas am 17. Februar 1901, der ihn voller Trauer und Kummer zurückließ. Casagemas hatte versucht, seine Geliebte Germaine, eine Tänzerin des Moulin Rouge, die im Kreis der spanischen Künstler verkehrte, zu ermorden und beging in Paris Selbstmord. Motiviert und bewegt durch den Tod seines Freundes, malte Picasso ein Bild, das er Das Begräbnis von Casagemas nannte, ein allegorisches Gemälde, das seinen Übergang zur blauen Periode zeigt. Die Zweiteilung des Bildes in Erde und Himmel, Körper und Geist erinnert an El Grecos Das Begräbnis des Grafen von Orgaz.

Weitere Einflüsse auf Picassos Werk in dieser Periode waren Van Gogh und Gauguin, ersterer vor allem auf psychologischer Ebene, was sich in der emotionalen Intensität der Gemälde dieser Periode widerspiegelt, obwohl es auch eine Vereinfachung der Volumina und definierte Konturen gibt, die an Gauguin erinnern, von dem er auch eine universelle Auffassung von Sentimentalität übernehmen würde. Picasso drückte die Einsamkeit der Figuren aus, indem er sie in einer unpräzisen Umgebung isolierte und über einen Zeitraum von mehr als zwei Jahren fast ausschließlich die Farbe Blau verwendete, was in der Kunstgeschichte praktisch beispiellos war. Auch die Verlängerung der Figuren, die in seinen Werken Einzug hielt, erinnerte an den Stil von El Greco.

Picasso war ein unermüdlicher Arbeiter. Ende April 1901 kehrte er nach Barcelona zurück, wo er auf der Allgemeinen Ausstellung der Schönen Künste „Frau in Blau“ (Museo Reina Sofía, Madrid) ausstellte, und kehrte im Mai nach Paris zurück, wo er sich am Boulevard de Clichy 130 niederließ, wo Casagemas sein Atelier gehabt hatte. Im Juni und Juli desselben Jahres stellten Picasso und Iturrino in der Galerie Vollard in Paris aus. Ohne Geld und Arbeit lernte er im Juni den Dichter Max Jacob kennen, mit dem er bis zu dessen Tod im Jahr 1944 eine enge Beziehung pflegte. Der Dichter erinnerte sich später daran, dass er Picassos Werke entdeckte und als Kunstkritiker seine Bewunderung für das Talent des Malers zum Ausdruck brachte. Kurz darauf erhielt er eine Einladung von Mañach, ihn dem jungen Mann vorzustellen, den er vertrat (sie verbrachten den ganzen Tag damit, das enorme Werk von Picasso zu betrachten, der zu dieser Zeit ein oder zwei Bilder pro Nacht malte und sie für 150 Francs in der Rue Laffite verkaufte. Im Herbst malte er Die zwei Harlekine (Harlekin und sein Gefährte) (Puschkin-Museum, Moskau), Harlekin mit Unterstützung (Porträt von Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), Porträt von Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Malaga) und Blaues Selbstporträt (Museu Picasso, Paris).

Ende Januar 1902 brach er sein Abkommen mit Mañach und kehrte nach der entsprechenden Einigung nach Barcelona zurück. Er begann im Atelier von Ángel Fernández de Soto in der Carrer Nou de la Rambla 6 zu arbeiten, wo im Frühjahr die Farbe Blau sein Werk zu dominieren begann. Mit Fernández de Soto besuchte er die Bordelle Barcelonas, was sich in einer Reihe von erotischen Zeichnungen niederschlug, darunter ein Selbstporträt mit Akt (eine Tusche- und Aquarellzeichnung von Ángel Fernández de Soto mit einer Frau) und La macarra (allegorische Komposition), die sich im Besitz des Picasso-Museums in Barcelona befinden.

In Paris organisiert Mañach vom 1. bis 15. April eine Ausstellung von Gemälden und Pastellen in der Galerie Berthe Weill mit Werken von Picasso und Lemaire und im Juni eine weitere in derselben Galerie mit Werken von Picasso und Matisse. In Barcelona erhielt Picasso die Aufforderung, im Oktober zum Militärdienst anzutreten. Um dem zu entgehen, musste er zweitausend Peseten zahlen, einen Betrag, den sein Onkel zur Verfügung stellte. Kurz darauf kehrt er zusammen mit Sébastien Junyer nach Paris zurück und zeigt seine blauen Gemälde erstmals vom 15. November bis 15. Dezember in einer ebenfalls von Mañach organisierten Gruppenausstellung in der Galerie Berthe Weill.

Aus dieser Zeit stammt ein Porträt von Germaine, das Acquavella Galleries 2006 bei einer Christie“s-Auktion für 18,6 Millionen Dollar erwarb. Im Dezember 1902 zog er für eine Weile in die Wohnung von Max Jacob am Boulevard Voltaire 87; das Zimmer hatte nur ein Bett, so dass Picasso nachts arbeitete und tagsüber schlief, während Jacob arbeitete. Zu dieser Zeit konnte er keine Leinwand kaufen und musste sich auf das Zeichnen beschränken.

Im Januar 1903 kehrte Picasso nach Barcelona zurück. Im Frühjahr begann er mit dem Gemälde Leben (Cleveland Museum of Fine Arts), einem der größten und komplexesten Gemälde seiner blauen Periode, das als sein wichtigstes Werk dieser Jahre gilt, ein Werk mit einer für seine frühen Werke ungewöhnlich obskuren Symbolik und Gegenstand zahlreicher akademischer Interpretationen, zu denen sich der Künstler selbst nie äußerte. Picasso fertigte vier vorbereitende Skizzen für das Gemälde an, wobei er die Komposition der Figuren mindestens zweimal änderte; es sei darauf hingewiesen, dass die männliche Figur, die als Selbstporträt begann, schließlich eine Darstellung seines Freundes Carlos Casagemas war. Das Leben fasst die meisten Themen und die Atmosphäre der blauen Periode zusammen: den nihilistischen Pessimismus, den er während seiner prägenden Jahre in Barcelona entwickelt hatte, verstärkt durch die materiellen Schwierigkeiten, unter denen er zu dieser Zeit litt. „Die Einsamkeit der Kinder, das Elend der Armen, Bettler und Blinden sind oft in den Gemälden dieser Zeit dargestellt: Die zwei Schwestern (Eremitage Museum, St. Petersburg), Die Armen am Meer (National Gallery of Art, Washington D. C.), Der alte Gitarrist (Der alte Gitarrist, St. Petersburg), Die Armen am Meeresufer (National Gallery of Art, Washington D. C.), Die Armen am Meeresufer (National Gallery of Art, St. Petersburg), Die Armen am Meeresufer (National Gallery of Art, Washington D. C.), Der alte Gitarrist, St. Petersburg). C.), Der alte blinde Gitarrist (Art Institute of Chicago), Der Asket (Barnes Foundation, Philadelphia) und La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Paris) zählen zu Picassos frühen Meisterwerken.

Gegen Ende des Jahres 1903 begann Picasso zu glauben, dass sein Ruf nur durch eine dauerhafte Niederlassung in Frankreich über die Grenzen Spaniens hinausgehen würde. Er zog in das Atelier des Bildhauers Pablo Gargallo (1881-1934), der sich zu dieser Zeit in Paris aufhielt, in der Carrer del Comerç 28 in Barcelona, wo er La Celestina (Carlota Valdivia) fertigstellte und ein neues Porträt von Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo) begann, das er im Frühjahr 1904 abschloss.

Paris, Bateau Lavoir. Die rosa Periode

Im April 1904 ließ sich Picasso in Paris im Bateau-Lavoir im Montmartre-Viertel in einem Atelier nieder, das sein Freund, der Bildhauer Paco Durrio, gerade verlassen wollte. Dort nahm er den Kontakt zu mehreren spanischen Künstlern wieder auf, die ebenfalls im Bateau-Lavoir wohnten, insbesondere zu Ricardo Canals, der ihn im September desselben Jahres in der Technik der Radierung unterrichtete, und zu seiner Frau; außerdem zu Manuel Hugué und seiner Frau Totote sowie zu Ramon Pichot und Germaine, der Tänzerin, für die sein Freund Casagemas Selbstmord begangen hatte. Während des Sommers hatte er ein Verhältnis mit Madeleine“, die in mehreren Zeichnungen und Gemälden auftaucht, wie z.B. The Acrobat“s Wife“ (Art Institute of Chicago) und das Thema von Harlekins Familie“ (1905) inspirierte. Im August 1904 traf Picasso seine erste sentimentale Gefährtin: Fernande Olivier (1881-1966), ein Künstlermodell und Freundin von Ricardo Canals“ Frau Benedetta, war in der spanischen Kolonie des Bateau-Lavoir als la belle Fernande“ bekannt. Fernande, beide einundzwanzig Jahre alt, war Picassos erste große Liebe und wurde bis 1910 seine Inspirationsquelle, obwohl ihre Beziehung erst 1912 endgültig endete.

Im Oktober 1904 lernte Picasso den Dichter André Salmon und Guillaume Apollinaire kennen, den Dichter und Schriftsteller, der ein Vorläufer des Surrealismus war und mit dem er eine sehr enge Beziehung einging. Picasso wurde Stammgast im Kabarett Lapin Agile (dem „Agilen Hasen“) und im Cirque Medrano. Als er sich in Montmartre niederließ, begannen sich Picassos Farbpalette und Themen zu verändern; die Armut und das harte Leben der Zirkusartisten und Akrobaten brachten eine neue Lyrik in seine Bilder, als er von der blauen Periode zur so genannten rosa Periode überging. Die rosafarbene Periode zeichnet sich durch Pastellfarben und warme Töne aus, mit weichen, zarten Linien; mit einer besonderen Betonung der Linie und der Zeichnung statt der Farbe fuhr er fort, die Figuren mit langgestreckten Proportionen zu arbeiten, die an seine Bewunderung für El Greco erinnern, wie in Der Schauspieler (MoMA, New York) oder in dem Aquarell Der Verrückte (Museo Picasso, Barcelona), ein Rückgriff auf manieristische Formeln, auf die Picasso während seiner gesamten Karriere immer wieder zurückgriff. Die Themen, mit denen er sich beschäftigt, sind Freude und existenzielle Unruhe; wie in der blauen Periode liegt ein Hauch von Melancholie zugrunde, aber damals dominiert die Zuneigung, mit vielen Verweisen auf die Welt des Zoos und des Zirkus. Er malte Masken, Harlekine, Dompteure und Clowns; dies war auch die Zeit der rosafarbenen Gebärmuttern. Repräsentative Werke aus dieser Zeit sind Akrobatin mit Ball (Mädchen mit Ball) (Puschkin-Museum, Moskau), Familie von Akrobaten (National Gallery of Art, Washington), Akrobatin und junger Harlekin (Barnes Foundation, Philadelphia) und Familie von Akrobaten mit einem Affen (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Vom 25. Februar bis zum 6. März 1905 stellt er seine ersten rosafarbenen Gemälde in der Galerie Sérurier aus. Die Kritiker sprachen von der Ankündigung einer leuchtenden Verwandlung seines Talents; nach dem Drama der blauen Periode beschrieb Apollinaire in der Revue immoraliste die Werke der rosafarbenen Periode: „Unter dem blinkenden Flitter seiner Akrobaten fühlt man wirklich das Mitleid der Menschen, vielseitig, listig, verschlagen, arm und Lügner“. Wie Fernande Olivier sagte, schien Picasso das zu lieben, wofür er nicht geschaffen war, was anders war als er: Zigeuner, Stierkämpfe, zwielichtige Kabaretts, Clowns und die Welt des Zirkus; er liebte alles, was ein gewaltsames Lokalkolorit hatte, und tauchte mit Freude darin ein.

Im Frühjahr desselben Jahres malte er eines seiner Hauptwerke, Die Familie der Saltimbanquis, eine klare Entwicklung in Richtung der rosafarbenen Periode; eine kahle, verschwommene Landschaft, in der die gut gezeichneten, stilisierten Figuren der Puppenspieler, Randfiguren, deren einsames Leben Picasso beeindruckte, isoliert eingerahmt sind. Eines Nachmittags, nachdem er den Cirque Médrano mit Max Jacob verlassen hatte, beschloss er, seinen Kopf in Ton zu modellieren, und als er in den nächsten Tagen an dem Stück arbeitete, fügte er den Hut und die Glocken eines Narren hinzu, ganz im Stil der Zirkusfiguren. Es handelte sich um das Werk The Madman (Harlequin“s Head) (Musée Picasso, Paris), das der Galerist Ambroise Vollard in Bronze gießen ließ.

Im Sommer unternahm er eine Reise in den Norden der Niederlande, wo er auf Einladung des niederländischen Schriftstellers Tom Schilperoort sechs Wochen lang in Schoorl wohnte. Während seines Aufenthalts malte er einen Akt, The Dutch Beauty (Queensland Art Gallery, South Brisbane), und The Three Dutchwomen (Musée Picasso, Paris), eine persönliche Version des klassischen Themas der drei Grazien. Nach einem kurzen Aufenthalt in Paris verbrachte er im August einen Urlaub mit Fernande in Tiana, nordöstlich von Barcelona. Nach seiner Rückkehr im September zog Fernande in Picassos bescheidenes Atelier im Bateau-Lavoir ein; der Beginn ihrer Beziehung war glücklich, und Picassos Gemälde und Zeichnungen von Fernande feierten ihre Schönheit und persönliche Nähe. Picasso machte es sich zur Gewohnheit, die kleinen Galerien zu besuchen, und zusammen mit Fernande besuchte er die beliebten Vernissagen der offiziellen Salons.

Gertrude Stein und ihr Bruder Leo hatten sich in Paris niedergelassen und ihr Vermögen dem Aufbau einer außergewöhnlichen Kunstsammlung gewidmet. Leo Stein kaufte die Familie der Akrobaten mit Affen von dem Kunsthändler Clovis Sagot, über den Leo und Gertrude das Atelier von Picasso besuchten und zahlreiche Werke von ihm für 900 Francs kauften. Picasso besuchte regelmäßig Gertrude Steins Salon in ihrer Pariser Wohnung; er malte ein Porträt von Leo und seinem Sohn Michael und begann die erste der achtzig bis neunzig Sitzungen des berühmten Porträts von Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude hatte kurz zuvor Matisse“ Frau mit Hut gekauft und beschloss, dass sich die beiden Künstler treffen sollten.

1906, nach dreimonatiger Arbeit an dem Porträt von Gertrude Stein, gab er es vorübergehend auf und fertigte die ersten Skizzen für Les Demoiselles d“Avignon an. Er gibt das Thema der Harlekine zugunsten von Reitern und jungen Leuten in bukolischen Landschaften auf, die sich an Gauguin und Puvis de Chavannes orientieren, und sucht nach einem thematischen und formalen Klassizismus, der Picasso zum Studium der antiken Kunst führt. Im März entdeckt er die primitive spanische Kunst bei einer Ausstellung im Louvre mit iberischen Skulpturen, die in Osuna und Cerro de los Santos gefunden wurden, darunter die Dame von Elche. Die Galerie von Ambroise Vollard erwarb die meisten der rosa Leinwände ebenfalls im März. Im Mai reiste er mit Fernande Olivier nach Barcelona, wo er sie Freunden und Verwandten vorstellte, und dann im Sommer nach Gósol in Lérida, wo er erneut mit dem wesentlichen Primitivismus der Volkskultur in Berührung kam und Badeszenen und Akte malte, die von einer exquisiten Beherrschung des Rots aus gesehen wurden; diese rötliche Palette von Gósol spiegelt eine Sorge um die Modellierung von Volumen und eine Rückkehr zu den Wurzeln eines archaischen Mittelmeers wider. Dies inspirierte ihn zu einer Serie von Gemälden mit Figuren, die bestimmte Merkmale dieses Primitivismus aufgreifen und mit seinem bisherigen Stil brechen. Auch wenn die Vereinfachung der Formen und Volumina Vorläufer des Kubismus sind, handelt es sich um eine eigenständige Etappe, die sich keinem anerkannten Stil zuordnen lässt. Dieser Aufenthalt hatte einen wichtigen Einfluss auf Picassos Werk, denn die Gósol-Gemälde markierten den Beginn seiner kubistischen Revolution im folgenden Jahr; Jahre später nahm Picasso die logische Fortsetzung dieses Stils in seiner neoklassischen Periode auf.

Protokubismus

Im August 1906, nach seiner Rückkehr aus Gósol, nahm er das Porträt von Gertrude Stein wieder auf, indem er aus dem Gedächtnis arbeitete (Stein befand sich in Italien) und ihr Gesicht zu einer Art iberischer Maske reduzierte, die gleichzeitig teilnahmslos und ausdrucksstark war. Picasso sagte über das Porträt von Gertrude Stein: „Jeder denkt, sie ist nicht wie ihr Porträt, aber das macht nichts, am Ende wird sie es schaffen, so auszusehen wie es. „Beeinflusst von der iberischen Bildhauerei und den Gemälden Cézannes, die er in den Salons ausgestellt sah, untersuchte Picasso Form und Volumen, was in dem Selbstporträt mit Palette (Philadelphia Museum of Art) zu sehen ist, einem Gemälde von fast wildem Archaismus, das auch die Einflüsse vorwegnimmt, die Picasso seit 1905 gesammelt hatte.

Der Salon d“Automne von 1906 zeigte eine Retrospektive von Gauguin, die Picasso tief beeindruckte und sein Werk stark beeinflusste; der Salon zeigte auch zehn Werke von Cézanne, der etwa zur gleichen Zeit starb. Im Winter malte Picasso zwei Frauenakte (die Monumentalität der Figuren und die autonome Verwendung von Licht und Schatten erinnern an Cézannes Die großen Badenden). Gegen Ende des Jahres hörte er auf zu malen und begann mit einer Reihe von Studien und Skizzen von Akten für eine mehrfigurige Komposition zum Thema Bordell, die 1907 in der Revolution von Les Demoiselles d“Avignon gipfelte.

Die erste Reaktion von Picassos Umfeld auf die früheren Studien der jungen Damen war allgemein ablehnend: Seine Freunde verstanden diesen neuen Stil nicht ganz. Apollinaire beschrieb sie in einem Notizbuch als eine „wunderbare Sprache, die keine Literatur ausdrücken kann, weil unsere Worte bereits geschaffen sind“. Im Frühjahr 1907 lernte Picasso über Apollinaire Georges Braque kennen, der nach einem Besuch in seinem Atelier eine gewisse Aufregung gegenüber der großformatigen Malerei äußerte.

Mitte Mai malte er das Selbstporträt (Národni Galerie, Prag): Die Linie wird zum dominierenden Strukturelement, das die Gesichtszüge markiert und sogar die anderen Bildbereiche umreißt, die fast alle farbig und nur in wenigen Fällen modelliert sind. Er ließ sogar Teile der Leinwand unbemalt. Ende Mai begann er mit der letzten Leinwand von Die jungen Damen von Avignon, und die männlichen Figuren verschwanden: ein Matrose wurde entfernt, und ein Student auf der linken Seite wurde durch eine nackte Frau ersetzt, die einen Vorhang hält.

Auf Anregung von André Derain besuchte Picasso 1907 das Museum für Völkerkunde im Trocadero-Palast in Paris. Dies war sein erster Kontakt mit einer großen Anzahl afrikanischer und ozeanischer Werke, die sowohl Derain als auch Matisse seit langem gesammelt hatten, denen Picasso aber bis dahin nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt hatte. Die Entdeckung der nicht-westlichen Kunst gab Les Demoiselles d“Avignon neue Impulse und beeinflusste auch sein bildhauerisches Werk erheblich. Picasso veränderte daraufhin die Gesichter einiger Damen, wobei die beiden „kubistischsten“ der fünf an afrikanische Masken erinnern, während die beiden mittleren eher an den Stil mittelalterlicher Fresken und früher iberischer Skulpturen angelehnt sind; das Gesicht der Figur auf der linken Seite hat außerdem ein Profil, das an ägyptische Malereien erinnert. Aber „art négre, connais pas“, antwortete Picasso 1920 auf eine Frage in der Zeitschrift Action. Diese proto-kubistische Periode, die von 1907 bis 1909 dauert, ist auch als Picassos afrikanische Periode, schwarze Periode oder dunkle Periode bekannt; sein Stil war stark von der afrikanischen Skulptur beeinflusst, aber der Künstler wollte immer das Gegenteil.

Les Demoiselles d“Avignon (MoMA, New York) markiert einen neuen Aufbruch für Picasso, der die Bezüge zur Tradition eliminiert, indem er mit dem Realismus bricht, den Kanon der räumlichen Tiefe und der Perspektive sowie das bis dahin geltende Ideal des weiblichen Körpers aufgibt und das Werk auf eine Reihe von kantigen Flächen ohne abgegrenzten Hintergrund oder räumliche Perspektive reduziert, in denen die Formen durch Hell-Dunkel-Linien gekennzeichnet sind. Die ocker-rötlichen Töne sind charakteristisch für seine sanftere rosa Periode, aber die Rohheit des Bildes macht sie aggressiv.

Das Gemälde könnte auch von den langgestreckten Figuren El Grecos beeinflusst worden sein, insbesondere von seiner Vision der Apokalypse, die Picasso möglicherweise in jenem Sommer in Paris gesehen hatte; seine Struktur und Komposition leiten sich von Cézannes Die großen Badenden ab; Cézannes Malerei verleiht den Gegenständen eine reale Präsenz, indem sie das Volumen und ihr Gewicht besonders betont, ohne das atmosphärische Klopfen des Impressionismus. Laut Fermigier (1969, S. 69) bestimmt seine Retrospektive auf dem Salon d“Automne 1907 die weitere Entwicklung Picassos. Auch Braque begann, inspiriert von Cézanne, eine Serie von Landschaften, die seinen Übergang vom Fauvismus zu seiner proto-kubistischen Periode zeigen.

Die Beziehung zu Fernande geriet in eine Krise, und im Spätsommer 1907 beschlossen sie, sich zu trennen, versöhnten sich aber Ende November wieder. In ihrer Abwesenheit hatten Max Jacob und Apollinaire Picasso dazu überredet, Opium zu rauchen; Picasso schwankte zwischen den Segnungen der Visionen und der Angst, in Apathie und Arbeitsüberdruss zu verfallen. Picassos Palette war mit leuchtenden „afrikanischen“ Farben gefüllt: malt er den Frauenakt (die Tänzerin von Avignon) (Privatsammlung, Lausanne), einen Epilog zu Die jungen Damen von Avignon, in dem Elemente aus der iberischen und afrikanischen Kunst einen neuen Grad an geometrischer Vereinfachung erreichen; im gleichen Stil Der Tanz der Schleier (Akt mit Draperie) (Eremitage Museum, St. Petersburg), der im Sommer begonnen und von Gertrude Stein zusammen mit vorbereitenden Skizzen dazu gekauft wurde; außerdem Blumen auf einem Tisch (MoMA, New York). In den folgenden Werken werden die Hauttöne ockerfarben und braun, und Picasso sieht sich in seinen Gemälden mit zahlreichen Bruchexperimenten konfrontiert: die Aufgabe der Perspektive, die Eroberung des Raums, die Fragmentierung der Flächen durch flache Töne mit dicken, definierten Umrissen, die Suche nach Relief durch übertriebene blaue Umrisse auf braunem Grund und dicke Schattierungen; dazu gehören Freundschaft (Eremitage, St. Petersburg) und Akt mit Handtuch (Privatsammlung, Paris). Picassos Atelier wurde zum Zentrum von Diskussionen und Debatten, und zwar nicht nur über sein Werk. Braque brachte seine eigenen Werke dorthin, Matisse und Picasso tauschten Gemälde aus: Picassos Stillleben Krug, Schale und Zitrone (Fondation Beyeler, Riehen, Basel) gegen Matisses Porträt von Marguerite, seiner Tochter. Die Beziehung zwischen Picasso und Matisse reichte von Konkurrenz über Spott bis hin zu intensiver gegenseitiger Bewunderung; Matisse sagte, niemand habe seine Arbeit so betrachtet wie Picasso, und niemand habe Picassos Arbeit so betrachtet wie er.

Kubismus

Mit Les Demoiselles d“Avignon als Ausgangspunkt formulierten Braque und Picasso schließlich 1908 den Kubismus. Der Kubismus war ein radikaler Wendepunkt in der Kunstgeschichte, der die übrige künstlerische Avantgarde dazu inspirierte, sich vom bildlichen Illusionismus zu verabschieden, indem sie die naturalistische Beschreibung zugunsten von Kompositionen aus Formen, die von der konventionellen Wahrnehmung abstrahiert sind, ablehnte und mit der Dreidimensionalität und der Struktur der Oberflächen spielte. Diese von Picasso und Braque eingeführte Technik hatte viele Anhänger, wie Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay und Albert Gleizes.

Im Januar 1908 eröffnete Matisse seine Schule, die Academie Matisse. Andererseits waren Derain und Braque Anhänger von Picasso, was Matisse neben ihrer wachsenden Freundschaft mit Gertrude Stein irritierte. Auf dem Salon des Indépendants im Mai desselben Jahres präsentierten Derain und Braque Gemälde, die von Picassos neuem Stil inspiriert waren, was bei den Kritikern großes Aufsehen erregte. Picasso war empört darüber, dass die erste Ausstellung kubistischer Kunst stattfand, ohne seine Rolle als Inspirationsquelle anzuerkennen, insbesondere die Frau (1908), ein sehr junger Akt von Braque, über den er mit niemandem gesprochen hatte, nicht einmal mit Picasso. Nach der Schließung des Salons ging Braque bis September nach L“Estaque. Die afrikanischen Elemente wichen in Picassos Werk allmählich den Einflüssen Cézannes, vielleicht in Verbindung mit dem cezannistischen Reduktionismus der Landschaften von Braque.

Sein Freund, der deutsche Maler Wieghels, beging nach einem Abend mit exzessivem Drogenkonsum im Bateau-Lavoir Selbstmord; diese Tragödie überzeugte Picasso und Fernande, dem Opium abzuschwören; die im Spätfrühling vollendete Komposition mit dem Kopf eines Toten (Eremitage, St. Petersburg) erinnert möglicherweise an den Tod von Wieghels.

Im Laufe des Sommers schuf Braque in L“Estaque eine Reihe von kubistischen Landschaften, bei denen der Bruch mit der mechanisierten Perspektive Cézannes nicht als Inspiration, sondern als Initiation des Malers betrachtet wird. Picasso mietete ein Bauernhaus in der Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 Kilometer nördlich von Paris; Fernande erwähnte, dass Picasso mit diesem Rückzugsort versuchte, den Zustand der nervlichen Aufregung zu überwinden, den der Tod Wieghels bei ihm verursacht hatte. Beide Künstler begannen, durch die willkürliche Anwendung von Licht und Schatten auf Kosten naturalistischer Schattierungen ein Gefühl von Relief darzustellen; die Formen wurden extrem vereinfacht, mit einer größeren und tieferen Skulpturalität in Picassos Gemälden, dessen Palette auf eine Reihe von Braun-, Grau- und Grüntönen beschränkt war. Picassos Landschaften sind von Henri Rousseau (1844-1910) und einem frühen Cezanne beeinflusst.

Als Braque seine Landschaften für den Salon d“Automne im September einreicht, lehnt die Jury, der auch Matisse angehört, die Werke ab. Laut Apollinaire war Matisse der erste, der die Begriffe „Kubist“ und „Kubismus“ verwendete, als er die für den Salon eingereichten Werke von Braque ablehnte. Diese Geschichte gilt seit 1912 als der offizielle Ursprung der Bewegung. Josep Palau i Fabre weist darauf hin, dass der Herbst 1908 den Beginn dessen markiert, was er als Picassos grüne Periode bezeichnet: Die Stillleben, die er zu dieser Zeit malte, zeigen eine formale Stilisierung, die möglicherweise auf die Anwendung der cezanesken Postulate zurückzuführen ist, nach denen die Formen auf Kegel, Zylinder und Kugeln reduziert werden sollten. Diese geometrische Schematisierung geht nicht mit einem Verlust der Körperlichkeit der dargestellten Objekte einher und kann daher als Flachrelief bezeichnet werden. Im Laufe des Sommers und Oktobers vollendete er die endgültige Fassung von Drei Frauen (Eremitage, Sankt Petersburg), in der die afrikanischen Einflüsse der frühen Studien des Gemäldes im neuen Stil der grünen Periode verwässert werden.

Nach der Ausstellung der Werke von Braque in der Galerie von Daniel-Henry Kahnweiler, die von der Kritik besser aufgenommen wurde als die im Salon des Indépendants präsentierten Werke, organisierte Picasso ein Bankett im Bateau-Lavoir zu Ehren von Rousseau, um zu feiern, dass er gerade ein Werk des Malers, das Porträt einer Frau, für fünf Francs im Antiquitätengeschäft von Père Soulier gekauft hatte. Während dieses Winters wurde der Gedankenaustausch zwischen Braque und Picasso immer intensiver und ihre Freundschaft vertiefte sich. Das Früchtestillleben, ein emblematisches Motiv Cézannes, war eines der Themen, die die beiden Maler in dieser Zeit teilten: Le compotier (Fruit Dish) (MoMA, New York), Stillleben mit Fisch und Flaschen (Musée d“Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d“Ascq). Während des Winters arbeitete er auch an „Karneval im Bistrot“ (Musée Picasso, Paris), das sich Anfang 1909 in „Brot und Obstschale mit Früchten auf einem Tisch“ (Musée d“Art Basel) niederschlug.

Picasso beginnt, von Sammlern geschätzt zu werden; ein Freund der Steins, der gerade seine Drei Frauen gekauft hatte, der Schweizer Hermann Rupf erwirbt mehrere seiner Werke, und Dutilleul (ebenfalls ein Kunde von Braque) beginnt seine Sammlung. Im März 1909 erschien in der Zeitschrift Mercure de France ein Artikel von Charles Morice, in dem der Begriff Kubismus zum ersten Mal im Druck erschien. Im Mai reisten Picasso und Fernande nach Barcelona, um Familie und alte Freunde zu besuchen; im Atelier seines Freundes malte er ein Porträt von Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts). Elf Jahre nach ihrem ersten Besuch zogen sie nach Horta de San Juan, wo er Stillleben und zahlreiche Porträts von Fernande malte und zeichnete, darunter Nude Woman in an Armchair (Privatsammlung, Frankreich) und Bust of a Woman (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). Die in Paris begonnene Serie von Porträts von Fernande gipfelte in Woman with Pears (Fernande) (MoMA, New York). Außerdem schuf er sechs große Landschaften, darunter Der Stausee (Horta de Ebro) (MoMA, New York), Die Fabrik von Horta (Eremitage, St. Petersburg) und Häuser auf dem Hügel (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie, Berlin), die die Anfänge des analytischen Kubismus darstellen und auf Cézannes Konzepte des Reliefs, der „umgekehrten Perspektive“ und der Modellierung zurückgehen.

In den Werken, die er in Horta malte, wurden Bäume und natürliche Formen überflüssig, und das oberflächlich amorphe Gestein wurde analysiert und in Ebenen zerlegt und dann durch Überlagerung der Ebenen rekonstruiert; in einigen Fällen erstreckte sich die Geometrisierung bis zum Himmel, und das Ganze bot eine strenge Komposition mit einer Tiefe, die der traditionellen Perspektive nicht nachstand. Der Einsatz des Lichts war völlig willkürlich und diente ausschließlich dazu, Konturen zu betonen und Reliefs hervorzuheben. Dennoch war der Analytische Kubismus eher eine Revision als eine Ablehnung der Tradition; das Bild blieb ein illusorisches Fenster in eine dargestellte, rekonstruierte Welt. Der synthetische Kubismus stellt eine Negation der europäischen Tradition dar; die Collage durchbricht die Unantastbarkeit der Bildfläche, und die Darstellung der Wirklichkeit ist nicht mehr das Ziel des Bildes, sondern sein Ausgangspunkt.

Im September zog er nach Paris, in den Boulevard de Clichy 11. Er kehrte mit einer Fülle von Werken des neuen Stils zurück, die trotz der Ablehnung der von Vollard organisierten Ausstellung durch die Öffentlichkeit und die Kritiker von einem ausgewählten Sammlerkreis um Gertrude Stein und Sergej Schtschukin weiterhin gekauft wurden. In seinem neuen Atelier entwickelt er den Kubismus weiter, den er zu dieser Zeit nicht nur mit Braque, sondern auch mit einer Gruppe von Künstlern vom Montmartre teilt, die stark von dem neuen Stil beeinflusst sind, darunter Derain, der Spanier Juan Gris und Léger. Der Kubismus verbreitete sich in ganz Europa, mit dem Konstruktivisten und Suprematisten Malewitsch in Russland und Mondrian in den Niederlanden, obwohl beide gravierende Unterschiede zum Stil Picassos aufwiesen: Penrose zufolge führte ihr Streben nach einer reinen Geometrie der Formen sie weg vom Bildthema und hin zur Abstraktion, was nicht zu Picassos Instinkten passte, für den die Entfernung von Symbolen und poetischen Anspielungen aus der Malerei eine Form der Entmannung darstellte; es inspirierte auch die Futuristen um Marinetti in Italien und die Vortizisten in England, die ihre ästhetische Theorie auf die Form und die mechanische Bewegung und den Rhythmus stützten und versuchten, die Zeit in die bildliche Darstellung einzuführen. Aber Picasso strebte nicht nach der Entwicklung von Theorien oder Schulen; sein Bedürfnis war es, mit der Vergangenheit zu brechen und dem Kunstwerk ein eigenes Innenleben zu geben.

Im Atelier von Manuel Hugué schuf er Skulpturen wie den Kopf einer Frau (Fernande) (Picasso-Museum in Barcelona), inspiriert von den Gemälden, die er in Horta gemalt hatte. Fernande fühlte sich mit den Veränderungen in ihrer Umgebung und ihrem Lebensstil nicht wohl, sie sehnte sich nach der Spontaneität ihrer ersten gemeinsamen Tage.

Bereits 1909 malte Picasso eine Reihe von Porträts, in denen die Strenge seiner Disziplin auf der Suche nach einer neuen Raumkonzeption ihn dazu brachte, die Verwendung von Farbe immer weiter zu reduzieren; in den Landschaften von Horta und in Woman Sewing (Sammlung Claire B. Zeisler, Chicago), die im Winter 1909-1910 entstanden, beschränkte sich die Palette auf Ocker-, Grau- und Grüntöne, bis er diese Farbe eliminierte und zu einer Monochromie überging, die gelegentlich durch subtile Abstufungen von Grau- und Ockertönen durchbrochen wurde. Im Jahr 1910 malte er unter anderem Porträts von Ambroise Vollard (Puschkin-Museum, Moskau), Wilhelm Uhde (Pulitzer Collection, St. Louis) und Daniel-Henry Kaufmann (St. Louis). Trotz seiner fortschreitenden Tendenz, eher mit dem Auge des Denkens als direkt nach der Natur zu malen, arbeitete er in zahlreichen Sitzungen mit den Modellen, wie Gertrude Stein vor ihm; trotz des fortschreitenden Prozesses der analytischen Segmentierung von Raum und Form hielt Picasso die Physiognomie der Dargestellten fest.

Picasso und Fernande verbrachten den Sommer 1910 in Cadaqués (sie mieteten ein Haus am Meer und wurden von Derain und seiner Frau begleitet). Nach dem Urlaub kehrte Picasso mit unvollendeten Werken zurück, in denen sich eine Annäherung an die neue Sprache des Kubismus abzeichnete. Im Porträt von Daniel-Henry Kahnweiler, das er nach dem Urlaub malte, wird die Figur als dreidimensionale Struktur behandelt, die sich in räumlich versetzten Elementen in einem transparenten Geflecht manifestiert, das aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet wird und dennoch ein kohärentes Ganzes bildet, wie es auch in Gemälden wie Nude Woman Standing (Philadelphia Museum of Art) der Fall ist.

Während des Winters 1910 bis 1911 arbeiteten Picasso und Braque so eng zusammen, dass es schwierig ist, den Ursprung der Ideen, die sie beide in die Tat umsetzten, zurückzuverfolgen, und da sie ihre Bilder nicht signierten, war es manchmal schwierig, ihr eigenes Werk von dem des anderen zu unterscheiden; je weiter sie in ihrer Analyse des Objekts fortschritten, desto mehr hatten Picasso und Braque das Gefühl, dass sie den Bezug zu seiner erkennbaren Realität verloren. Die Einbeziehung von Realitätselementen in ihre kubistischen Kompositionen führte sie später zum Trompe-l“œil und von dort zur Erfindung der Collage, womit sie mit der Tradition brachen, nur ein Medium für ein Werk zu verwenden, und die Prinzipien der Malerei selbst in Frage stellten.

Im Juli 1911 reiste Picasso nach Céret, einem französischen Dorf in der historischen Region Roussillon. Fernande Olivier und Braque schließen sich ihm im August an, und die beiden Maler setzen ihre enge Zusammenarbeit bei der Definition des Kubismus fort. Sie schufen mehrere Gemälde, in denen sie das Impressum der lokalen Zeitung in ihre Werke einfügten, mit einer erkennbaren gotischen Typografie, wie z.B. Der Fächer (“L“Indépendant“) (Privatsammlung, Ascona, Schweiz). Am 5. September kehrte Picasso nach Paris zurück und präsentierte auf dem Salon d“Automne 1911 einen kubistischen Raum, in dem er und Braque nicht anwesend waren. Diese Tatsache schockierte die Presse in New York, Madrid und Amsterdam, die über das Ereignis berichteten, da sie als die Begründer des Stils bekannt waren; mehrere Artikel und Essays über Picasso und Braque wurden in ganz Europa veröffentlicht. Die Beziehung zu Fernande hatte sich verschlechtert, und im Herbst desselben Jahres lernte Picasso Eva Gouel (Marcelle Humbert) kennen, die bis dahin die sentimentale Lebensgefährtin des polnischen Malers Louis Markus war und die er in einigen seiner Gemälde ma jolie (meine Schönheit) nannte.

Anfang 1912 schuf Picasso die erste konstruierte Skulptur, die Gitarre (MoMA, New York), die aus Pappe, Schnur und Draht bestand. Picasso leitete einen Prozess ein, der zur Befreiung der Bildhauerei von klassischen Konzepten wie dem des Volumens und der Ersetzung des Modellierens oder Schnitzens durch alle Arten von konstruktiven Techniken führte, was einen revolutionären Wandel in der Bildhauerei bedeutete. In Anlehnung an die kubistische Collagetechnik, deren erstes Beispiel das im Frühjahr 1912 entstandene Stillleben mit geflochtenem Stuhl (Musée Picasso, Paris) ist, werden die Formen auf frei artikulierbare Flächen reduziert. Die Konzepte der Assemblage und der Konstruktion ermöglichten die Einführung neuer Techniken und Materialien; die Zersetzung des Volumens brachte neue Perspektiven, die Wertschätzung der Leere und des Lichts als gleichrangige skulpturale Elemente neben der Masse.

Zwischen 1912 und 1915 entwickeln Picasso und Braque die zweite Phase des Kubismus, in der sie in ihrem Werk ein Äquivalent der traditionellen Konzepte wiederfinden, die sie in der vorangegangenen Phase gebrochen oder eliminiert hatten; Formen, Gegenstände und Wörter werden erkennbar, während die Oberfläche wiederhergestellt wird; sie verwenden wieder eine solidere und brillantere Farbgebung, die Flächen sind klar umrissen und abgegrenzt, überschneiden sich und scheinen strukturierte Oberflächen und dekorative Muster zu enthalten.

Zwischen April und Mai 1912 fand in der Galeria Dalmau in Barcelona eine kubistische Ausstellung statt, bei der jedoch keine Werke von Picasso oder Braque gezeigt wurden. Die Beziehung zu Fernande endet; Picasso schreibt an Braque: „Fernande hat mich für einen Futuristen verlassen“. Am 18. Mai kam er mit Eva in Céret an, wo er einige Zeichnungen anfertigte, auf die er Tapeten aus dem 19. Jahrhundert und Tagebuchfetzen auftrug. Als Picasso im Juni erfährt, dass Fernande mit Pitxot und seiner Frau für den Sommer nach Céret fahren will, schreibt er an Kahnweiler, um ihm zu sagen, dass er nichts von ihm erwarten solle, dass er froh wäre, wenn er sie nie wieder sehen würde, während er gleichzeitig seine Liebe zu Eva bekräftigt und darauf hinweist, dass er sie in seine Bilder schreiben werde. Es ist wahrscheinlich, dass er zwischen Juni und September an dem Weiblichen Akt („J“aime Eva“) arbeitet (ein leichteres, farbenfroheres Werk mit einem Hauch von Säurefarben, in dem die Konstruktion der weiblichen Figur von der Collagetechnik abgeleitet ist, die er in seinen Zeichnungen verwendet). Um dem Besuch von Fernande zu entgehen, zieht er am 25. Juni in die Villa des Clochettes in Sorgues-sur-L“ouvèze. Braque ist von Cérets Gemälden beeindruckt, und Picasso bittet ihn um seine Meinung zu Violine (“Jolie Eva“) (Neue Staatsgalerie Stuttgart), in dem er Oberflächen malt, die Holz und Schriftstücke imitieren, oder zu Der Amateur (Le torero) (Kunstmuseum Basel). Braque zieht im August nach Sorgues, wo sie ihre Arbeit wieder aufnehmen und ihre künstlerischen Konzepte weiter skizzieren.

Im September 1912 besuchte er für einige Wochen Paris, um seinen Umzug in ein neues Atelier am Boulevard Raspail 242 zu organisieren, kehrte aber nach Sorgues zurück, wo er an Der Amateur (Le Torero) und Der Dichter (Kunstmuseum Basel) arbeitete. Die Verhärtung und Verflachung der Formen kennzeichnet den hermetischen Kubismus, der den Übergang zum synthetischen Kubismus einleitet. Ende September kehrt er mit Eva nach Paris zurück, um seine Sachen zu holen und das neue Atelier zu beziehen, wo sie am ersten Oktober einziehen. Mitte November beginnt er mit der ersten Serie von papiers collés, als Antwort auf Braques Arbeiten in diesem Medium, wobei er die Techniken der Assemblage und der Einbeziehung von Materialien in Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas) anwendet: auf einen Hintergrund aus bemaltem Papier klebt Picasso Papierfragmente, darunter eine Schlagzeile aus Le Journal, auf der er die Worte La bataille s“est engagé (Die Schlacht hat begonnen) festgehalten hat.

Mitte Dezember kehrte er nach Céret zurück, von wo aus er über die Weihnachtsfeiertage mit Eva nach Barcelona reiste. Am 21. Januar 1913 kehrte er nach Paris zurück, wo er mit der Arbeit an der Wand hängenden Violine (Musée des Beaux-Arts, Bern) begann, bei der er der Farbe Sand hinzufügte und in einer doppelten Imitation den Collageneffekt durch Flächen simulierte, die an die Scherenschnitte (die wiederum eine Holzstruktur imitieren) erinnerten, die Braque und Picasso in ihren Collagen zu verwenden pflegten, Zur gleichen Zeit fertigt er eine zweite Serie von Papiers collés an, für die er zeitgenössische Zeitungen aus Paris (in einigen davon verwendet er Le Figaro) oder aus Céret verwendet, in denen eine Zunahme der Abstraktion und eine größere Farbigkeit zu beobachten sind.

Ende Februar fand die erste Picasso-Retrospektive in Deutschland in der Modernen Galerie Heinrich Thannhauser in München statt; acht Werke von Picasso und drei von Braque wurden auch in die Internationale Ausstellung für Moderne Kunst (Armory Show) in New York in der 69th Regiment Armory aufgenommen, die später nach Chicago und Boston reiste, eines der einflussreichsten Ereignisse in der Geschichte der amerikanischen Kunst, bei dem auch Marcel Duchamps berühmter Akt, der eine Treppe hinuntergeht, gezeigt wurde.

Picasso und Eva kehrten im März 1913 nach Céret zurück, obwohl er noch mehrmals nach Barcelona reiste. Sein Vater starb Anfang Mai und Picasso nahm an seiner Beerdigung teil. Auch Evas Gesundheitszustand war nicht gut und verschlechterte sich im späten Frühjahr. Im Juni kehrte Picasso nach Paris zurück und erkrankte gleichzeitig an einer Angina oder Bronchitis (von der er sich Ende Juli erholte), ebenso wie Eva, die sich anscheinend nie wieder ganz erholte. Im August kehren sie nach Céret zurück, wo er das Werk Mann mit Gitarre (MoMA, New York) fertigstellt, das den entwickelten synthetischen Kubismus zeigt: fragmentierte Motive des analytischen Kubismus, die zu großen, flachen Formen synthetisiert werden, die „Zeichen“ von Objekten sind. Nach einem kurzen Aufenthalt kehrten sie am 19. August nach Paris zurück, wo sie mit dem Umzug in ein neues Atelier in der Rue Schoelcher 5bis, am Boulevard Raspail, mit Blick auf den Friedhof Montparnasse begannen. Dies war der Beginn der Periode, die als Poetischer Kubismus bekannt ist.

In der Zeit des Salon d“Automne schuf Picasso zwei wichtige Werke, den Kartenspieler (MoMA, New York), der viele Elemente der Trompe-l“oeil-Collage enthält, und die Frau im Hemd, die in einem Sessel sitzt (Privatsammlung, New York), die die Farben des analytischen Kubismus mit den schematischen Mustern des synthetischen Kubismus verbindet. Gegen Ende des Jahres besuchte der Russe Wladimir Tatlin, der sein Werk aus der Moskauer Schtschukin-Sammlung kannte, Paris, um Picasso und sein Atelier zu besuchen und dessen Konstruktionen zu sehen. Nach seiner Rückkehr nach Moskau schuf Tatlin seine ersten Konstruktionen.

1914 fertigt Picasso eine dritte Serie von Papiers collés an: Am 14. Januar veröffentlicht Kahnweiler Max Jacobs Die Belagerung von Jerusalem, illustriert von Picasso. Er arbeitete auch an seinen Konstruktionen, darunter The Glass of Absinthe (MoMA, New York), von dem sein Händler Kahnweiler sechs Exemplare in Bronze bestellte, die auf unterschiedliche Weise bemalt waren, einige stark farbig, andere mit sandiger Textur.

Ende Juni ziehen Picasso und Eva nach Avignon, in die Nähe von Derain, der sich in Montfavet aufhält, und Braque in Sorgues. Das Attentat von Sarajewo, bei dem der österreichische Erzherzog Franz Ferdinand und seine Frau ermordet wurden, war der Auslöser für den Ausbruch des Ersten Weltkriegs. Apollinaire beantragt die französische Staatsbürgerschaft, um sich als Freiwilliger zu melden; Braque und Derain werden mobilisiert; Picasso verabschiedet sie am 2. August 1914 am Bahnhof von Avignon. Im Herbst, noch in Avignon, eröffnet Karten, Gläser, Flasche Rum (Vive la France) (Sammlung Leigh B. Bloch, Chicago) die Periode des Pointillistischen Kubismus. Er arbeitet an einer Reihe von Zeichnungen von Männern, die sich an eine Balustrade, einen Tisch oder einen Stuhl lehnen, in einem Stil, der vom Naturalismus bis zum Kubismus reicht; die unvollendete Leinwand Der Künstler und sein Modell (Musée Picasso, Paris), vermutlich Eva, zeigt eine Tendenz zur Rückkehr zur gegenständlichen Figuration, die später wieder auftaucht.

Als er Mitte November nach Paris zurückkehrte, wurde Picasso aufgrund seiner ambivalenten Haltung zum Krieg und seiner Beziehung zu seinen deutschen Mäzenen Kahnweiler und Thannhauser sowie der Tatsache, dass die meisten jungen Männer an der Front waren, mit Misstrauen betrachtet. Im Winter malte er das Ölgemälde Stillleben: Gitarre, Zeitung, Glas und Kleeblatt (Musée Picasso, Paris), das die als Kalter Kubismus bezeichnete Periode einleitete, in der die Komposition in kalten Farben mit einer Dominanz von Blau ausgeführt wurde.

Im Januar 1915 fertigt er die Bleistiftzeichnung Porträt von Max Jacob (Musée Picasso, Paris) an, die einen naturalistischen Stil aufweist. Evas Gesundheitszustand verschlechtert sich weiter und sie wird operiert. Im Mai, während sie sich in einem Sanatorium befindet, hat Picasso eine Affäre mit Gabrielle Depeyre, mit der er im selben Jahr heimlich nach Saint-Tropez reist. Im August fertigt er eine weitere Zeichnung an, das Porträt von Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), mit einer klassischen Technik und einer fast fotografischen Ähnlichkeit. Zeichnungen dieser Art waren noch zeitgleich mit kubistischen Gemälden, wie Harlekin (MoMA, New York), eine strenge Komposition großer monochromer geometrischer Flächen auf schwarzem Grund, Teil einer langen Serie zu diesem Thema, die als Allegorie des Verlustes verstanden werden kann, insbesondere der tödlichen Krankheit von Eva, die im November ins Auteil-Krankenhaus verlegt wurde. Picasso hatte eine sehr schwere Zeit, „mein Leben ist die Hölle“, schrieb er an Gertude Stein. Eva starb am 14. Dezember 1915.

Während des Krieges konzentriert sich sein Werk auf kubistische Stillleben und Porträts im naturalistischen Stil; Kubismus, Pointillismus, Manierismus und Neoklassizismus koexistieren in seinem Werk ab 1917. Nach Kriegsende arbeitet Picasso zwar weiterhin gleichzeitig in diesen unterschiedlichen Stilen, tendiert aber allmählich zu einem neoklassizistischen Stil, der sich 1920 voll entfaltet und sein Interesse bis 1924 aufrechterhält.

Die Ballets Russes

Im Jahr 1916 hatte er Beziehungen zu zwei Frauen: Gabrielle Lespinasse, ein Showgirl aus Montparnasse, mit der er eine folgenlose Affäre hatte, und Elvira Paladini, sinnlich und sybaritisch, deren Anwesenheit eine gewisse Vorahnung von Italien in Picassos Werk hervorrief. Im März kehrte Apollinaire verwundet von der Front zurück, und Picasso fertigte in den folgenden drei Monaten mehrere Zeichnungen an, die ihn porträtierten, darunter das Porträt von Apollinaire (Privatsammlung), ebenfalls im realistischen Stil. Im Juni begann er, in die Rue Victor-Hugo 22 im Stadtteil Montrouge zu ziehen. Er malte mehrere Porträts von Elvira Paladini und Apollinaire in einem realistischen Stil und mehrere Zeichnungen von Harlekins, die an die rosarote Zeit erinnern. Die erste öffentliche Ausstellung von Les Demoiselles d“Avignon fand im Juli auf dem Salon d“Automne statt, der von André Salmon organisiert wurde. Wie beim Kubismus waren die Kritiker ziemlich hart zu einem Werk, das sie nicht verstehen konnten.

Nach einigen vorangegangenen Besuchen lud ihn Jean Cocteau, den er im Dezember des Vorjahres kennengelernt hatte, am 1. Mai ein, das Bühnenbild für das von Sergéi Diágilev geleitete Ensemble der Ballets Russes mit einem Libretto von Cocteau selbst und Musik von Erik Satie zu entwerfen; während seines Besuchs sollte er ein realistisches Porträt des Schriftstellers anfertigen. Ende Mai nahm Cocteau Diágilev zu sich ins Atelier, wo sie die Pläne für das Ballett Parade besprachen. Im August 1916 erklärte er sich schließlich bereit, an dem Ballett Parade mitzuarbeiten. Picasso nahm mehrere Änderungen an dem Werk vor, die Satie besser gefielen als Cocteau. Im September einigten sie sich schliesslich, und im Januar 1917 bestätigte er mit Diágilev die Vereinbarung, die Bühnenbilder und Kostüme für das Ballett für die Summe von 5000 Franken anzufertigen, mit zusätzlichen 1000 Franken, wenn er nach Rom gehen musste. Zwischen Februar und März arbeitete er an dem Vorhang für das Ballett Parade (Musée National d“Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris).

Am 19. Februar traf er mit Cocteau in Rom ein, um sich Diagilev und den Ballets Russes anzuschließen. Er wohnte acht Wochen im Grand Hôtel de Russie an der Ecke Via del Babuino und Piazza del Popolo, wo er viele Zeichnungen der Villa Medici von seinem Fenster aus anfertigte. In einem gemieteten Atelier in der Via Margutta 53b fertigte er zahlreiche Skizzen für die Kostüme und Dekorationen des Balletts an. Wenn er nicht arbeitete, verkehrte er mit Diagilew, dem Choreographen des Theaterstücks Léonide Massine, dem Bühnenbildner Léon Bakst, Cocteau und Igor Strawinsky, von denen er schnelle Porträts und Karikaturen anfertigte. Er traf auch die italienischen Künstler des Futurismus und besuchte mit ihnen die berühmten Sehenswürdigkeiten der Stadt, die Sixtinische Kapelle, die Raffael-Säle und die vatikanischen Skulpturenmuseen. Sein Aufenthalt in Rom weckte sein Interesse für den akademischen Stil von Ingres, dessen Einfluss sich in den folgenden Jahren in seinem Werk widerspiegeln sollte. In dieser Zeit lernte er die Tänzerin Olga Jojlova kennen, ein Mitglied von Diagilevs Kompanie, die er schließlich heiratete.

Im März 1917 nahm Diagilev Picasso, Strawinsky, Cocteau und Massine mit auf eine Reise nach Neapel, von wo aus sie die Ruinen von Herculaneum und Pompeji besuchten. Damals erschien in Paris die avantgardistische Literaturzeitschrift Nord-Sud, die während ihres kurzen Bestehens ein wirkungsvolles Forum für die avantgardistische Auseinandersetzung mit dem Kubismus war und versuchte, die Pariser Zentren der traditionellen und der avantgardistischen Literatur, Montmartre und Montparnasse, zusammenzubringen. Viele der Schriftsteller, die den Surrealismus prägen sollten, haben daran mitgewirkt: Apollinaire (der den Begriff um diese Zeit prägte), André Breton, Louis Aragon und Tristan Tzara, um nur einige zu nennen. Im April kehrte Cocteau nach Paris zurück, und Picasso schloss sich der Kompanie der Ballets Russes auf ihrer Italienreise an, um in der Nähe von Olga zu sein, wobei er durch Florenz (wo er die Medici-Kapelle mit den Gräbern von Michelangelo besuchte) und Venedig reiste.

Nach der Italien-Tournee reiste das Ensemble Ende April nach Paris, wo am 18. Mai 1917 die Uraufführung von Parade im Théâtre du Châtelet stattfand. Die Kombination von avantgardistischen Stilen in Kunst, Musik und Choreographie in einer vom Krieg geprägten Zeit in Europa machte das Werk zu dem von Diágilev erhofften Skandal, da es als „offensiv antifranzösisch“ gebrandmarkt wurde. Apollinaire bemerkte in seinem Essay für das Programmheft des Balletts, dass die Synthese von Picassos Entwürfen und Massines Choreographie zum ersten Mal eine Art „Surrealismus, in dem ich den Ausgangspunkt einer Reihe von Manifestationen dieses Neuen Geistes sehe“, erreiche. Die Presseberichte waren dagegen schrecklich: Zwischen Mai und Juni schuf er ein realistisches Selbstporträt (Musée Picasso, Paris) und Die Augen des Künstlers (Musée Picasso, Malaga).

Picasso war in Olga verliebt und begleitete die Ballets Russes nach Madrid, wo sie im Juni auftraten. Beeinflusst von Olga und seinen Kontakten mit dem Ensemble verkehrte Picasso in der Madrider High Society. Am 23. Juni kamen sie in Barcelona an, wo die Ballets Russes im Teatro del Liceo Las Meninas aufführten. Ende des Monats reiste die Gesellschaft nach Südamerika ab, während Olga und Picasso, die bereits verlobt waren, vier Monate in Barcelona blieben, wo seine katalanischen Künstlerfreunde Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, die Brüder Vidal und Francisco Iturrino ihm im Juli ein Willkommensbankett in den Galerías Layetanes gaben. Er malte den naturalistischen Harlekin von Barcelona (Picasso-Museum, Barcelona) und Olga Jojlova mit einer Mantille (Picasso-Museum, Málaga); Frau in spanischem Kleid (La Salchichona) (Picasso-Museum, Barcelona), in divisionistischer Technik; in kubistischem Stil Frau im Sessel sitzend (Personage) (Picasso-Museum, Barcelona) und Obstschale (Picasso-Museum, Barcelona). Außerdem fertigte er zahlreiche Zeichnungen von Stierkämpfen sowie Porträts und Zeichnungen von Olga.

Im November kehrten die Ballets Russes nach Spanien zurück; sie führten in Barcelona die Parade auf, die nur lauwarm aufgenommen wurde; während der Aufführung stellten Picassos Schwester Lola und ihr Mann ihm den damaligen Kunststudenten Joan Miró vor. Ende November bereiten sich Olga und Picasso auf ihre Rückkehr nach Paris vor.

Das Jahr 1918 markiert den Beginn dessen, was Max Jacob als die Herzogin-Periode bezeichnete, die um 1923 endete. Vom 23. Januar bis zum 15. Februar 1918 stellt Picasso zusammen mit Matisse in der Galerie von Paul Guillaume eine Reihe von proto-kubistischen Gemälden aus. In einem Klima, das dem Kubismus immer noch feindlich gesinnt war, wurde die Ausstellung von der Presse stark beachtet; es ist möglich, dass Les Demoiselles d“Avignon Teil der Ausstellung war. Er vollendete ein Porträt von Olga in einem Sessel (Olga bestand darauf, dass ihre Porträts erkennbar sein sollten.

Zwischen April und Mai zog er mit Olga in das Hotel Lutetia, ein mondänes First-Class-Hotel am Boulevard Raspail; sein Lebensstil änderte sich, er verkehrte im Kreis der Ballets Russes und bewegte sich in der High Society. Am 12. Juli heiratete er Olga, zunächst im Rahmen der gesetzlich vorgeschriebenen Zeremonie und dann in einer dreistündigen Messe in der russisch-orthodoxen Kirche in der Rue Daru in Paris. Ihre Familien waren nicht anwesend, und Picasso bat Jean Cocteau, Max Jacob und Apollinaire, als Zeugen aufzutreten. Nach der Hochzeit weigerte sich Olga, nach Montrouge zu fahren und sagte, dass sie niemals in dieses Haus zurückkehren würde, „das nach zu vielen Frauen roch“. Am 30. Juli kamen sie zu ihrer Hochzeitsreise in Biarritz an und wohnten in der Villa La Mimoseraie, die ihrer chilenischen Freundin Eugenia Errázuriz gehörte. Dort entwickelt er maritime Themen wie Die Badenden (Musée Picasso, Paris) in einem manieristischen Stil, der an seine langgestreckten, vom Stil El Grecos inspirierten Figuren erinnert. Seine Gastgeberin machte ihn mit den Kunsthändlern Georges Wildenstein und Paul Rosenberg bekannt; Rosenberg schloss im Auftrag von Wildenstein einen Vertrag mit Picasso ab. Er schuf einige Porträts im neoklassizistischen Stil von Ingres von seinen Frauen und den Besuchern der wohlhabenden Gesellschaft.

Ende September kehrte er mit Olga nach Montrouge zurück. Paul Rosenberg wurde Picassos offizieller Händler, der nur eine mündliche Vereinbarung mit Picasso akzeptierte und dem Händler die erste Wahl der Werke des Künstlers überließ; Daniel-Henry Kahnweiler war sein Händler von 1907 bis zum Ausbruch des deutsch-französischen Krieges, der ihn zwang, in die Schweiz zu gehen. Am 8. Oktober mietet Picasso eine große Wohnung in der Rue de La Boëtie. Wahrscheinlich lernte er zu dieser Zeit Louis Aragon kennen, und durch ihn und Apollinaire André Breton. Kurz darauf, am 9. November 1918, zwei Tage vor der Unterzeichnung des Waffenstillstands von Rethondes zur Beendigung des Ersten Weltkriegs, starb Apollinaire in seiner Wohnung am Boulevard Saint-Germain an der Spanischen Grippe. Von da an besuchte Picasso jedes Jahr an diesem Tag das Grab seines Freundes auf dem Friedhof Père-Lachaise.

Im Laufe des Jahres 1919 setzt er die gleichzeitige Arbeit an kubistischen und realistischen Werken fort. Er schuf einige realistische Werke, in denen eine gewisse Monumentalität und skulpturale Schwere in den Figuren zu erkennen ist, wie z. B. das Stillleben mit Krug und Äpfeln (Musée Picasso, Paris) im robusten, klassischen Stil des späten Ingres, ein skulpturaler Charakter und eine massive Erscheinung in den Figuren, die in seinen neoklassizistischen Werken von 1920 deutlich werden sollten.

Die Ankunft der Ballets Russes in London nach dem Krieg fiel in eine Zeit, in der das Interesse an der Kunst, insbesondere an der Avantgarde, in Mode war, und das Ballett ermöglichte eine Kombination aus dem Prestige großer Tänzer und dem Skandal junger revolutionärer Künstler, die sowohl Snobs als auch Intellektuelle anlockte. Das Ballett ermöglichte es, das Prestige großer Tänzer mit dem Skandal junger revolutionärer Künstler zu verbinden, was sowohl den Snobs gefiel als auch die Intellektuellen anzog. Im Mai traf Picasso in London ein, wo Diagilev ein neues Ballett mit Musik von Manuel de Falla vorbereitete, El sombrero de tres picos, das auf dem gleichnamigen Roman von Pedro Antonio de Alarcón basiert. Picasso war begeistert von der Geschichte, die im Süditalien des 18. Jahrhunderts spielt, und von der Möglichkeit, wieder mit Massine und zum ersten Mal mit Falla zu arbeiten. Während seines dreimonatigen Aufenthalts in London fertigte er zahlreiche Skizzen, Zeichnungen und Aquarelle für das Bühnenbild, die Kostüme und den Vorhang an, die er persönlich malte, unterstützt von Wladimir Polunin und seiner Frau Elizabeth. Wenn sie nicht gerade mit den Ballettproben beschäftigt waren, verkehrten sie in der englischen Gesellschaft, wo Picasso viele Künstler und Schriftsteller traf.

Die Uraufführung von El sombrero de tres picos am 22. Juli 1919 im Alhambra-Theater war ein großer Erfolg, der bald zur Eröffnung spanischer Tanzschulen in London führte. Massine hatte die Rhythmen des Flamenco erlernt und wandte sie auf die Choreografie der Tänzer an, deren Kostüme der Handlung angepasst waren. Picasso hatte instinktiv Kurven und Zickzacklinien verwendet, Motive, die für spanische Bauernkarren charakteristisch sind, Rhythmen, die wahrscheinlich von arabischen kalligrafischen Arabesken abstammen. Der Kontrast von Grün, Rosa, Rot und Schwarz erinnert ebenfalls an Spanien. Der Kritiker Jean Bernier schrieb: „Alle Kostüme sind ausnahmslos voller Wärme und Kraft, gemildert durch einen sehr andalusischen Sinn für Würde“.

Mit dem Erfolg des Balletts ging auch das gesellschaftliche Leben einher; Picasso und Olga wurden zu Olgas Freude zu einer Reihe von Partys der High Society eingeladen. Im August kehrten Olga und Picasso nach Paris zurück, von wo aus sie nach Saint-Raphaël an der Côte d“Azur fuhren; wahrscheinlich beobachtete Picasso auf der Zugfahrt die Ernteszene, die er in Die Siesta darstellte. Das Thema der Fenster von Saint-Raphaël, das er in jenem Sommer in zahlreichen Aquarellen und Zeichnungen bearbeitete, blieb in Picassos Werk nach seiner Rückkehr nach Paris im Herbst bis in die frühen 1920er Jahre bestehen.

Als er sich in seiner Wohnung in der Rue de la Boëtie niederließ, entfernte sich Picasso allmählich von dem Bohème-Leben, das er vor dem Krieg geführt hatte; sein Privatleben verlief ruhiger, obwohl man ihn elegant gekleidet auf Cocktailpartys oder bei einem Abendessen mit Olga in Chanel-Kleidung sehen konnte. Seine Zusammenarbeit mit den Ballets Russes und den Kunsthändlern Léonce und Paul Rosenberg verschaffte ihm eine größere Aufmerksamkeit und Sichtbarkeit bei der Kritik.

Im Dezember 1919 lud ihn Diagilev, der nach der Londoner Saison nach Paris zurückgekehrt war, ein, an einem neuen, von der Commedia dell“Arte inspirierten Ballett, Pulcinella, mit Musik von Strawinsky mitzuarbeiten. Diagilev lehnte die ersten Entwürfe als zu modern und verschnörkelt ab, und Picasso vereinfachte sie später. Diagilev lehnte die ersten Entwürfe als zu modern und verschnörkelt ab; Picasso vereinfachte sie später. In den frühen 1920er Jahren entwickelte er eine große Anzahl von Skizzen und Studien für Pulcinella.

Am 23. Januar 1920 wurde Der Dreispitz im Théâtre National de l“Opéra in Paris aufgeführt, wozu er seinen Freund Max Jacob einlud, den er seltener sah. Auf dem Weg zum Theater wurde Jacob von einem Auto angefahren und ins Krankenhaus eingeliefert; Picasso besuchte ihn häufig im Krankenhaus, aber danach sahen sie sich immer seltener, da Jacob ein weniger ausgelassenes und öffentliches Gesellschaftsleben suchte.

Massines Idee für das Ballett entstand aus den Straßenaufführungen, die sie 1917 auf ihrer Reise nach Neapel sahen. Gemeinsam mit Diagilev entwickelten sie das Libretto auf der Grundlage alter neapolitanischer Texte; Strawinskys Musik ist eine Bearbeitung der Musik von Giovanni Battista Pergolesi, einem italienischen Komponisten des 18. Picassos erste Skizzen waren in einem Pseudo-Rokoko-Stil gehalten, den er nach der anfänglichen Ablehnung durch Diagilev zu einem kubistisch anmutenden Stil mit großen, flachen Flächen in Blau, Grau und Weiß vereinfachte, über denen sich die Kostüme der Figuren, die auf dem Stil der traditionellen Figuren der Commedia dell“Arte basieren, abheben. Pulcinella wurde am 15. Mai 1920 am Théâtre National de l“Opéra in Paris uraufgeführt.

Dieser Stil der Pulcinella-Vertonungen wurde von Picasso auf die Malerei übertragen, wie man in Pulcinella mit einer Gitarre vor einem Vorhang (Massine grüßt) sehen kann; die Farben sind lebhaft, aber nicht schrill, und die gemalte Oberfläche wurde völlig flach. Während des Sommers in Juan-les-Pins entwickelte er diesen Stil und diese Thematik in einer Reihe von farbenfrohen, geometrischen und flachen Gouachen zur Commedia dell“Arte weiter, wie Pierrot und Harlekin (National Gallery of Art, Washington). Im September, immer noch in Juan-les-Pins, fertigt er eine Reihe von Zeichnungen und Aquarellen zu einem Thema der mediterranen Antike an, eine Episode der versuchten Entführung von Deyanira, der Gattin des Herkules, durch den Zentauren Nessus, inspiriert von den pompejanischen Fresken, die er 1917 auf seiner Reise nach Neapel gesehen hatte.

Am 4. Februar 1921 wurde sein erster Sohn, Pablo, geboren. Im Frühjahr begann er mit den Studien für Cuadro flamenco, ein weiteres Ballett von Diagilev, der dieses Mal eine Gruppe von acht andalusischen Tänzern und Sängern engagierte, für die Falla populäre Musik arrangierte. Ursprünglich war es bei Juan Gris, ebenfalls einem Spanier, in Auftrag gegeben worden, aber Picasso kam ihm mit der Begründung zuvor, dass Gris krank sei und keine Zeit habe, das Projekt so kurzfristig zu entwickeln, und präsentierte die Idee, die er in Pulcinella aufgegeben hatte, nämlich einen Vorhang mit Rokoko-Ornamenten und Proszenien mit Paaren, die der Show zuschauen, wie sie in Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Paris) zu sehen ist. Die Beziehung zu Gris kühlt sich in der Folge ab, was bis zu seinem Tod 1927 anhält. Am 22. Mai wird das Werk im Théâtre de la Gaîté-Lyrique uraufgeführt. Das Titelblatt des Programms zeigt vier Akte am Strand in einem neoklassizistischen Stil, der anderen Werken aus dieser Zeit ähnelt. Nach seiner Rückkehr nach Paris setzt er seine Arbeiten im monumentalen neoklassizistischen Stil fort.

Um der Hitze Südfrankreichs zu entgehen, zog er im Sommer mit Olga und Pablo nach Fontainebleau. Der Sommer in Fontainebleau war sehr produktiv, mit einer Mehrheit von Werken im neoklassischen skulpturalen Stil. Die Hauptmotive sind Mutter und Kind und Frauen am Brunnen; diese sind in Mutter und Kind am Meer (Art Institute of Chicago) und Drei Frauen am Brunnen (Musée de l“Orangerie, Paris) zu sehen, mit griechisch-römischer Kleidung und Frisur. Er schuf auch zwei Meisterwerke im synthetisch-kubistischen Stil: Musiker mit Masken (MoMA, New York) und Musiker mit Masken (Drei Musiker) (Philadelphia Museum of Art); die Themen erinnern an seine Zusammenarbeit mit den Ballets Russes, insbesondere einige der Studien für Harlekine und Pierrots aus Pulcinella.

1922 begann Breton, Jacques Doucets Berater in Kunstfragen, ihn davon zu überzeugen, dass es wichtig sei, seine Sammlung moderner Kunst um bedeutende Werke von Picasso zu ergänzen, was 1924 zum Erwerb von Les Demoiselles d“Avignon führte. Im Juni, während eines Besuchs in Dinard (Bretagne), malt er Zwei Frauen, die am Strand laufen (Das Rennen) (Musée Picasso, Paris), eine Idealisierung der monumentalen Figuren, die er 1921 gemalt hatte, mit einem neuen Element, der Behandlung der Bewegung, die später als Modell für die Kulisse von Diagilevs Le Train Bleu (1924) diente. Er fertigte auch einige Skizzen seines Sohnes und seiner Frau und seines Sohnes an, die in Familie am Meer (Musée Picasso, Paris) zu sehen sind. Am 20. Dezember 1922 wurde Jean Cocteaus modernisierte Adaption von Sophokles“ Antigone am Théâtre de l“Atelier in Montmartre (Paris) uraufgeführt. Das Stück hatte Bühnenbilder von Picasso, Kostüme von Coco Chanel und Musik von Arthur Honegger.

1923 setzte Picasso das Harlekin-Thema fort; er malte mehrere Porträts von Jacint Salvadó als Harlekin verkleidet in einem weniger monumentalen und mehr lyrischen Stil, sowie Porträts seines Sohnes Pablo und seiner Frau Olga und das Porträt von Doña María (der Mutter des Künstlers) (Privatsammlung). Er malte auch Porträts seines Sohnes Pablo und seiner Frau Olga sowie das Porträt von Doña Maria (der Mutter des Künstlers) (Privatsammlung). In diesem Sommer kehrte er an die Riviera zurück und ließ sich mit Olga und Pablo in Antibes nieder. Er schuf die Flöte des Pan (Musée Picasso, Paris) sowie mehrere Zeichnungen und Skizzen zum selben Thema. In Antibes besuchte er zahlreiche Urlauber aus der Gesellschaft, wie den Maler Gerald Murphy und seine Frau Sarah (Beaumont bat ihn, das Bühnenbild und die Kostüme für das Mercure zu entwerfen, das im Sommer 1924 eröffnet werden sollte).

Der Choreograph Léonide Massine hatte die Ballets Russes verlassen, um im Sommer 1924 ein Ballett für den Grafen Étienne de Beaumont in einer Reihe von Privatvorstellungen, den Les Soirées de Paris, zu inszenieren, um der russischen Aristokratie zu helfen. Mit der Musik von Erik Satie und den Bühnenbildern und Kostümen von Picasso inszenierte Massine mit Mercure das seltsamste und originellste Ballett seit Parade: Die kantigen Flächen und geraden Linien von Parade wurden durch geschwungene und gewellte Linien, gewundene Silhouetten im Bühnen- und Kostümdesign ersetzt. Die Premiere von Mercure am 18. Juni im Théâtre de la Cigale wurde von Kritikern und Publikum schlecht aufgenommen. Einige Surrealisten kritisierten Picassos Beteiligung an einem bürgerlichen Projekt zugunsten der Aristokratie, doch Breton verteidigte Picassos künstlerische Arbeit und erklärte in seinem Essay Hommage à Picasso: „Was mich betrifft, halte ich Picassos Mitarbeit am Mercure für das wichtigste künstlerische Ereignis der letzten Jahre.

Zwei Tage später wurde Le train bleu, die letzte Zusammenarbeit mit den Ballets Russes von Sergei Diagilev, im Théâtre des Champs-Elysées aufgeführt. Den Vorhang malte der Bühnenmaler Alexander Shervashidze nach Picassos Gouache Two Women Running on the Beach (The Race). Der Vorhang wurde von dem Bühnenmaler Alexander Shervashidze nach Picassos Gouache Zwei Frauen, die am Strand laufen (Das Rennen) gemalt und von Picasso selbst mit „Diágilev Picasso 24 gewidmet“ unterzeichnet.

Im Sommer 1924 zog er in die Villa La Vigie in Juan-les-Pins. Picasso entwickelt in einem Skizzenbuch eine Reihe von präsurrealistischen Zeichnungen, Konstellationen von Linien und Punkten, die Jahre später für eine von Ambroise Vollard vorbereitete illustrierte Ausgabe von Honoré de Balzacs Le Chef-d“œuvre Inconnu verwendet werden; zum Geburtstag seines Sohnes malt Picasso jedes Jahr Porträts des Jungen; 1924 malt er Pablo de harlequin (Musée Picasso, Paris).

Die Kontroverse um die Soirées de Paris weitete sich im Laufe des Sommers aus und führte zu einer Spaltung der Ex-Dadaisten, bei der Bretons Gruppe einer anderen Gruppe um Ivan Goll gegenüberstand. Im Oktober veröffentlicht Breton das Surrealistische Manifest, in dem er die künstlerischen Konsequenzen aus Sigmund Freuds Theorie der Psychoanalyse und der Traumdeutung darlegt. Der von Apollinaire 1917 geprägte Begriff Surrealismus wurde von Breton als Name für seine Gruppe übernommen. Obwohl Picasso sich nie offiziell der surrealistischen Bewegung anschloss, wurde sein Werk von Breton ebenso bewundert wie von Tristan Tzara und den Dadaisten. In acht der elf Ausgaben von La Révolution Surréaliste, die zwischen 1924 und 1929 erschienen, sind Picassos Werke abgebildet.

Surrealismus

Seit seiner Heirat mit Olga und der Geburt des ersten Sohnes, Pablo, führte Picasso ein glückliches Familienleben; er war gesellschaftlich sehr aktiv und verkehrte abwechselnd mit der Pariser Aristokratie und der Intelligenz; die Kritiker der Avantgarde lobten seine künstlerischen Leistungen, obwohl sie sich auf die formalen Aspekte konzentrierten und die intuitiven und psychologischen Elemente seines Werks ignorierten. Von der Gesellschaft und den Kritikern akzeptiert, wird Picasso als Teil der französischen Tradition gesehen, die sich von den Possen der neuen Generation der antibürgerlichen Dadaisten abhebt, die von der Gruppe, die als Surrealisten bekannt werden sollte, verdrängt werden.

1925 malte er zum vierten Geburtstag seines Sohnes Pablo de pierrot (Musée Picasso, Paris) in einem naturalistischen Stil, ähnlich dem Harlekin-Porträt, das er im Jahr zuvor gemalt hatte. Er malte auch Der Tanz (Tate Modern, London), ein entscheidender Moment in Picassos Entwicklung, nach einer Periode, in der er sowohl in einer dekorativen Form des synthetischen Kubismus als auch in einem neoklassischen figurativen Stil arbeitete. Der Tanz ist beiden Stilen verpflichtet, aber seine Bedeutung liegt in der Tatsache, dass er einen Bruch mit einer ruhigen, klassischen Phase und den Beginn einer neuen Periode emotionaler Gewalt und expressionistischer Verzerrung markiert.

Der Tanz markiert den Beginn von Picassos surrealistischer Periode zwischen 1925 und 1938. Der expressionistische Charakter des Gemäldes symbolisiert Picassos wachsende Gereiztheit gegenüber Olga und Frauen im Allgemeinen; verletzt durch den Tod seines Freundes Ramon Pichot, glaubte er, dass seine Frau Germaine, die die Ursache für Casagemas“ Tod war, seinen Freund zerstörte, so wie Olga ihn zerstörte. Die Trauer über den Tod von Pichot wurde durch den Tod des Musikers Erik Satie im Juli noch verstärkt, und im Sommer malte er in Juan-les-Pins den Kuss (Musée Picasso, Paris), der in seinem Geist noch aggressiver ist als Der Tanz. Das Motiv der sich überlagernden Köpfe, das in der Frauenfigur und nicht in der Skulptur auftaucht, wird sich in seinem späteren Werk fortsetzen. Die irrationalen Qualitäten dieser Werkreihe wie auch die der ersten kubistischen Werke findet Breton analog zur Theorie des Automatismus, die von den surrealistischen Künstlern praktiziert wird.

In dem Essay „Surrealismus und Malerei“, der im Juli 1925 in der Ausgabe 4 der Zeitschrift La Révolution Surréaliste veröffentlicht wurde, erklärte Breton Picasso zu einem vorbildlichen Maler und bezeichnete ihn als Surrealisten, wobei er darauf hinwies, dass es unmöglich sei, ein Etikett zu verwenden, das sein Werk einschränken würde: „Das Etikett “Kubist“ hat diesen Fehler gemacht. Im November findet in der Galerie Pierre in Paris die Ausstellung „Exposition: La Peinture Surréaliste“ statt, auf der zwei frühe kubistische Gemälde von Picasso sowie Werke von Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray und Pierre Roy zu sehen sind; Breton und Robert Desnos schreiben das Vorwort zum Katalog. Maurice Raynal schrieb in seiner Besprechung der Ausstellung in L“intransigeant: „Der „Vater des Kubismus“ ist der Adoptivsohn der Surrealisten geworden! Im November begleitete Picasso seine Mutter, die die Ferien mit ihnen an der Küste verbracht hatte, nach Barcelona. Dort lernte er Dalí kennen und besuchte seine erste Einzelausstellung in der Galerie Dalmau.

Im Jahr 1926 arbeitet er in einem Stil, der als kurvilinearer Kubismus bezeichnet wird und die gewundenen Oberflächen des dekorativen Kubismus, die Überlagerung von Köpfen auf Figuren und die gekrümmten Verformungen, die in den Zeichnungen von Sternbildern erforscht werden, mit einem kubistischen Gitter verbindet. Dies zeigt sich in den Werken Die Schneiderinnen (Musée National d“Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris) und Der Maler und sein Modell (Musée Picasso, Paris), monochrome Werke in Grau, Schwarz, Weiß und Zimt-Ocker. Er fertigte auch mehrere Porträts an, die eine gewisse Ähnlichkeit mit Marie-Thérèse Walter aufweisen, einem jungen Mädchen im Teenageralter, dem er nach Ansicht einiger Autoren Anfang 1925 am Pariser Gare Saint-Lazare zum ersten Mal begegnete. Auch das Motiv der sich überlagernden Köpfe arbeitet er weiter aus.

Im April wird er von Dalí in seinem Atelier besucht; trotz ihrer gegenseitigen Bewunderung werden die beiden Künstler keine engen Freunde. Seine Empfehlung an Diagilev, mit Miró und Max Ernst an den Kulissen und Kostümen für seinen Romeo und Julia zu arbeiten, führte dazu, dass Letzterer mit dem Ausschluss aus der surrealistischen Gruppe bedroht wurde, die sich gegen die Zusammenarbeit mit einer „bürgerlichen Produktion für die High Society“ aussprach.

Im Januar 1927 lernte er Marie-Thérèse Walter, eine siebzehnjährige Blondine, vor den Galeries Lafayette in Paris kennen (obwohl einige Autoren das Datum zwei Jahre früher ansetzen). Innerhalb von sechs Monaten wurden sie ein Liebespaar. Obwohl sie ihre Beziehung bis zur Geburt ihrer Tochter Maya im Jahr 1935 geheim hielten, tauchten Hinweise auf Marie-Thérèse schon bald nach seiner Begegnung in seinem Werk auf. Die ehelichen Spannungen mit Olga wuchsen, sein Leben wurde sehr kompliziert, da er versuchte, ihre Beziehung geheim zu halten. Er verbrachte einen unglücklichen Sommer in Cannes, wo er sich nach Marie-Thérèse sehnte, während Olga sich darüber ärgerte, dass Picasso nie bei den von ihm organisierten gesellschaftlichen Anlässen anwesend war.

Im Spätsommer fertigt er ein Album mit Zeichnungen an, Carnet des Métamorphoses, in dem er biomorphe Badende mit elefantösen skulpturalen Formen ausstattet, deren sexuelle Attribute monumentale Ausmaße erreichen, wie in Badende im Cockpit (Weibliche Figur) (Musée Picasso, Paris) zu sehen ist. Obwohl es sich wahrscheinlich um Studien für ein Apollinaire-Denkmal handelt, schrieb Christian Zervos 1929, dass Picasso sie als Denkmäler für die Croisette vorschlug, die elegante Promenade, die den Strand von den großen Hotels in Cannes trennt. Ende 1927, zurück in Paris, arbeitet er mit dem Drucker Louis Fort an einer Serie von dreizehn Radierungen zum Thema „Künstler und Modell“ im Auftrag von Vollard für das Buch Le Chef-d“œuvre Inconnu, das er 1931 veröffentlichen wird.

Im Januar 1928 schuf er eine große Collage mit dem Titel Der Minotaurus (Musée National d“Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris), bestehend aus zwei Beinen, die aus einem Stierkopf herauswachsen, das erste Auftauchen des mythologischen Themas des Minotaurus, halb Mensch, halb Stier, in seinem Werk, das 1937 in Guernica seinen Höhepunkt fand. Auch das Thema der biomorphen Badenden und des Malers und seines Modells setzt er fort.

Im März 1928 nahm er seine Freundschaft mit dem Bildhauer Julio González wieder auf, dessen Atelier in der Rue de Médéah er häufig besuchte, um die Schweißtechniken weiter zu erlernen. Im Juni schuf er seine erste dreidimensionale Skulptur seit 1914, die Bronze Metamorphosis I (Bather) (Musée Picasso, Paris), die auf Zeichnungen von Marie-Thérèse aus dem Jahr 1927 basiert.

Im Sommer zog er mit Olga und Pablo nach Dinard in der Bretagne, wo er Marie-Thérèse heimlich in einem nahegelegenen Ferienlager für Kinder unterbrachte und sie in seine bevorzugten sadomasochistischen Sexualpraktiken einweihte. Er setzte die Arbeit am Thema der biomorphen Badenden in Gemälden und Zeichnungen fort, wie z. B. Bather and Cabin (MoMA, New York) und eine Reihe von Studien über Konstruktionen aus geschweißtem Metall, die sich an Konstellationen von Punkten orientieren, die durch ein Liniennetz verbunden sind, als Vorbereitung für ein zukünftiges Apollinaire-Denkmal. Zurück in Paris, arbeitete er im Herbst mit Gonzalez an diesem Projekt in einer Serie von Modellen aus Eisenstangen, die Kahnweiler als „Zeichnungen im Raum“ bezeichnete. Die Modelle wurden von dem für das Denkmal zuständigen Ausschuss als zu radikal und unpassend abgelehnt.

Im Frühjahr 1929 schuf er im Atelier von González die geschweißte und bemalte Eisenskulptur Frau im Garten (Musée Picasso, Paris). Er begann auch mit den ersten Studien für die Kreuzigung (Musée Picasso, Paris), die er 1930 abschloss. Die Spannungen seiner Ehe mit Olga spiegeln sich in Werken wie Büste einer Frau und Selbstbildnis (Privatsammlung) wider, in denen sich ein wilder Frauenkopf mit geöffnetem Maul einem klassischen Profil von ihm selbst aufdrängt. Auch in Large Nude in a Red Armchair (Musée Picasso, Paris), wo die weibliche Figur zu einem Schrei verzerrt ist, der verstörende Elemente aus dem Unterbewusstsein des Künstlers offenbart. Der surreale Charakter dieses Gemäldes findet sich auch in vielen anderen Werken wieder.

Im Januar 1930 malte er „Bather Seated by the Sea“ (MoMA, New York), eine Frau, die als knöchernes Gebilde konzipiert ist, ein bedrohliches Wesen, das im Gegensatz zur heiteren Atmosphäre des Strandes steht und dessen Kopf dem einer Gottesanbeterin ähnelt, einem der Lieblingssymbole der Surrealisten (die Gottesanbeterin verschlingt ihren Partner beim Geschlechtsverkehr). Mehrere frühere und spätere Werke Picassos weisen die gleiche Art von Kopf auf, und einige haben auch eine so genannte Vagina dentata, die an die „Angst vor psychosexueller Kastration“ erinnert, die die Surrealisten durch die Gottesanbeterin symbolisierten.

Boisgeloup

Seine Werke wurden erstmals im Museum of Modern Art in New York (MoMA), das im Jahr zuvor gegründet wurde, im Rahmen der Ausstellung „Painting in Paris“ gezeigt. Im Juni erwarb er das Château de Boisgeloup, siebzig Kilometer nordwestlich von Paris. Boisgeloup sollte zu einem Zufluchtsort werden, an den er sich mit Marie-Thérèse zurückziehen konnte; er baute die Stallungen in ein Bildhaueratelier um, wo sein Wunsch, wieder in Ton oder Gips zu modellieren, und die Inspiration durch seine junge Geliebte ihn dazu anregten, große Gipsbüsten zu schaffen, von denen einige zweifellos sexuellen Charakter hatten. Im Herbst 1930 schuf er eine Reihe von Skulpturen, die meisten davon in Holz geschnitzt und später in Bronze gegossen, klein und stark stilisiert. Zu dieser Zeit zog Marie-Thérèse in die Rue Boétie 44, gegenüber der Wohnung, in der Picasso mit Olga lebte. In diesen frühen Jahren der 1930er Jahre war Picasso hin- und hergerissen zwischen seinem Widerwillen, seine Beziehung zu Olga zu beenden, und seiner Besessenheit von Marie-Thérèse, die die Hauptinspiration für die sinnlichen und suggestiven Frauenfiguren in seinem Werk war.

Im September 1930 begann er mit der Serie von einhundert Radierungen, die die Vollard-Suite bilden sollten. Picasso arbeitete an dieser Serie von 1930 bis 1937, obwohl der Großteil der Arbeit zwischen 1933 (einundsechzig Radierungen) und 1934 (vierundzwanzig Radierungen) entstand. Hans Bollinger unterscheidet sieben thematische Gruppen in der Vollard-Suite: ((und (vii) der blinde Minotaurus. „Der Künstler und das Modell“ ist ein allgemeines Thema in den Stichen der Vollard-Suite, insbesondere in denen, die dem Atelier des Bildhauers gewidmet sind. Picasso konnte sich so „unschuldig“ mit Marie-Thérèse, oft nackt, darstellen. Es ist ein Thema, das Picasso in den 1930er Jahren immer wieder aufgriff; während des Spanischen Bürgerkriegs und der deutschen Besetzung Frankreichs verschwand es aus seinem Werk, obwohl er es in seinen letzten Lebensjahren wieder aufgriff.

Im Januar 1931 vollendete er Figuren am Meer (Musée Picasso, Paris), eine Liebesszene am Strand, in der die zu runden, skulpturalen Formen reduzierten Körper in der Umarmung so ineinander verschlungen sind, dass nicht zu unterscheiden ist, welcher Körperteil zum Mann und welcher zur Frau gehört, der Figur rechts, die durch die Form ihres Kopfes als Marie-Thérèse identifizierbar ist. Durch den Widerspruch zwischen der scheinbaren Zärtlichkeit der Umarmung und der steinernen Präsenz der Figuren mit ihren scharfen, aggressiven Zungen unterstreicht Picasso die doppelte Natur der menschlichen Sexualität. Die Köpfe der Figuren erinnern an Der Kuss (Zwei Köpfe) (Musée Picasso, Paris) aus der gleichen Zeit, wo die beiden Köpfe, die sich gegenseitig verschlingen, den Konflikt mit Olga widerspiegeln. Parallel zu den Gemälden mit monolithischen Formen schuf er eine Reihe von Stillleben in einem dekorativen, farbenfrohen und kurvenreichen kubistischen Stil; besonders hervorzuheben ist das Große Stillleben mit Kerzenständer (Musée Picasso, Paris), in dem die organischen Formen in einem seiner lyrischsten und sexuell symbolischsten Stillleben den Torso von Marie-Thérèse andeuten. Das Gemälde blieb bis zu seinem Tod in Picassos persönlicher Sammlung und wurde dann zusammen mit Hunderten von anderen Werken dem Musée Picasso in Paris geschenkt, um die Erbschaftssteuer zu umgehen.

Im April organisierte die Londoner Galerie Alex Reid & Lefevre eine Retrospektive von siebenunddreißig Gemälden, Thirty Years of Pablo Picasso. Im Mai übernimmt er schließlich das Château de Boisgeloup, wo er zusammen mit Gonzalez seine Metallarbeiten fortsetzt und reale Objekte in sein bildhauerisches Werk einbezieht. Seine Skulpturen von 1930, Assemblagen aus geschnittenen und geschweißten Metallelementen, wie Frau im Garten (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), können als „poetische Objekte, manchmal mit surrealistischem Einschlag“ verstanden werden. Er kehrte auch zum Modellieren in Ton oder Gips zurück. Er schuf mehrere Büsten und Reliefs, die Marie-Thérèse darstellen, wie die Büste einer Frau (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Paris). Die runden Formen und Reliefs haben eine gewisse sexuelle Qualität, und die Gesichtszüge ähneln manchmal den Genitalien (die Nase als Phallus, der Mund als Vagina), was an die neolithische und afrikanische Skulptur erinnert. Während der Sommerferien in Juan-les-Pins fertigt er eine Reihe von lyrischen und erotischen Zeichnungen und Stichen an, die die Grundlage für die Radierungen im Abschnitt „Das Atelier des Bildhauers“ in der Suite Vollard bilden. Er malte auch mehrere kleine Ölgemälde der Villa Chêne-Roc, in der er sich aufhielt. Im Herbst kehrte er zu seiner bildhauerischen Arbeit zurück.

In Spanien wurde die Zweite Republik ausgerufen, deren Verfassung trotz der errungenen Freiheiten in wichtigen Bereichen keine Einigung mit der konservativen Rechten, die in den ländlichen Gebieten tief verwurzelt war, und mit der katholischen Kirche, der die Schulen und die öffentlichen Zuschüsse entzogen wurden, erzielen konnte; im übrigen Europa kam es zum Aufstieg totalitärer Regierungen, insbesondere des Faschismus in Deutschland und Italien und des Stalinismus in der Sowjetunion. Und das alles vor dem Hintergrund einer weltweiten wirtschaftlichen Depression.

Am 25. Oktober 1931 wird Picasso fünfzig Jahre alt und veröffentlicht für Albert Skira in Lausanne die Metamorphosen von Ovid, insgesamt fünfzehn ganzseitige Radierungen und fünfzehn halbseitige Radierungen, an denen er seit dem Vorjahr gearbeitet hatte. In dieser Serie von Stichen bezieht sich Picasso auf die Einfachheit der klassischen Zeichnung, indem er Gegenstände und Wesen klar darstellt, wie in Aristophanes“ Lysistrata, die 1934 veröffentlicht wurde. Am 12. November veröffentlichte Ambroise Vollard Balzacs Unbekanntes Meisterwerk mit dreizehn Radierungen von Picasso, in denen er das Thema des Künstlers und des Modells betont. Im Roman stellt Balzac den Konflikt des Künstlers zwischen der Vollendung des Werks und dem Erreichen von Perfektion dar, der sich in der Radierung der Serie Maler und Strickmodell widerspiegelt, in der der Maler das prosaische Motiv in eine elegante kurvige Kalligraphie verwandelt.

Im Dezember 1931 malte er „Der Bildhauer“ (Musée Picasso, Paris) zum Thema „Der Künstler und das Modell“, das die Art der Beziehung zwischen Picasso und Marie-Thérèse offenbart: Der Bildhauer betrachtet die von ihm geschaffene Büste mit dem charakteristischen klassischen Profil, während das Modell im Hintergrund sitzt und sich dem Künstler und dem geschaffenen Werk unterordnet. Er begann auch eine Serie von Porträts von Marie-Thérèse auf einem Sofa, wo ihr junger Liebhaber aus dem Hintergrund auftaucht und eine zentrale Position von „unerschütterlicher Größe und Sicherheit“ einnimmt. Er malte auch die Frau mit dem Stiletto (Tod von Marat), die nach der historischen Quelle den wachsenden Groll gegenüber Olgas Eifersucht und Besitzgier widerspiegelt.

Im März 1932 schloss er die Serie der schlafenden Frauen mit Junge Frau vor dem Spiegel (MoMA, New York) ab, in dem er die schwarzen Konturen und organischen Formen der großen Stillleben von 1931 in einem der symbolträchtigsten und „vielschichtigsten“ Bilder von Marie-Thérèse kombinierte, die Picasso geschaffen hatte.

Im Juni wurde in den Galeries Georges Petit in Paris eine Retrospektive mit zweihundertfünfundzwanzig Gemälden, sieben Skulpturen und sechs illustrierten Büchern gezeigt, die von Picasso selbst ausgewählt wurden und von der Blauen Periode bis zu seinen letzten Porträts von 1932 reichen. Die Reaktion der Kritiker war nicht positiv und reichte von vorsichtig bis negativ. Es scheint, dass Olga während dieser Ausstellung die Existenz von Marie-Thérèse entdeckte, was bei ihr „glühende Szenen“ der Eifersucht auslöste, obwohl die von Picasso befürchtete Konfrontation zwischen den beiden Frauen nicht stattfand. Die Ausstellung wurde im September im Kunsthaus Zürich wiederholt.

Während Olga und Pablo den Sommer in Juan-les-Pins verbringen, verbringt Picasso den Sommer mit Marie-Thérèse in Boisgeloup, wo er weiter an schlafenden Akten, Strandszenen und einigen kleinen Skulpturen arbeitet. Er fertigte auch mehrere Zeichnungen aus Grünewalds Kreuzigungsserie an. Nach seiner Rückkehr nach Paris im Herbst fuhr er mit den Porträts von Marie-Thérèse auf einer Couch und den Zeichnungen von Grünewalds Kreuzigung fort. Im Oktober begann Christian Zervos mit der Veröffentlichung eines Werkverzeichnisses (zwischen 1932 und 1974 erschienen achtundzwanzig Bände mit mehr als 16.000 Werken).

Obwohl Picasso das Thema bereits in einer Collage von 1928 behandelt hatte, war die Zeit zwischen 1933 und 1938 Picassos Minotaurus-Periode, in der diese mythische Figur neben anderen klassischen Themen immer wieder in seinem Werk auftauchte. Picasso fand in der Stierkämpferin eine bildliche Möglichkeit, seine Konflikte mit Marie-Thérèse und Olga zu reflektieren, und im Minotaurus, dem Tier, das sich seiner Bestialität bewusst ist, eine Personifizierung seines eigenen Konflikts mit dieser Situation, seiner Zerrissenheit zwischen Lust und moralischer Verantwortung. Die erste Ausgabe des Minotaurus mit einem Titelbild von Picasso erschien im Mai 1933. Die Sommerferien 1933 verbrachte er mit Olga und Pablo in Cannes. Im September malte er Der Tod eines Stierkämpfers in Boisgeloup.

Von Juni bis September 1934 schuf er eine Reihe von Gemälden, Zeichnungen und Stichen zum Thema Stierkampf. Im August reiste er mit Olga und Pablo nach Spanien und besuchte die Stierkämpfe in Burgos und Madrid. Er besuchte das Museum für Katalanische Kunst in Barcelona. Er schuf die Skulpturen Femme au feuillage und Femme à l“orange. Im Frühjahr 1935 wurden in der Galerie Pierre die Papiers collés ausgestellt. Er hat Minotauromaquia gestochen. Im Juni trennte er sich von Olga, und im Oktober wurde Maya Picasso, seine Tochter mit Marie-Therese Walter, geboren.

Er schuf die Wasserzeichnungen und andere Zeichnungen zum Thema Minotaurus. Im selben Jahr, bei Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs, wurde er zum Direktor des Prado-Museums in Madrid ernannt. Anfang August reiste Picasso nach Mougins und traf dort Dora Maar.

Guernica und der Pazifismus

Im Januar 1937 bat ihn der katalanische Architekt Josep Lluís Sert, an einem großen Wandgemälde für den Pavillon der Zweiten Spanischen Republik auf der Weltausstellung in Paris mitzuarbeiten. Die gewählte Regierung des Landes stand im Spanischen Bürgerkrieg vor einer möglichen Niederlage durch Francos militärische Rebellen, die von Nazi-Deutschland und dem faschistischen Italien unterstützt wurden. Die Republik hoffte, der Welt zu zeigen, dass sie das spanische Volk und seine Errungenschaften repräsentierte. Picasso, der 1936 eine Einladung des damaligen Staatspräsidenten Manuel Azaña angenommen hatte, Ehrendirektor des Prado-Museums in Madrid zu werden, zögerte zunächst, zum einen wegen des Umfangs des Projekts, zum anderen, weil er noch nie einen Auftrag propagandistischer Natur angenommen hatte. Im Februar fand Dora Maar in der Rue des Grands-Augustins 7 ein sehr großes Atelier, in dem Picasso das Projekt verwirklichen konnte.

Im selben Jahr schuf er Francos Traum und Lüge, zwei Stiche in einem comicähnlichen Format mit insgesamt achtzehn Szenen, die als Drucke oder Postkarten vervielfältigt werden sollten, in denen er den faschistischen Staatsstreich anprangerte und auf die Verbrechen des Krieges hinwies, indem er Franco als böse und groteske Figur darstellte. Picasso begann mit der Gravur dieser Bilder am 8. Januar, was bedeutet, dass er sie aus eigenem Antrieb konzipieren konnte, bevor er den Auftrag für Guernica erhielt. Im Juni stellte er die Platten fertig und veröffentlichte sie zusammen mit einem von ihm verfassten Gedicht (Fandango de lechuzas) zu Gunsten der Republik.

Am 26. April 1937 bombardierte die deutsche Legion Condor auf Wunsch Francos Guernica. Picasso, der sich bis dahin über das Thema des Gemäldes nicht ganz im Klaren war, wurde durch dieses Ereignis inspiriert, das Wandgemälde für den Pavillon der Zweiten Republik zu entwickeln, und begann am 1. Mai mit der Schaffung eines seiner berühmtesten Werke: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), das schließlich im spanischen Pavillon auf der Internationalen Ausstellung ausgestellt wurde. Dora Maar fotografierte den Prozess und die verschiedenen Phasen des Gemäldes, das Picasso Anfang Juni fertigstellte. Das Gemälde symbolisiert den ganzen Schrecken des Krieges und die Tragödie des Todes vieler unschuldiger Opfer.

Ebenfalls gegen den Krieg, malte er anlässlich seiner Mitgliedschaft im Weltfriedensrat 1949 die berühmte Friedenstaube. Im Jahr 1955 wurde er mit dem Internationalen Friedenspreis ausgezeichnet.

Von Oktober bis Dezember 1937 malte er Die weinende Frau (Paris, Musée Picasso). Im Jahr 1938 schuf er eine große Collage, Les Femmes à leur toilette (Paris, Musee National d“Art Moderne). Im Juli 1938 ging er mit Dora Maar nach Mougins. Im Juli 1939 zog er mit Dora Maar zu Man Ray nach Antibes, wo er Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, New York) schuf. Von September 1939 bis Anfang 1940 malte er in Royan die Séquence de femmes au chapeau.

Im Jahr 1941 schrieb er ein surrealistisches Theaterstück mit dem Titel Desire Caught by the Tail, das er im März 1944 im Haus von Michel Leiris mit seinen Freunden Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris und Pierre Reverdy vortrug. Das Stück wurde schließlich im Juli 1967 uraufgeführt. Außerdem schrieb er zwei weitere literarische Werke: Die vier kleinen Mädchen und Das Begräbnis des Grafen Orgaz.

Zwischen 1942 und 1943 schuf er die Assemblage Bull“s Head (Paris, Musée Picasso), La Aubade (Paris, Musee National d“Art Moderne), L“Homme au mouton (Paris, Musée Picasso) und lernte im Mai 1943 Françoise Gilot kennen.

Bekenntnis zur Kommunistischen Partei

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs werden seine Gemälde optimistischer, heiterer und zeigen, wie der Titel einer Serie aus dem Jahr 1946 zeigt, die damalige Lebensfreude. Picasso lebte mit Marie-Therese während des Pariser Aufstands im August 1944. Im Oktober trat er in die Kommunistische Partei Frankreichs ein und eröffnete ebenfalls im Oktober den Salon d“Automne und die Picasso-Retrospektive. Das Gemälde The Ossuary (New York, Museum of Modern Art) entstand im April und Mai 1945 in Erinnerung an die Entdeckung der Leiche seines hingerichteten Freundes, des jungen surrealistischen Dichters Robert Rius, im Dezember 1944.

Picasso reiste im Juli mit Dora Maar nach Cap d“Antibes, und am 26. November kehrte Françoise zurück, um mit Picasso zu leben. Nach dem Krieg bestand Picassos Freundeskreis aus kommunistischen Künstlern und Intellektuellen, was in gewisser Weise zumindest einen Teil seines Werks zwischen 1946 und 1953 prägte.

Zeitraum Vallauris

1946 zogen Picasso und Françoise nach Golfe-Juan, und er besuchte Matisse in Nizza. Anfang Juli ging er mit Françoise nach Ménerbes (Vaucluse), in das Haus, das er Dora Maar geschenkt hatte. Er erhielt täglich Briefe von Marie-Thérèse. Françoise war unglücklich und reiste nach drei Wochen ab, um mit Freunden nach Marseille zu trampen; Picasso traf sie unterwegs und bat sie, zurückzukommen, und schlug vor, dass sie ein Kind bekommen sollten. Sie besuchten Vallauris, wo sie in der Töpferwerkstatt von Georges Ramié in Madoura drei Töpferstücke modellierte. Bei ihrer Rückkehr nach Golfe-Juan im August war Françoise schwanger. Picasso hatte Romual Dor de la Souchère, den Kurator des Musée d“Antibes, im Grimaldi-Palast kennengelernt, aber er zog es vor, das Museum zu dekorieren; zwischen September und Oktober malte er zweiundzwanzig Tafeln mit maritimen Themen und mythologischen Kompositionen für den Palast, der später das Musée Picasso in Antibes werden sollte. Die Studien von Faunen und klassischen Figuren gipfeln in dem Triptychon La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), ein Titel, den er von seinem Freund Matisse für ein Gemälde entliehen hat, das das Glück widerspiegelt, das er damals mit Françoise teilte. Im Oktober traf er Breton, der gerade aus dem amerikanischen Exil zurückgekehrt war, auf dem ersten Filmfestival in Cannes. Breton, der sich im August geweigert hatte, ihn zu begrüßen, als sie sich in Golfe-Juan trafen, brüskierte Picasso erneut wegen seiner Zugehörigkeit zur Kommunistischen Partei; sie sahen sich nie wieder. Diese Geste war ein Vorspiel für den gewaltsamen Bruch zwischen den Surrealisten und dem Kommunismus ab 1947.

1947 arbeitet er an Stillleben mit dem Thema Eule auf einem Stuhl und an Stichen von Faunen, Zentauren und Bacchantinnen zum Thema Sommer in Antibes; Ende Januar vollendet er das Ende 1945 begonnene Ölgemälde Denkmal für die spanischen Toten für Frankreich (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). Im Februar beginnt er mit der Serie von einundvierzig Radierungen und Aquatinten für die Ausgabe von Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Zwanzig Gedichte), die 1949 in Paris bei Les Grands erscheint; Ende März fertigt er mehrere Lithographien zu David und Bathseba von Lucas Cranach dem Älteren (1472-1553) an; am 15. Mai wird in Paris sein Sohn Claude geboren, den Françoise zu Ehren von Claude Gillot, dem Lehrer von Watteau, benennt. Das Ehepaar verbringt immer weniger Zeit im Pariser Atelier und immer mehr in Golfe-Juan, wohin sie Ende Juni mit dem Kind umziehen; im August besucht er erneut die Keramikwerkstatt von Georges Ramié in Vallauris und beginnt eine intensive Produktion, etwa zweitausend Stücke zwischen Oktober 1947 und 1948, wobei er formale, technische und koloristische Innovationen einführt, die zu einer Wiederbelebung der Keramikindustrie der Stadt führen, die seit dem Ersten Weltkrieg im Niedergang begriffen war. In der Malerei und der Gravur schuf er bis zum Jahresende nur wenige Werke; die Arbeit an den Stichen für die Vingt Poèmes de Góngora, einige Porträts von Françoise und Stillleben wurden fortgesetzt. Im Dezember gestaltete er die Kulissen für Sophokles“ Oedipus Rex unter der Regie von Pierre Blanchar.

Im Frühjahr 1948 verließen Picasso und Françoise ihre Wohnung in Golfe-Juan, und im Mai begann Picasso mit der Arbeit an einer Serie von achtunddreißig Radierungen und vier Aquatinten zur Illustration von Prospero Mérimées Carmen (Paris, La Bibliothèque Française), die er im November abschloss. Im Sommer zogen sie in ein kleines Haus namens La Galloise in den Hügeln um Vallauris. Françoise führt einen offenen künstlerischen Dialog mit Matisse, durch Korrespondenz und Besuche bei dem Künstler. Picasso vollendet das Gedicht Les Quatre Petites Filles in sechs Akten, das er im November 1947 zu schreiben begann. Am 25. August nimmt Picasso am Kongress der Intellektuellen für den Frieden in Breslau teil und kehrt Mitte September nach Vallauris zurück. Im Oktober kehrte er in sein Pariser Atelier zurück, da Françoise erneut schwanger war. Er beginnt, das Thema der weiblichen Blume und mehrere Stillleben zu bearbeiten. Er malte zwei Versionen von La Cuisine (Die Küche), eine im Musée Picasso in Paris und die andere im MoMA in New York, lineare Kompositionen, die aus Rhythmen und Kraftlinien bestehen und wenig Farbe verwenden. Im Dezember malte er mehrere Porträts seines Sohnes Claude und druckte siebenundzwanzig Modelle von Femme assise dans un fauteuil, einer Serie, in der Françoise einen Mantel trägt, den Picasso ihr aus Polen mitgebracht hatte, die im Januar 1949 fortgesetzt wurde. Er arbeitete auch weiter an Stillleben mit Krustentieren; Nature morte au poron (Stillleben mit einem Porron, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (Der große rote Hummer, Privatsammlung).

Im Februar 1949 suchte Louis Aragon das Pariser Atelier von Picasso auf, um eine Zeichnung für das Plakat des Weltkongresses der Partisanen für den Frieden auszuwählen, der im April desselben Jahres in Paris stattfand. Die Kolombe, eine blaue Bleistiftzeichnung auf Papier, war das von Aragon gewählte Motiv, und das Bild wurde schnell als Friedenstaube bekannt.

Im März beginnt er eine Serie von Gemälden von Françoise im Sitzen mit dem Titel Femme assise (Sitzende Frau). Im Frühjahr kehrte er für kurze Zeit nach Vallauris zurück und kaufte eine verlassene Essenzfabrik, die er als Atelier nutzte, sowie einige Räume, in denen er seine Keramikarbeiten aufbewahrte. Er begann auch, Gegenstände und Gerümpel zu sammeln, die er später in verschiedenen Werken wieder verwendete. Er intensiviert seine bildhauerische Arbeit, die er im Jahr zuvor wieder aufgenommen hatte: Femme enceinte (Schwangere Frau) formt eine weibliche Gestalt aus einem langen Metallstab, dem er oben zwei Arme und unten zwei Beine und in der Mitte einen geschwollenen Bauch mit zwei kleinen Brüsten hinzufügt. Er schuf erneut eine Reihe von Werken, die sich an Gemälden von Lucas Cranach dem Älteren orientierten: die Lithografien Vénus et l“Amour (Jeune fille inspirée par Cranach (Junges Mädchen inspiriert von Cranach), im Besitz von Christie“s, und David et Bethsabée (Cranach) VII (David und Bathseba (Cranach) VII), im Musée Picasso, Paris. Picassos Variationen über Cranachs David und Bathseba stammen aus einer Schwarz-Weiß-Reproduktion des Katalogs einer Ausstellung über den Künstler, die 1937 in Berlin stattfand und die ihm Kahnweiler geschenkt hatte.

Am 19. April 1949, am Eröffnungstag des Friedenskongresses, wird ihre zweite Tochter geboren, die sie Paloma nennt, nach dem Symbol, das sie für die Plakate in den Straßen von Paris geschaffen hat. Nach der Geburt nimmt Françoise ihre Arbeit als Malerin wieder auf, und Kahnweiler bietet ihr einen Vertrag als seine exklusive Kunsthändlerin an. Im Herbst kehrte die Familie nach Vallauris zurück, und Picasso, der sein Interesse an der Keramik verloren hatte, widmete sich wieder verstärkt der Malerei und der Bildhauerei und schuf mehrere Bronzen mit afrikanischen Motiven. Im folgenden Jahr nahm die Bildhauerei den größten Teil seiner Zeit in Anspruch.

Am 6. August 1950 eröffnete Laurent Casanova die Ausstellung L“Homme au mouton in Vallauris. Picasso malte die Ziege, die Frau mit Kinderwagen und das Mädchen, das Seil springt. Am 15. Januar 1951 malte er das Gemälde Massaker in Korea. 1952 zeichnete er Krieg und Frieden, um die Kapelle in Vallauris zu schmücken, und er schrieb ein zweites Stück: Les Quatre Petites Filles.

Im April 1954 malte er Porträts von Sylvette David. Im Dezember begann er mit der Serie von Variationen über Die Frauen von Algier von Delacroix. Im Mai 1955 zog er mit Jacqueline Roque in die Villa La California in Cannes ein. Im Juni fand eine Retrospektive im Musée des Arts Décoratifs statt. Während des Sommers arbeitete er mit Henri-Georges Clouzot an dem Film Picasso Mystère.

Im Jahr 1956 schuf er die Holzskulpturen Die Badenden (Stuttgart, Staatsgalerie), die später in Bronze gegossen wurden. Er malte The California Workshop. Am 17. August 1957 begann er mit der Arbeit an einer Serie von 58 Interpretationen von Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). Am 29. März 1958 überreichte er die Auszeichnung für die Unesco: Der Fall des Ikarus. Im September kaufte Picasso das Château de Vauvenargues und malte die Bucht von Cannes.

Im Januar 1970 erhielt das Picasso-Museum in Barcelona eine Schenkung von Werken aus dem Besitz seiner Familie. Eine Ausstellung seiner Werke fand von Mai bis Oktober im Palais des Papes in Avignon statt. Im April 1971 stellt die Galerie Louise Leiris 194 Zeichnungen aus, die zwischen dem 15. Dezember 1969 und dem 12. Januar 1971 entstanden sind. Eine neue Ausstellung in der Galerie Louise Leiris im Januar 1973, die 156 Radierungen zeigt, die zwischen Ende 1970 und März 1972 entstanden sind.

Tod

Im Jahr 1973 starb er im Alter von einundneunzig Jahren in seinem Haus in Mougins, Frankreich, an einem Lungenödem. Die örtlichen Behörden erlaubten jedoch nicht, dass er in der Villa begraben wurde, und seine Frau Jacqueline beschloss, ihn im Schloss von Vauvenargues zu begraben, das ebenfalls Picasso gehörte und wo sie Jahre später auch begraben wurde.

Andere interessante Links

Quellen

  1. Pablo Picasso
  2. Pablo Picasso
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