Marcel Duchamp

Zusammenfassung

Marcel Duchamp (AFI maʀsɛl dyˈʃɑ̃) (Blainville-Crevon, 28. Juli 1887 – Neuilly-sur-Seine, 2. Oktober 1968) war ein französischer Künstler und Schachspieler.

Er ist vor allem für seine künstlerische Tätigkeit bekannt und hatte einen starken Einfluss auf die Entwicklung des Dadaismus. Wie die vorgenannte Bewegung verabscheute er die symbolische Sedimentierung der künstlerischen Werke als Folge des Vergehens der Zeit und hob den Wert des Konjunkturalen, des Flüchtigen und des Zeitgenössischen hervor. Duchamp war einer der wichtigsten Verfechter des künstlerischen Schaffens als Ergebnis einer reinen Willensanstrengung, ohne dass es einer strengen Ausbildung, Vorbereitung oder eines Talents bedarf.

Seit den 1960er Jahren wird er von vielen Kunsthistorikern und Kritikern als der bedeutendste Künstler des 20. Jahrhunderts angesehen. André Breton nannte ihn „den intelligentesten Mann des Jahrhunderts“. Durch Erfindungen wie die Ready-mades haben sein Werk und seine künstlerische Haltung bis heute einen großen Einfluss auf die verschiedenen Strömungen der zeitgenössischen Kunst.

Duchamp, der keiner bestimmten Kunstrichtung angehörte, hatte einen einzigartigen Stil. Indem er mit den damals geltenden künstlerischen und ästhetischen Regeln bricht, gilt er als Vorreiter für einige der radikalsten Aspekte der Kunstentwicklung nach 1945.

Er wurde am 28. Juli 1887 in Blainville-Crevon geboren, einem kleinen französischen Dorf, in dem sein Vater, Eugène Duchamp, als Notar und Bürgermeister tätig war. Er war das dritte von sechs Kindern. Seine beiden älteren Brüder, die später die Namen Raymond Duchamp-Villon und Jacques Villon annahmen, beschlossen, sich der Kunst zu widmen, vielleicht unter dem Einfluss ihres Großvaters mütterlicherseits, der sich, nachdem er als Schifffahrtsagent ein beträchtliches Vermögen verdient hatte, zurückgezogen hatte, um sich seinen Hauptbeschäftigungen, der Gravur und der Malerei, zu widmen, und sogar einige Werke auf der Pariser Weltausstellung (1878) ausstellte.

Wie seine älteren Brüder, denen er sehr nahe stand, besuchte Marcel den Zeichenunterricht am Lycée. Sein Bruder Gaston (Jacques Villon) hatte es in Paris zu einer gewissen Berühmtheit als Plakatmaler gebracht, zu einer Zeit, als Henri de Toulouse-Lautrec und Alfons Mucha prominent waren, und Marcel, der seinen Bruder bewunderte, versuchte, seinen Stil in seinen ersten Zeichnungen nachzuahmen. Im Sommer 1902, im Alter von vierzehn Jahren, malt er seine ersten vom Impressionismus beeinflussten Ölbilder, die Landschaften von Blainville zeigen. Er schuf auch mehrere Zeichnungen in verschiedenen Medien (Aquarell, Gouache, Monotypie, Bleistift) mit einem einzigen Motiv: seine zwei Jahre jüngere Schwester Suzanne, die ebenfalls mit der Malerei begann. Im Jahr 1904 verließ er sein Elternhaus und zog in das Pariser Viertel Montmartre, wo er mit seinem Bruder Gaston lebte. Marcel erhielt, wie seine Brüder, von seinem Vater eine monatliche Beihilfe als Vorschuss auf sein Erbe.

Künstlerische Anfänge in Paris

Im Jahr 1904 war Montmartre seit mehr als fünfzig Jahren die Heimat der Pariser Künstlergemeinde. Marcel legte die Prüfung für die École des Beaux-Arts ab, die er nicht bestand. Er besuchte die öffentliche Schule Académie Julian, die er kurz darauf verließ, um in den Cafés des Viertels zu leben, wo er, wie damals üblich, ein Notizbuch führte, in dem er Szenen aus dem täglichen Leben skizzierte. Nach seinem Militärdienst in Eu, in der Nähe von Rouen, kehrte er 1906 nach Paris zurück. Zu dieser Zeit fertigte er humoristische Zeichnungen an, eine damals sehr angesehene Tätigkeit. Im Jahr 1907 wurden fünf seiner Zeichnungen für den ersten Salon des Artistes Humoristes ausgewählt. Im Jahr 1908 wurden sie für den Salon d“Automne, eine wichtige jährliche Ausstellung, ausgewählt und sind nun verschwunden. In den folgenden Jahren malte Marcel in einem fauvistischen Stil, dessen Vorreiter Matisse war. Duchamp, der sich oft widersprüchlich äußerte, lehnte manchmal den Einfluss Cézannes ab, gab aber auch zu, eine lange Zeit unter seinem Einfluss verbracht zu haben, unter dem er wahrscheinlich das Porträt des Vaters des Künstlers, ein psychologisches Porträt seines Vaters, malte. Zu dieser Zeit malte er weitere Porträts, darunter eines seines Freundes Dr. Dulochel, bei dem er einige seiner körperlichen Merkmale übertrieb. Im Jahr 1910 malte er Das Schachspiel, das seine beiden Brüder beim Schachspiel in einem Garten zeigt, während ihre Frauen in Gedanken versunken sind. Als er dieses Gemälde zusammen mit vier anderen auf dem Salon d“Automne ausstellte, wurde er societaire, was bedeutete, dass er das Recht hatte, ohne vorherige Prüfung durch eine Jury auszustellen.

Obwohl seine frühen Gemälde Talent zeigten, schuf er im Vergleich zu anderen Künstlern nur wenige Werke. Dies war eine Zeit des Zögerns und des Experimentierens mit verschiedenen Trends.

Kubistische Bühne

Es war eine Zeit der künstlerischen Revolutionen: Die Collage von Picasso und Braque, der Futurismus, die Werke von Alfred Jarry, die Poesie von Apollinaire und die abstrakte Kunst von Wassily Kandinsky, Robert Delaunay und Piet Mondrian eröffneten die moderne Kunst. Ab 1911 begann Duchamp, ernsthafter zu innovieren. Das Gemälde, das den Beginn dieser Periode markiert, ist laut Tomkins die Sonate, die vom Kubismus seines Bruders Jacques Villon inspiriert ist und seine drei Schwestern, die ein Musikstück aufführen, sowie seine Mutter, eine Außenseiterin, darstellt. Nachdem er in The Thicket mit „einem Fovismus, der nicht nur auf Verzerrung beruht“ experimentiert hatte, malte er Yvonne und Magdaleine in Pieces und Portrait (Dulcinea), in denen er mit den Themen Bewegung und Übergang spielt, die in Duchamps Werk eine große Rolle spielen. Zu dieser Zeit hatte er ein Verhältnis mit Jeanne Serre, laut Gough-Cooper und Caumont das Modell für The Thicket, mit der er eine Tochter hatte, was Duchamp allerdings erst viel später erfuhr, als er bei seinen Besuchen in der Galerie Kahnweiler, wo es Gemälde von Picasso und Braque gab, vom Kubismus verführt wurde. Da sowohl Picasso als auch Braque sich weigerten, den Kubismus mit Theorien oder Manifesten zu rechtfertigen, verstand die Gruppe der neuen Kubisten, zu der auch die Brüder Duchamp gehörten – mit denen weder Picasso noch Braque verbunden waren -, seine intellektuelle Grundlage durch die Ausführungen von Jean Metzinger. Diese Gruppe traf sich am Sonntagnachmittag im Haus von Villon in Puteaux, daher der Name Puteaux-Gruppe. Die Gruppe diskutierte unter anderem über zwei Themen, die für Duchamp von Bedeutung waren: die vierte Dimension und die Kunst, die vom Geist statt von der Netzhaut interpretiert wird (retinale Kunst). Aufgrund dieser neuen Ideen machte er es sich 1911 zur Aufgabe, die geistige Aktivität einer Schachpartie darzustellen, was in Portrait of Chess Players mündete. Seine Technik hebt sich zwar nicht von anderen kubistischen Werken ab, wohl aber sein Versuch, die geistige Aktivität auf Kosten des „retinalen“ Bildes zu betonen.

Seit dem Porträt eines Schachspielers, Duchamps erstem innovativen Gemälde, unterscheidet sich jedes seiner Werke von den vorhergehenden. Er hielt nie inne, um die Möglichkeiten zu erkunden, die ein neues Werk eröffnete, sondern ging einfach zu etwas anderem über. Zu dieser Zeit verkehrte er nicht mehr so häufig mit seinen Brüdern und kam nur noch mit einer Gruppe von Freunden in Kontakt, insbesondere mit Picabia. Damals begann er, sich für die bildliche Umsetzung der Idee der Bewegung zu interessieren. Der erste Versuch in dieser Richtung war Sad Young Man on a Train, den Duchamp als Skizze betrachtete. Abgesehen von der neuen Linie, die es eröffnet, ist dieses Werk auch deshalb bemerkenswert, weil es das erste Mal ist, dass Duchamp in seinen Werken mit Wörtern spielt, da er, wie er sagte, traurig wegen der Alliteration mit Zug wählte. Duchamps nächstes Werk setzte diesen Weg fort. Es handelt sich um den Akt, der eine Treppe hinabsteigt, von dem er zwei Versionen malte.

Der Akt, den er im Dezember 1911 begann, überraschte zunächst durch seinen Titel, den er direkt auf die Leinwand malte: Der Akt war ein künstlerisches Thema mit festen Regeln, zu denen sicherlich keine treppabsteigenden Figuren gehörten. Duchamp zeigte die Idee der Bewegung durch aufeinanderfolgende, sich überlagernde Bilder, ähnlich denen der Stroboskop-Fotografie. Sowohl das Gefühl der Bewegung als auch der Akt befinden sich nicht auf der Netzhaut des Betrachters, sondern in seinem Gehirn. Er verbindet Elemente des Kubismus und des Futurismus, einer Bewegung, die den Kubismus der Puteaux-Gruppe angriff. Das Bild sollte in der kubistischen Ausstellung im Salon des Indépendants gezeigt werden, aber Albert Gleizes bat seine Brüder, ihm zu sagen, er solle das Bild freiwillig zurückziehen oder den Titel ändern, den sie als karikaturistisch empfanden, womit sie einverstanden waren. Duchamp erinnerte sich später an diesen Vorfall:

(…) Ich habe nicht geantwortet. Ich sagte: Sehr gut, sehr gut, ich habe ein Taxi zur Ausstellung genommen, ich habe mein Bild zurückbekommen und ich habe es mitgenommen. Das war ein echter Wendepunkt in meinem Leben. Mir wurde klar, dass ich mich danach nie wieder für Gruppen interessieren würde.

Doch während der Akt auf der Treppe Duchamp ermutigte, seinen eigenen Weg zu gehen, ohne sich an Theorien oder Gruppen zu binden, war es ein anderes Gemälde, das im selben Jahr entstand, das den Weg markierte, den er Jahre später mit Das große Glas (La marièe mise à nu pair ses célibataires) gehen sollte: die Kaffeemühle, ein kleines Gemälde für die Küche seines Bruders. Nach Duchamps eigenen Angaben malte er eine Beschreibung des Mechanismus, der in zwei Teile gegliedert ist, Ideen, die auch im Glas vorhanden sind, auch wenn er sich seinerzeit nicht bewusst war, worum es sich dabei handelt.

Reise nach München und zurück nach Paris

In diesen Jahren, so Tomkins, wurde er von Jules Laforgue und Raymond Roussel beeinflusst. Sein zynischer Humor, die Distanziertheit seiner Figuren und seine verbalen Spielchen haben es ihm angetan. Von letzterem ausgehend, basiert seine Arbeit auf Wortspielen, Transliterationen und Rhetorik. Wie Roussel selbst später verriet, reizte ihn der „Wahnsinn des Unerwarteten“ und die Entdeckung eines Werks, das allein auf der Vorstellungskraft des Autors beruhte, denn für Roussel sollten die Werke „nichts anderes als Kombinationen von völlig imaginären Objekten“ enthalten. Duchamp besuchte mit Francis Picabia die Aufführung von Impressionen aus Afrika, die ihn stark beeindruckte. Eine Woche später machte er sich allein auf den Weg nach München. Dort versuchte er nicht, Kandinsky kennenzulernen, und tatsächlich war ihm die Frage der reinen Abstraktion völlig gleichgültig, sondern er widmete sich der Arbeit. Aus dieser Zeit stammen die ersten Entwürfe des großen Glases, und es taucht das Thema der Jungfrauen und ihres Übergangs zur Braut auf, ein Thema, an dem er noch lange arbeiten sollte. Er begann mit den Zeichnungen der Jungfrau, fuhr dann mit dem Gemälde Der Übergang von der Jungfrau zur Braut fort und gipfelte in der Braut. Einigen Kritikern wie Jerrold Seigel zufolge geht es in den Gemälden nicht um die sexuelle Initiation, sondern um den Übergang zum vorherigen Zustand der erwartungsvollen Unschuld. Die letzten beiden Gemälde zeigen eine Vorrichtung, die auch im Großen Glas zu sehen sein wird, und nach Duchamps eigener Aussage war Bride lediglich eine Probe für ein wichtigeres Werk. Zu dieser Zeit war er in Gabrielle Buffet-Picabia, Picabias Frau, verliebt. Nach zwei Monaten Arbeit besuchte er Wien, Prag, Leipzig, Dresden und Berlin und deren Museen, bevor er nach Paris zurückkehrte. Auf der Rückreise schrieb er zwei Seiten mit Rückblicken, Fantasien und Wortspielen, die ein Bild beschreiben, das er nie malen würde. Dieser Text gilt als Präzedenzfall für die Notizen, die er später in seine Green Box und die Sprache des Großen Glases aufnehmen sollte. Wie er später erklärte, hatte er zu diesem Zeitpunkt den Kubismus und die bildliche Darstellung der Bewegung aufgegeben und hatte genug von der Malerei. Er begann mit der Schaffung eines anderen, groß angelegten Werks, für das er eine Stelle als Bibliothekar suchte, die ihn nur wenige Stunden beschäftigen würde.

Die Ausstellung Section d“Or, die wichtigste kubistische Ausstellung vor dem Krieg, machte seine Pläne jedoch völlig zunichte. Sechs Werke von Duchamp wurden ausgestellt, darunter der Akt, der eine Treppe hinabsteigt. NR. 2. Die Münchner Bilder wurden nicht ausgestellt, da er sie als reine Studien betrachtete. Sein Werk hatte wenig allgemeinen Einfluss, aber er wurde von Guillaume Apollinaire gelobt, der ihm wahrscheinlich aufgrund seiner gemeinsamen Freundschaft mit Picabia Aufmerksamkeit schenkte, und, was noch wichtiger ist, erregte er das Interesse von Arthur B. Davies, Walter Pach und Walt Kuhn, die die Internationale Ausstellung für moderne Kunst organisieren wollten, die als Armory Show in die Geschichte eingehen sollte.

Die Armory Show brachte die amerikanische Kunst in Kontakt mit der europäischen Avantgarde. Unter den ausgestellten Gemälden, Skulpturen und dekorativen Werken erregte Duchamps Akt, der eine Treppe hinabsteigt, Nr. 2, großes Aufsehen, und die American Art News boten zehn Dollar für die beste Erklärung des Bildes. Die American Art News lobten zehn Dollar für denjenigen aus, der das Gemälde am besten erklären konnte. Obwohl die Moderne Kunst in der Presse verspottet wurde, zog sie eine nicht unbeträchtliche Gruppe von Sammlern an. Die drei Duchamp-Brüder waren sehr erfolgreich: Raymond verkaufte drei von vier ausgestellten Skulpturen, Jacques Villon verkaufte seine neun Gemälde und Marcel seine vier Leinwände für insgesamt 972 Dollar.

Duchamp verbrachte zwei Jahre mit den Studien für das Große Glas. Der Wandel in seiner Arbeit war vollkommen. Obwohl er schon vor seiner Reise nach München gezeigt hatte, dass er die Netzhautkunst verachtete, stand seine Kunst noch immer in der Tradition der westlichen Kunst, sowohl in Bezug auf die Materialien – er malte immer in Öl auf Leinwand – als auch in Bezug auf die Konzepte. Nach der Reise können wir sehen, wie er das Prinzip der schöpferischen Sensibilität aufgab und es durch mechanisches Zeichnen, Schreiben, Ironie und die Nutzung des Zufalls ersetzte. Tomkins zufolge ist es kein Zufall, dass diese Veränderung mit Duchamps Umzug nach Neuilly zusammenfiel, wo er abseits des Künstlerkreises von Montmartre lebte. Dort widmete er sich der Arbeit an den Vorarbeiten zu seinem neuen Werk. Er fertigte vorbereitende Zeichnungen an und machte sich Notizen. Irgendwann kam ihm der Gedanke, das Werk auf Glas zu malen. Auf diese Weise konnte er die Oxidation der Farben vermeiden und auch Bereiche unbemalt lassen, so dass es nicht notwendig war, den gesamten Träger zu füllen. Er hatte beschlossen, in seinem Werk eine psychologische Bewegung, einen Transit, darzustellen, wie er es bereits in Der Übergang von der Jungfrau zur Braut getan hatte. Zu dieser Zeit beschäftigte er sich eingehend mit der Perspektive der Renaissance. Er machte eine perspektivische Studie der unteren Tafel (la machine célibataire oder die unverheiratete Maschine). Er malte auch eine Kaffeemühle in Perspektive (Chocolate Grinder (No. 1)). Dieses Werk in Öl auf Leinwand ist eine Studie über das zentrale Element der unteren Tafel. Es ist in einem ganz anderen Stil gemalt als seine früheren Werke, denn er malte es mit der ganzen Präzision, zu der er fähig war. Indem er auf die technische Zeichnung zurückgriff, versuchte Duchamp, die persönliche Sensibilität des Künstlers durch die Mechanisierung des Strichs zu eliminieren. Später betrachtete er dieses Werk als den eigentlichen Beginn des Großen Glases. In seinen vorbereitenden Notizen spielt er mit Ironie und verändert die Gesetze der Physik und der Chemie. So spricht er von der Oszillation der Dichte, der Umkehrung der Reibung und der Sexualität als Zweitaktmotor in einem Flirt mit der Pataphysik. Duchamp sagte, dass er sich der Wissenschaft annähern wollte, aber nicht aus Liebe zu ihr, sondern um sie „ein wenig zu diskreditieren, auf eine leichte, unbedeutende Weise“. Duchamps großes Interesse an der vierten Dimension und der nicht-euklidischen Geometrie ist ebenfalls offensichtlich. Von der Puteaux-Gruppe war Duchamp der Einzige, der sich gewissenhaft mit diesen Themen auseinandersetzte. Gertrude Stein sagte über Duchamp, nachdem sie ihn kennengelernt hatte: „Er sieht aus wie ein junger Engländer und spricht vehement von der vierten Dimension“.

Nachdem er das handwerkliche Talent durch den Rückgriff auf die technische Zeichnung eliminiert hatte, griff Duchamp die bewusste Absicht an, indem er auf den Zufall zurückgriff. Er kam auf die Idee, drei Meter lange Fäden zu schneiden und sie auf drei Leinwände zu legen. Er zeichnete die entstandenen Linien nach und reproduzierte jede einzelne dreimal auf einer Leinwand. Er nannte das Ergebnis Network of Darns. Während andere Künstler den Zufall nutzten, um ihrer Konditionierung zu entkommen, nutzte Duchamp ihn auf eine neue Art und Weise, da er der Meinung war, dass das Ergebnis des Zufalls ein Ausdruck seines Unterbewusstseins sei, da jeder Mensch ein anderes Glück habe. 1913 schuf er bei der Erkundung dieses Weges etwas, das er rückblickend als das erste Ready-made bezeichnete: ein Fahrrad-Vorderrad, das kopfüber auf einem vierbeinigen Hocker stand (Bicycle Wheel on a Stool). Später kaufte er einen Flaschenhalter, wie er damals in französischen Haushalten üblich war, ohne die Absicht, ihn mit Flaschen zu füllen, sondern als fertige Skulptur. In einer Notiz aus dem Jahr 1913 stellt Duchamp die Frage: „Ist es möglich, Werke zu schaffen, die keine Kunstwerke sind?

Er war auch auf der Suche nach dem Material, aus dem er das Glas herstellen wollte. Nachdem er einige Monate lang versucht hatte, das Glas mit Flusssäure zu korrodieren, gab er die Idee auf, weil er sie für zu umständlich und gefährlich hielt, da bei der chemischen Reaktion giftige Gase entstanden. Dann kam er auf die Idee, Draht zu verwenden, den er mit Lacktropfen auf das Glas kleben würde. Das Material war leicht zu finden, verformbar und sehr praktisch. Mit Draht auf Glas schuf er Trineo. Obwohl Frankreich am 3. August 1914 in den Ersten Weltkrieg eintrat und seine beiden Brüder kurz darauf zur Armee einberufen wurden, war man in Frankreich allgemein der Meinung, dass der Krieg weniger als ein halbes Jahr dauern würde. Unter diesen Umständen arbeitet Duchamp weiter an seinen Studien für das Große Glas. Als nächstes nahm er ein weiteres Werk aus Draht auf Glas in Angriff, die Nine Male Moulds, dreidimensionale Gefäße, die Junggesellen darstellen. Ursprünglich waren es acht, aber schließlich kam ein neunter hinzu, der Bahnhofsvorsteher. Für Duchamp stand die Zahl drei für die Menge. Die Drei und das Vielfache der Drei kommen in seinem Werk häufig vor. Für die Zugkolben auf der Oberseite des Glases griff Duchamp erneut auf das Glück zurück: Er stellte eine quadratische Gaze vor ein Fenster und fotografierte sie dreimal, während der Wind sie sanft kräuselte. Die so entstandenen Silhouetten würden die Pistons bilden.

Transfer nach New York

Walter Pach kehrte nach Paris zurück, um in New York weitere Ausstellungen über die europäische Avantgarde zu organisieren. Dieser Besuch führte dazu, dass Duchamp und Pach Freunde wurden. Viele der in der französischen Hauptstadt ansässigen Künstler waren zur Armee eingezogen worden. Duchamp wurde aus der Armee entlassen, als ein rheumatisches Herzgeräusch festgestellt wurde. Obwohl er dem Krieg nicht skeptisch gegenüberstand und keinen Patriotismus verspürte, musste er sich die Vorwürfe seiner Schwägerin und von Fremden gefallen lassen, die ihn auf der Straße tadelten, weil er nicht an der Front war. Am 2. April 1915 schrieb er an Pach, dass er „absolut entschlossen“ sei, Frankreich zu verlassen, und in einem späteren Brief stellte er klar: „Ich gehe nicht nach New York, ich verlasse Paris, was etwas ganz anderes ist“. Am 15. Juni segelte er mit der Rochambeau nach New York.

In New York wohnte er zunächst im Haus der Arensbergs. Walter Arensberg, der Sohn eines Stahlmagnaten, war von der Armory Show sehr beeindruckt. Als Duchamp in die Wohnung kommt, hortet Arensberg bereits Werke von Brancusi, Picasso, Braque, Matisse und den Puteaux-Kubisten. Er verdiente seinen Lebensunterhalt und lernte Englisch, indem er Freunden von Pach und Arensberg, darunter John Quinn, mit dem er sich anfreundete, Französischunterricht gab. Nach zwei Monaten in New York entdeckten die Medien, dass er dort war, und er wurde zur Zielscheibe von Interviewern. Er antwortete mit originellen Ideen und Meinungen, sprach aber weder über seine Arbeit noch widmete er sich der Malerei. Im September verließ er die Wohnung der Arensbergs. Drei Monate später zog er erneut um. Die Miete für seine neue Wohnung zwang ihn, sich neben dem Unterricht eine Arbeit zu suchen, und so bekam er über Pach einen Job im Institut Français.

Kurz nach dem Einzug in seine neue Wohnung kaufte er zwei Glasplatten, die als Träger für das Große Glas dienen sollten, an dem er zwei Stunden pro Tag arbeitete, wenn auch nicht jeden Tag. Im Winter teilte er sich eine Wohnung mit Jean Crotti, der eine Metall-Glas-Arbeit mit der Darstellung von Duchamp anfertigte: Portrait of Marcel Duchamp, die Arensberg kaufte und die später verschwand. Zu dieser Zeit kaufte Duchamp einen Schneepflug, hängte ihn an einem Kabel von der Decke, betitelte ihn mit Vor dem gebrochenen Arm und signierte ihn. Es handelt sich um ein Objekt, das durch „visuelle Gleichgültigkeit und gleichzeitig durch die völlige Abwesenheit von gutem oder schlechtem Geschmack“ ausgewählt wurde: ein Werk, das durch die Wahl des Künstlers und nicht durch sein Können geschaffen wurde. Kurz darauf schrieb er an seine Schwester Suzanne, um den Flaschenhalter in der Ferne in ein Ready-made zu verwandeln. Dazu brauchte er nur eine Inschrift darauf zu schreiben. Allerdings hatte Suzanne den Flaschenhalter und das Fahrradrad bereits weggeworfen. Auf jeden Fall war die fertige Idee geboren. Duchamp sagte viel später: „Ich bin mir nicht sicher, ob das fertige Konzept nicht die wichtigste Idee ist, die meine Arbeit hervorgebracht hat.

Damals wurde er wegen seines Witzes zum Anziehungspunkt der Arensberger Gruppe. Er trank viel, so Albert Gleizes, und laut Gabrielle Picabia „fielen ihm alle seine Schüler in die Arme“, denn „er hatte viel Erfahrung gesammelt und wusste, wie man sich in jeder Situation zu verhalten hatte“. Zu seinem engsten Kreis gehörten Picabia, der Fotograf Man Ray und Henri-Pierre Roché, mit dem ihn eine lange Freundschaft verband. Außerdem spielte Duchamp zu dieser Zeit jeden Abend im Haus von Arensberg, der Mitglied der Harvard-Mannschaft war, Schach.

Neben dem Arensberg-Kreis bewegte sich Duchamp auch im Kreis von Alfred Stieglitz, der die Zeitschrift 291 herausgab, an der Duchamp mitarbeitete, indem er abstrakte Poesie in französischer Sprache schrieb. Er behandelte auch Beatrice Wood. Die 22-jährige Wood sagte bei ihrem Treffen, sie sei der Meinung, dass moderne Kunst von jedem gemacht werden könne, woraufhin Duchamp antwortete, warum es nicht versuchen. Als Wood ihr seine Zeichnung zeigte, sagte Duchamp ihr, er werde versuchen, seinen Freund Allen Norton dazu zu bringen, sie in Rogue zu veröffentlichen, und bot ihr an, in seinem Atelier zu malen. Wood schrieb über diese Zeit: „Abgesehen vom körperlichen Akt waren wir Liebhaber. Wood verliebte sich später in Roché, der ein Stück, Victor, schrieb, das er unvollendet ließ und von dem Tomkins behauptet, es sei von dieser Dreiecksbeziehung inspiriert. Laut ihrer eigenen Aussage hat sie jedoch erst 1917 mit ihm geschlafen.

Die Gesellschaft unabhängiger Künstler und der R. Mutt-Brunnen

Anfang 1917 gründeten die Künstler des Arensberger Kreises in Anlehnung an den Salon des Indépendants die Gesellschaft Unabhängiger Künstler mit dem Ziel, Ausstellungen ohne Preise und Jurys zu veranstalten. Innerhalb von zwei Wochen hatten sie sechshundert Mitglieder. Duchamp wurde zum Leiter der Auswahlkommission ernannt und entschied, dass die Werke in alphabetischer Reihenfolge nach dem Nachnamen des Autors ausgestellt werden sollten. Insgesamt wurden 2125 Werke von 1200 Künstlern ausgestellt, womit die Ausstellung die größte in der Geschichte der Vereinigten Staaten war. Duchamp reichte keine Werke unter seinem eigenen Namen ein, aber er reichte Werke unter dem Pseudonym R. MUTT ein.

Es handelte sich um ein Pissoir, das Duchamp zusammen mit Arensberg und Stella gekauft hatte. Er hat es umgeworfen und den Namen R. Mutt darauf gemalt. R. Mutt spielte einerseits auf Mott und den Comicstrip Mutt and Jeff an, andererseits bezog sich das R. auf Richard, „Geldbeutel“ im französischen Slang. Er schickte es an die Organisation mit der Zwei-Dollar-Aufschrift und dem Titel: Fountain. Wie Beatrice Wood schrieb, sorgte das Objekt bei einigen der Organisatoren für Aufregung, die es für einen Scherz oder eine Unanständigkeit hielten. Es wurde darüber abgestimmt, ob das Pissoir in die Ausstellung aufgenommen werden sollte, was die Befürworter verloren. Duchamp und Arensberg schieden aus dem Verwaltungsrat aus. Das Urinal wurde in der Galerie 291 ausgestellt, wo es von Stieglitz fotografiert wurde. Das Schicksal des Werkes ist unbekannt. Es ist auch nicht bekannt, warum Duchamp es für die Ausstellung eingereicht hat. Tomkins zufolge könnte es sich um eine Provokation gehandelt haben, die sich gegen die Fraktion richtete, die die Angelegenheit am ernstesten nahm.

Damals veröffentlichten Duchamp, Roché und Wood The Blind Man, in dem sie das von Stieglitz aufgenommene Foto zusammen mit dem Leitartikel The Richard Mutt Case reproduzierten, in dem hervorgehoben wird, dass der Autor das Werk ausgewählt hat, was es zur Kunst macht. 50 Jahre später würde Duchamp sagen: „Ich habe ihnen das Pissoir ins Gesicht geworfen, und jetzt bewundern sie es wegen seiner ästhetischen Schönheit“.

Der Krieg

Der Dadaismus wurde 1916 in Zürich von einer Gruppe von Künstlern ins Leben gerufen, die vor dem Ersten Weltkrieg flohen. Einem seiner Begründer, Tristan Tzara, zufolge war der Dadaismus überhaupt nicht modern, und Duchamp brachte ihn mit Jarry und Aristophanes in Verbindung. Sie erklärten, dass jedes menschliche Werk Kunst sei und hielten das Leben für wichtiger als die Kunst. Duchamp, der ebenfalls kein Interesse an einem Krieg hatte, teilte viele Punkte mit den Schweizer Dadaisten, behauptete aber, dass das, was er und sein Kreis in New York machten, „nicht Dada“ sei. Der Unterschied sei, dass die Dadaisten „einen Kampf gegen die Öffentlichkeit führten“. Und wenn man einen Kampf kämpft, ist es schwer, gleichzeitig zu lachen. Die Atmosphäre in New York war heiterer, dennoch wurden Duchamp und seine Gruppe als die New Yorker Dadaisten bekannt.

Zu dieser Zeit begann er, Katherine Dreier Französischunterricht zu geben, die ihn die nächsten dreißig Jahre seines Lebens begleiten sollte. Dreier, die Tochter wohlhabender deutscher Einwanderer, war Gründungsmitglied der Society of Independent Artists von 1916 und hatte gegen den Brunnen gestimmt, aber nach Duchamps Rücktritt sagte sie, dass sie ihn nicht originell fand, aber dass sie ihn vielleicht zu schätzen gewusst hätte, wenn sie von denen, die ihn kannten, dazu gebracht worden wäre. Später gab sie ein Gemälde von ihm für ihre Bibliothek in Auftrag. Duchamp brauchte sechs Monate, um sein erstes Gemälde seit 1914 zu schaffen. Das Ergebnis, das er mit Tu m“ betitelte (was laut Tomkins gewöhnlich als Tu m“emmerdes oder „du langweilst mich“ gelesen wird), ist ein Netzhautbild, das Duchamp selbst nicht gefiel. Es war die letzte Leinwand, die er je gemalt hat.

Kurze Zeit später reiste er jedoch in Begleitung von Yvonne Chapel nach Buenos Aires. Die Gründe dafür sind laut einem Brief an Jean Crotti offenbar die Spannungen in der Arensberger Ehe und die kriegsbedingten Einschränkungen. Es ist nicht bekannt, warum er sich für Argentinien entschied. Während seiner Reisevorbereitungen verschenkte Duchamp seine Werke an Freunde, darunter eine Studie des Großen Glases, die er Roché schenkte, und eine 7×5 cm große Miniatur des Treppenabgangs, die er den Stettheimer Schwestern schenkte.

Buenos Aires und Paris

Duchamp schiffte sich mit Chastel an Bord der Crofton Hall nach Buenos Aires ein, wo sie sechsundzwanzig Tage später ankamen und einige Jahre bleiben wollten. Drei Wochen nach ihrer Ankunft erreichte ihn die Nachricht vom Tod seines Bruders Raymond Duchamp-Villon, der sich als Freiwilliger gemeldet hatte und in einem Militärkrankenhaus an Typhus mit Komplikationen erkrankte.

Wie er Crotti schrieb, fand Duchamp Buenos Aires sehr machohaft, da die Gesellschaft von Buenos Aires alleinstehende Frauen nicht akzeptierte. Außerdem schrieb er an Ettie Stettheimer: „Buenos Aires gibt es nicht. Es ist nichts anderes als eine große Provinzbevölkerung mit sehr reichen Leuten ohne Geschmack, die alles aus Europa kaufen. Aber gleichzeitig gefiel es ihm, denn er fuhr fort: „Ich bin sehr glücklich, dieses ganz andere Leben entdeckt zu haben…, in dem ich Freude an der Arbeit finde“. Er versuchte auch, eine kubistische Ausstellung zu organisieren, um die Porteños mit der modernen Kunst bekannt zu machen, wofür er seinen Freund Henri-Martin Barzun in Paris um Hilfe bat, der ihm dreißig kubistische Gemälde, Gedichte von Mallarmé und Avantgarde-Zeitschriften bringen sollte. Barzun kooperierte nicht, und die Ausstellung kam nicht zustande.

Doch schon bald gab er die Arbeit zugunsten des Schachspiels auf. Er kaufte Schachzeitschriften und studierte die Partien von José Raúl Capablanca. Im Jahr 1919 trat er einem Schachklub bei und begann, mit Arensberg Fernschach zu spielen. Für Duchamp war das Schachspiel „ein Meisterwerk des Cartesianismus“ und „so phantasievoll, dass es auf den ersten Blick gar nicht kartesianisch erscheint“, und es reizte ihn, die beiden Haltungen, Schach und Kunst, miteinander zu konfrontieren. Yvonne Chastel hatte schließlich genug vom Schach und kehrte nach Paris zurück.

Katherine Dreier besuchte ihn und kehrte mit zwei Werken von Duchamp nach New York zurück. Das erste war die Stereoskopie von Hand (Stéréoscopie à la main), die mit dem stereoskopischen Effekt spielte: Sie bestand aus zwei Fotografien, auf die er ein Polyeder gezeichnet hatte, das bei Betrachtung durch ein Stereoskop über der Landschaft zu schweben schien. Der zweite war À regarder (de l“autre côte du verre), d“un oeil, de près, pendant presque une heure oder To Look (from the Other Side of the Glass), with a Wax Eye for Almost an Hour, ein Titel, den Dreier in Disturbed Balance änderte. Es handelte sich um ein Glas, auf das er die Technik der Schabesilberung angewandt hatte, die darin besteht, eine Quecksilberbasis abzuschaben, um die gewünschten Formen zu erhalten. Es gibt Elemente im Glas, die im Großen Glas landen würden, wie die Augenklingen oder die Schere, und andere, wie die Pyramide oder das Vergrößerungsglas.

Das einzige Konfektionsstück, das er in Buenos Aires entwarf, war ein Geschenk, das er per Post an seine Schwester Suzanne anlässlich ihrer Hochzeit mit Jean Crotti schickte. Er schickte ihnen eine Anleitung, wie man ein Geometriebuch an einer Schnur aus dem Fenster hängt, damit der Wind durch die Seiten weht und er „endlich drei oder vier Dinge über das Leben“ lernt. Er nannte es Le ready-made malheureux (Das fertige Elend).

Im Jahr 1919 schiffte er sich mit der Highland Pride nach Southampton ein. Er verbrachte einen Monat in London, danach besuchte er das Haus seines Vaters in Rouen und ging von dort nach Paris. Er fand Paris trotz des Krieges kaum verändert vor. Apollinaire, der mit einer schweren Kopfwunde aus der Armee entlassen wurde, an der er noch vor dem Waffenstillstand starb, wird von jungen Künstlern umschwärmt. Auf dem Salon d“Automme 1919 stellte Duchamp nichts aus, sorgte aber dafür, dass neunzehn Werke von Raymond, seinem verstorbenen Bruder, ausgestellt wurden. Zu diesem Zeitpunkt erfuhr er von der Existenz seiner Tochter, die von ihrer Mutter Jeanne Serre und dem Finanzier Henry Mayer aufgezogen wurde. Er würde sie über vierzig Jahre lang nicht wiedersehen.

Duchamp hatte jedoch die Absicht, nach New York zurückzukehren, was er Ende Dezember auch tat. Er hatte jedoch Zeit, drei neue Ready-Mades zu schaffen: den Cheque Tzanck (Chèque Tzanck) und die Air de Paris (Air de Paris).

Zurück in New York

Bei seiner Rückkehr nach New York stellte er fest, dass die Arensbergs nicht mehr das waren, was sie waren, da sie in finanziellen Schwierigkeiten steckten. Zusammen mit Dreier und Man Ray gründeten sie die Société Anonyme, Inc. Duchamp bestand darauf, dass moderne Kunst Spaß machen sollte, da er es für unerlässlich hielt, das Interesse der Amerikaner an neuen Trends zu wecken. In den folgenden zwanzig Jahren organisiert die Société Anonyme fünfundachtzig Ausstellungen und stellt trotz fehlender finanzieller Mittel Werke von Archipenko, Kandinsky, Klee, Léger, Villon, Eilshemius, Mondrian und Schwitters vor.

Duchamp ließ das Große Glas in seine neue Wohnung bringen, auf dem sich der Staub ansammelte, und Man Ray fotografierte das Ergebnis unter dem Titel Cultivation of Dust (Élevage puissière). Man Ray fotografierte das Ergebnis unter dem Titel Élevage de puissière (Staubkultivierung), fixierte dann den Staub auf den Kegeln, reinigte den Rest, ließ den unteren Bereich versilbern und schabte ihn ab, um die drei Augenarztplatten zu erhalten. Er baute auch seine erste optische Maschine Rotative plaque verre (Optique de précision), die er nicht als Kunst betrachtete. Diese Erkundung führte dazu, dass er sich für die Kinematographie interessierte. Er filmte die Baronin von Freytag-Loringhoven bei der Rasur ihres Schambereichs mit stereoskopischem Effekt. Der Film war beschädigt, und nur zwei Streifen, die zusammenpassten, konnten gerettet werden. Der stereoskopische Effekt war bei dieser Probe sichtbar. Ansonsten spielte er viel Schach im Marshall Chess Club, wo es ihm gelang, Frank Marshall zweimal in Simultanspielen des Meisters gegen zwölf Gegner zu schlagen.

Im Jahr 1920 erblickte Duchamps Alter Ego Rose Sélavy das Licht der Welt. Duchamp kaufte ein französisches Fenster, überzog die Scheiben mit schwarzem Leder und klebte den Titel auf: Fresh widow copyright Rose Sélavy 1920. Man Ray fotografierte Duchamp im Pelzmantel und mit Cloche-Hut, eine Aufnahme, die zu einem Parfümflakon mit der Aufschrift Belle Haleine-Eau de Violette (Kostbarer Atem – Wasser der Violette) gehört. Duchamp benutzte auch den Namen seines weiblichen Alter Ego in einem sehr „entzerrten“ Ready-made: Why Not Sneeze Rose Sélavy. Später fügte er dem Namen ein zusätzliches R hinzu, das zu Rrose Sélavy wurde.

Im Juni 1920 besuchte er Paris. Dort lernt er die dadaistische Gruppe kennen, die von Tzara, Picabia und Breton angeführt wird und der auch Jacques Rigaut, Louis Aragon, Paul Éluard, Gala, Theodore Fraenkel und Philippe Soupault angehören. Duchamp nahm an mehreren Veranstaltungen teil, schrieb aber an Ettie Stettheimer, dass „aus der Ferne alle diese Bewegungen durch eine Anziehungskraft verstärkt erscheinen, die ihnen aus der Nähe fehlt. Während dieses Besuchs drehte er mit Man Ray einen Kurzfilm, der mit optischen Effekten spielte und ein Ready-made schuf: Die Austerlitz-Trifecta (La bagarre d“Austerlitz). Der Besuch war kurz, denn Anfang 1921 segelte er zurück nach New York. Auf die Frage, warum er es vorzog, in New York zu leben, während viele amerikanische Künstler nach Paris zogen, antwortete Duchamp, dass die New Yorker eher bereit waren, ihn in Ruhe zu lassen.

Es war eine Zeit, in der ich mich von Freundschaften, Liebesbeziehungen und der Arbeit löste. Er vollendete weder das Große Glas noch begann er neue Werke, und er weigerte sich, sich zu wiederholen. Er gab eine Anthologie von Henry McBride heraus; er kaufte mit seinem Bekannten Leon Hartl eine Färberei, die nach sechs Monaten scheiterte, und ćer schaffte es, an Simultanspielen gegen Capablanca teilzunehmen.

Anfang 1923 kehrte er nach Paris zurück. Bei dieser Gelegenheit gab er keinen Grund an. Tomkins geht davon aus, dass Duchamp zu diesem Zeitpunkt New York mit seiner kreativen Dürre assoziierte. Bevor er abreiste, produzierte er noch ein letztes Konfektionsstück: Wanted$2.000 Reward, ein Fahndungsplakat, das er bei einer Druckerei in Auftrag gegeben hatte und auf dem er Front- und Profilfotos von sich selbst platzierte. Zu diesem Zeitpunkt hatte er beschlossen, Large Glass unvollendet zu lassen.

Zwanzig (fast ununterbrochene) Jahre in Paris

In Paris zementierte Breton in seinem Essay in der Oktoberausgabe der Littérature die französische Legende von Duchamp. Breton hatte ansonsten wenig Glück, Duchamp für die surrealistische Bewegung zu gewinnen. Obwohl er in der Jury des Salon d“Automne saß, wurde er kaum mit dem künstlerischen Treiben in Paris in Verbindung gebracht. Kaum hatte er von Jacques Doucet den Auftrag erhalten, eine optische Maschine zu bauen, an der er 1924 arbeitete und die er „Rotative demi-sphère“ nannte, fertigte Duchamp sie auf Kosten des Materials und des Ingenieurs, der sie herstellte, und machte deutlich, dass er nicht wollte, dass sie ausgestellt wurde. Er betonte auch, dass er nicht wollte, dass in der Maschine etwas anderes als die Optik zu sehen sei. Breton veröffentlichte weiterhin Schriften – oft einzelne Sätze, wie Meine Nichte ist kalt, weil meine Knie kalt sind – von DuchampRrose Sélavy in Litterature.

1924 wirkte er in dem zwanzigminütigen Film Entr“acte von René Clair und Picabia mit, der anlässlich einer Aufführung des Balletts Relâche gezeigt wurde. Duchamp tritt in einer Szene auf, in der er mit Man Ray Schach spielt, bis ein Wasserstrahl das Spiel unterbricht. Später spielte er in Cinésketch die Rolle des Adam, der bis auf ein Feigenblatt und einen falschen Bart praktisch nackt ist, an der Seite von Bronja Perlmutter, die die Rolle der Eva spielt. Ende 1925 investierte er einen Teil seines Erbes – seine Eltern waren in diesem Jahr gestorben – in einen Film, Anémic Cinéma, mit Calambures von Rrose Sélavy, die sich um Schallplatten drehen.

Seine Hauptbeschäftigung blieb jedoch das Schachspiel. Er verließ Paris jeweils für mehrere Wochen, um an Turnieren teilzunehmen. Er spielte an der Riviera mit der Mannschaft von Nizza und nahm im Jahr nach seiner Rückkehr nach Europa erneut am Brüsseler Turnier teil. Er wurde Vierter. Er wurde in die Mannschaft eingeladen, die Frankreich bei den ersten inoffiziellen Schacholympiaden 1924 vertrat, wo Frankreich den siebten Platz belegte. Kurz darauf wurde er zum Meister der Haute-Normandie ernannt, indem er ein Turnier in Rouen gewann. Zu dieser Zeit brachte er seine Obligationen für das Roulette von Monte-Carlo (Obligations pour la roulette d Monte-Carlo) heraus, die ein von Man Ray aufgenommenes Foto von ihm selbst zeigten, auf dem sein Gesicht mit Schaum bedeckt war und zwei Hörner bildete. Diese Obligationen im Wert von 500 Franken versprachen eine Rendite von zwanzig Prozent. Das Geld wurde in ein System investiert, das Duchamp entwickelt hatte, um beim Roulette zu gewinnen. Die Gewinne waren jedoch mager, aber die Anleihen würden schließlich an Wert gewinnen.

Im Jahr 1925 nahm er an der französischen Schachmeisterschaft teil. Duchamp entwarf das Plakat für die Veranstaltung und belegte den sechsten Platz, war aber nahe dran, den Sieger Robert Crepeaux zu schlagen.

Im Jahr 1926 begann er seine Karriere als Kunsthändler, die er zwei Jahrzehnte lang ausüben sollte. Für Tomkins war dies „ungewöhnlich“, da er das Gewerbe lange Zeit verachtet hatte. Sein Ziel sei es, „weder Gewinn noch Verlust zu machen, plus zehn Prozent“. Seine erste große Aktion war die Versteigerung von achtzig Werken von Picabia. Dann begann er sich für die Brancusi-Skulpturen des kürzlich verstorbenen John Quinn zu interessieren. Nachdem er 29 Stücke erworben hatte, reiste er in die Vereinigten Staaten, um sie zu verkaufen. Dort besuchte er die erste von Dreier organisierte Ausstellung, in der das Große Glas gezeigt wurde. Einige Zeit nach dem Verkauf kehrte er nach Paris zurück. Dort verkaufte er Kunstwerke von gleichgesinnten Künstlern wie Brancusi an einige wenige Kunden, darunter die Arensbergs.

Zur Überraschung seiner Bekannten heiratete Duchamp 1927 Lydie Sarrazin-Levassor, die er durch Picabia kennengelernt hatte. Anlässlich seiner Hochzeit schrieb Duchamp an Katherine Dreier: „Ich werde im Juni heiraten. Ich weiß nicht, wie ich es erklären soll, denn es kam so plötzlich, dass es mir schwerfällt, es zu erklären. Sie ist nicht besonders hübsch oder attraktiv, aber sie scheint eine Mentalität zu haben, die verstehen kann, wie ich mit der Ehe zurechtkomme“. Tomkins glaubt, dass Duchamp wegen der finanziellen Stabilität heiratete, die ihm Lydies Vater, ein Automobilhersteller, bot. Die Rente, die er seiner Tochter gewährte, belief sich jedoch auf magere 2500 Francs, obwohl die ersten Wochen laut Lydie, die schreibt „wir waren uns sehr nahe, sehr intim“, und Duchamp, der in einem Brief an Walter Pach schreibt „es war bisher eine reizvolle Erfahrung und ich hoffe, dass es so bleiben wird. Mein Leben hat sich überhaupt nicht verändert; ich muss Geld verdienen, aber nicht für zwei“, aber im Sommer tauchten die Probleme auf. Lydie war der modernen Kunst fremd und passte nicht zu Duchamps Freunden, zum Beispiel als Crotti sie bat, nackt zu posieren. Sie kam auch nicht gut mit Duchamps Vorliebe für Schach zurecht, die ihn bis in die frühen Morgenstunden mit dem Studium von Spielsituationen beschäftigt hat. Bei einer Gelegenheit klebte er die Figuren auf das Brett. Kurz darauf teilte Duchamp ihm mit, dass er mit Man Ray spielen gehe und nicht zurückkehren werde. Sie sahen sich weiterhin, bis Duchamp im Oktober die Scheidung beantragte, die am 25. Januar 1928 bewilligt wurde.

Nach der Scheidung setzte Duchamp seine Beziehung zu Mary Reynolds fort und nahm weiterhin an Schachturnieren teil. Im Jahr 1929 reiste er mit Dreier nach Spanien und Deutschland. Beim Hyéres-Turnier wurde er mit dem Preis für Brillanz ausgezeichnet, und beim Turnoi International de Paris 1930 spielte er gegen die besten Schachspieler der Welt. Er wurde Letzter, spielte aber gegen Savielly Tartakower unentschieden und gegen George Koltanowsky unentschieden. Mit der französischen Nationalmannschaft, deren Kapitän der Weltmeister Alexander Aljechin war, nahm er an mehreren Wettkämpfen teil und verlor dabei mehr Partien als er gewann. Edward Lasker hielt ihn für „einen sehr soliden Spieler“ und 1933 nahm er in Folkestone an seinem letzten großen Turnier teil.

Als Künstler machte er sich daran, die Notizen, die er im Zusammenhang mit dem Großen Glas angefertigt hatte, zu veröffentlichen, da das Glas ohne sie für das bloße Auge unverständlich war, da es eine Ansammlung von nicht nur visuellen, sondern auch verbalen Ideen darstellte. Er sammelte diese Notizen zusammen mit Reproduktionen von siebzehn früheren Werken und Fotografien von Man Ray in einer Green Box, die vierundneunzig Gegenstände enthielt.

Duchamp pflegte eine langjährige Freundschaft mit zahlreichen Künstlern der europäischen und amerikanischen Avantgarde. Zu ihnen gehörte auch Joan Miró, den er bereits 1917 in Barcelona kennenlernte, und ihre Beziehung vertiefte sich in den 1920er und 1930er Jahren. Ein neuer Impuls ging von Teeny aus, einer der Personen, die der Katalane und seine Frau Pilar am meisten schätzten. Teeny war der umgangssprachliche Name von Duchamps zweiter Ehefrau, der geborenen Alexina Sattler (Cincinnati, 20. Januar 1906-Villiers-sur-Grez, 20. Dezember 1995). Sie hatte sich 1948 von Pierre Matisse, Mirós bekanntem New Yorker Kunsthändler, getrennt und ließ sich im folgenden Jahr scheiden. Sie hatte Duchamp bereits 1923 kennengelernt, und als sie sich im Herbst 1951 wiedertrafen, begannen sie eine Beziehung, die am 19. Januar 1954 mit der Heirat endete. Sie brachte ihre drei Kinder Paul, Jacqueline und Peter mit in die Ehe, die gleichen Kinder, für deren Schlafzimmer Miró 1939 ein Wandgemälde gemalt hatte. Teeny brachte ihre eigene Miró-Sammlung mit, wie aus einem Brief Duchamps an Roché vom 5. Juni 1956 hervorgeht, in dem er Teenys Bereitschaft erwähnt, ihm einen Miró und einen Rouault im Tausch gegen einen Duchamp zu überlassen, den er zurückhaben möchte. Eines der Werke war die Zeichnung Ohne Titel (1946) (DDL 1074). 1955 wurde Duchamp als amerikanischer Staatsbürger eingebürgert.

Er starb 1968 in Neuilly-sur-Seine.

Nach 1915 malte er nur noch wenige Werke, obwohl er bis 1923 an seinem Meisterwerk Die von ihren Junggesellen nackt ausgezogene Braut (1923, Philadelphia Museum of Art) arbeitete, einem abstrakten Werk, das auch als Das große Glas (Le grand verre) bekannt ist. Das mit Farbe und Draht auf Glas ausgeführte Werk wurde von den Surrealisten mit Begeisterung aufgenommen.

Das Original befindet sich im Philadelphia Museum und hat Risse, da es bei der Überführung in das Brooklyn Museum im Jahr 1926 schlecht verpackt wurde, das einzige Mal, dass es in seinem ursprünglichen Zustand zu sehen war. Zehn Jahre später restaurierte Duchamp selbst das Werk in der Wohnung von Katherine Dreier, der es damals gehörte.

Im Bereich der Bildhauerei leistete er Pionierarbeit für zwei der wichtigsten Brüche des 20. Jahrhunderts: die kinetische Kunst und die Ready-made-Kunst. Letzteres bestand einfach in der willkürlichen Kombination oder Anordnung von Alltagsgegenständen wie einem Urinal (Fountain, 1917) oder einem Flaschenhalter, die nach dem Willen des Künstlers zur Kunst werden konnten.

Das Readymade führte eine starke Kritik am Institutionalismus und Fetischismus der Kunstwerke ein, was selbst innerhalb des surrealistischen Kreises zu enormen Spannungen führte.

Sein Bicycle Wheel (dritte Version 1951, Museum of Modern Art, New York), eines der frühesten Beispiele für kinetische Kunst, war auf einer Küchenbank montiert.

Neben seinem plastischen Werk ist vor allem seine Vorliebe für Wortspiele hervorzuheben, die häufig in den Titeln seiner Werke auftauchen und zu einer Vielzahl von lustigen Lesarten führen.

Seine Schaffenszeit war kurz und er überließ es anderen, die von ihm erdachten Themen weiterzuentwickeln. Obwohl er nicht sehr produktiv war, war sein Einfluss entscheidend für die Entwicklung des Surrealismus, des Dadaismus und der Pop Art, und bis heute ist er der entscheidende Künstler für das Verständnis der Postmoderne.

Es ist üblich, in Duchamps Werken Lesarten mit explizit sexuellem Inhalt zu finden; im Allgemeinen bewegen sich die Analysen seines Werks zwischen Psychoanalyse und akademischer und institutioneller Infragestellung der bildenden Künste.

In seinen letzten Lebensjahren bereitete Duchamp heimlich sein letztes Werk vor, das erst nach seinem Tod zusammengesetzt werden sollte. Es handelt sich um ein Diorama, das durch ein Loch in einer Tür des Museums in Philadelphia zu sehen ist und einen Teil des Körpers einer Frau darstellt, die in einer ländlichen Landschaft eine Lampe hält. Der Titel macht die möglichen Lesarten des Werks „Dice: 1. The Waterfall 2. (Etant donnés: 1-la chute d“eau, 2- le gaz d“éclairage).

Es gibt noch eine andere „Lesart“ von Duchamps Werk, und damit der gesamten so genannten „modernen Kunst“: Sein gesamtes Werk ist eine Verhöhnung des Betrachters, völlig sinnentleert.Dalí machte sich offen über die „Suche nach Lesarten“ der modernen Kunstkritiker lustig. Er pflegte zu sagen: „Ich weiß nicht einmal, was das ist, aber es ist voller Bedeutung“.

Die vorgefertigten

Das Ready-made ist ein schwer zu definierender Begriff, selbst für Duchamp, der erklärte, er habe keine zufriedenstellende Definition gefunden. Es handelt sich um eine Reaktion auf die Kunst der Netzhaut, d. h. die visuelle Kunst, im Gegensatz zu einer Kunst, die mit dem Verstand erlernt wird. Indem er Kunstwerke aus Objekten schafft, indem er sie einfach auswählt, greift Duchamp das Problem der Bestimmung des Wesens der Kunst an der Wurzel an und versucht zu zeigen, dass eine solche Aufgabe eine Schimäre ist. Bei seiner Auswahl versuchte Duchamp, seinen persönlichen Geschmack beiseite zu lassen; die ausgewählten Objekte müssen ihm visuell oder retinal gleichgültig gewesen sein. Aus diesem Grund beschränkte er die Anzahl der zu erstellenden Ready-mades. Er wusste jedoch, dass diese Wahl eine Manifestation seines eigenen Geschmacks war. In diesem Zusammenhang erklärte er, es sei ein „kleines Spiel zwischen mir und mir“.

Rückblickend kann das Fahrradrad auf einem Hocker als das erste Ready-made betrachtet werden, obwohl Duchamp es damals nicht als solches interpretierte, ebenso wenig wie den Flaschenhalter. Diese beiden Werke, die in Paris ausgewählt wurden, gingen nach ihrem Umzug verloren. Das erste völlig authentische Konfektionsstück ist ein Schneepflug, den er an einem Faden von der Decke hängte und den er „In Advance of the Broken Arm“ nannte. Eine Woche später kaufte er einen Rauchsauger und nannte ihn „Pulled at 4 Pins“, was im Englischen keine Bedeutung hat, dessen französische Übersetzung „tiré a quatre èpingles“ aber mit „Spitze in Weiß“ übersetzt werden kann. Mit Ausnahme von Bicycle Wheel und Bottle Holder, die, wie bereits erwähnt, keine Ready-mades sind, tragen diese Werke oft Namen, die keinen offensichtlichen Bezug zum Objekt haben.

Im Frühjahr 1916 wählte er drei neue Fertigprodukte aus. Peigne war ein Hundekamm, der mit den Initialen M.D. signiert war. Obwohl der Titel beschreibend ist, ist die begleitende Inschrift es nicht: „3 ou 4 gouttes de hauteur n“ont rien a faire avec la sauvagerie“ (3 oder 4 Tropfen Höhe haben nichts mit Wildheit zu tun). Wie er am Tag der Entstehung schrieb, sollte die Inschrift den Akt in ein Ereignis für die Zukunft verwandeln. Nachgiebig… de voyage ist ein Schreibmaschinenkoffer und damit die erste weiche Skulptur. À bruit secret (Ein geheimes Geräusch) ist ein Schnurknäuel zwischen zwei quadratischen Messingplatten, die von vier Schrauben zusammengehalten werden. Duchamp forderte Arensberg auf, einen kleinen Gegenstand in das Schnurknäuel zu legen, ohne ihm zu sagen, um was es sich handelte, damit es beim Schütteln einen Ton erzeugen würde. Auf den Messingplatten befindet sich eine unverständliche Inschrift mit unvollständigen und sich überschneidenden Wörtern in Englisch und Französisch. 1917 wandelte er eine Werbung für Sapolin-Farbe, in der er einige Buchstaben abänderte, in Apolinère Enameled um und schuf damit ein rektifiziertes Ready-made, wie es abgeändert wird.

Später signierte er ein Gemälde mit einer Schlachtszene aus dem Café des Artistes und machte es damit zu einem Ready-made. Er sagte auch, dass man den Woolworth Building-Wolkenkratzer signieren könnte, um ihn zu einem Ready-made zu machen, oder einen Rembrandt als Bügelbrett verwenden könnte.

1917 wählte er ein Holzbrett mit mehreren Klammern, das er zum Aufhängen von Kleidung erworben hatte, das er aber eine Zeit lang auf dem Boden liegen gelassen hatte und über das er zu stolpern pflegte, und nagelte es dauerhaft auf den Boden und nannte es Trébuchet (Garderobe), ein Wortspiel mit trébucher (stolpern). Porte-chapeau war eine runde Garderobe, die er an der Decke befestigte.

Sein berühmtestes Ready-made ist wohl Fountain (1917), das auf der Ausstellung der Society of Independent Artists gezeigt wurde. Der Leitartikel des Blinden betonte, dass es nicht wichtig sei, ob der Autor es selbst gemacht habe oder nicht, sondern dass es der Akt der Auswahl sei, der eine Sanitärarmatur in ein Kunstwerk verwandelt und einen neuen Gedanken für das Objekt schafft.

Die Urheberschaft seines Brunnens ist jedoch umstritten, denn es wird angenommen, dass nicht er, sondern seine Geliebte, die dadaistische Künstlerin Elsa von Freytag-Loringhoven, ihn erdacht hat. Vor der Ausstellung dieses Werkes, im April 1917, schrieb Duchamp einen Brief an seine Schwester, in dem es hieß: „Ein Freund hat mir unter dem Pseudonym Richard Mutt ein Porzellanpissoir in Form einer Skulptur geschickt“. Niemand wusste, wer Mutt war, aber Duchamp behauptete, er sei der Urheber. Die Hinweise von Mutt wurden verfolgt und führten nach Philadelphia, wohin die erwähnte Elsa gezogen war, um zu leben. Darüber hinaus zeigen die fertigen Werke dieses Bildhauers Stücke von Urinalen, die eng mit Fuente verbunden sind.

Escultura de viaje (Skulptur der Reise) ist ein Werk aus Badekappen, die er kurz vor seiner Abreise nach Buenos Aires in Streifen geschnitten, geklebt und an seine Wand genagelt hat.

Literaturverzeichnis

Quellen

  1. Marcel Duchamp
  2. Marcel Duchamp
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