Sidney Lumet

Mary Stone | juli 25, 2023

Resumé

Sidney Arthur Lumet (25. juni 1924 – 9. april 2011) var en amerikansk filminstruktør, producer og manuskriptforfatter med over 50 film på samvittigheden. Han blev nomineret fem gange til en Oscar: fire gange for bedste instruktør for 12 Angry Men (1957), Dog Day Afternoon (1975), Network (1976) og The Verdict (1982) og en gang for bedste adapterede manuskript for Prince of the City (1981). Han vandt ikke en individuel Oscar, men modtog en Academy Honorary Award, og 14 af hans film blev nomineret til Oscars.

Ifølge The Encyclopedia of Hollywood var Lumet en af de mest produktive filmskabere i moderne tid og instruerede i gennemsnit mere end én film om året siden sin instruktørdebut i 1957. Turner Classic Movies bemærker hans “stærke instruktion af skuespillere”, “energiske historiefortælling” og “sociale realisme” i hans bedste arbejde. Filmkritikeren Roger Ebert beskrev ham som “en af de fineste håndværkere og varmeste humanister blandt alle filminstruktører.” Lumet var også kendt som en “skuespillernes instruktør”, der havde arbejdet med de bedste af dem i løbet af sin karriere, sandsynligvis mere end “nogen anden instruktør.” Sean Connery, som spillede med i fem af hans film, betragtede ham som en af sine yndlingsinstruktører og en, der havde den der “vision”.

Lumet var medlem af den første klasse på New Yorks Actors Studio og begyndte sin instruktørkarriere med Off-Broadway-produktioner, hvorefter han blev en yderst effektiv tv-instruktør. Hans første film, 12 Angry Men (1957), var et retssalsdrama centreret om en anspændt juryovervejelse. Lumet fordelte efterfølgende sine kræfter mellem politiske og sociale dramafilm samt filmatiseringer af litterære skuespil og romaner, store stilfulde historier, New York-baserede sorte komedier og realistiske krimidramaer, herunder Serpico og Prince of the City. Som følge af instruktionen af 12 Angry Men var han også ansvarlig for at lede den første bølge af instruktører, der foretog en vellykket overgang fra tv til film.

I 2005 modtog Lumet en Academy Award for Lifetime Achievement for sine “strålende tjenester til manuskriptforfattere, kunstnere og filmkunsten”. To år senere afsluttede han sin karriere med det anmelderroste drama Before the Devil Knows You’re Dead (2007). Et par måneder efter Lumets død i april 2011 blev der afholdt en retrospektiv fejring af hans arbejde i Lincoln Center i New York med adskillige talere og filmstjerner. I 2015 instruerede Nancy Buirski By Sidney Lumet, en dokumentarfilm om hans karriere, som blev sendt som en del af PBS’ American Masters-serie i januar 2017.

De første år

Lumet blev født i Philadelphia og voksede op i Lower East Side-kvarteret på Manhattan. Han studerede teaterskuespil på Professional Children’s School of New York og Columbia University.

Lumets forældre, Baruch og Eugenia (født Wermus) Lumet, var veteraner fra det jiddische teater og polsk-jødiske emigranter til USA. Hans far, som var skuespiller, instruktør, producer og forfatter, blev født i Warszawa. Lumets mor, som var danser, døde, da han var barn. Han havde en ældre søster. Han fik sin professionelle debut i radioen som fireårig og sin scenedebut på Yiddish Art Theatre som femårig. Som barn medvirkede han også i mange Broadway-produktioner, bl.a. Dead End fra 1935 og Kurt Weills The Eternal Road.

I 1935, 11 år gammel, medvirkede han i Henry Lynns kortfilm Papirossen (som betyder “Cigaretter” på jiddisch), som radiostjernen Herman Yablokoff var med til at producere. Filmen blev vist i et teaterstykke med samme titel, baseret på hitsangen “Papirosn”. Stykket og kortfilmen blev vist i Bronx McKinley Square Theatre. I 1939 fik han som 15-årig sin eneste spillefilmsoptræden i …One Third of a Nation….

Anden Verdenskrig afbrød hans tidlige skuespillerkarriere, og han tilbragte fire år i den amerikanske hær. Da han vendte tilbage fra sin tjeneste som radarreparatør i Indien og Burma (1942-1946), blev han involveret i Actors Studio og dannede derefter sit eget teaterværksted. Han organiserede en Off-Broadway-gruppe og blev dens instruktør, og han fortsatte med at instruere sommerteater, mens han underviste i skuespil på High School of Performing Arts. Han var senior drama coach på den nye 46th St. bygning af “Performing Arts”. Den 25-årige Lumet instruerede dramaafdelingen i en produktion af The Young and Fair.

Tidlig karriere

Lumet begyndte sin karriere som instruktør på Off-Broadway-produktioner og udviklede sig derefter til en højt respekteret tv-instruktør. Efter at have arbejdet off-Broadway og på sommerteatre begyndte han at instruere tv i 1950, efter at have arbejdet som assistent for vennen og daværende instruktør Yul Brynner. Han udviklede hurtigt en “lynhurtig” metode til at optage på grund af den store udskiftning, som tv krævede. Mens han arbejdede for CBS, instruerede han derfor hundredvis af episoder af Danger (1950-55), Mama (1949-57) og You Are There (1953-57), en ugentlig serie med Walter Cronkite i en af hans tidlige tv-optrædener. Lumet valgte Cronkite til rollen som studievært, “fordi præmissen for serien var så fjollet, så skandaløs, at vi havde brug for en person med den mest amerikanske, hjemlige, varme lethed over sig”, sagde Lumet.

Han instruerede også originale skuespil for Playhouse 90, Kraft Television Theatre og Studio One og instruerede omkring 200 episoder, hvilket etablerede ham som “en af de mest produktive og respekterede instruktører i branchen”, ifølge Turner Classic Movies. Hans evne til at arbejde hurtigt under optagelserne blev overført til hans filmkarriere. Fordi kvaliteten af mange af tv-dramaerne var så imponerende, blev flere af dem senere filmatiseret.

Hans første film, 12 Angry Men (1957), baseret på et teaterstykke fra CBS, var en lovende begyndelse for Lumet. Den var en kritisk succes og etablerede ham som en instruktør, der var dygtig til at tilpasse egenskaber fra andre medier til film. Hele halvdelen af Lumets film stammer fra teatret.

Et kontroversielt tv-show, som han instruerede i 1960, gjorde ham berømt: The Sacco-Vanzetti Story på NBC. Ifølge The New York Times blev dramaet kritiseret af staten Massachusetts (hvor Sacco og Vanzetti blev dømt og henrettet), fordi man mente, at det postulerede, at de dømte mordere i virkeligheden var helt uskyldige. Men den resulterende kontrovers gjorde faktisk Lumet mere gavn end skade og sendte flere prestigefyldte filmopgaver i hans retning.

Han begyndte at tilpasse klassiske skuespil til både film og tv og instruerede Marlon Brando, Joanne Woodward og Anna Magnani i spillefilmen The Fugitive Kind (1959), baseret på Tennessee Williams’ skuespil Orpheus Descending. Senere instruerede han en live tv-version af Eugene O’Neills The Iceman Cometh, som blev efterfulgt af hans film A View from the Bridge (1962), endnu et psykologisk drama baseret på et skuespil skrevet af Arthur Miller. Den blev efterfulgt af endnu et Eugene O’Neill-skuespil, Long Day’s Journey into Night (også 1962), hvor Katharine Hepburn blev nomineret til en Oscar for sin præstation som narkoman husmor; de fire hovedrolleindehavere vandt skuespilpriserne ved filmfestivalen i Cannes i 1962. Den blev også kåret som en af årets “ti bedste film” af The New York Times.

Realisme og energisk stil

Filmkritikeren Owen Gleiberman har bemærket, at Lumet var en “hårdkogt straight-shooter”, som, fordi han blev uddannet i fjernsynets guldalder i 1950’erne, blev kendt for sin energiske instruktørstil. Ordene “Sidney Lumet” og “energi”, tilføjer han, blev synonyme: “Energien var der i de mest stille øjeblikke. Det var en indre energi, en summen af eksistens, som Lumet observerede i folk og bragte frem i dem… gik ud i New Yorks gader… han gjorde dem elektriske:

Det var en arbejderklasseenergi fra de ydre bydele. Lumets gader var lige så onde som Scorseses, men Lumets gader virkede mere enkle end poetiske. Han kanaliserede den New Yorkske skeezy vitalitet med en så naturlig kraft, at det var let at overse, hvad der virkelig var involveret i præstationen. Han fangede New York-stemningen som ingen anden, fordi han så den, levede den, åndede den – men så var han nødt til at gå ud og iscenesætte den eller genskabe den, næsten som om han iscenesatte en dokumentarfilm, hvor han lod sine skuespillere gå løs på hinanden som tilfældige rovdyr og insisterede på det mest naturlige lys, der var muligt, Han fik kontorer til at se så grimme og bureaukratiske ud, som de var, fordi han vidste, at de ikke bare var kontorer, men huler, og at der var en dybere intensitet, næsten en slags skønhed, i at fange virkelighedens grovhed, som den virkelig så ud.

Samarbejde

Lumet insisterede generelt på filmens samarbejdende natur og latterliggjorde undertiden den “personlige” instruktørs dominans, skriver filmhistorikeren Frank P. Cunningham. Som et resultat blev Lumet kendt blandt både skuespillere og filmfotografer for sin åbenhed over for at dele kreative ideer med forfatteren, skuespilleren og andre kunstnere. Lumet “har ingen lige i den fornemme instruktion af overlegne skuespillere,” tilføjer Cunningham, hvoraf mange kommer fra teatret. Han var i stand til at få stærke præstationer fra skuespillere som Ralph Richardson, Marlon Brando, Richard Burton, Katharine Hepburn, James Mason, Sophia Loren, Geraldine Fitzgerald, Blythe Danner, Rod Steiger, Vanessa Redgrave, Paul Newman, Sean Connery, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Albert Finney, Simone Signoret og Anne Bancroft. “Giv ham en god skuespiller, og han vil måske finde den store skuespiller, der lurer indeni”, skrev filmkritikeren Mick LaSalle.

Når det var nødvendigt, valgte Lumet utrænede skuespillere, men han sagde: “Over 90 % af tiden vil jeg have de bedste værktøjer, jeg kan få: skuespillere, forfattere, lysmænd, kameramænd, rekvisitører.” Når han alligevel brugte mindre erfarne skuespillere, kunne han stadig frembringe overlegne og mindeværdige skuespilpræstationer. Det gjorde han med Nick Nolte, Anthony Perkins, Armand Assante, Jane Fonda, Faye Dunaway, Timothy Hutton og Ali MacGraw, som selv omtalte ham som “enhver skuespillers drøm”. Efter Fondas mening “var han en mester. En sådan kontrol over sit håndværk. Han havde stærke, progressive værdier og forrådte dem aldrig.”

Lumet mente, at film er en kunstart, og at “mængden af opmærksomhed omkring film er direkte relateret til kvaliteten af billederne.” Fordi han startede sin karriere som skuespiller, blev han kendt som en “skuespillerinstruktør” og arbejdede med de bedste af dem i årenes løb, en liste, der sandsynligvis ikke er overgået af nogen anden instruktør. Skuespilforskeren Frank P. Tomasulo er enig og påpeger, at mange instruktører, der er i stand til at forstå skuespil fra en skuespillers perspektiv, alle var “gode kommunikatorer”.

Ifølge filmhistorikerne Gerald Mast og Bruce Kawin har Lumets “følsomhed over for skuespillere og byens rytmer gjort ham til USA’s længstlevende efterkommer af 1950’ernes neorealistiske tradition og dens påtrængende forpligtelse til etisk ansvar.” De nævner hans tidlige film The Hill (1965) som “en af de mest politisk og moralsk radikale film i 1960’erne.” De tilføjer, at under de sociale konflikter i Lumets film ligger “overbevisningen om, at kærlighed og fornuft i sidste ende vil sejre i menneskelige anliggender”, og at “lov og retfærdighed i sidste ende vil blive overholdt – eller ikke.” Hans debutfilm, Twelve Angry Men, var en anerkendt film i sin tid og repræsenterede en model for liberal fornuft og fællesskab i 1950’erne. Filmen og Lumet blev nomineret til Academy Awards, og han blev nomineret til Director’s Guild Award, og filmen fik stor ros af kritikerne.

I Encyclopedia of World Biography står der, at hans film ofte havde skuespillere, der studerede “Method acting”, kendt for at portrættere en jordnær, introspektiv stil. Et førende eksempel på sådanne “Method”-skuespillere er Al Pacino, som tidligt i sin karriere studerede under Method acting-guruen Lee Strasberg. Lumet foretrak også spontanitet i både sine skuespillere og omgivelser, hvilket gav hans film et improviseret look, da han optog meget af sit arbejde på location.

Øvelse og forberedelse

Lumet var en stærk tilhænger af øvelse og mente, at hvis man øver korrekt, mister skuespilleren ikke sin spontanitet. Ifølge skuespilforfatteren Ian Bernard mente han, at det giver skuespillerne “hele rollens bue”, hvilket giver dem frihed til at finde det “magiske uheld”. Instruktøren Peter Bogdanovich spurgte ham, om han øvede sig meget før optagelserne, og Lumet svarede, at han gerne øvede sig mindst to uger før optagelserne. I løbet af de uger, husker Faye Dunaway, som spillede med i Network (1976), blokerede han også scenerne med sin kameramand. Som et resultat, tilføjer hun, “går der ikke et minut til spilde, mens han optager, og det viser sig ikke kun på studiets budget, men det viser sig også på præstationerne.” Hun roser hans måde at instruere på i Network, hvor hun vandt sin eneste Oscar:

Lad mig sige, at Sidney er en af, hvis ikke den mest talentfulde og professionelle mand i verden … og at spille med i Network var en af de lykkeligste oplevelser, jeg nogensinde har haft … Han er en virkelig begavet mand, som bidrog en hel del til min præstation.

Blandt andet fordi hans skuespillere var godt indøvede, kunne han udføre en produktion i hurtig rækkefølge, hvilket holdt hans produktioner inden for deres beskedne budget. Da han for eksempel filmede Prince of the City (1981), var han i stand til at koordinere hele optagelsen på 52 dage, selvom der var over 130 talende roller og 135 forskellige locations. Som et resultat, skriver historikerne Charles Harpole og Thomas Schatz, var de optrædende ivrige efter at arbejde med ham, da de anså ham for at være en “fremragende instruktør af skuespillere”. Filmens stjerne, Treat Williams, sagde, at Lumet var kendt for at være “energisk”:

Han var bare en kugle af ild. Han havde passion for det, han gjorde, og han “kom på arbejde” med alle tønder tændt. Han er nok den mest forberedte instruktør, jeg nogensinde har arbejdet med følelsesmæssigt. Hans film kom altid ind under tidsplanen og under budgettet. Og alle kom hjem til aftensmad.

Harpole tilføjer, at “mens mange instruktører ikke kunne lide prøver eller at rådgive skuespillere om, hvordan de skulle opbygge deres karakter, udmærkede Lumet sig ved begge dele.” Dermed kunne han lettere give sine skuespillere et filmisk udstillingsvindue for deres evner og hjælpe dem med at uddybe deres skuespilbidrag. Skuespilleren Christopher Reeve, som medvirkede i Deathtrap (1982), påpegede også, at Lumet forstod at tale et teknisk sprog: “Hvis du vil arbejde på den måde – han ved, hvordan man taler metode, han ved, hvordan man improviserer, og han gør det hele lige godt.”

Joanna Rapf skriver om optagelserne af The Verdict (1982), at Lumet gav sine skuespillere masser af personlig opmærksomhed, hvad enten han lyttede til dem eller rørte ved dem. Hun beskriver, hvordan Lumet og stjernen Paul Newman sad på en bænk afsides fra hovedscenen, hvor Newman havde taget sine sko af, for privat at diskutere en vigtig scene, der skulle optages… skuespillerne går deres scener igennem, før kameraet ruller. Denne forberedelse blev gjort, fordi Lumet kan lide at optage en scene i ét take, højst to. Newman kunne godt lide at kalde ham “Speedy Gonzales” og tilføjede, at Lumet ikke optog mere, end han var nødt til. “Han giver ikke sig selv nogen beskyttelse. Det ved jeg, at jeg ville,” sagde Newman.

Filmkritikeren Betsey Sharkey er enig og tilføjer, at “han var mester i en eller to takes, mange år før Clint Eastwood gjorde det til en respekteret specialitet.” Sharkey erindrer: “Dunaway fortalte mig engang, at Lumet arbejdede så hurtigt, at det var, som om han gik på rulleskøjter. En hurtig puls genereret af et stort hjerte.”

Karakterudvikling

Biografen Joanna Rapf bemærker, at Lumet altid havde været en uafhængig instruktør og kunne lide at lave film om “mænd, der samler mod til at udfordre systemet, om den lille fyr mod systemet.”: Intro Dette omfatter også de kvindelige karakterer som i Garbo Talks (1984). Dens stjerne, Anne Bancroft, legemliggjorde den slags karakterportrætter, som tiltrak ham: “en engageret aktivist for alle slags sager, som står op for de undertryktes rettigheder, som er livlig, åbenhjertig, modig, som nægter at tilpasse sig for nemheds skyld, og hvis forståelse af livet giver hende mulighed for at dø med værdighed … Garbo Talks er på mange måder en valentin til New York.”

I et interview i 2006 sagde han, at han altid havde været “fascineret af de menneskelige omkostninger, der er forbundet med at følge lidenskaber og forpligtelser, og de omkostninger, disse lidenskaber og forpligtelser påfører andre.” Dette tema er kernen i de fleste af hans film, bemærker Rapf, såsom hans virkelige film om korruption i New York City Police Department eller i familiedramaer som Daniel (1983).

Psykodramaer

Filmhistorikeren Stephen Bowles mener, at Lumet var mest komfortabel og effektiv som instruktør af seriøse psykodramaer, i modsætning til let underholdning. Hans Oscar-nomineringer var f.eks. alle for karakterstudier af mænd i krise, fra hans første film, Twelve Angry Men, til The Verdict. Lumet excellerede i at sætte drama på lærredet. De fleste af hans karakterer er drevet af besættelser eller lidenskaber, såsom stræben efter retfærdighed, ærlighed og sandhed, eller jalousi, hukommelse eller skyldfølelse. Lumet var fascineret af tvangsprægede tilstande, skriver Bowles.

Lumets hovedpersoner var som regel antihelte, isolerede og usædvanlige mænd, der gør oprør mod en gruppe eller en institution. Det vigtigste kriterium for Lumet var ikke blot, om personernes handlinger var rigtige eller forkerte, men om de var ægte og retfærdiggjort af den enkeltes samvittighed. Whistlebloweren Frank Serpico er for eksempel den typiske Lumet-helt, som han beskrev som en “rebel med en sag”.

Et tidligere eksempel på psykodrama var The Pawnbroker (1964) med Rod Steiger i hovedrollen. I den spillede Steiger en Holocaust-overlever, hvis sjæl var blevet knust, og som lever fra dag til dag som bestyrer af en pantelånerbutik i Harlem. Lumet brugte filmen til med flashbacks at undersøge de psykologiske og spirituelle ar, som Steigers karakter lever med, herunder hans tabte evne til at føle glæde. Steiger, som lavede næsten 80 film, sagde i et tv-interview, at filmen var hans favorit som skuespiller.

Spørgsmål om social retfærdighed

Serpico (1973) var den første af fire “skelsættende” film, som Lumet lavede i 1970’erne, og som markerede ham som “en af de største filmskabere i sin generation”. Det var historien om magt og forræderi i New Yorks politistyrke, hvor en idealistisk politimand kæmper mod umulige odds.

Da Lumet var barn under depressionen, voksede han op i fattigdom i New York City og var vidne til fattigdom og korruption overalt omkring ham. Det indprentede ham i en tidlig alder vigtigheden af retfærdighed i et demokrati, et emne han forsøgte at få med i sine film. Han indrømmede dog, at han ikke troede på, at filmbranchen i sig selv havde magten til at ændre noget. “Der er, som han siger, en masse ‘lort’ at håndtere i underholdningsindustrien, men hemmeligheden bag godt arbejde er at bevare sin ærlighed og sin passion.” Filmhistorikeren David Thomson skriver om hans film:

Han har faste temaer: retfærdighedens skrøbelighed og politiet og dets korruption. Lumet blev hurtigt værdsat … fik en vane med store emner – Fail Safe, The Pawnbroker, The Hill, – og virkede splittet mellem sløvhed og patos. … Han var en sjældenhed i 1970’erne, en instruktør, der var glad for at servere sit materiale – men som tilsyneladende ikke blev berørt eller forandret af det. … Hans følsomhed over for skuespillere og byens rytmer har gjort ham til “Amerikas længstlevende efterkommer af 1950’ernes neorealistiske tradition og dens påtrængende forpligtelse til etisk ansvar”.

Indstillinger i New York City

Lumet foretrak altid at arbejde i New York City og undgik Hollywoods dominans. Som instruktør blev han stærkt identificeret med New York City. “Jeg kan altid godt lide at være i Woody Allens verden,” sagde han. Han hævdede, at “byens mangfoldighed, dens mange etniske kvarterer, dens kunst og dens kriminalitet, dens raffinement og dens korruption, dens skønhed og dens grimhed, alt sammen er med til at inspirere ham.” Han mente, at det var vigtigt at konfrontere virkeligheden hver dag for at kunne skabe. For Lumet er “New York fyldt med virkelighed; Hollywood er et fantasiland.”

Ifølge filmhistorikerne Scott og Barbara Siegel brugte han gang på gang New York City som kulisse – hvis ikke som symbol – for sin “optagethed af USA’s forfald”. Lumet var tiltrukket af kriminalitetsrelaterede historier med New York som bymiljø, hvor forbryderne bliver fanget i en hvirvel af begivenheder, de hverken kan forstå eller kontrollere, men er tvunget til at løse.

Brug af moderne jødiske temaer

Ligesom andre jødiske instruktører fra New York, såsom Woody Allen, Mel Brooks og Paul Mazursky, talte Lumets karakterer ofte åbent om tidens kontroversielle emner. De følte sig ubegrænsede som filmskabere, og deres kunst blev “filtreret gennem deres jødiske bevidsthed”, skrev filmhistorikeren David Desser. Lumet, som de andre, vendte sig nogle gange mod jødiske temaer for at udvikle etniske følelser, som var karakteristiske for den moderne amerikanske kultur: 3 ved dynamisk at fremhæve dens “unikke spændinger og kulturelle mangfoldighed.” Dette blev delvist afspejlet i Lumets optagethed af bylivet: 6 Hans film A Stranger Among Us (1992) er for eksempel historien om en kvindelig undercover-politibetjent og hendes oplevelser i et chassidisk samfund i New York City.

Emnet “skyld”, forklarer Desser, dominerer mange af Lumets film. Fra hans første spillefilm, 12 Angry Men (1957), hvor en jury skal afgøre, om en ung mand er skyldig eller uskyldig, til Q&A (1990), hvor en advokat skal afgøre spørgsmålet om skyld og ansvar hos en egenrådig politimand, er skyld en rød tråd, der løber gennem mange af hans film. I en film som Mordet i Orientekspressen (1974) er alle de mistænkte skyldige..: 172

Hans film var også kendetegnet ved en stærk vægt på familielivet, der ofte viste spændinger inden for familien.: 172 Denne vægt på familien omfattede “surrogatfamilier”, som i polititrilogien bestående af Serpico (1973), Prince of the City (1981) og Q & A. En “utraditionel familie” er også portrætteret i Dog Day Afternoon (1975): 172

Instruktionsteknikker

Lumet havde altid foretrukket naturalisme eller realisme, ifølge Joanna Rapf. Han brød sig ikke om “dekoratørens look”, hvor kameraet kunne påkalde sig opmærksomhed. Han klippede sine film, så kameraet var diskret. Hans filmfotograf Ron Fortunato sagde: “Sidney flipper ud, hvis han ser et look, der er for kunstnerisk.”

Blandt andet fordi han var villig til og i stand til at påtage sig så mange vigtige sociale spørgsmål og problemer, opnåede han stærke præstationer fra hovedrolleindehavere med fint arbejde fra karakterskuespillere. Han er “en af de faste figurer i New Yorks filmproduktion. Han holder sig til gode manuskripter, når han får dem,” sagde kritikeren David Thomson. Selvom kritikerne har haft forskellige meninger om hans film, er Lumets arbejde generelt højt værdsat. De fleste kritikere har beskrevet ham som en følsom og intelligent instruktør, der har god smag, mod til at eksperimentere med sin stil og en “gave til at håndtere skuespillere”.

I et citat fra sin bog understregede Lumet logistikken ved at instruere:

Nogen spurgte mig engang, hvordan det var at lave en film. Jeg sagde, at det var som at lave en mosaik. Hver indstilling er som en lille flise (en indstilling, den grundlæggende komponent i en filmproduktion, består af en kameraposition og den tilhørende belysning). Man farver den, former den, polerer den, så godt man kan. Du laver seks eller syv hundrede af disse, måske tusind. (Så mange opsætninger kan der sagtens være i en film.) Så klistrer man dem bogstaveligt talt sammen og håber, at det er det, man havde tænkt sig at gøre.

Kritikeren Justin Chang tilføjer, at Lumets evner som instruktør og til at udvikle stærke historier fortsatte frem til hans sidste film i 2007, og skriver om hans “smidige omgang med skuespillerne, hans evne til at fremkalde stor varme og kæk humor med den ene hånd og lokke dem mod stadig mørkere, mere forpinte følelsesmæssige ekstremer med den anden, blev glædeligt udstillet i hans ironisk betitlede sidste film, Before the Devil Knows You’re Dead.”

Vision for fremtidige film

I et interview med New York Magazine sagde han, at han forventer at se flere instruktører fra forskellige etniske baggrunde og samfund, der fortæller deres historier. “Jeg startede med at lave film om jøder, italienere og irere, fordi jeg ikke kendte til andet.”

Lumet er blevet anerkendt af Academy of Motion Picture Arts and Sciences for følgende film:

Lumet har også modtaget Berlin International Film Festivals Guldbjørn for 12 Angry Men. Han modtog fire nomineringer til Guldpalmen ved filmfestivalen i Cannes for filmene Long Day’s Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) og A Stranger Among Us (1992). Han modtog også en nominering til Den Gyldne Løve ved Venedigs Filmfestival for Prince of the City (1981).

Ifølge filmhistorikeren Bowles lykkedes det Lumet at blive en førende dramafilmskaber, fordi “hans vigtigste kriterium ikke er, om hans hovedpersoners handlinger er rigtige eller forkerte, men om deres handlinger er ægte”. Og når disse handlinger er “retfærdiggjort af den enkeltes samvittighed, giver det hans helte en usædvanlig styrke og mod til at udholde andres pres, misbrug og uretfærdigheder.” Hans film har således hele tiden givet os “indbegrebet af en helt, der handler på trods af gruppens autoritet og hævder sit eget moralske værdikodeks.”

Lumets udgivne erindringer om sit liv med film, Making Movies (1996), er “ekstremt munter og smittende i sin begejstring for selve filmhåndværket”, skriver Bowles, “og står i skarp kontrast til tonen og stilen i de fleste af hans film. Måske er Lumets signatur som instruktør hans arbejde med skuespillere – og hans exceptionelle evne til at få selv de mest uventede folk til at yde en ekstraordinær præstation af høj kvalitet.” Jake Coyle, skribent for Associated Press, er enig: “Mens Lumet i årevis har været relativt undervurderet, har skuespillere konsekvent leveret nogle af deres mest mindeværdige præstationer under hans ledelse. Fra Katharine Hepburn til Faye Dunaway, Henry Fonda til Paul Newman er Lumet kendt som en skuespillers instruktør,” og for nogle, som Ali MacGraw, betragtes han som “enhver skuespillers drøm.”

I den tro, at Lumets “overbevisende historier og uforglemmelige præstationer var hans stærke side”, beskrev instruktør og producer Steven Spielberg Lumet som “en af de største instruktører i filmens lange historie.” Al Pacino udtalte, da han hørte om Lumets død, at han med sine film “efterlader en stor arv, men mere end det, for de mennesker, der var tæt på ham, vil han forblive det mest civiliserede menneske og den venligste mand, jeg nogensinde har kendt.” Boston Herald-skribenten James Verniere bemærker, at “på et tidspunkt, hvor den amerikanske filmindustri er opsat på at se, hvor lavt den kan gå, forbliver Sidney Lumet en mester i det moralsk komplekse amerikanske drama.” Efter hans død hyldede de to New York-instruktører Woody Allen og Martin Scorsese begge Lumet. Allen kaldte ham “indbegrebet af en New York-filmskaber”, mens Scorsese sagde, at “vores vision af byen er blevet forbedret og uddybet af klassikere som Serpico, Dog Day Afternoon og frem for alt den bemærkelsesværdige Prince of the City.” Lumet fik også ros fra New Yorks borgmester Michael Bloomberg, som kaldte ham “en af de store skildrere af vores by”.

Han vandt ikke en individuel Oscar, selvom han modtog en Academy Honorary Award i 2005, og 14 af hans film blev nomineret til forskellige Oscars, såsom Network, der blev nomineret til 10 og vandt 4. I 2005 modtog Lumet en Academy Award for Lifetime Achievement for sine “strålende tjenester til manuskriptforfattere, kunstnere og filmkunsten”.

Et par måneder efter Lumets død i april 2011 sendte tv-kommentatoren Lawrence O’Donnell en hyldest til Lumet, og der blev afholdt en retrospektiv fejring af hans arbejde i Lincoln Center i New York med deltagelse af adskillige talere og filmstjerner. I oktober 2011 indstiftede organisationen Human Rights First sin “Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment” for tv-serien The Good Wife, samtidig med at den uddelte priser til to aktivister fra Mellemøsten, som havde arbejdet for frihed og demokrati. Lumet havde arbejdet sammen med Human Rights First om et medieprojekt, der handlede om skildringen af tortur og forhør på tv.

Lumet var gift fire gange; de tre første ægteskaber endte i skilsmisse. Han var gift med skuespillerinden Rita Gam fra 1949 til 1955; med kunstneren og arvingen Gloria Vanderbilt fra 1956 til 1963; med Gail Jones (og med Mary Bailey Gimbel (ekskone til Peter Gimbel) fra 1980 til sin død. Han havde to døtre med Jones: Amy, som var gift med P.J. O’Rourke fra 1990 til 1993, og skuespillerinden

Lumet døde i en alder af 86 år den 9. april 2011 i sin bolig på Manhattan af lymfekræft. Da han i et interview i 1997 blev spurgt om, hvordan han ville “gå ud”, svarede Lumet: “Jeg tænker ikke over det. Jeg er ikke religiøs. Men jeg ved, at jeg ikke ønsker at optage plads. Brænd mig op og spred min aske over Katz’s Delicatessen.”

Kilder

1. Sidney Lumet
2. Sidney Lumet
3. ^ “Say How: L”. National Library Service for the Blind and Print Disabled. Retrieved June 20, 2022.
4. ^ “Director Sidney Lumet wins honorary Oscar”. Entertainment Weekly. Retrieved May 29, 2021.
5. vgl. Pflaum, H. G.: Im Zweifel gegen den Ankläger. In: Süddeutsche Zeitung, 18. Juni 1997, S. 14.
6. a b c d vgl. Sidney Lumet. In: Internationales Biographisches Archiv 23/2009 vom 2. Juni 2009 (aufgerufen am 10. April 2011 via Munzinger Online).
7. a b c d vgl. Coyle, Jake: US filmmaking great Sidney Lumet dies in NY at 86. The Associated Press State & Local Wire, 10. April 2011, 3:07 AM GMT (aufgerufen via LexisNexis Wirtschaft).
8. «Obituary: Sidney Lumet». BBC News. 9 de abril de 2011. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
9. «Film Obituaries; Sidney Lumet». The Daily Telegraph (London). 9 de abril de 2011. Archivado desde el original el 11 de enero de 2022. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
10. a b French, Philip (10 de abril de 2011). «Sidney Lumet, giant of American cinema, dies at 86 | Film | The Observer». The Observer (London: Guardian Media Group). Consultado el 19 de septiembre de 2022.
11. Ανακτήθηκε στις 10  Ιουλίου 2019.
12. Ανακτήθηκε στις 4  Μαρτίου 2021.
13. Ανακτήθηκε στις 11  Δεκεμβρίου 2020.
14. 6,0 6,1 6,2 Darryl Roger Lundy: (Αγγλικά) The Peerage.
15. «Director Sidney Lumet remembered by Hollywood stars». BBC. April 10, 2011. http://www.bbc.co.uk/news/entertainment-arts-13028378. Ανακτήθηκε στις April 10, 2011.