Jasper Johns

gigatos | 12 února, 2022

Souhrn

Jasper Johns (15. května 1930, Augusta) je americký malíř a sochař, který je spolu s Robertem Rauschenbergem považován za jednoho z hlavních představitelů nového dada.

Raná léta

Johns se narodil v roce 1930 v Augustě v Georgii, ale po rozvodu rodičů vyrůstal v Allendale v Jižní Karolíně u prarodičů a strýců. O tomto období svého života později řekl: „Tam, kde jsem vyrůstal, nebyli žádní umělci a žádné umění, takže jsem vlastně nevěděl, co to znamená. Myslel jsem si, že to znamená, že budu v jiné situaci, než jsem byl. V jednom rozhovoru z počátku 60. let vypráví, že ve třech letech začal kreslit a nikdy nepřestal a že se v pěti letech rozhodl stát se umělcem. Do čtvrtého ročníku základní školy studoval v Columbii (Jižní Karolína), poté se s matkou, nevlastním otcem a nevlastními bratry stěhoval mezi státy a vyšší vzdělání dokončil v Sumteru (Jižní Karolína). V letech 1947-1948 navštěvoval tři semestry Univerzitu v Jižní Karolíně, poté se na pozvání svých učitelů umění přestěhoval do New Yorku, kde v roce 1949 studoval jeden semestr na Parsons School of Design. Poté pracoval jako kurýr a prodavač.

1950s

Na počátku 50. let sloužil Johns v armádě a byl také vyslán do pole v japonském Sendai v korejské válce, odkud se v roce 1953 vrátil do New Yorku. Do New Yorku se vrátil v roce 1953. Se stipendiem pro veterány se zapsal na Hunter College, ale po nehodě hned první den studia zanechal. V letech 1953-1954 pracoval v nakladatelství Marboro Books. Díky spisovatelce Suzi Gablick se seznámil s umělcem Robertem Rauschenbergem, s nímž ho pojilo dlouholeté přátelství a umělecký vliv. V roce 1954 se Johns seznámil se skladateli Mortonem Feldmanem a Johnem Cagem (s nimiž se o několik let později vrátil do Japonska) a s tanečníkem a choreografem Mercem Cunninghamem.

V polovině desetiletí se umělec rozhodl zničit všechna svá předchozí díla (dokonce odkupoval i ta, která prodal, aby se jich zbavil) a jen čtyři z nich se mu podařilo zachovat: tento krok odpovídal začátku nového období umělce, radikální změně a přerodu. Vytvořil tak originální a osobitý umělecký styl, který byl v protikladu ke gestickému a energickému stylu takzvaného abstraktního expresionismu, jenž přispěl ke zrodu směrů, jako je pop-art, minimalismus a konceptuální umění. Vytvořil tak první Terč se čtyřmi tvářemi, první sérii Čísla 1, 2, 5 a 7 a první Bílou vlajku, po níž v průběhu let následovala řada dalších verzí, které byly rozloženy, převráceny, zmnoženy nebo desaturovány v podobě obrazů, grafik a kreseb. Používá ikony a předměty, které jsou jasné a neosobní, aby se mohl soustředit na techniku výroby a ruční zpracování díla.

V roce 1955 založili s Rauschenbergem společnost Matson Jones – Custom Display, ve které pracovali jako designéři výloh, například pro Tiffany&Co a Bonwit Teller v následujícím roce. Bílá vlajka byla vystavena jako součást jedné z těchto expozic.

V květnu 1957 se Johns zúčastnil skupinové výstavy v Galerii Leo Castelli a v roce 1958 vystavoval své práce na samostatné výstavě v téže galerii. Na Alfreda Barra, prvního ředitele MoMA – Muzea moderního umění v New Yorku, zapůsobil obraz Target with Plaster Casts (1955), přestože byl před vystavením předmětem diskusí a kritiky, protože byl považován za příliš provokativní pro vystavení v muzeu. Newyorské muzeum zakoupilo tři umělcova díla. Terč se čtyřmi tvářemi se objevil na obálce známého časopisu Artnews. V roce 1958 byla Johnsova díla poprvé vystavena v Evropě u příležitosti 29. benátského bienále. Umělec se začal prosazovat na americké a evropské umělecké scéně; v roce 1959 vystavoval v Paříži a Miláně. V roce 1958 také vytvořil své první kovové sochy Flashlight I a Lightclub I.

Po úspěchu své samostatné výstavy v Castelli“s v roce 1958 se Johns rozhodl vydat novou cestou. Ta začala dílem False Start (1959), v němž umělec přešel od enkaustiky k olejomalbě a upřednostnil vícevrstevnatý a nestálý tah štětcem. Barr byl touto novou prací zmaten, protože rozložení barev bylo velmi podobné abstraktnímu expresionistickému umění, ke kterému byl Johns vždy nepřátelský.

Šedesátá léta

Na počátku 60. let se autor začal zajímat o motiv mapy Spojených států (také námět různých pozdějších verzí, např. vlajky) a téma otisků lidských těl; začal také pracovat s bronzem v sochařství. V roce 1961 poprvé vycestoval do Evropy, když byla jeho díla vystavena v pařížské Galerii Rive Droite, a později se zúčastnil výstavy Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York v téže galerii. Na rozdíl od dřívějšího období se jeho tvorba stala autobiografičtější, složitější a dezorientovanější. V mnoha obrazech hojně používal šedou barvu (také jako poctu malíři René Magrittovi), jako například v obrazech Plátno (1956) a Šedé abecedy (1956), v nichž dominuje melancholická rovina výrazu.

V dílech této dekády častěji používal linie, barevné škály nebo teploměry, které vyjadřovaly myšlenku měření, jak je patrné z Periskopu (1963). V těchto letech spolupracoval se spisovatelem a kurátorem umění Frankem O“Harou, s nímž uspořádal sbírku obrazů a básní a také citoval jednu z jeho básní v knize In Memory of My Feelings – Frank O“Hara (1961). V roce 1963 se zúčastnil výstavy Pop Art USA v Oakland Art Museum v Kalifornii a stal se jedním ze zakladatelů Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. V roce 1964 vytvořil své dosud nejrozsáhlejší dílo, které podle Kirka Varnedoeho představuje souhrn všech jeho výtvarných prací.

V témže roce uspořádal retrospektivní výstavu více než 170 svých děl v Židovském muzeu v New Yorku, která se poté opakovala v Anglii a Kalifornii, a zúčastnil se XXXII. benátského bienále a Documenty III v Kasselu. Nakonec se v roce 1964, v Den vlajky, rozhodl obchodník s uměním Leo Castelli darovat prezidentu Johnu Kennedymu bronzovou verzi Vlajky (1960), což Johns považoval za strašnou volbu, neboť v ní viděl instrumentalizaci svého umění. V roce 1969 vydal v časopise Art in America knihu Thoughts on Duchamp a později obdržel čestný titul z klasických věd na Univerzitě v Jižní Karolíně. Na konci desetiletí o něm vydal historik umění Max Kozloff monografii s názvem Jasper Johns.

1970s

Mezi lety 1974 a 1982 se hlavním vzorem jeho obrazů stalo tzv. křížové šrafování. Poprvé se objevuje v díle Bez názvu (1972), ale nejlépe jej reprezentuje Vůně (1973-1974), v níž se projevuje umělcův rostoucí zájem o grafické techniky, v tomto díle spojený s tématy sexuality a smrti. Stejná tematika se objevuje i v jeho dalším díle Mezi hodinami a postelí (1981), které bylo inspirováno stejnojmenným obrazem Edvarda Muncha. V roce 1973 se v Paříži setkal s dramatikem Samuelem Beckettem, aby s ním jednal o možné spolupráci na inscenaci umělecké knihy Foirades.

V druhé polovině desetiletí uspořádal velkou retrospektivu ve Whitneyho muzeu v New Yorku, která byla následně zopakována v Kolíně nad Rýnem, Paříži, Londýně, Tokiu a San Franciscu. Následně newyorské muzeum koupilo Tři vlajky za milion dolarů, což byla do té doby nejvyšší částka zaplacená za žijícího amerického umělce, a v 80. letech Johnsova díla neustále dosahovala velmi vysokých cen. V roce 1978 byl zvolen čestným akademikem Accademia delle arti del disegno ve Florencii (a později v letech 1987 a 1993 emeritním akademikem). V letech 1979-1981 se ve své tvorbě vrátil k používání předmětů, jako jsou nože, vidličky a lžíce, a začal se zajímat o nové formy objektivního zobrazení, jako jsou tantrické motivy.

1980s

Od 80. let se jeho díla začala vyznačovat silným psychologickým a soukromým přístupem, jak je patrné například v dílech V ateliéru (1982), Nebezpečná noc (1982) a Závodní myšlenky (1983), v nichž autor odkazuje na duševní poruchu, která ho v tomto období postihla. Změnil se také jeho malířský styl, zavedl dvojí čtení obrazů, citace jiných umělců a trompe l“œil efekty. V letech 1980-1982 se stal členem Královské akademie krásných umění ve Stockholmu a Americké akademie umění a věd v Bostonu. V letech 1985 až 1986 namaloval obrazy Čtyři roční období, tradičně označované jako věky života, které poprvé vystavil v galerii Leo Castelliho na West Broadwayi a později za ně získal hlavní cenu na Benátském bienále v roce 1988. V roce 1989 byl jmenován 38. členem Síně slávy Jižní Karolíny, což je ocenění určené nejvýznamnějším osobnostem jeho země, a byl uveden do Americké akademie umění a literatury. O jeho díle natočil Rick Tejada-Flores dokumentární film Jasper Johns: Ideas in Paint (1989).

Poslední roky

V 90. letech získal řadu ocenění, včetně Národní medaile za umění, kterou mu v roce 1990 v Bílém domě předal americký prezident George Bush. Uspořádal několik výstav: retrospektivu v MoMA v New Yorku s následnými zastávkami v Kolíně nad Rýnem a Tokiu (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper v Muzeu moderního umění v San Franciscu, po níž následovaly výstavy v Yale University Art Gallery a v Muzeu umění v Dallasu (1999), výstavu ve Walker Art Center, která pokračovala v dalších centrech ve Spojených státech, Španělsku, Skotsku a Irsku (2003), a nakonec Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio v Galleria di Castelli (2004).

Na konci století se otevřela nová etapa jeho malby, která směřovala k „vyprázdnění“ obrazové plochy. To je patrné například v sérii Catenary (1999), v níž název catenary označuje křivku vytvořenou působením gravitace drátu, který je připevněn na jeho koncích, takže v jednotlivých dílech dráty, skutečné nebo namalované, křižují plochu a jsou jediným předmětem v rámci plátna. V posledních letech žije Johns na odpočinku především v Sharonu (Connecticut) a na ostrově Svatý Martin ve francouzské Západní Indii, kde vlastní ateliér, který pro něj postavil architekt Philip Johnson.

Existuje několik způsobů, jak autora zarámovat. Za prvé, Johns je považován za jednoho z hlavních představitelů Nového dada, amerického uměleckého směru, který vychází z dada umění počátku století a stejně jako ono do uměleckého díla začleňuje tzv. duchampovské ready-mades (tj. objekty převzaté z reality). Tento proud je také velmi blízký současnému francouzskému Nouveau Réalisme, v němž se používají předměty z nejbanálnějšího každodenního života. Začlenění ready-made do díla je tedy také řešením problému reprezentace reálného a běžného. Sám autor říká, že jeho výtvory obsahují objekty, na které se můžete dívat, ale které ve skutečnosti nevidíte.

Použití špatně manipulovatelných předmětů, které jsou do díla jednoduše vloženy, souvisí také s tím, že Johns odmítá umění abstraktního expresionismu, a proto hodlá omezit gestickou složku své intervence na minimum a upřednostňuje formální a konstitutivní aspekty samotného obrazu. Tento nepřátelský postoj se projevuje již v díle Cíl se sádrovými odlitky, kde přítomnost odlitků částí lidského těla může odkazovat na domnělý protiklad mezi „abstraktním“ a „figurativním“ uměním. Obraz se dvěma koulemi slouží také jako útok na mýtus amerického malířství spojený s generací umělců, jako byli Jackson Pollock a Willem de Kooning: dvě namalované koule ve skutečnosti odkazují na ironický popis sebe sama, proti typické mužnosti, kterou teatrálně předváděli ostatní američtí umělci.

Nakonec je považován za umělce, který inicioval pop-art, aniž by si toho byl vědom.

Dalším charakteristickým rysem jeho tvorby je to, že si ponechává otevřenou otázku rozdílu či souvislosti mezi realitou a reprezentací, skutečným obrazem a malovaným obrazem; mnoho jeho děl, počínaje Vlajkami, se totiž vyznačuje odtažitým a tautologickým zobrazením společného předmětu, jehož hranice se shodují s hranicemi plátna. Pro umělce je důležitá intenzita, s jakou to, co o objektu již víme, ovlivňuje to, co na něm vidíme; on sám nepotřebuje model, aby namaloval vlajku nebo terč, protože mu stačí představa, kterou má o objektu v mysli. Jeho práce s vlajkami, písmeny nebo terči si tak pohrávají s ambivalencí mezi samotným objektem a jeho zobrazením. Velmi často si při zmínce o svých Vlajkách klade řečnickou otázku: „Je to vlajka, nebo obraz?“.

Enkaustika

Enkaustika je technika, kterou umělec často používá při tvorbě svých děl. Pochází ze starověkého Egypta a spočívá ve smíchání pigmentů a roztaveného vosku při tzv. enkaustikování, k němuž Johns obvykle přidává kousky látky nebo výstřižky z novin. Konečný výsledek hraničí s figurativností, ale zachovává si viditelné stopy autorovy manipulace, tkaní látek nebo textů vytištěných na papíře, což umožňuje otevřít dílo mnoha úrovním interpretace mezi prezentací a reprezentací obrazu. Povrch děl je svůdný a fascinující, ale také nový, originální a aktuální v kontextu amerického umění let, kdy je Johns používal.

Takzvaný punský vosk, který se používá pro enkaustickou malbu, se tradičně získává vařením horkého vosku v mořské vodě, k němuž se poté přidá voda, hašené vápno a lepidlo; směs rozpuštěná ve vodě a ještě horká se nalije na barvu a ihned se promíchá, rozetře po díle, nechá se zaschnout a nakonec se znovu zahřeje, aby se pigmenty mohly znovu objevit na povrchu. Tato technika umožňuje přidání jakéhokoli typu pigmentu a nevyžaduje příliš rychlou realizaci; je také velmi trvanlivá, protože vosk nepodléhá oxidaci.

Práce

Zdroje

  1. Jasper Johns
  2. Jasper Johns
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.